Catálogo Artista de Plástico by Talita Oliveira

Oliveira, Talita, 1987 Artista de plástico - práticas híbridas na Amazônia urbana = Artista de plástico - práticas hibrídas en la Amazonia urbana / Talita Oliveira; tradução de Aquesia Maciel. - Rio Branco: Nepan, 2015. 200p. : il.; 22 x 15 cm. Edição bilíngue: português e espanhol Tradução em espanhol de: Aquesia Maciel 1. Intervenção urbana. 2. Fotografia. 3. Artes visuais. 4. Arte contemporânea. 5. Amazônia. I. Título. ISBN 978-85-68914-02-01

CDD: 711.409811

Realização

Este projeto foi contemplado pelo Programa Amazônia Cultural 2013.

Distribuição gratuita, proibida a venda.

Sangue 7 O Artista de Plástico e 8 Flores de Plástico

10 A Ideia e a Inspiração 12 As Intervenções

46 Extras

14 De Belém a Boa Vista 22 De Boa Vista a Belém ho 30 De Rio Branco a Porto Vel co 38 De Porto Velho a Rio Bran ticas

46 Aparelho Ocupações Artís 48 Confraria das Artes 50 Visage lturas 52 Mostra Sesc Cariri de CU

58 Conversas 60 Nando Lima 64 Pablo Mufarrej 68 PP Condurú Elaine Arruda Coletivo Pitiú Jaider Esbell Ana Mendina 86 Carmezia Emiliano 89 Isaias Miliano 93 Edinel Pereira 96 Dalmir Ferreira 99 Ivan Campos 103 Simone Bichara 106 Danilo De S’Acre 109 Deisi Mello 112 Margot Paiva 115 Gabriel Bicho 118 Luiz Dantas 120 Samira Alvim 122 Flávio Dutka

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126 VERSIÓN EN ESPAÑOL

OARTISTA de Plástico e Sangue Impermanência. Mais que divulgar as artes visuais de artistas amazônicos, construir pontes e estabelecer conexões, (só por isso já valeria todo o empenho do projeto) a fotógrafa Talita Oliveira, com sua intervenção urbana Artista de Plástico, quer nos provocar com seus lambe-lambes com imagens de obras e artistas, colados em muros e locais inusitados nas cidades onde passou. Discute a arte, o fazer artístico. Neste sentido, é performance pura. Ao expor suas fotos, tendo como galeria a própria cidade, sem climatização, papel especial, moldura, temperatura e luz ideal, a obra, neste caso, o lambe-lambe com a fotografia impressa, está sujeita a todas as intervenções possíveis: rabiscos, pichações, poluição, insetos, chuva e sol. A obra não é feita para durar, mas para interagir. Existe, não por questão estética ou ideológica simplesmente, mas para nos lembrar que existe para acabar.

Assim, Talita Oliveira é budista na essência. Lembra-me as sofisticadas e lindas mandalas feitas por monges tibetanos com

O Artista de Plástico e Sangue

areia colorida, cheias de simbolismos do universo mitológico oriental, que demoram semanas para serem concluídas e assim que são finalizadas, após breves minutos de contemplação, são destruídas pelos próprios artistas. A intenção é nos lembrar que tudo, absolutamente tudo, é impermanente. Também provoca o desapego à vaidade do autor, que precisa deixar fluir e se libertar de sua própria obra. Por fim, Talita Oliveira nos instiga o olhar além das formas da imagem impressa ou do artista retratado, nos provoca o exercício da interação com a própria obra que tem dias curtos de existência. Cria para não durar. Divulga para provocar. E o nome do projeto, Artista de Plástico, já é uma contradição em si, ao se pensar que a artista tem em suas veias sangue quente correndo. Inspiração pura. O Artista pode ser de plástico, mas a artista é carne, sangue e inspiração à flor da pele.

Sérgio de Carvalho

Flores de Plástico

Olhei

até ficar cansado De ver os meus olhos no espelho

Chorei por ter despedaçado As flores que estão no

canteiro

Flores. Flores.

As flores de plástico

não morrem.

(Trecho da música Flores, dos Titãs)

Em 2013 comecei a descobrir o mundo dos lambes. Em Fortaleza, tive contato com o Imagens Posteriores, da Patrícia Gouvêa. No mesmo ano, em São Paulo, passei pelo Minhocão e vi o Giganto, da Raquel Brust. A partir daí, passei a olhar mais atentamente para as expressões que vinham das ruas: cartazes, desenhos, pichações, grafites, mensagens, lugares abandonados, marcas do tempo. Também foi um momento em que eu buscava descolar a minha fotografia da fotografia e entendê-la como visualidade. Pesquisando, vi um movimento interessante: toda aquela visualidade urbana estava ganhando galerias do mundo inteiro. A pichação fotografada ganhava uma impressão fine art e um espaço na parede da galeria, alcançando um público que talvez nunca antes houvesse olhado mais atentamente para uma pichação e, quem sabe, até rechaçava. O grafite em tela, em vídeo ou na parede, também estava lá, nas galerias. Pensei: por que não fazer o movimento inverso, das galerias para as ruas? Em 2014, fiz a primeira edição do projeto Artista de Plástico, que aconteceu somente em Rio Branco. Convidei doze artistas, fotografei suas obras, fiz retratos e entrevistas. Espalhei pela cidade imagens das obras e dos artistas, sem legendas, sem créditos. Fui questionada pelos próprios artistas sobre essa ausência. A minha opção foi a de deixar as imagens soltas e silenciosas nas ruas, para que elas fossem livremente interpretadas. Era uma tentativa de que

as pessoas dedicassem um tempo a tentar entender o que não estava explicado. Imagem + texto se aproximam mais da publicidade tão barulhenta das ruas e do próprio ambiente da galeria, por isso também optei pelo silêncio das palavras e pelo som da visualidade. Logo depois dessa experiência, tive vontade de conhecer mais a Amazônia, seus movimentos, cidades, artistas. Pesquisando, vi que dentro das artes visuais, nós (amazônicos) interagimos pouco, nos conhecemos pouco. A partir dessas motivações, o Artista de Plástico se reinventou e percorreu, em 2015, quatro cidades da Região Norte com suas Práticas Híbridas na Amazônia Urbana. Comecei por Belém que é uma cidade especial para mim. Terra de grandes artistas e de afetos. É lá onde está, há mais de trinta anos, a Associação FotoAtiva e uma luz chamada Miguel Chikaoka. De Belém, segui para Boa Vista levando imagens das obras e dos artistas paraenses. Retornei a Belém com imagens das obras e dos artistas roraimenses e o mesmo movimento de intercâmbio de visualidades aconteceu entre Rio Branco e Porto Velho. Durante o período de preparação do projeto, o que eu mais queria era ver as imagens nas ruas. Botar a mão na cola.

Fotografar a interação dos lambes com as cidades, com as pessoas. Mas antes disso, com roteiro e gravador em mãos e a câmera fotográfica na mochila, passei a entrevistar os artistas. Então, entrei em um delicioso exercício de escuta e observação. Dispensei o roteiro de perguntas, porque vi que cada artista tem um jeito de se comunicar, de falar de si e de seus processos. O ‘roteiro’ tinha de ser reinventado a cada entrevista. E então, as entrevistas passaram a ser conversas. Conversas entre nortistas que falam ‘égua’ e que reclamam das ‘caparanãs’, do calor. Conversas entre artistas de carne, alma e paixão. Olhos nos olhos. Por isso, na construção desse catálogo, optamos, eu e Jamilsa Melo (grande amiga e revisora dos textos) por preservar a oralidade dessas conversas. Por deixar aberto o ‘processo’, palavra e conceito tão recorrente nas conversas e nas demais ações do projeto. Os Artistas de Plástico foram para as ruas da Amazônia Urbana. Foram evidenciar que a arte, assim como a vida, é efêmera. Foram discutir o lugar da arte e de seus artistas. Foram discutir o modo de fazer. Disseram que as ruas são livres e devem ser ocupadas. Disseram que as galerias e vernissages estão muito caretas. Mostraram outros espaços e suportes. Mostraram que a arte pulsa e movimenta.

Talita Oliveira

A IDEIA e a Inspiração A Ideia e a Inspiração

O que move a inspiração é a ideia do trabalho artístico. Temos que ter disposição para executar uma ideia. No meu caso, realizar uma obra visual. Nesta visualidade que será desenvolvida, as diversas formas artísticas serão embutidas na obra de visualidade: As formas insinuarão a musicalidade, o ritmo; haverá a dança das formas e das cores, a dramaticidade da visualidade e a poética visual, num movimento incessante estarão todas presentes na obra visual. Então, quando

apreciarmos uma obra visual estática, ela, através da imaginação do espectador se ramificará interagindo e irá se multiplicar nos diversos gêneros artísticos. Portanto uma imagem visual, além das formas e cores, inspira a sensibilidade de quem a observa. Muitas sensações, sentimentos, lembranças ou desejos serão desvendados, favorecendo ao espectador momentos inexoráveis de inspirações e criatividade própria.

Acredito que a inspiração vem pela vontade física de desenvolver uma ideia, seja ela boa ou ruim. Às vezes temos uma ideia ou uma inspiração, mas quando a executamos a proposta já muda completamente, pois quando pensamos no que pretendemos fazer, aquilo já é uma obra no nosso pensamento, no inconsciente, é um momento... Depois este momento muda constantemente no decorrer da execução. Quando pensamos uma obra de arte, ela existe no seu inconsciente, aquele é um momento único, quando produzimos a obra referente ao pensamento, obviamente é outro momento, portanto é outra obra.

danilo de s’acre

As Intervenções

{Asintervenções

{ 12

Belém a

De Belém a Boa Vista

BOA VISTA

Antiga Boate Fofoca´s, em Boa Vista-RR. Intervenção com retrato da artista Elaine Arruda (PA) e reprodução fotográfica de sua obra Paisagem Suspensa. Antigua Discoteca Fofoca´s, en Boa Vista-RR. Intervención con retrato de la artista Elaine Arruda (PA) y reproducción fotográfica de su obra Paisagem Suspensa (Paisaje Suspendido).

Antiga Boate Fofoca´s, em Boa Vista-RR. Intervenção com retrato do artista Nando Lima (PA) e reprodução fotográfica de sua obra Morgue Insano and Cool.

Antigua Discoteca Fofoca’s, en Boa Vista –RR. Intervención con retrato del artista Nando Lima (PA) y reproducción fotográfica de su obra Morgue Insano and Cool.

Antiga Boate Fofoca´s, em Boa Vista-RR. Intervenção com retrato do Coletivo Pitiú (PA) e reprodução fotográfica de sua obra Sem Título. Antigua Discoteca Fofoca´s, en Boa VistaRR. Intervención con retrato del Coletivo Pitiú (PA) y reproducción fotográfica de su obra Sem Título (Sin Tttulo).

Antiga Boate Fofoca´s, em Boa Vista-RR. Intervenção com retrato do artista Pablo Mufarrej (PA) e reprodução fotográfica de sua obra Eu, o horizonte e a minha caverna/ 1o movimento - A cor, o espaço e a experiência.

Antigua Discoteca Fofoca´s, en Boa Vista-RR. Intervención con retrato del artista Pablo Mufarrej (PA) y reproducción fotográfica de su obra Eu, o horizonte e a minha caverna/ 1o movimento - A cor, o espaço e a experiência (Yo, el horizonte y mi cueva/1o movimiento - el color, el espacio y la experiencia).

Antiga Boate Fofoca´s, em Boa Vista-RR. Intervenção com retrato do artista PP Condurú (PA) e reprodução fotográfica de sua obra A Amazônia é minha. Antigua Discoteca Fofoca´s, en Boa Vista-RR. Intervención con retrato del artista PP Condurú (PA) y reproducción fotográfica de su obra A Amazônia é minha (La Amazonia es mía).

Antiga Boate Fofoca´s, em Boa Vista-RR. Intervenção com retratos e reproduções fotográficas de obras dos artistas paraenses PP Condurú e Coletivo Pitiú.

Antigua Discoteca Fofoca´s, en Boa Vista-RR. Intervención con retratos y reproducciones fotográficas de obras de los artistas paraenses PP Condurú y Coletivo Pitiú.

Antiga Boate Fofoca´s, em Boa Vista-RR, foi tomada por retratos e reproduções fotográficas de obras dos artistas paraenses Elaine Arruda, Pablo Mufarrej, Nando Lima, PP Condurú e Coletivo Pitiú.

Antigua Discoteca Fofoca´s, en Boa Vista-RR, fueron hechos retratos y reproducciones fotográficas de las obras de los artistas paraenses Elaine Arruda, Pablo Mufarrej, Nando Lima, PP Condurú y Coletivo Pitiú.

Hoje em ruínas, a Boate Fofoca´s foi a primeira boate da cidade de Boa Vista.

Hoy, en ruinas, la Discoteca Fofoca´s fue la primera discoteca de la ciudad de Boa Vista.

Boa Vista a

De Boa Vista a Belém

BELÉM

Avenida Nazaré com a Dr. Moraes, em BelémPA. Intervenção com retrato do artista Jaider Esbell (RR) e reprodução fotográfica de sua obra Sem Título. Avenida Nazaré con Dr. Moraes, en Belém-PA. Intervención con retrato del artista Jaider Esbell (RR) y reproducción fotográfica de su obra Sem Título (Sin Título)

Avenida Nazaré com a Dr. Moraes, em Belém-PA. Intervenção com retrato da artista Ana Mendina (RR) e reprodução fotográfica de sua obra Flor.

Avenida Nazaré con Dr. Moraes, en Belém-PA. Intervención con retrato de la artista Ana Mendina (RR) y reproducción fotográfica de su obra Flor.

Avenida Nazaré com a Dr. Moraes, em Belém-PA. Intervenção com retrato do artista Edinel Pereira (RR) e reprodução fotográfica de sua obra A Mulher do Tepuí. Avenida Nazaré con Dr. Moraes, en Belém-PA. Intervención con retrato del artista Edinel Pereira (RR) y reproducción fotográfica de su obra A Mulher do Tepuí (La Mujer de Tepuí).

Avenida Nazaré com a Dr. Moraes, em Belém-PA. Intervenção com retrato do artista Isaias Miliano (RR) e reprodução fotográfica de sua obra Mandalas Espacial - O sol da pedra pintada/Estrela do Amajari.

Avenida Nazaré con Dr. Moraes, en Belém-PA. Intervención con retrato del artista Isaias Miliano (RR) y reproducción fotográfica de su obra Mandalas Espacial - O sol da pedra pintada/Estrela do Amajari (Mándalas Espacial - El sol de la piedra pintada /Estrella del Amajari).

Avenida Nazaré com a Dr. Moraes, em Belém-PA. Intervenção com retrato da artista Carmezia Emiliano (RR) e reprodução fotográfica de sua obra Wazaká - A Origem do Monte Roraima. Avenida Nazaré con Dr. Moraes, en Belém-PA. Intervención con retrato de la artista Carmezia Emiliano (RR) y reproducción fotográfica de su obra Wazaká - A Origem do Monte Roraima (El Origen del Monte Roraima).

Na esquina da Avenida Nazaré com a Dr. Moraes, em Belém-PA, retratos e reproduções fotográficas de obras dos artistas roraimenses Ana Mendina e Isaias Miliano. En la esquina de la Avenida Nazaré con Dr. Moraes, en Belém-PA, retratos y reproducciones fotográficas de las obras de los artistas roraimenses Ana Mendina y Isaias Miliano.

Avenida Nazaré com a Dr. Moraes, em BelémPA. Um dia depois da colagem da intervenção com retrato da artista Carmezia Emiliano (RR) e reprodução fotográfica de sua obra Wazaká - A Origem do Monte Roraima. Avenida Nazaré con Dr. Moraes, en Belém-PA. Un día después del afiche de intervención con retrato de la artista Carmezia Emiliano (RR) y reproducción fotográfica de su obra Wazaká A Origem do Monte Roraima (El Origen del Monte Roraima).

Avenida Nazaré com a Dr. Moraes, em BelémPA. Um dia depois da colagem da intervenção com retrato do artista Jaider Esbell (RR) e reprodução fotográfica de sua obra Sem Título. Avenida Nazaré con Dr. Moraes, en Belém-PA. Un día después del afiche de intervención con retrato del artista Jaider Esbell (RR) y reproducción de su obra Sem Título (Sin Título).

Rio Branco a

De Rio Branco a Porto Velho

Porto Velho

Rua Euclides da Cunha com a Avenida 7 de Setembro, ao lado do Clube Ferroviário, em Porto Velho-RO. Intervenção com retrato da artista Deisi Mello (AC) e reprodução fotográfica de sua obra Da Série Tardes Chuvosas. Calle Euclides da Cunha con Avenida 7 de Septiembre, al lado del Club Ferroviario, en Porto Velho-RO. Intervención con retrato de la artista Deisi Mello (AC) y reproducción fotográfica de su obra Da Série - Tardes Chuvosas (De la Série - Tardes Lluviosas).

Rua Euclides da Cunha com a Avenida 7 de Setembro, ao lado do Clube Ferroviário, em Porto Velho-RO. Intervenção com retrato da artista Simone Bichara (AC) e reprodução fotográfica de sua obra Amor e Perdão.

Calle Euclides da Cunha con Avenida 7 de Septiembre, al lado del Club Ferroviario, en Porto Velho-RO. Intervención con retrato de la artista Simone Bichara (AC) y reproducción fotográfica de su obra Amor e Perdão (Amor y Perdón).

Rua Euclides da Cunha com a Avenida 7 de Setembro, ao lado do Clube Ferroviário, em Porto Velho-RO. Intervenção com retrato do artista Dalmir Ferreira (AC) e reprodução fotográfica de sua obra Samaúma Seca.

Calle Euclides da Cunha con Avenida 7 de Septiembre, al lado del Club Ferroviario, en Porto Velho-RO. Intervención con retrato del artista Dalmir Ferreira (AC) y reproducción fotográfica de su obra Samaúma Seca.

Rua Euclides da Cunha com a Avenida 7 de Setembro, ao lado do Clube Ferroviário, em Porto Velho-RO. Intervenção com retrato do artista Ivan Campos (AC) e reprodução fotográfica de sua obra Grãos de Areia.

Calle Euclides da Cunha con Avenida 7 de Septiembre, al lado del Club Ferroviario, en Porto Velho-RO. Intervención con retrato del artista Ivan Campos (AC) y reproducción fotográfica de su obra Grãos de Areia (Granos de Arena).

Rua Euclides da Cunha com a Avenida 7 de Setembro, ao lado do Clube Ferroviário, em Porto Velho-RO. Intervenção com retratos e reproduções fotográficas de obras dos artistas acreanos Deisi Mello e Ivan Campos. Calle Euclides da Cunha con Avenida 7 de Septiembre, al lado del Club Ferroviario, en Porto Velho-RO. Intervención con retratos y reproducciones fotográficas de los artistas acreanos Deisi Mello y Ivan Campos.

Rua Euclides da Cunha com a Avenida 7 de Setembro, ao lado do Clube Ferroviário, em Porto Velho-RO. Intervenção com retrato do artista Danilo de S’Acre (AC) e reprodução fotográfica de sua obra A única viável solução - Decifra-me ou te devoro.

Calle Euclides da Cunha con Avenida 7 de Septiembre, al lado del Club Ferroviario, en Porto Velho-RO. Intervención con retrato del artista Danilo de S’Acre (AC) y reproducción fotográfica de su obra A única viável solução - Decifra-me ou te devoro (La única viable solución - Descíframe o te devoro).

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Rua Euclides da Cunha com a Avenida 7 de Setembro, ao lado do Clube Ferroviário, em Porto Velho-RO. Intervenção um mês depois da colagem. Calle Euclides da Cunha con Avenida 7 de Septiembre, al lado del Club Ferroviario, en Porto Velho-RO. Intervención un mes después de pegados los afiches.

Rua Euclides da Cunha com a Avenida 7 de Setembro, ao lado do Clube Ferroviário, em Porto Velho-RO. Intervenção um mês depois da colagem.

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Calle Euclides da Cunha con Avenida 7 de Septiembre, al lado del Club Ferroviario, en Porto Velho-RO. Intervención un mes después de pegados los afiches.

Porto Velho a

De Porto Velho a Rio Branco

Rio Branco

Avenida Brasil, próximo ao Sesc Centro, em Rio Branco-AC. Intervenção com retrato da artista Samira Alvim (RO) e reprodução fotográfica de sua obra Aracno Centro. Avenida Brasil, próximo ao Sesc Centro, em Rio Branco-AC. Intervención con retrato de la artista Samira Alvim (RO) y reproducción fotográfica de su obra Aracno Centro.

Avenida Brasil, próximo ao Sesc Centro, em Rio Branco-AC. Intervenção com retrato do artista Gabriel Bicho (RO) e reprodução fotográfica de sua obra Ceratocone/Keratoconus.

Avenida Brasil, próximo ao Sesc Centro, em Rio Branco-AC. Intervenção com retrato do artista Gabriel Bicho (RO) y reproducción fotográfica de su obra Ceratocone/Keratoconus.

Avenida Brasil, próximo ao Sesc Centro, em Rio Branco-AC. Intervenção com retrato da artista Margot Paiva (RO) e reprodução fotográfica de sua obra You may say I’m a dreamer.

Avenida Brasil, cerca al Sesc Centro, en Rio Branco-AC. Intervención con retrato de la artista Margot Paiva (RO) y reproducción fotográfica de su obra You may say I’m a dreamer.

Avenida Brasil, próximo ao Sesc Centro, em Rio Branco-AC. Intervenção com retrato do artista Flávio Dutka (RO) e reprodução fotográfica de sua obra A-MA-TA-DA-SE-DE-NO-GUA-PO-RÉ.

Avenida Brasil, cerca al Sesc Centro, en Rio Branco-AC. Intervención con retrato del artista Flávio Dutka (RO) y reproducción fotográfica de su obra A-MA-TA-DA-SE-DE-NO-GUA-PO-RÉ.

Avenida Brasil, próximo ao Sesc Centro, em Rio Branco-AC. Intervenção com retratos e reproduções fotográficas de obras dos artistas rondonienses. Avenida Brasil, cerca al Sesc Centro, en Rio BrancoAC. Intervención con retratos e intervenciones fotográficas de las obras de los artistas rondonienses.

Avenida Brasil, próximo ao Sesc Centro, em Rio Branco-AC. Intervenção com retrato do artista Luiz Dantas (RO) e reprodução fotográfica de sua obra Os Jogadores.

Avenida Brasil, cerca al Sesc Centro, en Rio BrancoAC. Intervención con retrato del artista Luiz Dantas (RO) y reproducción fotográfica de su obra Os Jogadores ( Los Jugadores).

Avenida Brasil, próximo ao Sesc Centro, em Rio Branco-AC. Intervenção vinte dias depois da colagem.

Avenida Brasil, cerca al Sesc Centro, en Rio Branco-AC.. Intervención veinte días después de pegados los afiches.

Avenida Brasil, próximo ao Sesc Centro, em Rio Branco-AC. Intervenção vinte dias depois da colagem.

Avenida Brasil, cerca al Sesc Centro, en Rio Branco-AC.. Intervención veinte días después de pegados los afiches.

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Extras

O H L E R A APOcupações ARTÍSTICAS

Aparelho Ocupações Artísticas

Quando o Artista de Plástico passou por Belém do Pará, entre março e abril de 2015, encontrou uma cena que se irmanava com um de seus objetivos: sair das galerias. A ocupação artística Aparelho é filha da Oficina Santa Terezinha - uma metalúrgica em funcionamento que uma vez por mês sediava uma grande noite de ocupações artísticas. Aparelho é feito e gerido por vários artistas e tem a proposta de ocupar/estar junto de diversos locais da cidade de Belém, em especial o Porto do Sal, levando intervenções, oficinas, apresentações musicais e residências. O projeto Artista de Plástico participou de umas das edições da ocupação Aparelho, que aconteceu no Porto do Sal, e que fez parte da programação do Circular Campina - Cidade Velha, outro projeto de ocupação e valorização dos artistas e de espaços públicos e independentes, coordenado pela Makiko Akao.

Intervenção realizada no Porto do Sal, em Belém-PA, como parte da ocupação artística Aparelho, integrando a programação do projeto Circular Campina - Cidade Velha, com retrato de Ana Mendina (RR) e reprodução fotográfica de sua obra Flor. Intervención realizada en el Porto do Sal, en Belém – PA, como parte de la ocupación artística Aparelho, integrando la programación del Proyecto Circular Campina - Cidade Velha, con retrato de Ana Mendina (RR) y reproducción fotográfica de su obra Flor.

Confraria das Artes

CONFRARIA as d

ARTES

A Confraria das Artes é uma casa-espaço cultural sediada em Porto Velho, Rondônia. Há vários artistas na órbita desse espaço: atores, poetas, artistas visuais, músicos. Alguns moram na casa, outros contribuem na gestão e organização dos eventos: festas, sessões de cinema, exposições, shows, espetáculos e ensaios. O Artista de Plástico participou de um dos eventos que acontecem na casa, o Festejo de Maio, uma festa de aniversário coletiva celebrada com música, exposições, projeções e intervenções.

Intervenção realizada na Confraria das Artes, em Porto Velho-RO, como parte da programação do Festejo de Maio, com retrato de Ivan Campos (AC) e reprodução fotográfica de sua obra Grãos de areia.

Intervención realizada en la Confraria das Artes, en Porto Velho - RO, como parte de la programación del Festejo de Maio, con retrato de Ivan Campos (AC) y reproducción fotográfica de su obra Granos de arena.

Visage

Visage Visage era, até pouco tempo, outra casa-espaço cultural sediada em Porto Velho, Rondônia, mas com foco nas artes visuais. Promovia debates, oficinas e exposições. Assim como na Confraria das Artes, também havia algumas pessoas morando na casa e outras que contribuíam em ações pontuais. Um dos moradores e colaboradores da casa, o artista Gabriel Bicho, convidou o projeto para uma roda de conversa e lá também fizemos uma intervenção.

Intervenção realizada no Visage, em Porto VelhoRO, com retrato de Danilo de S’Acre e reprodução fotográfica de sua obra A única viável solução - Decifra-me ou eu te devoro. intervención realizada en el Visage, en Porto Velho – RO, con retrato de Danilo de S´Acre y representación fotográfica de su obra La única viable solución Descíframe o te devoro.

MOSTRA SESC

Mostra Sesc Cariri de CUlturas

CARIRI DE CULTURAS Um recorte do projeto, com retratos e obras dos artistas de Rio Branco, foi selecionado pela curadoria da 17ª Mostra Sesc Cariri de Culturas, evento realizado anualmente em várias cidades do Cariri cearense. A Mostra é grande, diversa e agitada, com teatro, música, literatura, artes visuais e cultura popular, além de reunir muita gente interessante. A intervenção do projeto foi realizada em diversos pontos da cidade do Crato - CE.

Intervenção realizada no bairro Seminário, no Crato-CE, como parte da programação da 17a Mostra Sesc Cariri de Culturas. Retrato de Simone Bichara (AC) e reprodução fotográfica de sua obra Amor e Perdão. Intervención realizada en el barrio Seminário, en el Crato-CE, como parte de la programación de la 17a Muestra Sesc Cariri de Culturas. Retrato de Simone Bichara (AC) y reproducción fotográfica de su obra Amor y Perdón.

Intervenção realizada no Gesso, no Crato-CE, como parte da programação da 17a Mostra Sesc Cariri de Culturas. Retrato de Danilo de S´Acre (AC) e reprodução fotográfica de sua obra A única viável solução - Decifra-me ou te devoro.

Intervención realizada en el Gesso, en el Crato-CE, como parte de la programación de la 17a Muestra Sesc Cariri de Culturas. Retrato de Danilo de S´Acre (AC) y reproducción fotográfica de su obra La única viable solución - Descíframe o te devoro.

Intervenção realizada no Gesso, no Crato-CE, como parte da programação da 17a Mostra Sesc Cariri de Culturas. Retrato de Ivan Campos (AC) e reprodução fotográfica de sua obra Grãos de Areia.

Intervención realizada en el Gesso, en el Crato-CE, como parte de la programación de la 17a Muestra Sesc Cariri de Culturas. Retrato de Ivan Campos (AC) y reproducción fotográfica de su obra Granos de Arena.

Intervenção realizada no bairro Seminário, no CratoCE, como parte da programação da 17a Mostra Sesc Cariri de Culturas. Retrato de Dalmir Ferreira (AC) e reprodução fotográfica de sua obra Samaúma seca.

Intervención realizada en el barrio Seminário, en el CratoCE, como parte de la programación de la 17a Muestra Sesc Cariri de Culturas. Retrato de Dalmir Ferreira (AC) y reproducción fotográfica de su obra Samaúma seca.

Intervenção realizada na RFFSA, no Crato-CE, como parte da programação da 17a Mostra Sesc Cariri de Culturas. Retrato de Deisi Mello (AC) e reprodução fotográfica de sua obra Da Série - Tardes Chuvosas.

Intervención realizada en la RFFSA, en el Crato-CE, como parte de la programación de la 17a Muestra Sesc Cariri de Culturas. Retrato de Deisi Mello (AC) y reproducción fotográfica de su obra De la Série - Tardes Lluviosas.

Conversas

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Naldo Lima

Nando Lima (Belém-PA, 1963)

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ESTÚDIO REATOR, EM 2 DE MARÇO DE 2015.

Como você começou a trabalhar com arte? Conta um pouquinho da sua trajetória.

É aquela velha história. A vida inteira eu estive inclinado para esse lado, sou uma pessoa que desenha desde criança, sempre tive essa ligação e desde dezessete, dezoito anos, eu comecei a me envolver com essa parte de desenho, de ateliês. Frequentava ateliês de desenho e um pouco, um pouquinho mais tarde, lá pelos vinte e dois anos, um pouco com o teatro. E logo no teatro, uma das coisas que mais me interessou foi a cenografia. Embora eu trabalhe hoje, na época eu trabalhava como ator também, mas a minha facilidade sempre foi para essa questão do desenho e da cenografia. Isso eu tô falando de 1983, 1985, né? Quando eu comecei a me envolver diretamente com os grupos de teatro aqui de Belém e comecei a produzir também, logo em seguida, exposições. Então, logo no iniciozinho, eu fiz individuais. Eu fazia muita colagem. Em 1990 eu já trabalhava com reciclagem de material, com papel, fazendo papel, reciclando meu trabalho. Era em cima desse trabalho, dessa questão de reciclar materiais e dar outra cara pra eles. E isso foi caminhando paralelo, assim, entre as coisas que eu fazia para o teatro e as coisas que

eu fazia mais direcionada, digamos, à galeria, participar de salões, essas coisas assim. Sempre com esse olhar. E disso pro vídeo e para mesclar, foi um pulo assim, porque na verdade já tinha essa ideia da edição, essa questão do material e essa mistura, porque aí já misturava linguagens. O primeiro espetáculo que eu resolvi escrever e dirigir ele já tinha vídeo, e isso era 1991, não se tinha nem projetores ainda. O vídeo era passado em cinco televisões que ficavam dentro do palco e o público também já ficava dentro do palco. O espetáculo chamava-se Anjos sobre Berlim. Na internet tem, no meu site tem uma ceninha dele. E já era uma mistura de teatro, com vídeo, com essa questão que eu tento ainda amadurecer.

Eu acho que eu pareço um cachorro que fica correndo atrás do rabo o tempo inteiro, entendeu? Dando círculos numa mesma coisa, entre aspas, porque essa coisa vai sendo revista, revista, revista sempre. Se você olhar hoje, ainda é a tecnologia que me interessa, a tecnologia maneira de fazer, o hibridismo, a mistura das linguagens. Mais ou menos essa é a minha trajetória de materiais, de maneiras, de lugares para colocar o meu trabalho. Atualmente uso a fotografia também. Aqui, da janela da minha casa, eu faço fotos. Mensalmente eu faço fotos. De uns oito anos pra cá, eu tenho esse arquivo que eu tô fazendo sempre. Não exatamente do mesmo lugar, mas num raio de duzentos, trezentos metros aqui em volta e sempre da mesma janela. Eu registro o que acontece nessa rua e vou trabalhando em cima disso. Isso vira performance, isso vira vídeos.

E tu falou das fotos. Quais que são tuas outras matériasprimas? As tuas inspirações pra criar teus trabalhos?

A imagem é uma questão pra mim. Imagem, quando eu falo imagem falo do cinema, imagem da televisão. A sensação que eu tenho é que eu sempre enquadro as coisas. Eu tento limitar um pouco a minha visão periférica para olhar as coisas. Então a imagem é um combustível principal. A outra coisa que também move o meu trabalho é a memória e a comunicação. A memória no sentido de os resquícios que a gente vai tendo e da memória construída também, que a gente não sabe nem se viveu realmente aquilo, mas que de repente aquilo vai entrando e você começa a contar aquela história que você conta a vida inteira para alguém e que de repente faz trinta anos que aquilo aconteceu e você não sabe mais o que é real e o que não é. Eu acho que todo mundo tem esse dado de pensar a memória dessa forma. E aí, essa é uma questão, isso passa a fazer parte da realidade. Essa tradução e essa comunicação me interessa muito. A comunicação, no sentido de hoje você ter essa possibilidade dos celulares, das redes sociais, da internet. Nas minhas performances, por exemplo, eu uso um pouco a internet, eu já usei o finado MSN. Essa questão da memória, com a comunicação, com o tempo, o tempo que você não sabe mais o que ele é, se é que algum dia se soube. O que é real dentro desse tempo e o que não é? Que limbo é esse? Então, essas são inspirações pro que eu faço, pro que eu tento... É difícil comunicar e

trabalhar em cima dessas elucubrações, mas é o que eu tento fazer, é o que eu tento discutir com as performances que eu faço. Como é o teu processo criativo?

Sempre é quase uma necessidade. Quase não, eu acho que é uma necessidade sim. Sempre tem alguma coisa que dispara assim e eu começo a pensar sobre aquilo e me dá vontade de trabalhar. Porque eu tenho feito uns trabalhos que parecem individuais, mas eles não são, são performances que eu estou em cena, mas elas têm muita contribuição de outras pessoas. Porque eu começo a pensar em determinada questão e começo, aqui no Reator [Estúdio], aqui onde nós estamos, eu começo a elaborar isso. Aí eu chamo duas ou três pessoas que são muito próximas, que eu confio e aí eu mostro, elas dão opinião, elas fotografam. Às vezes, as fotografias que elas fizeram entram no negócio ou filmam. E aí isso vai sendo, eu sempre vou moldando isso. Então, sempre é isso, é a partir de questões que eu tô vivendo ou que estão me incomodando ou que estão me alegrando. Todos os trabalhos que eu faço nos últimos anos eles tem uma ligação pessoal, não é nenhum pouco distanciado, não. Pode ser distanciado tecnicamente, mas são depoimentos mesmo sobre esses assuntos todos. E você falou que você usa projeção, usa várias coisas em cena. E como você administra isso? Você manipula essas coisas em cena?

Depende do trabalho. A última performance que eu fiz, chamada Swett Batata, eu também opero a câmera, eu também opero a mesa de luz, eu opero o computador e ainda cozinho uma batata (risos) ao mesmo tempo, porque a performance se dá no tempo em que a batata é cozida. O tempo de botar a batata no fogo e fazer ela cozinhar, quando ela tá pronta termina a performance. E a performance em si fala exatamente sobre essa questão de estar presente e dizer coisas para as pessoas. Eu começo contando uma história, mas eu vou desmontando, como se eu fosse me perdendo nessa história que eu não sei mais o fim, pra falar exatamente dessa questão de que as pessoas vêm ali, sentam e elas querem alguma coisa de você, né? Porque você está se propondo a fazer sei lá o quê ali. E aí, eu começo a brincar com essa questão da respiração, do tempo, do que é, do que eu tenho para dizer, do que pode ser interessante, do que pode ser absolutamente desnecessário. Eu brinco com citações de vários artistas, famosos ou não famosos, pessoas, artistas com quem eu convivo aqui ou a Amy Winehouse e por aí vai. O cerne da questão é essa, é de manipular todos aqueles objetos que estão ali, até mostrar a dificuldade que é você estar ali tendo que operar uma câmera. Você tem que operar um microfone que te dá várias possibilidades de entonação de voz, tem que operar a mesa de luz, trocar a luz, que vai criando sentidos ou não. Então isso, embora tenha uma partitura, mas como uma partitura você pode improvisar, tocar de determinados modos. E aí eu chamo de performance, mas eu nem sei se é teatro, porque eu misturo tudo. Eu não estou muito

preocupado. Achei que performance era onde cabia mais a coisa, sabe? Fala um pouquinho desse espaço, como foi a criação e o que acontece aqui.

Esse espaço é o Estúdio Reator. A minha avó quando casou, em 1913, veio morar aqui nesse lugar. Então, essa casa aqui já teve várias versões, foi derrubada. Era uma palhoça, na verdade. Isso aqui era mato, um matagal, tudo em torno era matagal e aqui era uma pequena palhoça no início do século XX. Quer dizer, já tem cem anos, nós estamos em 2015, tem 102 anos. Ela veio morar aqui e viveu a vida inteira, não só aqui, mas enfim, foi ficando, depois meu pai comprou a casa da mãe, da minha vó, enfim. Meu pai já se foi também e deixou para os filhos. Hoje somos três. Então, essa casa é nossa. E aí foi natural essa minha intenção, eu sempre quis ter um estúdio, uma coisa que eu pudesse meio que manipular as coisas que eu fazia porque, como qualquer artista, tenho um problema enorme com espaço, ainda mais com essa questão de equipamento. Então, basicamente a ideia do Reator, do Estúdio, foi montar um espaço onde eu pudesse experimentar todas essas linguagens sem ter que desmontar tudo no final da tarde, ter que levar para casa e trazer no outro dia e montar. Enfim, tem uma liberdade de criação e isso foi a questão do Reator.

Têm performances que usam a mediação da fotografia e do vídeo para chegar ao público. Como que você mais trabalha: diretamente com o público ou com essa mediação?

Essa é uma questão interessante. Eu tento exatamente misturar as duas coisas, tanto essa questão do que está ali no vídeo, às vezes, eu saio daqui e fica um vídeo que dura cinco minutos e eu retorno pra cá ou a fotografia, enfim. As duas coisas pra mim são absolutamente necessárias. Tanto a presença minha, física, em determinado espaço que foi organizado pra isso, não necessariamente plateia e palco, mas um espaço, e essas outras tecnologias, de vídeo, de imagem, às vezes, eu brinco até com o próprio equipamento que determina. Às vezes eu uso o projetor de slide, o projetor de vídeo, data show, o retroprojetor, cada um desses objetos de projeção de imagem te dão uma referência e um resultado diferente. Isso e a manipulação disso, naquele momento ali que acontece. Acho que está bem centrado nessas duas questões e acrescentando a questão do som, tanto desse som pré-gravado, que está feito, elaborado anteriormente, quanto o som que é gerado naquele momento. Então, isso também depende de como se está desenvolvendo e como é sentido aquele momento com as pessoas que estão ali.

Pablo Mufarrej

(Belém-PA, 1982)

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OFICINA SANTA TEREZINHA, DENTRO DA INSTALAÇÃO EU, O HORIZONTE E MINHA CAVERNA, EM 6 DE MARÇO DE 2015.

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Pablo Mufarrej

Como começou a sua trajetória artística?

Tu não és artista a partir do momento que tu tem uma formação acadêmica, acho que isso se constitui ao longo de toda a tua história. Por exemplo, se tu tem trinta e dois anos, aquele trabalho levou trinta e dois anos para ser feito. Acho que eu conto muito essa existência porque esse histórico de vida de cada um meio que soma. Começa, desenha, desenha, desenha. Minha mãe uma vez me matriculou. Descobriu que existia a Fundação Curro Velho, foi a partir de lá que eu comecei a organizar isso. Lá, eu comecei a transformar todo aquele universo de coisas que eu já pesquisava: desenho, pintura e participar de oficinas. Sistematizar, digamos assim, organizar mais isso. Conhecer um pouco mais a história da arte, conhecer as técnicas. Aí, depois disso eu ingresso na universidade, faço curso na Universidade de Federal [UFPA], de artes plásticas e vou montando uma carreira que, basicamente, foi alicerçada muito no conhecimento gráfico da gravura, porque eu tive à frente do núcleo de gravura da Fundação Curro Velho, que

hoje eu retornei pra lá, como funcionário público, concursado, mas que eu vivi durante sete anos assim, ministrando oficinas e fazendo. Então por isso, talvez, que minha trajetória seja de educador, de professor de arte e também de artista, acho que as duas coisas sempre estão juntas. E como é o seu processo criativo?

O meu processo envolve, como o de todos, várias questões. Acho que tem algumas ideias que eu consigo pensar a longo prazo, outras não. Mas o que eu entendo sobre processo criativo, o ato criativo, [Marcel] Duchamp fala uma coisa super bonita, o único texto que ele escreveu que o ato criativo sempre tem cinquenta por cento que você controla e cinquenta que você não sabe onde vai dar. E tem outra coisa também que o Hélio Oiticica fala, de um estado de invenção, onde tem uma parte que você controla e outra você não consegue controlar, elas vão acontecendo durante esse processo, durante esse ato de criação. Essas entidades, elas vão se manifestando, mas não um espírito mediúnico que baixa no corpo e cria do nada, mas acho que na medida do que o [Gaston] Bacherlad chama de estudo, ele, antes de pensar, precisa estudar.

Então, por exemplo, nisso o meu processo criativo, digamos, ele é alimentado com muitas técnicas, então eu acabo estudando, desde procedimentos técnicos, teóricos, enfim, isso vai se somando, se somando, se somando, quando eu vejo eu construí um trabalho. E tem outra coisa que hoje eu levo muito em consideração que eu chamo

de “engenharia criativa” ou “rede de sustentação do próprio trabalho”. Então, você não está produzindo só na hora que você chega lá e vai fazer, mas você precisa das ferramentas materiais para construir isso, que passam desde monetarizar, ter capital para poder produzir, ter matéria-prima pro seu próprio trabalho, até redes psicológicas. Às vezes tu precisa de sossego, tem artista que precisa de ócio. Então, se essas coisas não estiverem no lugar, é muito difícil acontecer esse processo criativo. O que eu tento fazer é isso, tento fazer com que essas coisas todas estejam meio que funcionando pra eu poder criar. Fala um pouquinho do processo dessa obra aqui [Eu, o horizonte e minha caverna: a cor, o espaço e a experiência - 1o movimento].

Essa obra é uma obra nova que faz parte de um conjunto de nove movimentos. E esse é o primeiro movimento e o nome da série é Eu, o horizonte e minha caverna e talvez ela seja a somatória desses trinta e dois anos e de um fato que aconteceu que foi muito importante: a morte da minha vó na primeira hora do último dia deste ano. Então talvez esse seja o primeiro movimento que eu faço depois disso. Eu já havia especulado, eu já vinha trazendo algumas questões, mas a morte dela me abalou profundamente. Muito do meu universo criativo vem dela. Ela teve um problema, morreu com cento e um anos. Talvez essa morte me falou muito sobre existência, sabe? Sobre o quê que a gente faz aqui. Tipo, a minha vó foi analfabeta, enfim, viveu de uma maneira até muito lúcida, não teve grandes luxos, mas foi alguém que viveu para a existência dos seus próximos. Então, hoje o que eu faço

meio que também é isso. Acho que essa série tenta trazer a tona essas questões meio inviabilizadas e deixar outras, sabe? A morte da vó te fala de uma dimensão da vida e tenta te voltar pra essa caverna e olhar novamente para o horizonte e tu somas isso com o que tu és. Tu tava falando ontem pra mim que tu trabalhou bastante neste espaço [Oficina Santa Terezinha] para uma obra que durou algumas horas, ontem à noite. Está perdurando um pouquinho até agora e talvez daqui a pouco não vá ter mais nada. Qual que é o teu sentimento? O que tu tem pra falar sobre essa coisa que é tão efêmera?

É a vida, né? Como cozinhar. Eu tenho um trabalho que é com cozinha. Tem a ver com a vó também, né? Que passava muitas horas pilando uma coisa para cozinhar. Tratar com dignidade e respeito cada elemento. Não com sentido de permanência, mas com sentido de existência. É isso. Se deu nesse tempo, foi materializado pra isso e se desfaz. E o que tu achou de ontem, aqui?

Ah, eu tava muito feliz, tava muito feliz, tava muito feliz! Ainda estou feliz. E feliz também dessa coincidência gentil que me foi oportunizada. Nesse diálogo também tem uma forma de registro disso, sabe? Acho que teu trabalho foi extremamente oportuno e significativo. Talvez a coisa que faça sentido dessas três horas, sabe? Porque ela vira agora outra obra que também não é minha. O registro dela que vai contigo,

o registro dessa situação que tu tá construindo, acaba emanando outro trabalho. Então, sai, sai da sala. Talvez se torne experiência partilhada. Acho que isso faz sentido, são aquelas gratas coincidências ou oportunidades. Concessões, eu acredito muito em concessões da existência, sabe? Concessões. Tu estava falando desse teu processo, dessa coisa de tu pensar uma parte e deixar esse “estado de invenção” e também da tua subsistência com as tuas obras, financeiramente falando. Fala um pouquinho disso.

Acho que é chegado um momento de um conjunto de artistas começar a pensar seu próprio processo e descobrirem mecanismos de sustentálo sem que tenha uma dependência direta de um sistema mais pautado nos editais, por exemplo. Nada contra política de edital, acho que ela faz muito sentido pra muita coisa. Mas pra algumas ela não faz sentido nenhum. Por exemplo, para este trabalho [Eu, o horizonte e a minha caverna] era impossível eu pensar o tempo dele, o tempo de construção dele, o tempo que ele levaria pra ser feito, se eu tivesse que materializar todos esses conceitos antes. Porque há uma antítese do edital de pesquisa. Ele te propõe pesquisar, mas quer que tu defina antes onde tu vai chegar e tenha dados de quanto vai custar, como vai ser, ele cria uma cadência totalmente ilógica e fabril. De fabricação pro projeto de arte que a gente sabe que não faz sentido. Alguns objetos, alguns trabalhos, eles até se permitem ter essas etapas, mas muitos outros não. São as casualidades e acidentes, não uma exploração

investigativa imaginativa cem por centro, sabe? Elas [as pesquisas] desencadeiam outras coisas. Há reações que fazem isso. Então, eu tenho me preocupado e dividido muito com os artistas, como podem subsidiar seu próprio trabalho sem necessariamente estar preso nisso. Por exemplo, eu tenho um PagSeguro que eu faço um contrato direto com uma empresa, como pessoa física, e esse PagSeguro me fornece uma máquina, eu vou lá, posso parcelar um trabalho de dez vezes pra um comprador que não é o comprador médio da obra de arte, o cara lá do sistema de galeria, sabe? E aí, a mesma tomada de juros que essa operação me daria seria uma de um galerista ou outro sistema. Nada contra esse sistema. Nada contra as galerias. Eu acho que tudo que está aí faz sentido. Mas, que cada artista pode encontrar novos mecanismos pra sustentar o seu próprio trabalho, pensar uma cadeia do seu próprio trabalho. Quais são as atividades que eu preciso fazer pra materializar aquela ideia ou como eu posso organizar essa ideia pra fazê-la autossustentável? Toda vez que a gente pensa na organização disso, a gente pensa que o artista vai ter que sentar e limpar seu espaço e vai ter uma fichinha bem preenchida com passo a passo disso. E não é isso. É você encarar quais são os elementos. Acho que isso é importante: quais são os elementos principais pro meu processo de criação? Onde é que isso se dá nesse suporte de um edital?

Beleza. Então, isso aqui vai acontecer nesse edital. Onde isso se dá com uma relação de flerte com o mercado de arte tradicional? Circuito de colecionador, de galerista? Onde é que se dá dentro de um espaço institucional, do sistema de arte, dos museus e papapá? E onde é que

eu tenho outro trabalho que absolutamente tá na contramão disso tudo? O que é aquilo que se cria a um período e que não consegue estar nessas outras? Porque você acaba tendo, hoje, um certo tipo de vício de trabalho, né? Que eles são concebidos para adentrar um sistema estabelecido e isso é muito bizarro, cara! É arte meio igreja, assim daquelas bem chatas assim, canônicas, né? Tu tava falando dessas fotos, dessas coisas que tu deixa o tempo agir. Fala um pouquinho disso.

Ah, eu gosto muito de envelhecer. Eu trabalho muito com o caderno do artista. Tem muitos elementos que eu vou fazendo, fazendo, fazendo. Isso fala muito sobre o meu processo de criação. Primeiro eu preciso montar muitas partes, pa, pa, pa, pa. Todas separadas. Depois, eu pego tudo isso e junto e monto um objeto. Vai ser uma caixa, vai ser um caderno, vai ser uma pintura, vai ser um... qualquer outra coisa. Essas fotos e alguns desses dados, às vezes, são pequenas notas de próximos trabalhos, de próximos movimentos. Então, eu vejo uma questão, vou, vou, vou, estudo, estudo, vou. Talvez, até exaustão que eu possa, as últimas consequências que eu possa levar aquilo. Quando eu chego, que aquilo dali tem um limite e eu tenho muitas peças, aí eu começo a montar. Essa instalação fala muito disso, sabe? E isso me deixou muito feliz. Pra caramba! Que agora eu estou conseguindo explodir, fazer isso numa escala maior também, deixar esse dado falar e não ser só um objeto de discurso ou fruto de uma narrativa, sabe? As pessoas adentrarem isso, levar um pouco desse vestígio.

PP Condurú O que é pixelpart?

Então, eu tava de saco cheio, estava trabalhando muito computação gráfica, tinha uma empresa e tal, aí eu disse: “égua, eu quero voltar a pintar”. Eu pintava, mas bem pouco. Tava mais na computação mesmo. Aí eu queria juntar essas duas coisas, computação e pintura. E também não queria mais pintura de ateliê solitário. Então, essa obra, ela é interativa, as pessoas podem comprar quantas peças quiserem, monta como quiser, coloca onde quiser, entendeu? Faz como quiser. Então é isso, aí tem essa interatividade, é um trabalho que tem um pouco de computação, o nome desse trabalho chama-se Pixelpart, e consiste nisso. Essas miniaturas, esse trabalho, veio tudo assim.

PP Condurú (Belém-PA, 1958)

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CASA STUDIO PP CONDURÚ, EM 7 DE MARÇO DE 2015.

Eu não queria pintar só, queria fazer uma coisa coletiva e tem uma parte que todas essas peças são fotografadas e aí vai pro computador, e no computador faz muitas outras coisas e também as pessoas acompanham pelo blog já há um tempo. Desde do início, eu fui postando e convidando as pessoas para participar. A minha ideia é que vire um game depois. E eu comecei a trabalhar com um grupo pra fazer um game e uma mesa interativa, de touchscreen e tal, com

projeção também, dentro de uma galeria. Mas aí abortou esse projeto, porque não ganhei Itaú, não ganhei Funarte, não ganhei nada (risos). Pintou galeria no final do ano passado. Aí, nessa galeria, vou até fazer no [Projeto] Circular aqui, a mesa analógica, que não é computadorizada, mas tem as peças e as pessoas montam um painel que quiserem ali, aí a gente fotografa e manda por email, aí ela imprime, faz o que ela quiser. Então, é uma arte meio assim, interativa, com a minha pintura, tudo que eu adoro pintar, adoro cor, não vou deixar, aí eu queria juntar computador e pintura. E como que tu começou tua trajetória?

(Ai (Poft! Poft!)! As carapanã tão me comendo!) Meu pai desenhava, meu pai era colecionador. Ele já faleceu, em 74. E ele era colecionador de discos, livros e eu era muito ligado nele. Sempre ele desenhou também quando criança, ele tinha uns desenhos dele, era bem artista, bem interessante o meu pai. Ele sempre me deu, desde criança, coisa pra pintar, meus presentes era quebra cabeça, só coisa assim, sabe? Nunca um carrinho, umas coisas assim... nem era muito a minha praia. Quando ele faleceu, em 74, eu pirei, achei que eu tinha que ser artista plástico, aí eu larguei tudo. Pra ser pintor aqui, tinha que ser arquiteto. Eu queria ser pintor, aí não tinha escola de arte aqui, não tinha porra nenhuma, não tinha nada. Aí eu fui pro Parque Lage em 76, 77, fiquei até 78 e vim embora. Então, eu comecei meio assim, entendeu? A história é meio por aí assim. E aí eu voltei e vivo disso desde essa época. De 75 pra cá, eu vivo disso. Me viro, me viro. (risos)

E tu trabalha com várias coisas, né?

É. Eu desenho sempre, eu mexo com computação ainda, eu gosto de diversificar. Tu vê pelos meus temas, técnicas, eu nunca fui sossegado, não. Eu sou bem inquieto em relação a isso. Quais que são mais ou menos algumas das técnicas que tu usa?

Olha, tudo eu inventei, vou inventando. É tudo invenção. Eu, o google e a loja de artesanato que vende. Porque aqui, em Belém, não tem uma grande loja que vende materiais, entendeu? É uma loja que vende coisas pra artesanato. Ultimamente, eu inventei uma merda que faz esses tracinhos aí, entendeu? Faz essa coisa gordinha aí. Eu inventei como uma caneta, fui quebrando, fiz uma coisa assim: é uma pontinha dessa, cortei tipo uma seringa, aí eu desenho com isso, entendeu? Então, aí eu vou inventando, não tem uma coisa. São quase tudo coisas de artesanato, aí eu me sinto uma dondoca fazendo as coisas. Como que é o teu processo criativo?

Como eu trabalho com isso há muito tempo, então eu deixo a coisa acontecer. A minha história eu aprendi, por isso que falei muito do meu pai, dos discos e tal, porque como eu escutei muita música, eu aprendi mais desenho ouvindo Hermeto Pascoal e ali eu aprendi a desenhar, a dar silêncios, a descontruir, a construir, a dar movimentos... E eu adorava aquilo e tentar passar isso pro trabalho. E meu trabalho tinha também

uma parte, que era uma parte meio [Jiddu] Krishnamurti assim, que era da plenitude, da originalidade do desenho também. Eu li um livro do Ferreira Gullar chamado Sobre Arte que ele falava da originalidade do fato do desenho. Como eu sou basicamente desenhista, mas do que pintor, só aprendi a pintar já na década de 90, mas eu sempre fui desenhista, né? E o desenho é originalidade de tudo, ele falando né? Desde a pintura de caverna, essas coisas todas. É legal o livro. Aí, adorava desenhos japoneses, essas coisas toda, o traço, a pintura do Van Gogh, a originalidade do trabalho do Van Gogh, o fato dele ir pra dentro do trabalho dele, da plenitude do trabalho dele. Essa arte mais intuitiva, criativa, me interessava também. Eu não gosto de me repetir. Parece assim que tu descobriu uma maneira e ficar maneirinho, sabe? “Ah ficou maneiro...”. Vai se foder (risos)! Eu gosto de movimento. Tem que ser uma porrada. Eu meto a cara. Tem esses desenhos aqui, vou te mostrar na prática. Eu começo pegando isso aqui, passo tinta atrás e venho e mancho, aí eu vou desenhando. Aí esse daqui, por exemplo, ele tá com tinta, mas antes tem um traço aqui atrás. Aqueles lá eu estava meio travado, começando. Muito chato. Aí, nesse aqui, eu me cacetei e peguei o lápis assim (série de onomatopeias sugerindo movimentos bruscos) e saiu assim (risos). Então tem que se jogar, não adianta. Tem que correr o risco, se jogar e só ficar atento pra não vacilar, essa é que a jogada. E tu acha que tem um tema recorrente no teu trabalho?

Tem. Rosto. Cara. Ser Humano. Sempre eu gostei de desenhar rosto. Sempre. Mas tem uma hora que me enche o saco, vem aquela de não se

repetir. Aí faz outra coisa... Uma época eu fiz carapanãs. É porque eu achava, nessa época, de vez em quando eu acho umas coisas assim, que em Belém só quem gostava de arte era carapanã e osga. E esta aqui, a “rainha do aborto”?

Cara, isso foi no Ceará. Teve uma época que enchi o saco de Belém e saí viajando por aí. Aí, eu quis escolher uma capital pra morar. Aí, eu fui pra São Luís, Fortaleza... Eu cheguei lá em São Luís e colei lá nuns artistas doidos, aí eles só me levavam pra puteiros, pra coisas doidas. Aí, lá todo mundo só pintava ladeira, pôr do sol... Cara, que coisa escrota. Aí, a gente fez uma série sobre os puteiros de lá, as putas, os travestis. Aí, quando eu cheguei em Fortaleza, essa aí era a Rainha do Aborto, uma médica, rica pra caramba. Eram várias caras, desenhos grandes assim. Era um jornal. Eu fiquei chocado quando cheguei lá. Não tinha nada pra ler no domingo, depois do almoço. Eu tava num lugar bem escroto, depois aconteceu legal. Mas aí, égua! Me deram um jornal pra ler que o jornal era só eles, cada um tinha uma página. A Rainha do Aborto tinha duas, a página central era só dela, dizendo que elas eram lindas e maravilhosas, ricas.

Eu digo: “Caralho! Que absurdo!”. E os caras distribuíam gratuitamente esse jornal. Aí, eu pintei esses caras. Foi muito louco, porque essa exposição foi censurada em 85, em São Luís. O que te inspira, PP?

É essa multiplicidade, eu sou viciado em visual. Então, a televisão é tudo pra mim, porque passa mil imagens do mundo inteiro, toda hora. Eu adoro a internet também por isso. Por isso que esse trabalho [Pixelpart] tem um pouco de computação, porque eu começo na internet. Até as técnicas, tudo, a divulgação, a venda. Eu gosto dessa multiplicidade das coisas, entende? Esse trabalho [Pixelpart] ele me dá essa possibilidade. Como são várias séries, eu tenho que fazer várias séries de azulejos. Então são várias possibilidades de pintar, não só isso, cada um é uma pintura, é um desenho, é uma história. Então eu me realizo pintando vários logo, entendeu? Esse seu segundo P é o quê? Um segundo nome?

PP é Pedro Paulo. E te chamam mais de PP, né?

É, desde criança.

E tu expôs esses dias lá Centro Cultural do Carmo?

Foi assim: é do meu primo. Ele me convidou, era uma homenagem ao avô, aí eu só fui com esses desenhos. Aí, depois terminou, eu fui pegar os quadros, agradecer, aí ele disse: “Cara, a galeria vai ficar novembro e dezembro fechada, e eu pagando funcionário. Tu não quer utilizar?”. Aí, eu convoquei uma galera e bolei um evento chamado ENTRE, que era justamente tanto pra entrar lá, que estava começando, quanto para entrar também nesse projeto. Era um movimento. Toda quintafeira a gente fazia uma onda lá, rolava filme, música, poesia. Toda quinta-feira rolava outra galera e outros acontecimentos, entendeu? Praticamente o que aconteceu no Santa Terezinha [Oficina] começou lá, nesse movimento que chamava [ENTRE] - Um lapso gostoso, que rolou em novembro e dezembro do ano passado. Aí, a gente sacou que a demanda aqui em Belém, isso eu acho importante falar, que a demanda de Belém, dos artistas, é de mercado e movimento. Ninguém quer mais galeria, essa chatice, ninguém quer curador mais, curador é um saco, galeria é um saco. Essa galeria lá não podia furar parede. Onde já se viu isso? Esse movimento, que aconteceu no ENTRE e está acontecendo no Santa Terezinha, é essa demanda que a gente quer. A felicidade dos artistas que trabalham nisso, [nas ocupações artísticas da Oficina Santa Terezinha] você não tem noção. Égua, eles choraram, choraram, se abraçaram...

Elaine Arruda

Tua formação é em Psicologia, né?

Aham (risos). A arte veio primeiro ou foi depois?

Elaine Arruda (Belém-PA, 1985)

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OFICINA SANTA TEREZINHA, EM 10 DE MARÇO DE 2015.

Pois é, meu pai é arquiteto, então eu sempre desenhei, sempre gostei de coisas manuais. Sempre via ele desenhando, então eu acho que tem uma influência aí. Mas eu nunca tinha pensado em fazer artes, daí quando eu passei no vestibular eu passei para a segunda turma, então fiquei um semestre assim, sem fazer nada e aí acabei indo pro Curro Velho [Fundação], fazendo um curso lá e comecei a fazer gravura. Conheci o Armando Sobral e aí a gente começou uma parceria que durou muito tempo. Fundamos o Ateliê do Porto juntos, fizemos várias coisas até 2014. E aí, na verdade, sempre foi uma vida dupla, sempre fui muito de vidas duplas (risos). Durante toda a minha faculdade eu fazia psicologia e dava aula no Curro Velho de gravura, desenho.

Como que é essa “paisagem suspensa”?

Foi um projeto que eu fiz, foi a conclusão do meu mestrado. Já tinha um tempo que eu frequentava a Oficina Santa Terezinha e quando eu cheguei à oficina, eu cheguei querendo fazer gravuras em grandes escalas e a minha ideia era passar com rolo compressor em cima da chapa pra poder imprimir. Porque eu comprei uma chapa de zinco de dois por um, essa de fazer outdoor e a ideia era imprimir sem ter que cortar. Porque quando a gente faz gravura, a gente tem a limitação da prensa, né? Tipo, aqui em Belém, a maior prensa que tinha era a do Curro Velho, então eu teria que cortar com uma largura de sessenta centímetros. Aí ia perder toda a graça. Cortar, fazer um quebra cabeça, mas enfim... senão desse certo, era o que ia fazer.

Aí, eu cheguei aqui, tive uma conversa no meu ateliê, foi antes de ser Ateliê do Porto, já era um ateliê com o Armando [Sobral]. Foi uma noite meio absurda. Foi eu, a Veronique Isabelle e o Vicente Cecim, que é um escritor, poeta absurdo, aqui de Belém. E a gente estava lá, finalizando a gravação, intintando e eu inconsolável. “Ai, não! Eu não tenho que cortar...”. Aí, o Vicente Cecim deu essa ideia. Ele disse assim: “Cara, porque você não passa com um carro de asfaltar rua em cima?”. Aí eu fiquei assim... “Será que dá?”. E fiquei com essa pulga atrás da orelha, né? E eu morava aqui na Cidade Velha e já tinha circulado pelo Porto do Sal. Aí, eu e a Vero viemos juntas aqui na Oficina perguntar para o Seu Chico, que é o dono da Santa Terezinha, se ele sabia de alguém que alugasse esses carros que a gente queria imprimir. Aí, ele

ficou assim, olhando pra gente. “Menina, o quê que tu quer?” (risos). Ele é todo assim. “Mas menina, o que é que tu quer fazer?”. Aí, eu: “Eu quero imprimir, tô gravando uma chapa...”. Aí, trouxe a chapa aqui e nessa de eu trazer a chapa eu já comecei a trabalhar aqui, usando as ferramentas dos operários. Foi bem bacana essa recepção, sabe? Não teve uma resistência, nem pela parte dos proprietários nem dos operários. E aí ele falou: “Olha, eu conheço uma máquina que a gente consegue adaptar para imprimir isso aí que tu quer fazer”. Aí eu falei: “Tem certeza?”. Aí ele: “Com certeza, vamos testar”. E nessa eu comecei a imprimir. Deu certo, a gente adaptou a calandra, que é uma máquina que é usada para fazer tubos, para tornear metal, para se transformar numa prensa. E aí eu ganhei uma escala infinita no trabalho. Porque o que eu ia fazer em sessenta centímetros agora eu estou fazendo em três por um e vinte. Foi uma pesquisa que eu comecei em 2010 e tenho investido nela até agora, final do mestrado, defendi agora em novembro de 2014 e o resultado foi esse projeto, Paisagem Suspensa, que foi uma gravura de doze metros por três. E esse trabalho foi exposto aqui, na Oficina Santa Terezinha?

Como o meu mestrado é lá em São Paulo, na USP, e é um mestrado em Poéticas Visuais, a conclusão foi uma exposição. E pela escala do trabalho, eu tive a sorte de conseguir a sala lá do Tomie Ohtake, a convite do Paulo Miyada. E a exposição de conclusão do mestrado e a primeira vez que foi mostrado foi lá [em São Paulo]. E foi incrível, adorei. Mas eu fiquei com isso, sabe? “Ah, eu quero mostrar dentro do

galpão [Oficina Santa Terezinha], eu acho que o galpão tem escala para isso e vai ser uma forma de levar para a cidade, de mostrar em Belém, porque ninguém tinha visto”. E também eu sempre tive uma crise assim com o meu processo, porque eu sempre mostrei meus trabalhos, as gravuras, e tinham um impacto muito grande, e o processo acabava sendo um anexo do trabalho. E isso nunca foi uma coisa muito bem resolvida, foi até um motivo de muitas discussões durante o mestrado: até que ponto é interessante mostrar esse processo, até que ponto não? E quando eu mostrei aqui [na Oficina Santa Terezinha] acho que resolveu, porque o processo está em todo o lugar, né? A pessoa entrava no processo e via o resultado, ou na verdade não era assim: processo e resultado. Tudo ficou bem integrado. Eu gostei bastante. E foi aí que começou a história dessa movimentação aqui, dessa ocupação que vocês fazem aqui, na Santa Terezinha?

Teve o Circular, que é esse projeto de articulação entre espaços independentes, e eu estava saindo do Ateliê do Porto, indo para São Paulo fazer doutorado, que eu estou indo agora pra lá. Então, a ideia era fazer uma despedida, uma finalização, mostrar para a cidade o trabalho e “tchau, gente! Estou indo para São Paulo”. Mas nessa ficou tão bacana. Ia ser um evento, a gente ia participar do Circular como evento, todo mundo que veio adorou e a gente decidiu. Eu, a convite do Del Tetto Júnior, que é o filho do Seu Chico, nós dois decidimos fazer as ocupações com certa regularidade. Aí, surgiu a ideia de criar a Oficina Santa Terezinha - Espaço Cultural.

A Oficina Santa Terezinha é um projeto de ocupação e o legal dele é que ele não se restringe a oficina, ao espaço da oficina, porque o Ateliê do Porto para mim foi incrível como uma incubadora, um aprendizado, mas eu sempre quis entrar no Porto do Sal. Pra mim, o mais legal do espaço é justamente esse contexto. O Porto do Sal é um complexo de portos, tem mercado, tem toda uma cultura ribeirinha e paradoxalmente urbana, porque é um elo entre a cidade de Belém e as ilhas. Têm muitas ilhas por aqui. A Oficina está viva, isso é um processo. As ocupações vão acontecer aqui até ela ser vendida. Mas eu acho que o projeto ele não morre porque é todo um contexto de atuação. Como é o teu processo criativo?

É um processo muito intuitivo. Ao mesmo tempo em que ele tem uma materialidade, ele é bem concreto, porque eu trabalho com as ferramentas, a ponta de videa, machado, marreta, solda, então tem esse lado mesmo manual, esse lado da indústria, da relação, muito relacional com os operários, com o próprio Seu Chico. Mas a maneira que eu construo a imagem é totalmente intuitiva. Eu não faço um planejamento para construir uma imagem. Esse projeto, Paisagem Suspensa, eu fiz um painel, e aí, aos poucos eu fui ocupando as matrizes. Faço primeiro uma sequência de linhas, depois outra que sobrepõe, por isso que eu chamo de Paisagem Suspensa, porque eu não tenho um desejo de representar uma paisagem, sim de comunicar sensações. Acho que falar um pouco da escala desse lugar

que é um lugar que pra mim é muito forte. Aqui mesmo a gente está na beira do rio, que é um lugar imenso. É isso, acho que tem uma relação muito forte, tem uma relação corporal muito forte, tem um desejo de apreender de alguma forma ou de comunicar essa escala amazônica, a paisagem daqui. Tu disse que desde 2010, tu vem pesquisando sobre esse trabalho. Qual que era o objeto da tua pesquisa?

Em 2010 foi quando eu comecei essa pesquisa da paisagem. Acho que desde 2010, a paisagem é presente, a paisagem e o corpo são coisas que são presentes nessa pesquisa. Então, em 2010, eu estava numa escala do corpo, os trabalhos eram de dois metros por um. Então, era quase que um trabalho dual, né? Eu e a minha escala. E agora, em 2013 e 2014, que o trabalho cresceu ainda mais, com um interesse de uma escala arquitetônica ou de uma escala que o corpo percorre a paisagem, ele não é mais o desafio e sim ele é só mais um elemento. Quais são as suas referências, coisas que te inspiram?

Eu tenho uma relação muito forte com a música. Então, eu acho que pra falar de referências, me vem logo o choro, música instrumental, Piazolla, Chopin. Eu me inspiro muito na sensação que a música evoca para construir as imagens. Agora, falando de artistas, as pessoas já relacionaram com o Pollock... Tem vários artistas daqui também que eu me identifico, como o Pablo [Mufarrej], com a Vero [Veronique Isabelle]. Mas acho que a música é muito forte.

E o trabalho com a Vero, como foi? Eu estava lendo hoje sobre a exposição/instalação que vocês fizeram.

Em 2010 que a gente teve um duo que durou uns dois anos e a gente fez um trabalho com instalação, com objetos, foi uma troca muito intensa no momento que ela chegou ao Brasil. A gente passou um tempo se correspondendo por e-mail e acho que o trabalho aconteceu como uma troca cultural mesmo. Ela veio, passou seis meses aqui [em Belém], eu fui, passei seis meses lá [no Canadá]. O nosso duo falava um pouco de como cada uma compartilhou com a outra a sua realidade. Acho que a influência dela na minha vida é muito forte, tanto que esse trabalho foi uma coisa que – esse trabalho em grandes escalas – não tem como não relacionar com a nossa parceria. E ela acabou se fixando aqui, tem um trabalho muito forte no Porto [do Sal], está fazendo antropologia visual. Acho que foi um acontecimento que a gente mostrou um pouco de como foi essa troca e cada uma seguiu com as referências culturais uma da outra.

Aqui mesmo a gente está na beira do rio, que é um lugar imenso. É isso, acho que tem uma relação muito forte, tem uma relação corporal muito forte, tem um desejo de apreender de alguma forma ou de comunicar essa escala amazônica, a paisagem daqui.

Coletivo Pitiú

coletivo pitiú (Belém-PA, 2014)

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Débora Oliveira, Vivian Santa Brigida e Verônica Limma

Como que começou o Coletivo?

ATELIÊ DO COLETIVO PITIÚ, EM 11 DE MARÇO DE 2015.

Verônica| O coletivo começou com um grupo de pessoas que se encontravam sempre no Curro Velho [Fundação] e participava de um laboratório com o Pablo [Mufarrej] e a gente só vivia juntos, todo o tempo. Teve um amigo nosso, o Eliezer [Carvalho], que nos convidou para montar o primeiro coletivo, que era o Pirão. Então, veio essa necessidade trabalhar juntos e fizemos algumas intervenções com o Pirão, só que já tem outro coletivo com o nome Pirão, que é o de teatro. Aí, sentimos a necessidade de trocar o nome e ficamos um tempo paradas, decidindo que nome vai ser, essa dor de trocar de nome, essa outra coisa toda, né? Até que nós decidimos pelo Pitiú. Só que dentro desse processo sempre aconteceu uma coisa muito estranha... Como a gente foi participar do projeto [Paisagem Suspensa] com a Elaine [Arruda] e só foi eu, a Vivian e a Débora, todo mundo chegava e ela

apresentava: “olha as meninas do coletivo”, aí era sempre “as meninas”. A gente sempre falava: “Gente, tem mais duas pessoas e são meninos”. Aí, começou a se espalhar essa questão de coletivo de meninas. Com a saída deles, acabou que ficou mesmo um coletivo só de meninas. Aí, batizamos de Pitiú, voltamos para nossa pesquisa no Porto do Sal, mas com outro foco, que é o foco voltado para a questão da mulher. O Pitiú surgiu no final do ano passado, quando a gente resolveu dar essa nova roupagem para o nosso trabalho. Sair também dessa questão de só trabalhar com gravura e abrir mais o leque, até por conta das influências que cada uma tem. Uma trabalha melhor com pintura e desenho, a outra trabalha melhor com a gravura, outra com a fotografia. Então, a gente resolveu, nesse processo do Pitiú, começar a misturar essas linguagens, sabe? Atravessar elas e fazer experimentações mesmo visuais. O que é Pitiú?

Débora| Pitiú é um termo regional que a gente usa para o cheiro, o cheiro de peixe, e é um cheiro que entranha, é muito forte. É o fedor do peixe e um peixe. Eu fui pesquisar e vi que tinha um peixe com nome Pitiú. Aquele cheiro que exala no [Mercado] Ver-o-Peso é o que a gente chama de Pitiú. Pronto, é isso que é o Pitiú, é isso que significa para a gente. A gente na verdade quis fazer um trocadilho. Como é um coletivo só de meninas, tem umas gírias assim: “égua tu tá pitiú!”, tu tá fedorenta, tá de bode e tal (risos). Aí, a gente quis tirar barato com essa história mesmo.

Explica um pouquinho o que é o Porto do Sal e o trabalho que vocês fazem lá.

Verônica| Porto do Sal parece um lugar voltado só para os artistas, né? Na verdade lá é um porto muito antigo que foi revitalizado por volta dos anos 80, só que continua funcionando como porto. Tem uma área periférica por trás que a maioria das pessoas não conhecem e foi nessa área que a gente acabou adentrando e conhecendo essas pessoas. E o porto funciona normalmente. O que acontece para ter essa visibilidade lá? Começou ter a necessidade, por parte dos artistas que moram ali pelo bairro da Cidade Velha, em querer revitalizar aquela área. Então, começou a surgir espaços culturais, projetos voltados pra lá. Débora| A técnica tem que estar a serviço da poética e não o contrário. Na nossa pesquisa no Porto do Sal, a gente foi pra lá para fazer desenho, a princípio, e transformar em gravura. Quando chegamos lá, nos deparamos com as pessoas, com as relações, as pessoas nos atenderam muito bem lá nas suas casas. “Vem aqui, toma um cafezinho...” e batia papo, contava da vida, dos filhos. Muita gente tinha vindo do outro lado do rio. E a gente começou a perceber que as histórias de vida das pessoas eram mais importantes do que desenhar e passar para a gravura. Verônica| Essas relações que foram construídas que é legal, sabe? Essa relação, mesmo a gente sendo artista, de que forma a gente vai conseguir expressar visualmente, esse que é um contato que não é visível, sabe? Que é uma relação que você vai construindo, que é

da pessoa abrir sua casa, seu espaço, seu coração, pra te receber. As pessoas abrem a vida delas, o cotidiano e eu acho que é uma coisa que só a arte te dá isso. Você não está oferecendo nada, dinheiro, nada, e você chega lá e fala: “Eu quero pesquisar seu dia-a-dia, sua vida...” E a pessoa pega e abre esse espaço pra você. Isso é uma coisa que me instiga muito. Como é que vou conseguir passar? Se vou conseguir e se tem a necessidade, porque às vezes não precisa. Porque o que fica mesmo é a relação humana que você constrói. Como que é esse processo criativo de vocês trabalhando juntas? E como que é a autoria? As obras são assinadas com o nome do coletivo ou individualmente?

Débora| As obras do coletivo são do coletivo, a gente não põe autoria, a gente apresenta como coletivo. Geralmente quando a gente vai fazer a pesquisa, cada uma vai fazendo uma coisa, vai tirando foto, vai desenhando, depois a gente senta e discute dias, briga, se descabela, volta, pede desculpas. A gente vai fechando as coisas. Verônica| A preocupação maior é de como aquele trabalho se apresenta enquanto coletivo, que é uma questão que quando você trabalha em coletivo é como esse trabalho vai aparecer. É complicado três pessoas e uma identidade visual, você conseguir juntar características individuais de cada uma para aquele trabalho. A gente ficou um bom tempo discutindo se a identidade visual do coletivo ia ser isso: todo mundo trabalhando em cima de um tema para ter uma linguagem coletiva ou se a gente vai se juntar para produzir seus trabalhos individuais,

trabalhando de forma coletiva, mas com o trabalho de cada um. Por um tempo a gente ficou com essa dúvida, mas as coisas vão se costurando.

Débora| A gente acabou decidindo não neurar e fazer. E aí rola os dois, acaba que rola os dois ao mesmo tempo, sabe? A gente começou a entrar em umas discussões filosóficas e tal, sobre o que é coletivo disso, coletivo daquilo, mas aí decidimos não neurar, vamos fazer, vamos trabalhar e aí as coisas foram rolando assim. O importante, antes de tudo, é a gente fazer. É muito gratificante o trabalho, a gente consegue lidar bem. Em que medida vocês influenciam uma no trabalho da outra?

Vivian| A influência das meninas é mais no meu trabalho com gravura, o tracinho de cada uma, a manusear o formão. Isso vem mais delas. Débora| Às vezes a gente nem sabe que é influenciado, tem muito isso também. Mas acredito que soluções para o trabalho. A gente acaba se influenciando muito na parte de materialização do trabalho. Verônica| A gente acaba sendo muito diferente. Nossos desenhos são totalmente diferentes. No que a Débora me influenciou, foi no processo de entendimento da gravura. A gente tem uma identificação muito grande quando a gente está junta imprimindo. E a Vivian, ela tem uma ligação com a cor, ela tem uma facilidade pra cor. Então, tem uma influência na hora de fazer um trabalho, de pedir uma opinião se vai funcionar uma cor porque ela tem essa facilidade. Então, isso é importante na hora de fazer um trabalho coletivo.

Jaider Esbell Qual a sua etnia?

Eu sou índio Macuxi. Nasci na área onde hoje é a Raposa da Serra do Sol, a maior área brasileira demarcada e acho que uma das últimas, dentro dessa perspectiva de terras contínuas. Nasci lá e morei lá até os dezoito anos e depois eu mudei pra Boa Vista. Como que tu começou a trabalhar com a arte?

Jaider Esbell (Normandia-RR, 1979) 79

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GALERIA JAIDER ESBELL DE ARTE INDÍGENA, EM 18 DE MARÇO DE 2015.

A minha vontade de fazer arte já vem desde a infância. Desde que eu me entendo por gente, eu sempre quis ser artista. O meu contato com o mundo da arte, com a literatura, veio com a minha própria origem. Meu avô contava os mitos e lendas e eu queria ver aquelas cenas que ele contava ilustradas, materializadas, enfim. E queria também escrever nossas próprias histórias. Então, desde a minha primeira infância sempre tive essa vontade de ser artista, de ser escritor, mas sempre tive a consciência de que isso era uma coisa quase que impossível para a minha realidade e isso me motivou a deixar a reserva pra ir pra cidade e estudar e criar essa condição de ser artista. Minha vida foi toda baseada nesse planejamento. Vim,

estudei, fiz concurso, fiz faculdade, criei minha estrutura, ajudei minha família. Aí depois, já com trinta e um anos, em 2010, eu me inscrevo em um edital de literatura da Funarte e fui contemplado. Então, no ano seguinte comecei a escrever o livro e a pintar minha primeira coleção de pinturas. Eu optei pelo acrílico sobre tela, que é pra mim uma forma muito simples, barata e fácil de se expressar, porque quanto mais simples a arte pra mim, melhor nesse sentido de expressar um pensamento e, partir daquela imagem, criar toda uma ideia de contextualização. Sou autodidata, nunca fiz curso de pintura, aprendi fazendo, tô aprendendo ainda, mas muito dificilmente devo mudar de estilo ou mudar de uso de materiais, vou continuar com o acrílico porque pra mim é suficiente pra materializar um pensamento e dar início ao grande processo de transformação que a arte proporciona pra todos, inclusive pro artista. Em 2011, fiz minha primeira exposição, voltei pra Normandia, pra cidadezinha onde eu estudei e cresci. Foi minha primeira exposição, chamada Cabocagem, o homem na paisagem. Na verdade quando fui pra Normandia, em 2011, eu levei um pacote de serviços artísticos e culturais, porque eu fui levando uma exposição minha de fotografia, porque eu gosto de fotografia também, fui levando quatro vídeos pequenos que eu também faço, levei o projeto do livro já da Funarte e levei a exposição de artes plásticas. Eu chamei na época de 1º Mostra Jaider Esbell de Artes Integradas, levei esses quatro produtos e fiquei quinze dias interagindo com a comunidade. Minha

estreia oficial no mundo das artes é quando eu apresento esses quatro produtos. Eu já vinha fazendo e estudando por conta própria e aí, surgiu essa oportunidade de mostrar essa produção toda de uma única vez. Ainda em 2011, eu vim pra Boa Vista e apresentei meu trabalho na Universidade Federal com uma proposta e tal, e a Universidade de primeira mão aceitou, me cedeu um espaço, e a gente fez a segunda exposição já aqui em Boa Vista, foi quando meu trabalho teve uma visibilidade midiática. De lá pra cá, eu só tenho aumentado as minhas atividades, que envolvem basicamente produção. Eu divido meu tempo como produtor cultural, como pesquisador e como artista. Escrevo pra sites, escrevo livros, ajudo em muitas pesquisas de pesquisadores Brasil a fora, produzo pinturas, faço estudos em esculturas e novas possibilidades. A literatura tem dado certo, as artes plásticas têm dado certo, mas eu fico livre, como eu sou totalmente autodidata, não tenho compromisso com escola nenhuma, com academia nenhuma. Então, eu tenho toda a liberdade para experimentar e ver o que funciona. Em 2011, quando eu percebo a potencialidade do meu trabalho, eu busco dividir essa responsabilidade com os outros artistas indígenas que já estavam trabalhando há mais de vinte anos aqui em Roraima também, de uma maneira autônoma, sozinhos, desarticulados, e eu convido esse grupo de artistas, em torno de oito artistas, pra compor um coletivo e fazer nossa proposta de trabalhar a arte segmentada, trabalhar a arte indígena contemporânea de uma forma contextualizada com o

movimento indígena, com a realidade do índio urbano, do índio da comunidade e dessa realidade amazônica em relação ao local-global. A gente saí daqui do nosso local e leva pro mundo, através da internet e de outras exposições que a gente faz pelo Brasil e outros países, essa realidade da Amazônia mais real digamos assim, a gente meio que desmistifica um pouco essa Amazônia fantasiosa e fantástica que as pessoas sempre tem a ideia de paraíso, de lugar perfeito, né? Então, a gente já aborda na nossa arte essa questão real, o quê que as pessoas que moram aqui passam, quais são as expectativas dela, como é a vida por aqui. A gente trabalha entre esses dois universos: o mundo indígena com todo seu universo, com toda a sua complexidade, também tá muito ligado com o mundo moderno, contemporâneo da grande sociedade. De uma certa forma, o que a gente faz é apresentar os índios pra grande sociedade e a grande sociedade para os índios e apresentar índio pro próprio índio e toda essa coisa de contextualizar o índio nos dias atuais. É um trabalho de arte mais focada, que tem um resultado prático, a gente trabalha um pouco essa função social da arte, que vai muito além do mercado e da arte pela arte. Fala um pouco mais sobre o coletivo. Tem nome?

O coletivo é uma forma experimental de organização. A gente ainda não tem um nome específico. A gente trabalha no coletivo o encontro de todos os povos, a gente reúne artistas de várias etnias e a partir da reunião desses artistas, a gente foi estimulando pessoas dessas mesmas etnias a se apresentarem, a sentir convidadas a participar. Esse

coletivo ele teve primeiramente o apoio da FUNAI e da Universidade Federal de Roraima, em 2013. Em 2014, essa demanda já cresceu. Mais e mais pessoas quiseram participar e a Universidade institucionalizou parte desse trabalho, que ela atribuiu aos estudantes indígenas da Universidade que cuidam mais dessa parte da produção científica dos alunos indígenas, da parte de produção acadêmica também, pesquisas, e a outra parte fica com os artistas que trabalham a arte e o livre pensamento, a subjetividade, a autonomia na forma de se expressar. Jaider, como é o teu processo criativo dentro das artes visuais?

Eu penso muito. Toda a minha referência é a minha infância e juventude. O local onde eu nasci, como eu vivi, vendo os indígenas se envolvendo com a grande sociedade e vice-versa, sofrendo, se adaptando, aprendendo as malícias de tudo. Esse processo é o que fornece subsídio pra eu materializar as minhas obras. O meu processo criativo é todo interno. Quando eu paro para pintar, eu já tenho a ideia pronta na cabeça. Todas minhas pinturas, mais de duas mil desde o início da minha carreira, é como se fossem uma interpretação de um grande banco de dados que ainda tem muito para ser mostrado. Eu não pinto todo dia, mas quando eu fico muito tempo sem pintar o meu corpo pede pra eu pintar, materializar alguma coisa.

Ana Medina

Ana Mendina (Santana do Livramento-RS, 1977)

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STUDIO DA ARTISTA, EM 18 DE MARĂ&#x2021;O DE 2015.

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Como você veio aqui pra Boa Vista?

Eu cheguei aqui com sete dias. Porque minha mãe veio no Projeto Rondon, com os primeiros advogados que vieram pra cá, antes de se tornar Estado. Era território ainda. Então, ela veio e me trouxe pequenininha. E aí, eu cresci aqui. Cresci aqui e fiquei até uns 14, 15 anos. Depois, eu fui para o Rio Grande do Sul pra terminar o segundo grau [Ensino Médio], daí fui de férias para Austrália. Quando fui para Austrália eu estava cursando jornalismo, aí eu desisti e comecei a cursar artes lá. Fiz meu primeiro curso na Austrália, depois estudei um ano na Costa Rica, depois fui para Londres e aperfeiçoei um pouco mais a cerâmica e a escultura. Depois, o último curso que eu fiz foi na Nova Zelândia, fiquei cinco anos lá, onde fiz mais um curso de arte e fiz arte Maori, no Pacífico, me especializei em cultura do Pacífico, eu fui aceita pelos Maoris para estudar na escola indígena de arte deles. E como surgiu seu interesse por arte?

Foi vendo a arte primitiva da Austrália. Eu vi os nativos de lá fazendo arte primitiva e arte deles na galeria e lá é um lugar muito forte artisticamente. Acho que o lugar e tudo que eu estava vivendo na época fez eu me interessar por essa área, que eu sempre gostei. Mas lá, eu tive a certeza que eu queria trabalhar com isso. Daí eu me lembrei dos nossos nativos, esse foi o link. Através de outro povo, super longe da minha casa, eu lembrei do que eu tinha em casa. E daí comecei a me interessar muito sobre cultura indígena da Amazônia. Eu comecei

a estudar os Yanomami em inglês, na Inglaterra, comecei a estudar eles de dentro pra fora. Quando eu cheguei aqui, em 2009, em vim e organizei uma exposição e eu já estava com uma pesquisa um pouco mais avançada, já estava começando a pintar coisas da cultura deles, vincular com natureza e procurar mais conhecimento. Então eu chamei o Davi Kopenawa [Yanomami] e o filho dele, o Dário, pra nomear e interpretar a exposição que eu tinha feito. Então a gente expôs juntos aqui, foi a coisa mais linda. E daí começou a minha amizade com eles e a parceria também. Quais são as técnicas e as linguagens que tu utiliza no teu trabalho?

Eu gosto de falar a palavra mix mídia, porque ultimamente o resultado é mix mídia, porque eu misturo acrílico, eu misturo desenho com pintura para chegar onde eu quero chegar. Mas eu pinto bastante com acrílico, gosto muito de pintura. Mas desenho e fotografia também fazem parte da minha produção. E o body art, que agora pulou da tela para a pessoa. É mais experimentando também a instalação, eu adoro instalação. Eu gosto muito de criar o personagem e de falar do aspecto da natureza que está dentro de cada um. Não interessa quem tu é, se tu é índio ou não, alguma parte do teu ser vai estar conectado ao local de onde tu veio, que é a natureza. Então eu tento, de uma forma ou outra, expandir essa mensagem através do material que eu tenho em mãos. Ultimamente, eu estou querendo pintar pessoas, como se tivesse que tirar a natureza de dentro pra fora dela.

Eu fiquei interessada em saber sobre o teu conceito de mix mídia. Fala um pouco mais sobre isso.

Quando você começa, a mídia é o meio. O que é? É pintura? É fotografia? É carvão? É desenho? Então, digamos que eu comece com carvão, daqui a pouco eu pego os traços do desenho que eu quero. Está tudo sob controle, mas eu estou aberta a misturar os materiais e ver que reações vão ter, entendeu? Quando eu estava na escola, sempre falavam: “óleo e acrílico não se mistura”. Bem... sim, se a pessoa tiver o controle do que ela está fazendo, a arte fica tão aberta que tu começa a manipular as mídias, os meios que tu tem na mão ao teu favor, a favor da tua ideia, da onde tu quer chegar. Eu gosto muito de misturar os materiais quando estou trabalhando. Geralmente está tudo à minha volta. É como se o desenho fosse pedindo. Sai do teu controle, mas começa a te dar novas possibilidades. E como que é o teu processo criativo?

Eu geralmente vejo pronto. Aí, eu tento entender como que eu vou chegar naquele resultado que eu vi. É bem intuitivo. A peça me pede o que eu tenho que fazer para chegar no resultado que eu imaginei. Então, eu deixo aberto. Por isso é importante ter o domínio de quanto mais técnicas e maneiras de criar. É livre. Eu gosto de começar uma coisa e terminar ela para que eu possa ver, tocar nela. Eu gosto de ler sobre o que eu vou fazer, não só ler, mas ver alguma coisa, saber um pouquinho a respeito, até pra poder dar a minha visão.

Eu falo dos Yanomami, mas os Yanomami me abriram os olhos para olhar como que todo o povo vai fazer isso. Então, em todos os lugares que eu vou eu tento ouvir as pessoas nativas do lugar, depois vem a forma plástica que a nossa sociedade deu pra isso. Eu tento sempre ir à fonte pra tentar pegar o mais puro possível para dar uma resposta contemporânea para aquele assunto. E qual é o ambiente que tu curte trabalhar?

Geralmente quando estou sozinha. É porque eu acho um processo muito incerto até você chegar no resultado final, nem você sabe direito aonde você vai ter que mudar ou o que vai acontecer. É bem pessoal. Eu me sinto exposta quando estou criando de verdade e alguém entra ali, me perguntando coisas com a expectativa que eu não tenho, porque a minha expectativa tá junto com o processo. Eu gosto de solidão pra criar. Às vezes eu vou pro Tepequém, que é uma casinha que eu estou construindo agora, que é em uma montanha daqui bem linda, aí eu fico lá, mas geralmente é a solidão. A arte ela é bem... uma profissão bem solitária. E essa mulher? Que linda.

É uma mulher com um pássaro na cabeça. Eu sempre ponho um elemento da natureza, mesmo que ela esteja toda enfeitada com batom, com bolsa, na cidade. Esse é o link que eu gosto de fazer: entre o que a gente tem na Amazônia, com os grandes centros. Você não precisa

estar na Amazônia ou ser da Amazônia ou estar perto ou longe de uma floresta pra entender ela e saber que ela está lá pelo menos, entendeu?

sempre. Me ensinaram a me inspirar na natureza. Eles falam que os espíritos gostam de mim (risos).

Então, meu trabalho fala bastante sobre isso, sobre a conexão, esse fiozinho invisível que existe, que as pessoas sabem que está lá, mas, uma hora ou outra a gente tem que falar e isso faz bem pra pessoa, ela não se sente tão isolada. Isso é uma parte humana da gente bem boa, que faz as pessoas que moram em uma cidade grande fria sentirem um certo conforto. Eu tento levar o máximo que eu posso para esses grandes centros também.

E tu escreve sobre o teu trabalho?

Eu gosto de escrever. Eu gosto de usar frases junto com o que eu crio também, porque é parte da ideia, né? Da criação. Às vezes, a palavra também escapa da imagem. Eu gosto de misturar.

O que quer dizer wataperarioma? [palavra escrita na parede do studio da artista]

Essa minha amizade com os Yanomami me geraram dois nomes. Eu tenho meu primeiro nome, Mirena, que foi o Davi que me deu. Mirena quer dizer espelho, então todos esses conceitos eu respeito pra caramba. Eles tiraram de algum lugar isso. A branca que consegue ver o que a gente faz e refletir para os outros sem mentir. Então, partindo desse principio, tudo é genuíno, eu sempre pergunto: “Tá certo? É assim? É desse jeito que vocês querem falar?” Porque eu só sou um instrumento, uma ponte. Muito lindo que eles deixam eu ser essa ponte. Então, eu tento ser transparente como água. E o meu outro nome foi o Julio Goes, que é um outro xamã lá do Pico da Neblina, que também me deu esse nome, Wataperarioma. E eu acho tão fofinho porque é espontâneo demais esse carinho, eu respeito demais, essa amizade nossa é pra

Eu gosto muito de criar o personagem e de falar do aspecto da natureza que está dentro de cada um. Não interessa quem tu é, se tu é índio ou não, alguma parte do teu ser vai estar conectado ao local de onde tu veio, que é a natureza.

Carmezia Emiliano

CARMEZIA EMILIANO

Como que a senhora começou a trabalhar com arte?

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CASA ATELIÊ DA ARTISTA, EM 20 DE MARÇO DE 2015.

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(MALOCA DO JAPÓ, NORMANDIA-RR,1960)

Eu comecei a pintar olhando, visitando os outros artistas. O Eliakim me deu tela, pincel e a tinta. Aí eu comecei. Pensei: “Será que eu vou pintar?” Aí eu pintei um buritizeiro em 1992, eu fiz a primeira tela. Aí, comecei a retratar minha cultura indígena, como é que a gente vivia antigamente, para não acabar a cultura. Eu fui colocando na tela, passando pra tela, pra não acabar a história do povo indígena, a cultura deles. A senhora é Macuxi?

Sou Macuxi. E a senhora aprendeu olhando assim, ou teve alguém que lhe ensinou?

Não, eu aprendi assim mesmo, olhando as paisagens, a natureza. Como eu vivi no interior, eu tirei mesmo da memória. A pintura vem da minha memória.

O que a senhora gosta de pintar? Quais são os temas que estão sempre nos seus quadros?

A senhora primeiro tem aquela imagem na cabeça e depois pinta, como é?

Eu gosto de pintar a minha cultura indígena, as índias fazendo beiju, farinha, desfiando algodão, fazendo comida, dança. É isso que eu gosto de retratar: as paisagens, as lendas dos antigos, a lenda das malocas onde eu vivia, onde eu cresci. Eu ando por aí visitando as outras malocas aí eu retrato as histórias, tudo são Macuxi. Eu retrato só mesmo a cultura indígena Macuxi.

Não. Eu passo já pra tela mesmo. Eu tenho ideia pra colocar na tela já. Vou desenhando primeiro, aí depois eu vou pintando. Uma tela eu demoro quase duas semanas pra pintar, porque meu trabalho é tudo bem feitinho.

E qual o material que a senhora usa para pintar?

Eu uso tinta óleo e acrílico também, mas o acrílico eu parei de usar, estou usando só óleo mesmo. Usava também pigmento natural, mas agora estou usando só mesmo óleo. E a senhora já foi bastante premiada, né? Conta um pouco como foi isso.

Foi. Já é a quinta vez que fui premiada na Bienal de Arte Naïf Brasil. Eu não esperava ser premiada assim, ser conhecida pelas minhas obras. Teve um homem que me inscreveu pra essa premiação, o nome dele é Augusto, ele mora em Brasília. Ele me inscreveu em 2006. Aí, as pessoas começaram a me conhecer através do meu trabalho. Agora estou começando a fazer as obras para fazer exposição em 2017, em Brasília. Aí, eu estou retratando as lendas e histórias do povo indígena aqui de Roraima.

E aquela sua tela que eu fotografei?

Eu pintei já contando história do Monte Roraima. Porque a Árvore da Vida tinha Dois Irmãos. Esse primeiro quadro que eu pintei também sobre o Monte Roraima, A Lenda da Árvore da Vida, foi premiado. Em 2006, eu inscrevi dois trabalhos, foram premiados os dois. Tinha uma árvore grande, cheia de fruta que o pessoal não podia colher. Aí, Dois Irmãos resolveram derrubar, cortar, pra comer as frutas, aí eu pintei isso aí, cheio de passarinho, cheio de índio colhendo as frutas já caídas. E a senhora faz parte do coletivo dos artistas indígenas?

Sim, eu faço exposição. O Jaider me convida pra fazer exposição. Agora eu estou me preparando para fazer exposição ali no shopping. Eu não sei se eu vou fazer, porque meu trabalho demora pra enxugar, pra fazer, não é aquele trabalho que qualquer um faz, não.

A senhora tem um trabalho com o circo também, né?

E a senhora gosta de trabalhar nesse cantinho aqui?

É, meu marido trabalha com artes circenses. Quando eu o conheci ele não tinha circo, ele trabalhava sozinho, particular, em aniversários, animando festas. Aí, eu conheci ele, casamos e eu tô vivendo com ele há mais de vinte anos. Agora a gente tem um circo, a gente vive de artes circenses também. Meu trabalho também, de vez em quando eu vendo minhas obras. A gente não tem emprego certo, nossa renda é dos quadros e do circo. Meus filhos trabalham no circo, o circo é só da família. A gente vai pra Venezuela com o circo, pra Santa Helena, né? A gente viaja pelos munícipios, Pacaraima,Normandia, Caracaraí. A gente viaja pelos interior. A gente vive assim, viajando, conhecendo os outros amigos, os outros artistas também. A gente vive assim, de arte.

É. No chão, na cadeira, em pé, de todo jeito eu pinto, agora falta fazer meu ateliê. Devagar eu vou vendendo as obras e vou construindo meu ateliê.

Qual é a sua rotina de trabalho aqui com os quadros? A senhora pinta todo dia?

Eu trabalho todo dia. Tem atividade de casa também, eu tenho mais tempo a tarde. Aí, eu pego minhas obras à tarde, às vezes de manhã um pouquinho. Aí vou produzindo. Eu gosto de trabalhar sozinha, eu não gosto que ninguém fique olhando pra mim. Eu gosto de trabalhar sozinha, só escutando música. Eu abro o rádio, fico escutando aquelas coisas e viajando nas minhas obras. Pintando, viajando na obra, ao mesmo tempo eu estou viajando lá para criar outro desenho. Aí, quando termino de pintar, eu vou desenhar. Aí já pensei o que eu vou fazer. É assim.

Isaias Miliano

Isaias Miliano (Uiramutã-RR, 1971)

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Qual é a sua etnia?

ATELIÊ DO ARTISTA, EM 24 DE MARÇO DE 2015.

Meu pai é Macuxi, minha mãe é Patamona, que é uma outra etnia que fica entre as duas fronteiras. Eu me considero mais Patamona mesmo, acho que é onde está a veia artística e essa coisa toda. Ela até hoje é a minha inspiração. Fui saber dos meus avós, dos meus tios, todos tinham uma veia artística, então, eu acho que daí que veio. Os índios Patamonas eles falam inglês, espanhol, português e a língua patamona. São da região da Guiana, na região da fronteira onde falam várias línguas. Vira um caldeirão cultural aí, né? De línguas, de cantos, de falas. Eu nasci nessa fronteira doida aí. Como tu começou a trabalhar com arte?

Com doze anos eu me mudei para Porto Velho, meu pai morava lá. E era muito engraçado porque meu pai queria me levar pra ver, pra trabalhar com ele, era época do garimpo lá. E eles garimpando lá e eu coletando as raízes. “Meu filho é louco! A gente aqui trabalhando e ele coletando raiz!”. Eu já tinha a veia. Conheci um mestre lá, quando eu tinha uns dezesseis anos, o mestre Ramos Oleiro, um mestre da arte. Ele ainda está vivo, acho que vive em Pimenta Bueno. E ele me deu a direção. “Olha, está aqui a pintura, escultura, madeira, cerâmica...”. Fiz cerâmica um tempão com ele, hoje eu não faço mais.

Durante três anos estive lá com ele, num barracão de arte. Ele que me indicou as direções. Depois me disse: “Olha, tá bom, tá pronto. Pode ir embora”. E aí, eu não parei mais de produzir. Hoje eu escolhi trabalhar só com madeira, pintar alguma coisa, fazer mais produção voltada para a instalação, eu gosto muito de instalação. Mas isso depois de outras trajetórias, né? Porque eu comecei isso, voltei pra Boa Vista pra desenvolver o trabalho, não consegui desenvolver o trabalho, fui para uma escola dar aula de arte, dei aula durante uns dez anos, esqueci um pouco do meu trabalho, da minha produção. Aí, dei um tempo e passei a desenvolver só o meu trabalho: grafismo rupestre da Amazônia. Com um outro olhar, um outro tema, com os tribais, em busca das pinturas corporais dos povos de Roraima, da maioria das etnias, tentando transformar isso na plástica, trazendo para as pessoas verem, dos sítios arqueológicos também, trazendo para as galerias, enfim. Mas pra fazer tudo isso, tive que andar, viajar, pra depois jogar na madeira, na pintura. É um trabalho que eu gosto e até hoje não parei. Expus muito aqui em Boa Vista, com os artistas daqui. Foram várias exposições coletivas e individuais, aí desisti um pouco de Boa Vista e fui fazer um trabalho na bacia amazônica, de começar a expor por Macapá, Belém, Manaus, depois Brasília. Depois fui expor em São Paulo e fiquei por lá cinco anos, fazendo um trabalho de intervenção urbana também e várias coisas... com instrumentos também, personalizando, fazendo murais, tudo com esse tema. Depois resolvi voltar, de novo (risos) e voltei pra montanha, Pacaraima, desenvolvendo um trabalho de arte lá na fronteira, intervenção urbana também, mas agora com

as comunidades indígenas. Oficinas em comunidades indígenas, trabalhando esse lado da madeira, da pintura, da argila... e agora voltei para Boa Vista. Qual foi a tua relação com a madeira pra tu curtir ela e estar nela até hoje?

(Risos). Quando eu enjoei de trabalhar com cerâmica, eu passei seis meses sem produzir. Fui para as montanhas, lá para onde eu nasci, no Uiramutã, e quando eu voltei, recebi um convite para trabalhar no Senai, com madeira. E eu fui lá e tinha tudo para eu trabalhar a parte tecnológica da madeira. Tinha, na época, um tema que era chamado de Roraima Ouro Verde, que eles tinham um projeto de desmatar mesmo, transformar em pasto, detonar tudo e tinha muita marcenaria, muito lixo de serraria e eles não estavam nem aí, jogavam na rua, em qualquer lugar. E eu na época passei a fazer uma campanha de que podia reaproveitar. E era um tiro no pé, porque eu trabalhava no Senai, que era uma instituição que tinha uma serraria e uma marcenaria da federação das indústrias, e eu dentro dizendo não, que não podia fazer aquilo. Daí eu passei a trabalhar só com o cedro, que é uma madeira que já está entrando em extinção e ninguém planta, não tem nenhum trabalho científico em cima. Eu passei a dar mais atenção e desenvolver um trabalho com o cedro, porque até aí era o que mais tinha na rua, até hoje tem aí. E hoje com essa mudança, essas novas construções, eles estão reformando e jogando fora, na rua. Eu continuo coletando o mesmo cedro daquela época.

Em 2005, eu faço uma exposição grande dentro do Senai contando essa relação entre eu e o resto que vocês derrubam. Deu um choque na época, dei um tiro no pé na frente de todo mundo, pensei: “Os caras vão dar minhas contas” (risos). Mas eu não deixei eles me darem não, eu fui lá e pedi minhas contas. Em 2002, tem uma empresa de fora, chamada Neo Eventos, de Brasília, que vê esse trabalho e resolve investir. E aí, eu participo das grandes feiras da Amazônia, inclusive as de Roraima, que era a Amazon Tec na época. A empresa comprou o stand pra mim e eu vou expor e apresento esse trabalho pra sociedade roraimense e dou um susto em todo mundo, que era de que tudo que eles jogavam fora, tacavam fogo, podia ser transformado em arte, objetos de arte, decorativos, utilitários, enfim. Eu não sou contra o desmatamento, acho que tem a época certa de tirar, de aproveitar. Então, até hoje meu tema é esse, eu conto a parte científica do cedro, pra quê ele é usado, quanto tempo dura para nascer uma árvore, de que forma... é no tempo dele. Não é você querer plantar um cedro, o cedro é raro. E aqui em Boa Vista tem todas as espécies e não tem nenhum trabalho científico voltado pra isso. Quando tu fala que conta a história do cedro, como que você conta essa história?

Falo da parte científica, do que pode ser extraído. Perfume amadeirado... O cedro é uma madeira que pode ter várias funções e as pessoas jogam fora aqui, não tem nenhum valor agregado pra eles. O cedro só nasce no final do inverno, ele solta uma sementinha tão pequenininha, aí

o vento leva, vai decidir onde vai cair essa semente, tem que ter um alagado, se não tiver um alagado ele vai morrer. Nossa, é uma história para o cedro nascer e as pessoas não dão esse valor aqui. Tem o cedro doce, o amargo, o cedrinho. Nesse trabalho com o cedro, eu pego todo esse trabalho científico, coloco para um lado, pego o tema arqueológico, dos grafismos indígenas dos povos, pra quê é usado aquele grafismo: um ritual de casamento, um ritual da roça, um ritual de guerra, um ritual fúnebre. Todo o grafismo ele tem uma linguagem pra eu poder pegar e lançar num trabalho, em um entalhe e contar a história de cada personagem que foi colocado ali. E eu estou com um tema agora chamado Mandala, porque eu uso dois temas: é um sol e uma estrela dos sítios arqueológicos daqui e em volta com os grafismos. Então, essas três semanas eu estou focado nesse trabalho, montando e remontando, e montando... e contando essa relação do sapinho com o macaco, depois com o índio que come o macaco... (risos). O macaco ele usa o sapinho, o veneno do sapinho.... (risos). Tá todo mundo ligado aí entre os três. Como é o teu processo criativo?

Tem o exercício, né? Não dá pra chegar direto. Às vezes eu vou, mas antes eu faço alguns rascunhos pra saber se aquilo que eu quero. Faço algumas fotografias e a madeira também. Tem um processo bem lento. Pra mim fazer uma mandala, uma peça... vixe, é um ritual. Tem que dançar em volta, bolar ferramenta, acordar bem. Porque quando começo, não quero mais parar. Porque se eu parar, como é que eu vou

voltar para o mesmo ritmo? Porque depende muito do braço, da força. Tem todo um trabalho geométrico também. Antes eu riscava, hoje eu não risco. Como já estou há muito tempo fazendo, eu já levo direto. Depois, o resto é moleza pra mim. O cedro é muito macio, seco, né? Há mais de dez anos, vinte anos ali. E com os cortes precisos que eu dou, eu já tenho um tempo mais rápido de desenvolver. Às vezes eu passo dois dias para terminar uma peça. Então, nesses dois dias eu tenho que levar o processo como se eu fosse uma fábrica mesmo: tenho que acordar cedo, e arrumar tudo, e começar, e só parar cinco da tarde, seis da tarde. Aí, eu tenho uma peça pronta já. Aí, posso sair na noite e ficar feliz. No outro dia, volto porque tem o acabamento. Se é pra montar uma coleção dessa que eu tô montando, duas semanas, três semanas... todos os dias tenho que fazer força, poeira, tinta... eu só uso cera, já eliminei o verniz. E o que te inspira, Isaias?

A natureza, né? Eu vivo envolvido com ela. Natureza. Mulheres bonitas. Agora eu estou solteiro, mas sempre rola umas intervenções românticas que inspira muito, né? (Risos). É verdade. Artistas, amigos, família. Amigos, amigos. Tudo isso me inspira.

O cedro só nasce no final do inverno, ele solta uma sementinha tão pequenininha, aí o vento leva, vai decidir onde vai cair essa semente, tem que ter um alagado, se não tiver um alagado ele vai morrer. Nossa, é uma história para o cedro nascer e as pessoas não dão esse valor aqui. Tem o cedro doce, o amargo, o cedrinho. Nesse trabalho com o cedro, eu pego todo esse trabalho científico, coloco para um lado, pego o tema arqueológico, dos grafismos indígenas dos povos, pra quê é usado aquele grafismo: um ritual de casamento, um ritual da roça, um ritual de guerra, um ritual fúnebre.

Edinel Pereira Como que tu começou a trabalhar com arte?

Edinel Pereira (Mucajeí-RR, 1965)

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ATELIÊ DO ARTISTA, EM 30 DE MARÇO DE 2015.

Foi de lá desse município [Mucajaí] que saiu toda essa história. Porque tudo que eu via lá, eu queria reproduzir, queria desenhar. Nasci em uma família muito pobre de agricultores. Nós éramos dezoito irmãos... e eu sempre fui muito curioso, tudo que eu via, eu queria retratar. E começou a despertar isso porque na época minhas irmãs faziam curso de pintura com as irmãs da igreja e elas faziam aquelas pinturas em pano de prato. E eu era criança ainda, mas eu ia com elas pra fazer aquele borrão no carbono, pra desenhar, pra ajudar elas. Aquilo foi me despertando. Eu sempre carregava uma tinta, um pincel, levava pra casa e queria pintar. Mas eu sempre gostei de trabalhar, de pintar com as questões que a própria natureza oferecia.

Eu vim conhecer uma tela já adolescente, eu só pintava em restos de madeira, em restos de coisas vegetais, em capemba, essas coisas assim. Aí, o pessoal dizia: “Você não é um artista”. E eu ficava preocupado com aquilo. Mas depois que eu vim conhecer uma tela, eu não achei aquela maravilha. Hoje eu continuo desenvolvendo trabalhos com reaproveitamento de resíduos porque eu não achei tanta graça numa tela. Depois que eu conheci uma tela, eu fiquei pensando: qual é diferença de uma tela pra um pedaço de papel, pra um pedaço de madeira? Hoje eu continuo fazendo. Eu pinto muita tela, mas na maioria dos meus trabalhos eu busco trabalhar reutilizando sobras de madeira, de compensado, de MDF... A última exposição que eu fiz era só sobre persianas de janelas. Eu pinto em cúpulas de parabólicas... eu gosto de trabalhar assim. Em 86 eu fiz questão de mostrar que eu era um artista e fiz questão de expor meus trabalhos na região onde eu nasci, lá onde foi que surgiu, no Mucajeí. Aí eu fui, passei um mês, eu já morava em Boa Vista, aí eu fui pra lá, fiz coleta de materiais e fiz uma exposição que o tema era Raiz, porque foi de lá que partiu toda a minha vivência, esses conhecimentos foi lá. E tu estava falando antes que trabalhava com teatro. Como foi essa história?

É porque a gente sempre teve essa veia artística, né? Eu não tinha muito conhecimento, mas a gente fazia aquele teatrinho de igreja.

A gente tinha o Grutec, que era um grupo dos irmãos e dos amigos. Enquanto meus amigos estavam responsáveis por atuar, eu era responsável pela cenografia, pelo figurino, por essas questões que era mais da plasticidade. Mas às vezes eu atuava também. Fala um pouquinho mais desse seu trabalho com reaproveitamento de material.

Eu sempre gostei de trabalhar com reaproveitamento, porque a primeira matéria-prima que eu comecei a trabalhar na minha vida foi a areia. Meus pais não tinham condições de comprar uma tela, essas coisas, então eu tinha que trabalhar com a matéria-prima que estava nos meus pés. Até hoje eu utilizo a areia de várias maneiras, tanto em tela, em disco de vinil, garrafas, caixas. De primeiro, quando eu era criança, nem cola a gente tinha, a gente usava grude, a mamãe usava aquela goma e eu passava nos papéis de cimento, que a gente colhia pra utilizar. Meu pai era agricultor e na época não tinha saco e a gente fazia os sacos a partir das camadas dos sacos de cimento, que são várias camadas. A gente tinha que fazer os sacos pra atender os clientes. E ali eu fazia desenhos com areia, com carvão... eu sempre estava desenhando. Além de vender o produto, ia uma arte junto no saco. Meu pai falava: “Para de fazer isso menino! Tu não tem o que fazer não? Fica riscando os sacos dos clientes”. Mas eu sempre estava lá, desenhando, querendo deixar alguma marca minha. Foi daí que surgiu toda a história.

Edinel, como é o seu processo criativo?

Qual o ambiente que você gosta de trabalhar?

Eu adoro desafios e adoro também retratar minhas questões regionais. A natureza, os nossos lavrados, os buritizeiros, a flora, a fauna... eu gosto muito de explorar essas questões. Mas o que vier eu tento passar pra tela. Geralmente nas minhas exposições eu não gosto de colocar só as telas, eu gosto de fazer as instalações com a temática que abrange a exposição. Desde criança eu venho desenhando e todos os rabiscos que eu fiz nas sobrecapas de cadernos e outros suportes eu guardava. Uma vez eu fui participar de um concurso e, folheando esses rabiscos, eu pensei: “rapaz acho que vou passar isso pra uma tela” e passei. E não é que eu ganhei o concurso! E era um desenho de oitenta e pouco.

Pra mim não importa. Eu gosto de pintar quando eu estou com raiva, eu gosto de pintar quando estou alegre, eu gosto de pintar quando eu estou triste... já que eu não consigo me expressar bem falando, passar pras palavras o que eu sinto, aí eu procuro passar para as minhas telas. Se estou sentindo alguma coisa, o que eu pinto ali acaba se referindo a alguma situação que eu estou passando no momento. Tem vezes que de repente vem alguma coisa, aí eu jogo na tela.

E você é autodidata?

Sim, nunca tive aula. Pra não dizer que nunca tive, uma vez quando eu vim pra cá, já adolescente, minhas irmãs já estavam aqui pra terminar os estudos. Aí, tinha uma mulher dando uma aula de pintura e minha irmã mesmo que me inscreveu nesse curso. Quando eu cheguei lá, eu fiquei decepcionado porque a mulher queria que a gente fizesse só cópias! E eu acho horrível a gente fazer cópias. Por isso hoje quando eu dou aula eu não levo nada meu, porque eu gosto de ver o potencial de cada um, a parte criativa.

DALMIR FERREIRA

Dalmir Ferreira

(SERINGAL BOM DESTINO, PORTO ACRE-AC, 1952) ATELIÊ DO ARTISTA,

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{ 27 de junho de 2014.

Fala um pouquinho de onde tu veio.

Eu nasci no início da década de 50, num seringal e foi no seringal que eu vivi os melhores anos da minha infância. Foram seis anos que eu vivi lá. Foi muito interessante, porque a despeito de que hoje, a gente que vive aqui em Rio Branco, acha que é um lugar um pouco atrasado. Não era. O seringal, o Bom Destino, ele tinha, naquela época, melhores condições do que aqui. Tem uma série de coisas que eram bem próprias daquela época e de alguma forma eu trago ainda algumas influências daquele tempo. Algumas vezes eu me pego, não sei se é a idade que tá chegando, eu me pego pensando em algumas coisas que eram muito interessantes naquela época, naquele tempo. No seringal havia um costume em casa de vestir o bule com uma vestimenta de frio

que depois eu soube que era para conservar o calor do café, do chá, e aquela vestimenta transformava o bule num galo, numa coisa assim, e aquilo mexia com a minha criatividade, mas eu ficava, principalmente, divertido com aquilo. Como que tu começou a trabalhar com arte?

Foi quando eu estava em Manaus. Nós chegamos em 58 e em 60, eu comecei a fazer um curso de arte, porque foi uma espécie de castigo e ao mesmo tempo de aposta que o papai fez. Eu desenhava muito bem. Uma vez eu desenhei uma barata que o papai tentou matar na parede e era um desenho... aí ele descobriu que eu estava querendo fazer um curso na Escola Panamericana de Artes, era um curso por correspondência. Porque em Manaus tinha muito pouco cursos de arte. Não sei se você sabe, mas o Brasil era Brasil e a Amazônia não era Brasil. A Amazônia era de Portugal. Foi uma Carta Régia que integrou a região norte ao Brasil. Belém era a capital do Grão-Pará. O Grão-Pará não prestava contas ao Rio de Janeiro, prestava contas à Lisboa. E os portugueses não tem muita fama de terem desenvolvido as artes. As artes que eles desenvolveram foram as humanidades. Eles desenvolveram muito a poesia, essas coisas, mas as artes visuais, eles fizeram, mas não com o viço, com o esplendor que outros países encontraram. E eu acho que isso se estendeu pra cá, porque de alguma forma a região norte não tem como qualidade grandes expressões, embora, claro, tenha. A arte que foi grande destaque foi a fotografia. A fotografia se desenvolveu num nível tão grande em Belém que era melhor do que em qualquer

outra região do país. Os melhores laboratórios de fotografia estavam em Belém e não no Rio, em São Paulo. Eu sempre gostei das artes. Das artes visuais, principalmente, porque foi a que eu desenvolvi mais precocemente. Mas tem as outras também. A poesia, eu adoro poesia, leitura. Uma das áreas que eu me interesso muito é a memória, patrimônio histórico. A gente sabendo de onde a gente vem, com certeza a gente sabe para onde vai. O que eu deveria ter feito era ter ido para um lugar mais evoluído, onde talvez eu tivesse desabrochado com mais vigor. Eu já estive por aí. Já estive muitas vezes fora daqui. Estudei em São Paulo, mas nunca me passou pela cabeça em me radicar efetivamente fora daqui da Amazônia. E na Amazônia eu andei muito, na época de topografia eu andei muito. Eu não sei. Eu acho que eu aprendi a gostar daqui. Mas na área cultural eu gostaria que a gente tivesse mais do que a gente tem. Eu gostaria de ver o Teatrão funcionando, eu gostaria de ver uma galeria aberta, eu gostaria de ver uma biblioteca não tão bonita assim, mas com um acervo... uma biblioteca o que ela tem de bonito são os livros. Como é o seu processo criativo?

De alguma forma, eu tenho várias motivações que se diferenciam. Por exemplo, eu tenho época que eu tô escrevendo poesia e não tem espaço pra pintura, e raramente eu pego em uma caneta para fazer esboço. De

qualquer maneira, não tem uma semana que eu não pegue e faça, por uma questão até de obrigação. É muito complicado a gente não ter uma cobrança, porque quando a gente não tem uma cobrança, a gente simplesmente não faz. Quando tem um concurso, quando tem uma exposição, quando tem um convite, quando tem um amigo que te pede para fazer um trabalho sobre um dado assunto, ou algo assim, eu fico satisfeito e ao mesmo tempo preocupado porque normalmente a gente tem prazos. Ajuda muito você ter essa obrigação, ter quem cobre de você. É isso que faz o artista, é o compromisso de ter que fazer alguma coisa. Já corri pra fazer portfólio, para participar, e no final das contas eu sabia que eu estava fazendo só para aproveitar a oportunidade, eu sabia que não ia passar, não ia dar em nada, mas eu faço assim mesmo. Tem muitos que simplesmente eu olho, tem toda a possibilidade, e eu digo “não, eu não vou fazer. Não vou fazer porque eu não quero”. Quando a idade vai chegando, aí você já começa a ficar enjoado com você mesmo. “Eu não vou pintar isso aí não. Estou com um livro aí que é uma beleza, eu prefiro ler”. A vontade de fazer alguma coisa passa. A gente não está aqui para esperar. Ninguém vive de espera. Eu não sei esperar nada, eu sou muito esquentado. Se a gente tem algo a fazer, ou a gente faz ou vai fazer outra coisa. Mas esperar é uma coisa muito ruim. É assim que eu sou em termos de me preparar para fazer alguma coisa. Um trabalho de arte nunca me leva a vida toda. Ele me leva até uma semana antes. Eu tenho que escolher um tema e deixar tudo preparado, porque em uma noite eu sei que faço, eu sei que pegando com

dedicação eu faço, eu sou capaz de fazer. É difícil, mas se ela estiver na cabeça eu faço. Se eu ensebar demais... o tesão de uma pintura pra mim é a feitura e não o produto final. Eu gosto da arte contemporânea. Gosto. Embora não suporte a carga de enganação que ela trás. Muita coisa que não é nada. Que não exige esforço nenhum e que acho que nem quer dizer nada. Mas como é que a gente vai saber que uma coisa não quer dizer nada, né? (risos).

Eu sempre gostei das artes. Das artes visuais, principalmente, porque foi a que eu desenvolvi mais precocemente. Mas tem as outras também. A poesia, eu adoro poesia, leitura. Uma das áreas que eu me interesso muito é a memória, patrimônio histórico. A gente sabendo de onde a gente vem, com certeza a gente sabe para onde vai.

IVAN CAMPOS (RIO BRANCO-AC, 1960)

{ Conta pra mim essa história de novo Ivan, agora gravando.

A arte entrou na minha vida por intermédio da minha mãe. Porque na época que eu tava internado ela desenhava no forro das carteiras de cigarro, aí ela me dava. Desenhava muita mulher pelada, tomando banho dentro de bacias. Minha mãe desenhava bem mulher pelada. Minha mãe nunca estudou desenho, é uma coisa que vinha com ela, né? Ela ia desenhando e me dando. Eu tinha um pacote assim de desenho e ficava vendo aquelas mulheres peladas, eu tinha oito anos de idade e tinha aquilo comigo. E aquilo veio ficando comigo. Quando eu saí do hospital - eu fiquei nove meses internado com tétano, quase morri - já saí com aquela vontade de aprender a desenhar.

CASA-ATELIÊ DO ARTISTA, EM 2 DE NOVEMBRO DE 2014.

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Ivan Campos

E eu gostava também de ler gibi. O meu irmão disse que quando eu aprendesse a ler, ele ia me dar gibi. O primeiro gibi que eu ganhei foi um tal de Brasinha, não sei se tu conhece o Brasinha. É um satanazinho que anda de tridente e fraldinha. Aí, eu passei a gostar de desenho e história em quadrinho e aquilo me motivou muito. Foi quando eu comecei a desenhar pra minha mãe bordar. Desenhava muito caju e tomate pra ela bordar. Aí nesse tempo, eu fui pegando mais conhecimento de desenho, eu fui estudando com outras pessoas. Eu estudei com o Jaider Damasceno, foi um dos caras que me iniciou, hoje ele nem pinta mais. Eu só trabalhava em preto e branco. Eu vim começar a trabalhar com cor, eu já tinha vinte anos de idade. Eu até tenho assim que evoluir um pouco dentro da pintura, na cor, tá muito atrasada pra mim, a minha evolução, pra onde eu quero chegar. Eu estou fazendo outros trabalhos com figura humana, aí eu faço outros estudos em cima disso. Porque pra mim é fácil pintar o meio ambiente com a luz que o meio ambiente dá, agora trabalhar como trazer aquilo ali já está sendo mais difícil. Requer muito estudo acadêmico, essas coisas todas, e eu nunca frequentei uma academia de Belas Artes, eu venho “pingando por cima da pedra”, só pela força de pintar mesmo, entendeu? Tu quer que fale o que é arte pra mim? Porque assim, arte pra mim é uma coisa muito profunda, não é simplesmente pegar umas tintas, um pincel, um pano e... quer dizer, a arte, ela não tem um caminho apontando, a pessoa é que vai escolher um caminho ali dentro da arte pra... Tu tá entendendo o que eu quero dizer? São várias ramificações que a arte tem, né? Dentro da pintura, então...

Tu tem uma pintura de bota, né? Qual que é a história?

Tenho. Tá até com o Danilo [de S´Acre] essa pintura. Um colega meu chegou e disse pra mim: “Rapaz, tu só pinta com essas tintas de tecido aí, mas tu não pinta com óleo não. Tu não sabe pintar com óleo não. O óleo é que é o material dos grandes pintores”. E virou as costas e foi embora. E eu fiquei com aquilo na cabeça. Aí, fui na rua e comprei umas bisnagas de óleo, aí fiquei olhando pras bisnagas... “o quê que eu vou pintar com isso?”. Aí, olhei e tinha um par de botas meu na porta da casa. Aí eu pensei: “vou treinar com essas botas”. Eu gosto muito de botina, quanto mais velha pra mim melhor. Aí, comecei a pintar, pintar, aí por trás tinha uns tênis dos meninos, aí começou a entrar a luz do sol pela porta, era de manhã cedo, bem cedinho. Aí, aproveitei a cena e pintei. Aí um dia o Danilo foi lá em casa e gostou. Aí me convidou pra uma festa na casa dele e eu não sabia que era o aniversário dele. Aí eu cheguei lá e todo mundo trazendo presente pra ele. Eu fiquei assim... voltei pra casa e contei pra Ana. Aí ela disse: “rapaz como tu faz uma coisa dessa? Leva aquelas botas que tu pintou que o Danilo também gosta de bota”. Aí ficou lá com ele. Tu chegou a ver? Cheguei sim.

Ficou bonita? Ficou sim.

Foi mesmo? Rapaz, o Danilo vasculha muito a internet. Por lá ele achou uma pintura do Van Gogh e disse: “Rapaz, é idêntica a que tu pintou”.

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Mas eu nem sabia. Ivan, o que te inspira a pintar?

Talita, esses dias tem sido assim tão seco, deserto pra mim. Tá ficando tão seco e deserto pra mim na pintura. Eu não tenho mais tanta inspiração como antes. Eu pinto assim mais por força de hábito. Anteriormente, a gente mais jovem, tinha uma série de coisas que traziam evolução pra mim, inspiração... O universo que eu vivia era tipo um vulcão, sempre em erupção, saía pra piseiro com outros, bebia, aquela coisa toda. Então, aquilo também favorecia de uma certa forma. Eu chegava em casa com a cabeça fervendo e ia pintar e tudo. Mas hoje em dia eu tô mais seletivo pra me inspirar e tudo. Eu tenho vontade de fazer pintura no sentido de pinturas angelicais, essas coisas. Eu nunca pintei uma Santa Maria, eu nunca pintei um São José. Pintura ambiental pra mim já é uma coisa bem desgastante, eu não tenho mais aquele gás. Eu acredito que o que tinha que fazer de pintura ambiental eu já fiz. Tu me perguntasse o que me inspira na pintura, né? Pra mim agora é só a vontade de pintar. A força de vontade pintar é o que me traz inspiração. Tem um horário específico que tu gosta mais de pintar?

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Rapaz, a minha família estranha se eu não estiver pintando. Eu estou toda hora pintando. Eu pinto todo dia da minha vida, é muito raro o dia que eu não pinto. É como vestir roupa. Se eles me virem nu, vão me estranhar, é a mesma coisa de me virem sem pintar. Tá entendendo o que eu tô falando? Bem, na verdade, se eu puder escolher eu gosto de

manhã, quando o sol tá saindo. É uma coisa mágica pra mim quando o sol está saindo. Como é o teu processo criativo?

Na verdade quem me direciona é o próprio trabalho. Eu não faço o que eu quero,não. É o que o trabalho vai dizendo que eu tenho que fazer. Às vezes eu fico puto com isso. Às vezes eu quero pintar uma flor e a flor não aparece, aparece um mato diferente. Quero pintar um inseto e saí um passarinho. Porra, eu nunca mando na minha pintura! Às vezes eu fico pensando que não sou eu que estou pintando, é uma outra força, uns outros seres que talvez movam os braços da gente. Eu fico pensando que pra fazer um movimento de braço tem muita coisa que faz aquela energia... né? Habitam muitas coisas dentro da gente. Como é o ambiente que tu gosta de pintar?

Como eu sou um pintor familiar, pinto em casa, eu já me acostumei com mulher, filhos passando pra lá e pra cá. Agora, se tiver uma outra pessoa, tu acredita que eu já me fecho mais? Uma pessoa alheia. Agora, eu gosto de pintar ouvindo música, eu mesmo faço a seleção. Que tipo de música tu gosta de ouvir?

Música instrumental. Mas ultimamente eu tenho gostado mais de música pro lado espiritual... vou ficando mais velho e já tenho que me preparar pra quando sair daqui (risos). Vou mais pro lado espiritual, que fala de Jesus, essas coisas e tal. Não dispenso as outras não, mas agora eu ouço mais esse lado aí, acredita?

Tu falando isso, eu lembrei que as pessoas dizem que as tuas pinturas parecem mirações do daime. Tu se identifica com isso?

Eu bebi tanto daime na minha vida que eu sinto que tá entranhado um pouco. Quando eu conheci o daime, foi na mesma época que eu comecei a trabalhar com pintura. Interessante isso. Mas eu não pinto quando eu tô em transe, não consigo mesmo, acho que nem dá. Fica lá ligado naqueles negócios, não dá pra pintar não (risos). Agora não vou dizer que não me auxiliou, porque tudo é experiência, de tudo a gente tira ensino, não é verdade? Fica a critério de quem vê a pintura e também tem a experiência com daime. Eu não bebo daime pra ficar doidão. Eu bebo pra vasculhar a minha consciência. Escavacar o que tem que escavacar e cobrir outras.

Tu quer que fale o que é arte pra mim? Porque assim, arte pra mim é uma coisa muito profunda, não é simplesmente pegar umas tintas, um pincel, um pano e... quer dizer, a arte, ela não tem um caminho apontando, a pessoa é que vai escolher um caminho ali dentro da arte pra... tu tá entendendo o que eu quero dizer? São várias ramificações que a arte tem, né? Dentro da pintura, então...

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Simone Bichara

SIMONE BICHARA (RIO BRANCO-ACRE, 1965)

Fala um pouquinho da tua história, Simone.

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Eu sou acreana do pé rachado, como o povo aqui costuma dizer. Sou filha de boliviano descendente de espanhol com sírio libanês. Desde criança eu sempre tive uma conexão muito forte com a floresta, sempre gostei das artes e pintava desde pequeninha. E isso veio da minha mãe, porque ela sentava com todos os filhos pra desenhar, pra pintar. E não só daí, eu tenho dois irmãos que pintam, que desenham. Com dezoito anos, quando eu fui trabalhar na Comissão Pró-Índio, depois na Funai, e entrei nas aldeias muito nova, sem falar nenhuma língua indígena e os índios também, naquela época poucos falavam português, só as lideranças, os professores e os monitores. E quando eu cheguei na mata, aquele silêncio, aquele povo maravilhoso e aquela energia fortíssima da floresta e eu sem falar a língua deles e eles sem falarem a minha língua, era muito silêncio mesmo, fora o silêncio da mata, você fica muito ali no centro da força da floresta. Então, eu comecei a ver, eu dei uma pirada, comecei a ver aqueles círculos completos, eu via inteiro, completo, com cores, formas, tudo. E como eu me envolvi muito com os índios, e os índios fazem os mariris, as festas, e nas festas tem as

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ESPAÇO GAYA, EM 9 DE SETEMBRO DE 2014.

pinturas e daí eu já comecei a pintar com eles, aprendi a pintar, a fazer os kenês, e pintava os índios e eles me pintavam. Foi uma sintonia muito forte. Eu achava que estava vendo o sol como o índio via, porque eu não conhecia a palavra mandala. Depois de muito tempo eu fiquei uma temporada em Brasília, pintando, e a Keila Diniz olhou um trabalho meu e disse: “nossa, você está pintando umas mandalas lindas”. Então, pela primeira vez eu escutei a palavra mandala e eu fui pesquisar. Eu acho que meu trabalho vai além do que é uma mandala. Se você pegar uma mandala tradicional tibetana, o meu trabalho vai além. O meu trabalho é em círculo e por isso as pessoas chamam de mandalas e eu mesma comecei a autodenominar de mandalas. Mas o meu trabalho é extremamente acreano, amazônico, florestal, brasileiro e todo centrado mesmo na energia da floresta, dos povos tradicionais, dos povos indígenas. E eu vejo também que tem uma conexão com a África, que é uma coisa muito forte em mim, na minha natureza. Eu costumo dizer que eu sou negra sim, eu me considero negra, eu não sou branca. E tenho essa profunda conexão com a Mãe África, é o berço da humanidade. E às vezes eu sinto que tem alguma coisa oriental, por ser em círculo, até pela minha descendência. Às vezes é como se eu pintasse vitrais em madeira. E aí assim, fiz minha formação holística de cinco anos em Brasília, em 96, e a conclusão do meu curso foi uma mostra de cinquenta obras, mais um projeto chamado Mandala Terapia. De lá pra cá, eu venho realizando muitas exposições em vários estados brasileiros

e no exterior. E eu não pinto só em círculo, o que eu faço, eu faço em qualquer formato, só que eu adoro o círculo, é difícil sair do círculo pra mim. Se você observar, quase tudo no universo que é poderoso e essencial à vida é em círculo: os planetas, o nosso olhos, os orifícios do nosso corpo, a roda, o poço... O círculo realmente é uma forma de poder, é uma forma de cura. A proposta essencial desse trabalho é levar para o mundo a energia da floresta. Antes de qualquer coisa, é isso. É chegar no Rio de Janeiro, São Paulo, Minas Gerais e colocar essas obras para aquelas pessoas que vivem naquele mundo tão urbano, tão concreto, tão de correria, tão de loucura, elas poderem ali, a partir daquela visualização, das formas, das cores, respirar e fazer a conexão com a floresta física e com a floresta sagrada. E como é o teu processo de trabalho, desde a ideia até a feitura da obra?

Eu tenho mania de reaproveitar tudo, eu não consigo jogar as coisas fora. Não é de apego, é porque eu acho que tem tanta gente precisando, porque eu vou estragar? Eu pensei: “poxa, já que eu gosto tanto dessa coisa de reaproveitar e o papel usado ele não tem valor comercial, valor artístico, o quê que eu poderia estar utilizando para também estar colaborando com essa questão da sustentabilidade?”. Aí me veio a coisa da madeira reciclada. Aí eu pinto na madeira reciclada. Tudo que eu faço é autodidata. Então a proposta, além de levar a energia da floresta, eu digo pro mundo que o tanto de mata que já foi derrubada a gente não precisa derrubar mais. Tem terra suficiente pra plantar e muita madeira

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caída no chão que você pode reaproveitar. A ideia é mostrar aquilo que eu faço, que eu recebo, porque, às vezes, eu deito e vejo a obra inteira, eu fico doidinha. Se a minha mão acompanhasse a velocidade da minha mente, eu teria trilhões de obras. Eu sou rápida, mas o meu trabalho é demorado. Eu não sou uma artista que pinta uma obra em um dia, uma semana. A maioria das minhas obras são de dois, três, oito meses. Eu sou rápida, mas é um trabalho muito minucioso. Então assim, é através da beleza, da arte, tocar as pessoas pro simples, pro belo, pra natureza, pra importância da floresta, dos povos tradicionais e a questão da reciclagem e do compartilhar. Além do teu trabalho como artista, tu mantém aqui o Espaço Gaya.

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Uma grande paixão minha desde pequena foi essa coisa da cura. Não é que eu seja uma curandeira, uma xamã, mas eu sempre tive essa fé, essa fé muita forte em Deus, nos seres da floresta, porque eu cresci vendo esses seres. Tinha uma mulher que ela ia na janela da casa da minha mãe todos os dias, com uma onça pintada, e ela levava leite pra gente tomar. E não era uma loucura da minha cabeça, porque meus irmãos lembram da mesma coisa. Eu cresci vendo caboclos, esses seres encantados, a rainha da floresta, para qual eu tenho uma verdadeira devoção. Mesmo fazendo faculdade de história, eu fui fazer holismo e depois fiz várias outras formações em renascimento, massagem ayurvédica, yoga, inúmeras coisas. E eu sempre soube que um dia eu ia ter um espaço que ia ser pra arte, pra educação e pra cura.

A proposta essencial desse trabalho é levar para o mundo a energia da floresta. Antes de qualquer coisa, é isso. É chegar no Rio de Janeiro, São Paulo, Minas Gerais e colocar essas obras para aquelas pessoas que vivem naquele mundo tão urbano, tão concreto, tão de correria, tão de loucura, elas poderem ali, a partir daquela visualização, das formas, das cores, respirar e fazer a conexão com a floresta física e com a floresta sagrada.

Danilo De S’Acre

danilo de s’acre

(COLÔNIA CUSTÓDIO FREIRE, RIO BRANCO-ACRE, 1958)

{

CASA-ATELIÊ DO ARTISTA, EM 18 DE ABRIL DE 2015.

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Como começou seu interesse pelas artes?

Acho que desde criança, esse universo criativo, né? Eu tinha esse contato com a natureza, com as selvas, eu me sentia muito observador. Observava muito as plantas, as nuvens, principalmente os insetos, os animais e a beleza da natureza. Acho que isso me influenciou muito. Depois demonstrei uma certa facilidade pro desenho, utilizava materiais bem primários mesmo, carvão, terra, areia, barro e comecei assim. A gente não tinha muitas condições de materiais, então a gente inventava, usava pasta de dente, mercúrio, coloral... os pincéis era aquele talinho de capim que a gente batia e fazia pincel. Era muito primário, praticamente pré-histórico (risos). E quando tu começou a querer realmente trabalhar com arte?

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Ainda na adolescência. A gente veio pra cidade, aí já conheci outros artistas, outras pessoas que trabalhavam com arte, um ajudava o outro. Conheci o Dalmir Ferreira que já batalhava nas artes, conheci o Genésio Fernandes que me ajudou muito, me dava dicas, tintas, e a Universidade Federal que ajudou a gente no departamento de extensão. Naquele tempo não tinha internet, a TV estava chegando e livro de arte quase não tinha. Eu fui para Brasília quando tinha dezoito anos, terminei o segundo grau lá, fazia exposições já. Entrei no teatro amador. E naquele tempo tinha muito disso, teatro amador era um núcleo que tinha gente que cantava, gente que era poeta, artistas visuais, era bem legal isso. O grupo de teatro agrupava muita gente de vários segmentos.

Depois de dois anos voltei para o Acre, entrei pro Grupo Semente e fiquei militando no campo das artes. Em 1980 trabalhava na UFAC, fui despedido e fui para o nordeste, Recife e João Pessoa. Fiz algumas exposições por lá, mas fiquei pouco tempo, porque minha meta era ir pra Itália. Depois fui pro Rio de Janeiro e do Rio fui para Itália. Fiquei treze anos lá. Dormi na rua, passei fome, mas depois dei a volta por cima, conheci umas pessoas e as pessoas ajudam sempre e isso é muito bom. Sempre tive boas pessoas no meu caminho. Me interessava muito esse contato com as pessoas, com artistas de vários lugares do mundo, acho que isso me enriqueceu muito. E a leitura, ver, visitar museus, visitar exposições, acho que isso traz para o artista uma capacidade muito maior de investimento no próprio trabalho. Eu sou um canibal de imagens, gosto muito de devorar imagens. Devorar e vomitar essas imagens. Como costuma ser o ambiente que tu gosta de trabalhar?

Eu já trabalhei na rua, já fui muito exposto trabalhando na rua. Não gosto assim, de muita gente diferente vendo o meu processo de trabalho. Mas não tenho nada contra. Eu gosto de trabalhar em casa, com bagunça mesmo. Me concentro ali, gosto de ouvir música sempre enquanto trabalho e gosto do ambiente caseiro, a bagunça dos meninos, gente falando... bagunça doméstica, isso me dá uma certa segurança. A solidão também gosto, mas já me acostumei com esse dinamismo familiar e usar a casa como ambiente de trabalho mesmo. Tem o ateliê,

mas eu nem dou muita bola pro ateliê. Prefiro pintar dentro de casa. Antigamente eu acreditava em inspiração. Hoje não. Inspiração pra mim é você ter um insight pra começar e fazer. Inspiração é você pôr a mão na obra. Porque vai sair alguma coisa, mesmo que você não tenha noção do que vai ser. Ultimamente, eu tenho trabalhado mais com abstrato, então não sei de cara o que vai sair. É mais espontâneo, vai saindo com o tempo. Acho que o nosso universo aqui do Acre, a gente vive na Amazônia, desse calor tropical, acho que isso tem uma energia muito grande, os povos indígenas daqui, a cultura ribeirinha, a cultura indígena, a cultura da Amazônia, acho que isso dá muita bagagem para a criatividade. Acho que o artista amazônico, ele tem um quê de diferente. A gente ainda tá meio amarrado, a gente vive naquela coisa de não se soltar muito. Deve ter cidades mais desamarradas, que já saiu um pouco dessa coisa. Mas o amazônico, ele ainda vive essa coisa de ser bairrista, e a gente tem que ser mundial, universal. Fica muito naquela coisa regional e isso atrapalha um pouco. Não que eu não goste, eu gosto, mas acho que você tem que saber usar esse regional de uma maneira mais universal, pra alcançar outras linguagens, outros lugares. Tu quer falar mais alguma coisa?

Antigamente eu ficava naquela “não sei qual é meu estilo, não sei qual é minha escola” e eu ficava em crise porque tinha que ter um estilo,

tinha que ter uma corrente. Agora eu me acho tão livre que pra mim eu posso fazer o que eu quiser. Não vou ficar preocupado com isso e vou viver sempre em crise. Porque é tão bom a gente viver em crise nesse sentido da criação, né? Porque você tá sempre buscando outras coisas e inventando coisas diferentes e isso é bom, né? Faz parte do universo criativo. A minha crise é no sentido de produzir coisas diferentes, ficar buscando coisas e sempre aprendendo. E no final a gente não sabe de nada. A gente vai embora e não aprendeu quase nada. E vai ser sempre assim.

Acho que o nosso universo aqui do Acre, a gente vive na Amazônia, desse calor tropical, acho que isso tem uma energia muito grande, os povos indígenas daqui, a cultura ribeirinha, a cultura indígena, a cultura da Amazônia, acho que isso dá muita bagagem para a criatividade.

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Deisi Mello Então, Deisi, a ideia é falar um pouco da tua trajetória nas artes e de como tu chegou aqui em Rio Branco.

deisi mello (FOZ DO IGUAÇU-PR,1983)

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ATELIÊ DA ARTISTA, {EM 20 DE SETEMBRO DE 2014.

Bom, eu sempre gostei de desenhar, de pintar e na minha família também tem uns desenhistas que fazem algum tipo de arte e eu tenho um primo que desenha muito bem e eu gostava muito de ver os desenhos dele, acho que foi o que mais me incentivou. Eu já rabiscava também... mas a parte que me chamou mais atenção foi quando eu cheguei aqui em Rio Branco. Eu cheguei em 2003. Aí, assim que eu cheguei eu já conheci o Darci [Seles], o Glicério [Gomes]... e quando eu conheci o Glicério, ele já me levou pro Sesc e me apresentou o Darci. Eu fiz, mais ou menos, uns três meses de curso com o Darci e no mesmo ano era o aniversário de quinze anos da Associação dos Artistas Plásticos. E aí, ele já me convidou para participar da exposição. Eu estava começando, na verdade, e conheci os outros artistas. Depois eu comecei mesmo a me interessar pelas artes. Antes eu fazia por gostar, mas eu não imaginava que ia pegar isso como profissão. Eu comecei a participar das exposições coletivas e comecei a desenvolver um outro estilo,

porque até então eu pintava algumas coisas de foto, que eu via que gostava, gostava também de fazer reproduções de alguns pintores. Mas foi passando o tempo e eu senti necessidade de mudar, aquilo já não estava bom. Algo diferente, algo que não seguisse nenhuma escola. E comecei a desenvolver um outro tipo de pintura, comecei a usar tinta acrílica também, porque a tinta óleo era mais demorada e ela me limitava um pouco também, sabe? E comecei a usar a tinta acrílica bem aguada e ela me dava mais possibilidades de traços e comecei a usar a espátula também, aí comecei a pintar por fases. Pintava umas telas pequenas ainda e comecei a usar as linhas do próprio tecido mesmo pra fazer alguma colagem e aí inseri alguns grafismos também, sabe? Na verdade, eu começava deixando ela meio que abstrata, a tela, e de repente ia formando algumas imagens e daquela ia puxando cores. Eu mexo muito com cores, assim... quando eu começo a pintar, eu tenho que abrir praticamente todas as tintas e aí, eu uso essas bandejinhas e coloco tintas por todas elas, sabe? Eu vou fazendo umas misturas, como se uma cor puxasse a outra. E a mesma coisa com os traços. Então assim, tive algumas pessoas que me influenciaram bastante, mas de uma maneira assim a querer produzir, pintar mais e não fazer parecido, sabe? Eu comecei a pintar umas telas maiores. Eu gosto muito dessa parte aqui de Rio Branco, aquela parte ali da Gameleira, principalmente na época de chuva, as pessoas andando, como se fosse um dia a dia

comum das pessoas transitando pra lá e pra cá, com guarda chuva, que eu sou fascinada, e com os postes (risos). Então são dois elementos que eu acabei utilizando em várias telas. Hoje eu não posso dizer que eu tenho um estilo assim, na verdade, é complicado você falar de um estilo, né? Porque se você começar a analisar as obras, você vai encontrar vários estilos dentro dela, então não dá para você encaixar elas dentro deles. É simplesmente a minha pintura, meu jeito de pintar. No começo eu tinha muita preocupação com isso, de fazer algo. “Será que tá bom? Será que não tá bom? Será que vai dar certo? As pessoas vão gostar? Ou não?”. Sempre eu procurava ver um quadro e querer de repente fazer algo parecido. Hoje eu não tenho essa preocupação. Tenho um trabalho bem livre, bem solto. Eu uso muitas cores e não estou muito preocupada com essa coisa de se vai ou não dar certo. Eu quero mesmo é colocar para fora e traçar. Por isso, eu uso a espátula também, uso uma coisa mais aguada assim, mas pelo movimento que a própria tinta faz indo pra aquele rumo e eu tento fazer, inserir os elementos da minha obra dentro desse fundo. Geralmente eu começo com um fundo, pinto o fundo todo, jogo várias cores e deixo escorrer. Também vou manipulando pra onde que ele vai. E aí, depois eu começo a usar a espátula, jogar tintas... alguns desenhos eu até traço, outros não, outros eu já deixo bem à vontade. E as cores, eu coloco uma, depois quero colocar outra e acontece assim muito rápido, sabe? Então, eu começo a desenhar, a pintar uma tela, ela vai até num processo meio lento... quando chega na metade, que eu começo a inserir as cores, é bem rapidinho assim, sabe? Aí eu já vejo. Enquanto eu não olho e digo

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assim “tá bom”, eu tô colocando tinta (risos). Eu estou numa fase... humm... Como eu posso dizer? Não de se encontrar, porque eu sei o que eu gosto, o que faço, mas numa busca por algo novo, algo diferente para dar continuidade ao que eu faço já. Menina, eu acho tão linda essa cena, quando o rio enche e as pessoas ficam olhando.

Muito legal, né? Ah, eu sou fascinada por aquela parte do rio quando cheio, a ponte, sabe? As pessoas... aquele monte de gente transitando, meio que descompromissadas, algo assim. Ah, eu adoro ficar olhando. Eu já cheguei a passar tempos sozinha num banco, olhando (risos). Eu gosto mesmo. Cria um clima meio nostálgico. E esse espaço [ateliê], como você montou ele?

Esse espaço surgiu de uma grande necessidade... primeiro um espaço assim, que você pode chamar de seu, que você pode ficar só. Quando eu estou pintando, o mais fechado pra mim é melhor. Eu tenho que estar só, de ter aquele momento só pra mim. Quando eu começo a pintar eu fico muito concentrada, então qualquer coisa pra me tirar do foco, pode atrapalhar o que eu estou pretendendo fazer.

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Seu trabalho é muito bonito. Você vê as referências do lugar, mas não é aquela coisa literal, é mais... Você pode dar uma viajada, assim.

Tem muitos artistas que acabam ficando aquela coisa bem regional, né? Eu gosto daquela coisa regionalista, mas pra mim, eu preciso de algo que me identifique enquanto artista, uma característica. Eu acho que eu consegui, de certa forma, isso. Justamente porque eu tento colocar algo mais meu mesmo, mais pessoal. Tento imprimir uma marca mais forte, mais...

Hoje eu não posso dizer que eu tenho um estilo assim, na verdade, é complicado você falar de um estilo, né? Porque se você começar a analisar as obras, você vai encontrar vários estilos dentro dela, então não dá para você encaixar elas dentro deles. É simplesmente a minha pintura, meu jeito de pintar.

Margot Paiva Conta um pouco de como foi teu início com as artes.

Minha mãe tinha uma loja de artesanatos indígenas e coisas de outros lugares, e eu sempre ficava muito instigada com todos aqueles artesanatos. Desde pequenininha eu sou muito sensível aos artesanatos, as coisas feitas à mão, e quando eu tive oportunidade de sair do Brasil e ir para a França, eu tinha recém completado dezenove anos, fiquei seis anos por ali.

margot paiva (porto velho-ro, 1968)

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SALA MARGOT, EM 28 DE ABRIL DE 2015.

Fui aos centros culturais e percorri por diversas portas, e a turma de artes plásticas me segurou. Mas eu fui para dentro do cinema, fui pra dentro da foto, mas a turma de artes plásticas, eles me seguraram e eu me identifiquei muitíssimo, realmente ali era o meu universo. E foi a coisa mais enriquecedora que eu tive na vida até hoje, a nível cultural, foi essa passagem pela França, por Toulouse, Ville Rose, no sul da França, porque ali eu aprendi o quê que é a simplicidade, porque nós como brasileiros somos muito exuberantes e ali eu comecei a valorizar a simplicidade, valorizar o detalhe. E depois de seis anos voltei ao Brasil e continuei meus estudos. Me graduei em

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arquitetura também para refinar minha arte, e a cada dia eu começo a perceber que não sei quase nada. Eu acho bom isso de estar sempre descobrindo coisas novas, sendo surpreendida por coisas incríveis, eu tenho muito a aprender. Mas já comecei também a ter o gostinho de ensinar o pouco que eu sei, poder despertar esse interesse pela arte e pela cultura, assim como eu fui despertada. Eu comecei a trabalhar ainda na França. Porque lá, como estudante, era uma vida regrada, então eu já ajudava meus professores em restauros, em movelaria sacra, ajudava em tudo que me pediam.

primeiro o estudo. Estudar os grandes monstros, pra depois você moldar o seu monstro, saber que seu monstro tem pai e mãe (risos). Como foi a sua volta para o Brasil?

A volta foi um retrocesso muito grande. Eu já tinha elegido aquele lugar para permanecer, para ficar, mas eu tive algumas demandas mais fortes, mais emocionais, o meu sangue me chamando. Minha mãe teve um período de muita falta de saúde e a minha presença era muito importante, porque às vezes a gente está do lado, estimula e a doença fica com medo daquilo e vai embora, né? E foi isso que aconteceu.

E como você começou a desenvolver a sua arte?

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Quando eu estava já estudando na França, eu fui fazer um curso com a Carmen Givoni. E eu a encontrei em um vernissage, era um curso muito caro e eu não tinha condições de fazer. E eu comentei com ela: “olha, eu tenho vontade de fazer o seu curso, mas o seu curso é muito caro.” Aí, ela me perguntou por quê eu queria fazer o curso dela. Eu falei que era porque eu gostava de desenhar grande. Ela me perguntou: “O que você faz às quartas-feiras?”. Aí eu falei: “O que você precisa nas quartasfeiras?”. Aí ela me propôs que eu cuidasse da filha dela às quartas-feiras em troca do curso. Aí, eu cuidava da pequena Isis, e uma quarta-feira era como se fosse sete dias da semana (risos). Como eu percorri muitos cursos, eu fiquei a mercê de muitos estilos até eu desenvolver o meu. Até hoje eu me flagro mudando, organizando, simplificando, com um pé no academicismo sempre para poder deformar. Porque eu acredito mesmo no estudo, depois do estudo eu acredito na deformação. Mas

Quais são as técnicas e linguagens que tu utiliza no teu trabalho?

Eu tenho uma afinidade com aquarela. Eu faço técnica mista, mas eu sou muito atirada ao desenho. E quando pinto, eu aquarelo. Não sou uma exímia pintora, mas eu me considero uma desenhista bem fiel. Uma coisa eu sei que tenho dentro da obra é a personalidade. Aquela obra tem que ter um cheiro, tem que emocionar, tem que instigar, tem que causa estranheza, tem que questionar... isso eu busco muito na minha obra. Fazer ela mexer com o meu público. Por aí que eu parto, sabe? É mais pelo lado intelectual e embelezamento. Claro, ninguém quer fazer nada feio! E como todo artista, a gente adora o belo. Nem precisa ser artista. A beleza, ela veio mesmo pra... se não fosse a beleza, nem sei o que seria de nós. Eu parto do questionamento: por que? E depois eu embelezo a obra.

Como é o seu processo criativo?

Às vezes, quando se trabalha por demanda, alguém pede uma obra. Fica mais fácil porque dentro daquele universo eu já sei como vou navegar. Mas quando eu estou construindo uma exposição onde eu vou montar um salão, onde vou falar de uma série, então, normalmente eu tenho essa necessidade de liberdade. Eu gosto de coisas grandes e gosto de encher o salão, repletar a galeria, o saguão. A cada instante eu fico imaginando assim... Eu tenho muitas habilidades plásticas. As minhas mãos realmente são muito ágeis. Então, eu quero treze obras, mais ou menos, treze telas, eu quero sete objetos, eu quero três instalações e eu vou construindo dessa forma, porque eu sou uma artista plástica. Eu sou uma experimentadora, uma xereta, uma curiosa. Eu sou muito exótica porque eu sou daqui de Porto Velho, tenho uma mistura árabe, índio, português. Eu nasci na beira do Rio Madeira, eu me considero quase um tucumã de olho e boca (risos). O processo é criar um ritmo; a partir do ritmo dar o porquê para aquilo, pra aquilo também ter coração, pulmão, poder respirar; por último, eu embelezo ele totalmente e vai sair bem nutrido, sabendo se comportar e bonito, porque eu não posso deixar um filho sair pelo mundo assim desprotegido (risos). Margot, qual é o ambiente que você gosta de trabalhar? Silêncio, barulho...?

Eu gosto de trabalhar do lado de uma piscina tomando sol. Gosto muito

de trabalhar no verão, no sol, onde seca rápido, porque eu sou muito ansiosa, aquela coisa visceral. Enquanto uma seca eu já vou preparando a outra. Meu cabelo cresce, eu fico com bigode, feiona, toda largada, porque eu não tenho tempo! Se me chamarem pra sair eu vou, mas sei que vai ficar todo mundo apavorado porque eu vou estar fora do padrão. Aí depois sim, eu tiro a casca, me organizo e vou expor. O lugar mais gostoso que eu consigo pintar é do lado da piscina, na beira de um riozinho, eu tomo banho de biquíni, pego aquele sol, vai desenhando, vai pintando... agora eu sou nômade, coloco as coisas numa caixinha e vou embora. Eu aproveito o sol e energizo meu corpo. Eu gosto muito desse sol, da água, estar no meio desses elementais, mexe comigo e eu participo disso com a tela, a tela respira mesmo esses elementos que eu tô passando no momento. Algumas obras falam mesmo em que atmosfera foram concebidas. Tem que ter o silêncio, mas também tem que estar com os amigos dando os pitacos, porque os pitacos às vezes são Deus mandando palavras por pessoas, por anjos que não tem asas. Eu acredito na visão dos meus amigos, das minhas filhas, da minha mãe... O que te inspira, Margot?

A produtividade, só o trabalho constrói. Quando você trabalha você é um ser pleno. Trabalhando, usando os dons que Deus te deu, a sua saúde. É uma delícia trabalhar e fazer o que gosta. E eu quero cada vez fazer mais! Agora eu estou fazendo curso de teatro, eu quero ser atriz (risos)!

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E como foi sua aproximação com as artes, seu início?

Gabriel Bicho

GABRIEL BICHO

(PORTO VELHO-RO, 1989)

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CASA DO ARTISTA/ESPAÇO VISAGE, EM 29 DE ABRIL DE 2015.

É muito engraçado, porque é uma conversa que eu tenho até hoje com meus pais, porque a minha família não tem um histórico de relação com as artes. Não existe nenhuma profissão na minha família que tenha relação com história, com literatura ou com as artes. Minha família, na verdade, é muito de enfermeiros, advogados e contadores. Eu lembro que em torno ali dos quinze, dezesseis anos, eu ganhei uma câmera da minha mãe, essa câmera foi comprada na Bolívia e era pequeninha. Na verdade, ela era uma filmadora, mas eu usava mais a função de fotografar. E foi a partir daí que começou essa minha relação, esse despertar com a imagem. E ao longo dos anos esse gosto foi só crescendo, né? Essa vontade de produzir e esse apreço pela fotografia foi evoluindo. Quando eu fiz dezenove anos, eu queria ir pra São Paulo para estudar fotografia. Eu tinha isso na minha cabeça, mas fui podado pelos meus pais. Na época eles falaram que eu era muito novo e que não aguentaria uma cidade grande e eu

acabei ficando em Porto Velho. Como eu fazia muito esporte na época, fui fazer um curso que eu não queria, mas fui só para agradar os meus pais. Isso é um processo natural de filhos que moram com os pais. Só que chegou um momento que eu não aguentava mais. A fotografia falava tanto, me instigava tanto, estava me provocando tanto, que depois do quarto período de Educação Física, eu com quase vinte e um anos, eu decidi abandonar o curso e ir embora para São Paulo. Tranquei o curso e fui para São Paulo estudar fotografia. Isso também foi influência de alguns amigos em São Paulo que já eram fotógrafos, me instigavam falando das possibilidades, que o curso era muito bom. Então, eu fui fazer o curso técnico de três anos. Nesse processo, eu já estava tendo uma relação muito mais íntima com a fotografia. E aí, nesse período, fiz outros cursos extras que foram muito importantes pra mim. Aí meu mundo começou a ganhar amplitude. Foi nesse período, final de 2012 pra 2013, que eu comecei a ver a imagem de uma maneira mais atual, contemporânea, e comecei a pensar a fotografia relacionada a outras manifestações. Foi quando eu construí umas das minhas primeiras séries, a 2por4. Essa série participou do Arte Pará, em 2013. Eu estava voltando para Porto Velho e aí já tinha um material construído do Edifício Copam e fotografei o Galpão da Estrada de Ferro aqui em Porto Velho. E desde então, eu venho pensando a fotografia unida a outras manifestações. O curso de artes aqui na UNIR tem potencializado isso. E hoje eu me encontro nesse caminho, pensar a fotografia com outras manifestações e também tenho pensado muito nas palavras. Eu tenho sentido nesses últimos tempos que eu preciso escrever mais sobre os meus trabalhos.

Como foi a sua volta pra cá? O seu sentimento?

A volta pra cá foi doída porque eu não queria voltar. Eu concluí o curso de fotografia e estava entrando no curso de artes, lá em São Paulo. Mas por conta de uma doença que eu constatei, que é o ceratocone, eu fiquei nessa berlinda. Eu precisava fazer as cirurgias, e quem bancou as cirurgias foram meus pais, em 2012. E essas cirurgias foram caras. E minha mãe acabou falando: “Se você precisa eu vou pagar, mas você vai ter que voltar, porque eu não vou conseguir continuar te ajudando da forma que eu te ajudava, pagando as mensalidades da cirurgia.” Então, eu não tive outra opção. Eu não tinha mais uma relação com a cidade. Voltei como se fosse um novo morador. Isso eu fui construindo ao longo do tempo, com os trabalhos que foram aparecendo, com as oportunidades e também através do curso na Universidade. Mas eu acho que muito por essa influência forte que eu tive com São Paulo, essa vivência intensa, São Paulo é muito intensa. Você tem possibilidades de cursos, de contatos, que é incrível e você não precisa pagar por isso, você só precisa ir. E quando eu retornei para Porto Velho eu senti muita falta disso, porque aqui não tem um circuito, não só de fotografia, mas de galerias, de museus, de cursos mais contemporâneos. Isso não existe em Porto Velho. E eu senti a necessidade de construir um trabalho que falasse isso, foi quando o 2por4 veio à tona. No começo foi uma angústia voltar, mas depois eu vi que regressar é importante.

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Qual é o teu momento de trabalho agora?

A relação com a Mídia Ninja foi muito importante, é um jeito muito legal de criar narrativas colaborativas. Quando eu voltei de São Paulo, eu voltei muito influenciado pela Cris [Bierrenbach] e eu fotografava muito a rua, o cotidiano de Porto Velho, foi nesse momento que começaram a surgir oportunidades: Festcine, Mídia Ninja, Greenpeace... Isso pra mim foi muito legal, porque você criar uma relação íntima com certas comunidades e fazer uma produção sobre aquele local, aquela região, pra mim é incrível, eu acho isso maravilhoso. Só que nesse processo, eu comecei a fazer artes na UNIR e comecei a ser muito influenciado pelos professores, pelas leituras. E aí, naturalmente eu comecei a pensar essas outras séries: Ceratocone, Pele Sufocada... e fotografia com texto, fotografia com palavra, coisa que eu nunca tinha pensado, um trabalho meu, fotográfico, que conseguisse inserir palavras ali dentro e hoje eu estou conseguindo inserir. Mas eu não tenho vontade de deixar de transitar pelo campo do fotojornalismo, pelo contrário. Se as oportunidades aparecerem e forem boas pra mim, não tem como negar, é algo que de fato eu gosto muito.

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Mas hoje, o que eu sinto é que eu estou pensando a fotografia mais na forma textual. Por exemplo, eu posso contar nos dedos, de janeiro até hoje, quantos trabalhos eu fiz. E eu fiz poucos porque de fato eu estou tentando desapegar mais do obturador e pensar mais na minha mente, transcrever a minha mente, todas as coisas que eu estou

pensando internamente. Então eu estou muito nessa relação de texto mesmo do que da produção de fato. Eu construí algumas coisas esse ano, mas tudo que eu construí não tem nada a ver com fotografia. Tem trabalhos de pintura, de colagem... e a fotografia tem sido construída internamente hoje pra mim. Ela não vai sair de mim. Mas hoje eu sinto essa necessidade mais de me expressar de forma textual do que com a imagem. Dois mil e quinze começou assim pra mim, eu não sei onde isso vai dar, mas também não me importo onde isso vai dar. Essa ideia de dormir sem saber o que vai acontecer amanhã é ótima pra mim.

Quando eu retornei para Porto Velho eu senti muita falta disso, porque aqui não tem um circuito, não só de fotografia, mas de galerias, de museus, de cursos mais contemporâneos. Isso não existe em Porto Velho. E eu senti a necessidade de construir um trabalho que falasse isso, foi quando o 2por4 veio à tona. No começo foi uma angústia voltar, mas depois eu vi que regressar é importante.

Luis Dantas

Como você começou a trabalhar com arte?

Luiz Dantas (Porto Velho-RO, 1974) CASA-ATELIÊ DO ARTISTA,

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{ EM 30 DE ABRIL DE 2015.

Eu sou autodidata. Eu comecei até tarde um pouco por que... eu comecei a pintar aos 27 anos, do nada. Peguei as tintas e levei para o meu quarto, morava em Vilhena, fazia Letras-Português lá. Peguei as tintas e os papéis, comecei e não parei mais. Foi assim que me descobri como artista. Quais foram as tuas primeiras telas? De quê que elas falavam?

Eu pinto a minha ideia. Eu não queria reproduzir nada, eu reproduzo o que eu imagino. Rostos, gestos de pessoas... Como é o seu processo criativo?

Eu nunca tinha pensado sobre isso. Essa coisa de se preocupar e pensar sobre isso. O meu processo criativo é meu imaginar cotidiano. Eu penso toda hora. Aparecem imagens toda hora. Meu processo criativo são as coisas, são as mulheres, são as crianças, a literatura, os mestres, os mitos. É uma coisa calma, sem desespero.

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O que te inspira?

Todas essas coisas que falei pra você. Mas tudo isso vem de ser poeta mesmo. Eu sou poeta. A poesia é... eu tenho uma técnica de pintar, mas a poesia é que está por trás das coisas. Ela me ajuda a ter coragem e a dizer que aquilo é legal, que as pessoas vão gostar, que vai ser interessante. Tu vê algum tema recorrente nas tuas telas? Um tema, um sentimento.

Tem algo mais que você queira falar?

Eu quero recitar um poema. A gente compartilha porque a gente vive no norte, né? O poema é: Vivo sob o céu do norte onde sol e chuva se namoram e onde as árvores alimentam os rios. Obrigada Luiz.

Tá bom. Obrigado você.

Mulher. O jeito das pessoas, o cotidiano, um lugar que elas passam ou até mesmo que não existe, eu pego e invento. Qual o ambiente que tu gosta de trabalhar?

Eu só consigo trabalhar com música, aqui em casa mesmo. Eu pinto de madrugada. Fala sobre você, artista.

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Eu sou um artista maduro. Sei fazer as coisas. Sei pintar, sei escrever, sei fotografar também. Mas eu sou um artista muito eu mesmo, sabe? Eu pras coisas, né?! Eu para aquilo que eu vejo, eu para aquilo que imagino. Eu sou um artista que imagino. A imaginação toma conta das coisas e eu pego e reproduzo aquilo que eu imagino.

O meu processo criativo é meu imaginar cotidiano. Eu penso toda hora. Aparecem imagens toda hora. Meu processo criativo são as coisas, são as mulheres, são as crianças, a literatura, os mestres, os mitos.

samira alvim (JAGUAPITÃ-PR, 1979)

{

CASA-ATELIÊ DA ARTISTA, EM 4 DE MAIO DE 2015.

Samira Alvim Tua formação é Engenharia Florestal. E a tua trajetória dentro das artes, como começou?

Olha, nas artes é uma coisa desde criancinha. Desde criancinha, eu desenho, pinto... Minha mãe percebeu que eu tinha facilidade para essas coisas, e sempre me apoiou. Com nove anos eu comecei a fazer aula de pintura e tecido, aí que aprendi a pintar com tinta. Qualquer coisa que minha mãe não estava usando mais, eu ia lá e pintava. Depois fui estudar em uma escola técnica e conheci uma artista, o nome dela é Vitória Basaia, ela é fantástica, cria os pigmentos, a base dela é o que vem da terra. E ela começou a ver que eu tinha um talento. Nessa época, que eu estudava na escola técnica, eu comecei a fazer uns desenhos com linhas, com nanquim. Eu não tinha nenhuma pretensão de expor, de fazer nada, eu só desenhava.

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Aí, a Vitória Basaia começou a me incentivar. “Olha você pode utilizar outros materiais. Já que você desenha tantas linhas, você pode usar, por exemplo, penas de galinha.” Aí tive fases, a fase das linhas... antes eu só fazia linha reta, não fazia com curvas, eu tinha esse padrão, tinha que ser o padrão só linha reta. Aí, depois eu fui misturando curva com reta. Depois eu fui tendo outras fases. Comecei a pintar com lápis de cor e comecei a fazer pássaros, porque eu tinha aquela necessidade de sentir liberdade, de contestar, então eu fiz uns pássaros bem diferentes. Fiz várias coisas com pássaros. Aí, depois com tinta, algumas fases com tinta e linha, giz de cera, giz pastel, tinta... Quando eu comecei a trabalhar com engenharia florestal, eu parei de trabalhar com artes. Fazia só uma coisinha de vez em quando, pegava uma tinta branca e misturava algum pigmento. E quando que tu retomou tua história com as artes?

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Como é o teu processo criativo, Samira?

É bem diversificado. Não vou te dizer que sigo sempre um método. Na maioria das vezes, é a questão do sentir. Eu tenho aquela sensação e vou. Tem que ser mais à noite, porque durante o dia não dá, porque estou envolvida com outras coisas, tem filho, aí eu não consigo. Aí, de madrugada eu vou lá e começo a desenhar. Ás vezes sai como eu estava imaginando, outras vezes foge totalmente. É como se meu desenho fosse livre, tivesse a liberdade de ser o que ele quer. É uma coisa que acontece baseada nas sensações que eu estou tendo. Eu estou aprendendo a não comprar as tintas todas prontas, estou mais fazendo. São vários tipos de pigmentos. Teve uma que utilizei café solúvel. Tem a goma laca também, a indiana, que tem que comprar a asa da barata pra fazer, mistura com álcool e deixa dar uma curtida. É um impermeabilizante. Aí eu vou descobrindo as tintas.

Retomei quando fui para Goiás. Estava com meu filho bebezinho, não estava trabalhando, aí comecei a pintar novamente. Fiquei um bom tempo sem trabalhar, aí comecei a fazer artesanato também. Mas desenhar, desenhar mesmo, esse meu trabalho com linhas, foi em 2013.

E o que te inspira?

Dois mil e treze foi quando o Gregório nasceu, meu bebê mais novinho. Aí, quando ele era mais novinho, eu estava de licença e comecei a fazer uma aula na Maria Miranda, uma arte educadora, uma mestra. Aí o Gregório ia junto comigo, ele ficava no bebê conforto. Aí eu aprendi aquarela e várias outras técnicas. Tudo assim... acho que quando os filhos nasceram e eu não estava trabalhando com florestal, é que eu tive oportunidade de me dedicar.

Tu vê algum tema que seja recorrente nas tuas obras?

A natureza, comportamentos de pessoas e animais, sensações, emoções, sentimentos.

Vejo. Eu gosto de desenhar e ver que meu desenho tem movimento, que ele está se comunicando. Se eu perceber que ele não faz isso, eu guardo e pode ser que depois de um tempo eu dê uma continuidade em cima daquele mesmo desenho. Eu tenho que enxergar neles uma comunicação. Eles tem que se comunicarem para ter valor pra mim.

Você nasceu aqui, Dutka?

Não, eu nasci no Paraná, em uma cidade muito pequena chamada Iguatu. Meus pais saíram de lá, fomos para Canarana, no Mato Grosso, do Mato Grosso retornamos para o Paraná, onde eu fiz meu jardim de infância, e de lá o meu pai resolveu vir para Rondônia. Na virada de 80 para 81, mais especificamente no inverno, nós viemos pra cá como pessoas, bandeirantes, sei lá. Papai resolveu vir na época de dezembro... pomba lesa, né? Nós levamos doze dias para chegar, em cima de um pau de arara. Mas é muito gratificante lembrar disso. Você nasceu em que ano?

FLÁVIO DUTKA (1974, IGUATU-PR)

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CASA-STUDIO DO ARTISTA, EM 6 DE MAIO DE 2015.

Flávio Dutka

Sou do século passado.... (risos) em 1974. Tenho quarenta e um anos e ó... muito bem vividos, viu?! Muito bem caminhados, bem trilhados. E esses quarenta e um anos foram praticamente todos vividos em função da arte. Porque eu lembro que o quê eu pedia de presente na minha infância pro Papai Noel - ele existe - (risos) era canetinha, papel sulfite, essas coisas. E ele me dava. Então, ele existe.

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Fala um pouco de como começou seu interesse e seu trabalho com a arte.

Você falou que a música foi muito importante na sua trajetória. Quais músicas você costumava escutar?

É. Aí, eu gostava muito de desenhar, tinha uma sensibilidade muito afetiva.

Ah, eu gostei muito do Pink Floyd. Eles fazem parte ainda. Aí, foi quando apareceu duas pessoas, dois gênios, né?! Um que me chamou atenção morreu no meu aniversário, vinte e três de janeiro de 1989. Morreu depois que sua companheira tinha morrido. Era o Salvador Dalí. E o Francis Bacon. As primeiras imagens que eu lembro que tive acesso do Francis Bacon eu pensei: “Cruz credo! Esse cara tem parte com demônio!” (Risos). O eixo judaico-cristão incrustrado ainda. A questão sob a ótica religiosa, até mesmo com o lugar, o seu lugar, um templo religioso onde você está. Essas coisas estão, quer queira quer não, incrustrada em qualquer indivíduo que tenha passado por esse tipo de iniciação. Eu não faço a mínima ideia do que eu acabei de falar! (risos) É sério! Mas é isso mesmo. Claro que faço ideia do que eu disse. Mas é meio complexo de verbalizar isso. Eu acredito mais na imagem. Eu tenho a capacidade de me expressar através da imagem. Eu não tenho o dom da palavra. Tanto que a única poesia que eu tenho saco pra ler é a Tabacaria, do Fernando Pessoa. Pronto, eu acho que basta. E alguma coisa do Eliot. Mas eu não nasci com o dom do ritmo e da palavra, embora elas estejam de uma forma implícita na produção da imagem.

Tem duas imagens que são muito fortes pra mim, da minha infância. Uma imagem de um anjo da guarda mostrando um demônio vermelho de salto, vestido... a rave completa, né? (risos) Mostrando o anjo Gabriel, uma imagem assim... é uma imagem que era muito forte pra mim, até hoje ainda é. Eu pretendo voltar pra cidade pra poder rever. E uma pintura na abóbada da catedral em Canarana... era uma espécie de elevação de Cristo ao céu. Era uma coisa que me atraía. Eu comecei a depurar o meu trabalho a partir de 1980, virada dos 80 pros 90, que era minha fase de adolescência. O rock’n’roll sempre foi muito presente no meu conceito, se é que eu tenho algum conceito, eu não tenho conceito de arte nenhum... mas da busca pela minha arte. A música em si sempre fez parte do meu trabalho, até mais do que a própria imagem porque havia uma dificuldade muito grande de imagem. Eu sou do tempo que não havia os novos meios de comunicação... é clichê falar isso. Mas hoje parece muito fácil você ter um belo estudo sobre o que é produzir uma arte e o que foi produzido na arte, mas antes não.

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O que é a imagem a não ser uma nova possibilidade de leitura? Afinal, esse mundo é nada mais nada menos do que possibilidades de leitura. Olhares. E é em cima desses olhares que eu busco a minha verdade. Aquilo que eu acredito. Eu preciso acreditar em alguma coisa para me

manter vivo. E a única coisa que me mantém, que me deixa vivo, é esse instinto de pintar, desenhar, falar com o gesto. O que eu quero discutir é a minha possibilidade de olhar. Por exemplo, nesse trabalho que eu fiz, ele é pontapé e desdobramentos de vários caminhos trilhados por mim, pelo qual eu cheguei no inimaginável: desenhar paisagens. Hoje eu sou o quê? Uma pessoa que desenha paisagens, um artista que desenha paisagens. Mas, assim, como se o artista fosse algo superior. Não, não é. E usando a minha capacidade de manipular a imagem, a minha atual produção vem em cima dessa minha capacidade de olhar e tentar passar uma imagem de um determinado local, de uma determinada região, mas com o desenho extremamente técnico, frio e sem sentido. Desmistificando a ideia de que existe uma Amazônia linda, harmoniosa. Amazônia? É bonita na fotografia. Não importa o meio, o que importa é você saber que de uma realidade você consegue manipular e transformar uma possibilidade de olhar. A Amazônia é bonita na fotografia. Se você for olhar e ver a realidade ela é completamente diferente. Tudo começou com esse trabalho que eu mostrei pra vocês. Foi uma espécie de epifania. Eu comecei a fazê-lo logo que eu fiz uma visita ao Divino na região de Costa Marques com a galera de 2000, 2001 de história da UNIR. Eu, como aluno de história, eu me lembro que... fui e voltei. (risos) Foi muito interessante, mas foi muito rápido. Não foi lá que eu encontrei a minha Amazônia como um elemento transcendental. Eu encontrei um diálogo a ser trilhado quando eu olhei no rio Guaporé, saindo de Rondônia e indo pra Bolívia. Eu olhei pro rio e houve uma espécie de revelação. Aqui em Rondônia

eu tive uma pessoa, a minha grande madrinha, que foi a Rita Queiroz. Ela que abriu as portas pra mim aos dezesseis anos. Eu a considero um anjo que viu a possibilidade de um menino do interior acreditando em um mundo que poderia vivenciar através da arte. Hoje eu não aconselharia ninguém. Pode parecer meio romântico, mas produzir arte, tocar Let it Be, Yesterday, é uma coisa fácil, né?! Mas você criar isso requer muita demanda, requer muita vida, requer muita dor, requer muito sofrimento. Da mesma forma, assim, um artista passa. Um artista, seja lá qual for o caminho: não siga. Mas caso você queira dar o tchibum, vá de cabeça, procure ser sempre o melhor naquilo que você faz, porque ainda não vai estar bom e nunca vai estar. Como é o teu processo criativo?

O meu processo criativo se deu basicamente no corpo humano. Eu busquei muita coisa, busquei ter uma boa base acadêmica sobre arte. E partir daí, eu comecei a desenhar o corpo humano. E eu passava por um sofrimento muito grande, uma depressão, e eu ainda não tinha sido diagnosticado, então piorou e eu procurei outros caminhos. Eu desenhava muito o corpo humano, o ser humano em si. Mas depois eu voltei, vim pra Porto Velho. Daí, aqui eu comecei a pintar, continuei pintando. Eu tive um hiato de quatro anos pra poder saber se realmente eu queria ou não queria esse caminho. Essa escolha do não querer culminou em duas situações muito fortes. Então, eu percebi que realmente o caminho que eu tinha que seguir era o caminho da arte. E eu já não tinha mais idade de colocar o filho pra dentro, depois que

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o filho sai tu tem que te virar, não dá pra colocar ele pra dentro, não é assim tão fácil. Então, eu procurei pesquisar muito anatomia, o corpo humano, e vim pra Rondônia. O único curso que eu fiz, foi um curso de desenho com modelo vivo na Pinacoteca do Estado de São Paulo. E isso me deu caminhos para o desenvolvimento do meu foco. Eu fiquei quase um ano: eu preciso de um tema, eu preciso de um tema, cadê o tema?... enfim. E depois eu percebi que não havia tema. Eu esqueci que estava atrás do tema, o tema já estava comigo. Eu estava, na verdade, racionalizando demais. Eu percebi que ele simplesmente vinha como uma pororoca, como um banzeiro. Quais são as técnicas que tu utiliza no teu trabalho?

Olha eu me adapto. Eu sou um ser extremamente adaptável. Eu preciso de sombra, uma cadeira, uma caneta e uma prancha. E um bom repelente (risos). Só isso.

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Teve uma época que eu pintei muito com óleo, cuspi, nanquim, enfim, essas coisas todas aqui no meu studio. Mas como eu tenho me dedicado há sete anos a esse trabalho do baixo madeira, de retratar o baixo madeira da forma mais fria, mais imparcial, mais cruel possível em sua realidade, sem clichês. Anta é a onça que não come a anta que tá perto da onça, né? Colocar eles perto em um quadro não faz sentido. Esses clichês que eu quero desmistificar. Anta é quem acha que é assim.

Eu preciso acreditar em alguma coisa para me manter vivo. E a única coisa que me mantém, que me deixa vivo, é esse instinto de pintar, desenhar, falar com o gesto. O que eu quero discutir é a minha possibilidade de olhar.

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{versión en castellano

VERSIÓN EN ESPAÑOL

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EL ARTISTA de Plástico y Sangre No permanente. Pero que divulga las artes visuales de artistas amazónicos, construir puentes y establecer conexiones, solo por eso ya valdría la pena todo el empeño del proyecto, la fotógrafa Talita Oliveira, con su intervención urbana Artista de Plástico, quiere provocarnos, con sus afiches con imágenes de obras artísticas, pegados en muros y locales inusitados en las ciudades donde pasa. Discute el arte, el hacer artístico. En este sentido, es pura performance. Al exponer sus fotos, teniendo como galería la propia ciudad, sin climatización, papel especial, moldura, temperatura y luz ideal, la obra, en este caso, el afiche con la fotografía impresa, está sujeto a todas las intervenciones posibles: garabatos, grafitis, polución, insectos, lluvia y sol. La obra no es hecha para durar, pero para interactuar. Existe, no por cuestión estética o ideológica simplemente, pero para recordarnos que existe para acabar.

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Así, Talita Oliveira, es budista en su esencia. Me hace recordar a las sofisticadas y lindas mándalas hechas por los monjes

tibetanos con arena colorida, llenas de simbolismo del universo mitológico oriental, que demora semanas para ser concluidas y en cuanto son finalizadas, después de breves minutos de contemplación, son destruidas por los mismos artistas. La intención es hacernos recordar que todo, todo en absoluto, no es permanente. También provoca el desapego a la vanidad del autor, que necesita dejar fluir y libertarse de su propia obra. Por último, Talita Oliveira, nos instiga el mirar más allá de las formas de la imagen impresa o del artista retratado, nos provoca el ejercicio de la interacción con la propia obra que tiene días cortos de existencia. Crea para no durar. Divulga para provocar. Y el nombre del proyecto, Artista de Plástico, en sí mismo ya es una contradicción, al pensar que el artista tiene en sus venas sangre caliente corriendo. Pura inspiración. El Artista puede ser de plástico, pero la artista es carne, sangre e inspiración a flor de piel.

Sérgio de Carvalho

miré hasta cansarme de ver a mis ojos en el espejo

Llor é

por haber roto las flores que están en

el jardín

Flores. Flores.

lAs flores de plástico

no mueren. (extracto de la música Flores, de Titãs)

En 2013 empecé a conocer el mundo de los afichesfifi. En Fortaleza, tuve contacto con el Imágenes Posteriores, de Patrícia Gouvêa. En ese mismo año, en São Paulo, pasé por el Minhocão (autopista elevada) y vi el Giganto, de Raquel Brust. Desde entonces pasé a mirar más atentamente las expresiones que venían de la calle: carteles, dibujos, pintadas, grafitis, mensajes, lugares abandonados, marcas del tempo. También fue un momento en el que yo buscaba despegar mi fotografía de la fotografía y entenderla como visualidad. Investigando, vi un movimiento interesante: toda aquella visualidad urbana estaba ganando galerías en todo el mundo. Las pintadas fotografiadas ganaban una impresión fine art y un espacio en la pared de la galería, llegando a un público que quizás nunca antes hubiese mirado más atentamente para una pintada y, quien sabe, incluso la rechazaba. El grafitis en tela, en video o en la pared, también estaba allá, en las galerías. Pensé: por qué no hacer el movimiento al revés, de las galerías para las calles? En 2014, hice la primera edición del proyecto Artista de Plástico, que ocurrió solamente en Rio Branco. Invité a doce artistas, fotografié sus obras, hice fotos y entrevistas. Esparcí por la ciudad, imágenes de las obras y de los artistas, sin leyendas, sin los créditos. Fui cuestionada por los mismos artistas sobre esa ausencia. Mi opción fue la de dejar las imágenes

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sueltas y silenciosas en las calles, para que ellas fuesen libremente interpretadas. Era un intento de que las personas dedicasen un tiempo a intentar entender lo que no estaba explicado. Imagen + texto están más próximas a la publicidad tan bulliciosa de las calles y del propio ambiente de la galería, por eso también opté por el silencio de las palabras y por el sonido de la visualidad. Luego de eso, tuve ganas de conocer más la Amazonia, sus movimientos, ciudades, artistas. Investigando, vi que dentro de las artes visuales nosotros (amazónicos) interactuamos poco, nos conocemos poco. A partir de esa motivación, el Artista de Plástico se reinventó y recurrió, en 2015, cuatro ciudades de la Región Norte con sus Prácticas Hibridas en la Amazonia Urbana. Comencé por Belém que es una ciudad especial para mí. Tierra de grandes artistas y de afectos. Es allá donde está, hace más de treinta años, la Asociación FotoAtiva y una luz llamada Miguel Chikaoka. De Belém, seguí para Boa Vista llevando imágenes de las obras y de los artistas paraenses (de Pará). Volví a Belém con imágenes de las obras de los artistas roraimenses (de Roraima) y el mismo movimiento de intercambio de visualidades ocurrió entre Rio Branco y Porto Velho.

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Durante el periodo de preparación del proyecto, lo que yo más quería era ver las imágenes en las calles. Poner la mano en el pegamento. Fotografiar las interacciones de los afiches con las ciudades, con las personas. Pero antes de eso, con guion y grabador en las manos

y la cámara fotográfica en la mochila, empecé a entrevistar a los artistas. Entonces entré en un rico ejercicio de escucha y observación. Dispensé el guion de preguntas, porque vi que cada artista tiene una manera de comunicarse, de hablar de sí y de sus procesos. El ‘guion’ tenía que ser recreado para cada entrevista. Y entonces, las entrevistas pasaron a ser conversaciones. Conversas sobre nortistas (del norte) que hablan ‘egua’ (expresión de asombro típica de esa región) y que reclaman de las ‘carapanãs’ (zancudos), del calor. Conversaciones con artistas de carne, alma y pasión. Frente a frente. Por eso, en la construcción de ese catálogo, optamos, yo y Jamilsa Melo (gran amiga y revisora de textos) por preservar la oralidad de esos diálogos. Por dejar abierto el ‘proceso’, palabra y concepto tan recurrente en las conversaciones y en las demás acciones del proyecto. Los Artistas de Plástico fueron para las calles de la Amazonia Urbana. Fueron a evidenciar que el arte, así como la vida, es efémero. Fueron a discutir el lugar del arte y de sus artistas. Fueron a discutir la manera de hacer. Dijeron que las calles son libres y deben ser ocupadas. Dijeron que las galerías y vernissages están muy mojigatos. Muestran otros espacios y soportes. Muestran que el arte pulsa y mueve.

Talita Oliveira

LA IDEIA y la

Inspiración

Lo que mueve la inspiración es la idea del trabajo artístico. Hay que tener disposición para ejecutar una idea. En mi caso, realizar una obra visual. En esta visualidad que será desarrollada, las distintas formas artísticas serán insertadas en la obra de visualidad: las formas insinuaran la musicalidad, el ritmo; habrá la danza de las formas y de los colores, la teatralidad de la visualidad y la poética visual. En un movimiento incesante, todo estará presente en la obra. Entonces cuando apreciamos una obra visual estática, ella, a través de la imaginación del espectador se ramificará interactuando y va a multiplicarse en diferentes géneros artísticos. Por lo tanto, una imagen visual, más allá de las formas y colores, inspira la sensibilidad de quien la observa. Muchas sensaciones, sentimientos, recuerdos o deseos serán desvendados, brindando al espectador momentos inexorables de inspiración y creatividad propia.

Creo que la inspiración viene de la gana física de desarrollar una idea, sea buena o mala. A veces, tenemos una idea o una inspiración, pero cuando la ejecutamos, la propuesta ya cambia completamente. Cuando pensamos en lo que pretendemos hacer, aquello ya es una obra en nuestro pensamiento, en el inconsciente, es un momento... Luego, ese momento cambia constantemente en el transcurrir de la ejecución. Cuando pensamos una obra de arte, ella existe en el inconsciente, aquel es un momento único, cuando producimos la obra referente al pensamiento, obviamente es otro momento, por eso es otra obra.

danilo de s’a cre

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AREuLpHaOciones APO c CAS ARTÍSTI

Cuando el Artista de Plástico pasó por Belém de Pará, entre marzo y abril de 2015, encontró una escena que se imaginaba con uno de sus objetivos: salir de las galerías. La ocupación artística Aparelho es hija del Taller Santa Terezinha – una metalúrgica en funcionamiento que una vez al mes era sede de una gran noche de ocupaciones artísticas. Aparelho es hecho y gestionado por varios artistas y tiene la propuesta de ocupar/estar junto a diversos locales de la ciudad de Belém, especialmente en Porto do Sal, llevando intervenciones, oficinas, presentaciones musicales y residencias. El proyecto Artista de Plástico participó de unas ediciones de la ocupación Aparelho, que ocurrió en Porto do Sal, y que fue parte de la programación del Circular Campina Cidade Velha, otro proyecto de ocupación y valoración de los artistas y de espacios públicos e independientes, coordinado por Makiko Akao.

CONFRARIA das ARTES 131

Visage

Visage era, hasta poco tiempo, otra casa – espacio cultural ubicada en Porto Velho, Rondonia, pero con enfoque en las artes visuales. Promovía reuniones, talleres y exposiciones. También había algunas personas viviendo en la casa, como en la Confraria das Artes, y otras contribuían en acciones puntuales. Uno de los habitantes y colaboradores de la casa, el artista Gabriel Bicho, invitó al proyecto para una rueda de conversación y allá también hicimos intervenciones.

MueSTRA SESC

CARIRI DE CULTURAS

La Confraria das Artes es una casa-espacio cultural ubicada en Porto Velho, Rondonia. Hay varios artistas en la órbita de ese espacio: actores, poetas, artistas visuales, músicos. Algunos viven en la casa, otros contribuyen gestionando y organizando los eventos: fiestas, sesiones de cine, exposiciones, conciertos, espectáculos y ensayos. El Artista de Plástico participó de uno de los eventos que ocurre en la casa, el Festejo de Maio, una fiesta de cumpleaños colectiva con música, exposiciones, proyecciones e intervenciones.

Un recorte del proyecto, con retratos y obras de los artistas de Rio Branco, fue seleccionado por la curaduría de la 17ª Muestra Sesc Cariri de Culturas, evento realizado anualmente en varias ciudades del Cariri cearense. La Muestra es grande, diversa y movida, con teatro, música, literatura, artes visuales y cultura popular, aparte de reunir mucha gente interesante. La intervención del proyecto fue realizada en diversos puntos de la ciudad de Crato – CE.

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{Conversas

para el teatro y las cosas que yo hacía más direccionada, digamos, a la galería, participar de salas de exposición, cosas así. Siempre con esa mirada. E de eso para el video, fue un salto, porque en realidad yo ya tenía esa idea de edición, esa mezcla, porque ya mezclaba lenguajes.

Nando Lima

(Belém-PA, 1963)

{

ESTÚDIO REATOR, EL 02 DE MARZO DE 2015.

Como comenzaste a trabajar con arte? Cuenta un poquito de tu trayectoria. Es aquella vieja historia. Toda la vida yo estuve inclinado para ese lado, soy una persona que dibuja desde niño, siempre tuve ese enlace y desde los diecisiete, dieciocho años, comencé a involucrarme con esa parte de dibujo, de atelier. Frecuentaba atelieres de dibujo y un poco, un poquito más tarde, hacia los veintidós años, me involucré un poco con el teatro. En el teatro una de las cosas que más me interesó fue la escenografía. Aunque hoy trabaje, en aquella época yo trabajaba también como actor, pero mi facilidad siempre fue para ese tema del dibujo y de la escenografía. Eso yo estoy hablando de 1983,1985, no? Cuando yo empecé a involucrarme directamente con los grupos de teatro aquí en Belém e comencé también a producir luego enseguida exposiciones. Entonces, en el inicio yo hice individuales. Yo hacía mucho collage. En 1990, yo ya trabajaba con reciclaje de material, con papel, haciendo papel, reciclando mi trabajo. Trabajaba en eso, esa cuestión de reciclar materiales y darles otra cara, y eso fue caminando así paralelo, entre las cosas que yo hacía

El primer espectáculo que decidí escribir y dirigir ya tenía video, y eso era en 1991, no había aún ni siquiera proyectores. El video era exhibido en cinco televisores que quedaban dentro del escenario y el público también ya quedaba dentro del escenario. El espectáculo se llamaba Anjos sobre Berlim (Ángeles sobre Berlín). Hay en internet, hay una escenita en mi página. Ya era una mezcla de teatro, con vídeo, con ese tema que aún lo tengo que madurar. Yo creo que parezco un perro que se pone a correr detrás de su propia cola todo el tiempo, me entiendes? Haciendo círculos en una misma cosa, entre comillas, porque esa cosa está siendo revisada, revisada, revisada, siempre. Si miras hoy, aún es la tecnología lo que me interesa, la tecnología la manera de hacer, el hibridismo, la mezcla de los lenguajes. Esa es, más o menos, mi trayectoria, de materiales, de maneras, de lugares para poner mi trabajo. Actualmente también uso la fotografía. De aquí, de la ventana de mi casa, yo saco fotos. Mensualmente, yo saco fotos. Desde hace unos ocho años tengo ese archivo que estoy haciendo siempre. No exactamente del mismo lugar, pero en un radio de doscientos, trescientos metros, aquí del alrededor y siempre de la misma ventana. Yo registro lo que ocurre en esa calle y voy trabajando con eso. Eso se vuelve performances, eso se vuelve videos.

Hablaste de las fotos. Cuáles son tus otras materias primas? Tus inspiraciones para crear tus trabajos? La imagen es un tema para mí. Cuando yo hablo de imagen, hablo de cine,

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imagen de televisión. La sensación que tengo es que siempre encuadro las cosas. Yo intento limitar un poco mi visión periférica para mirar las cosas. Entonces la imagen es un combustible principal. La otra cosa que también mueve mi trabajo es la memoria y la comunicación. La memoria en el sentido de los resquicios que vamos teniendo y también de la memoria construida, que no sabemos, ni siquiera si realmente hemos vivido aquello, pero de repente aquello va entrando y tú vas a contar aquella historia que contaste toda la vida para alguien y de repente hace treinta años que aquello ocurrió y ya no sabes lo que es real y lo que no lo es. Yo creo que todos tienen ese dato de pensar la memoria de esa manera. Eso es todo un tema, eso empieza a hacer parte de la realidad. Esa traducción y esa comunicación mucho me interesan. La comunicación, en el sentido de hoy, el hecho de tener esa posibilidad de los celulares, de las redes sociales, del internet. En mis performances, por ejemplo, uso un poco el internet, yo ya usé el fallecido MSN. Ese tema de memoria, con la comunicación, con el tiempo, el tiempo que ya no sabes qué es, si es que un día se supo. ¿Qué es real dentro de ese tiempo y qué no lo es? Que engorro es ese? Entonces, esas son inspiraciones para lo que hago, para lo que intento... es difícil comunicar y trabajar sobre esas elucubraciones, pero es lo que yo intento hacer, es lo que intento discutir con las performances que hago.

Como es tu proceso creativo?

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Casi siempre es una necesidad, casi no, yo creo que sí es una necesidad. Siempre hay alguna cosa que dispara y yo empiezo a pensar sobre aquello y me da ganas de trabajar. Porque yo hago unos trabajos que parecen individuales, pero no lo son, son performances que yo estoy en escena, pero ellas tienen mucha contribución de otras personas. Porque yo empiezo a pensar en determinado tema y comienzo aquí en el Reator [Estudio], aquí

donde nosotros estamos, yo empiezo a elaborar eso. Después yo llamo dos o tres personas que son muy próximas, en quienes yo confío y les muestro, ellas opinan, ellas fotografían, a veces las fotografías que ellas sacaron entran en el proyecto, o filman, y eso va haciéndose, yo voy siempre moldeando eso. Entonces, es siempre eso, es a partir de temas que yo esté viviendo o que me estén incomodando o que me estén alegrando. Todos los trabajos que yo hice en los últimos años tienen una conexión personal, no es ni un poco alejado. Puede ser alejado técnicamente, pero son testimonios sobre todos esos temas.

Hablaste que usas proyección, que usa varias cosas en las escenas. ¿Cómo administras eso? Manipulas esas cosas en las escenas? Depende del trabajo. La ultima performance que yo hice, llamada Swett Batata, yo también opero la cámara, yo también opero la mesa de luz, yo opero la computadora e aún cocino unas papas (risas) al mismo tiempo, pues la performance ocurre al mismo tiempo que la papa es cocinada. El tiempo de poner la papa en el fuego y hacerla cocinar, cuando ella está lista, la performance acaba. Y la performance en si habla exactamente sobre ese tema de estar presente y decir cosas para las personas. Yo empiezo contando una historia, pero voy desarmando, como si empezara a perderme en esa historia que ya no sé el final, para hablar exactamente de ese tema de que las personas vienen allí, se sientan y quieren alguna cosa de ti, ¿no? Pues tú estás proponiéndote a hacer no sé qué allí. Y entonces yo empiezo a jugar con ese tema de la respiración, del tiempo, de lo que es, de lo que yo tengo para decir, de lo que puede ser interesante, de lo que puede ser absolutamente desnecesario. Yo juego con citas de varios artistas, famosos o no famosos, personas, artistas con los que yo convivo o Amy Winehouse y en

eso voy. El cierne de la cuestión es ese, es manipular todos aquellos objetos que están allí, hasta mostrar la dificultad que es estar allí teniendo que operar una cámara. Tienes que operar un micrófono que te da varias posibilidades de entonación de voz, tienes que operar la mesa de luz, cambiar la luz, que va creando sentidos o no. Entonces eso, aunque tenga una partitura, pero como una partitura puedes improvisar, tocar de determinadas maneras. A eso le llamo performance, pero yo ni sé si es teatro, porque mezclo todo. Yo no estoy muy preocupado. Solo pensé que performance era donde cabrían más cosas.

Habla un poquito de este espacio, como fue la creación y qué ocurrió aquí. Ese espacio es el Estudio Reator. Cuando mi abuela se casó en 1913 vino a vivir en ese lugar. Entonces esa casa ya tuvo varias versiones, fue derrumbada. Era en realidad una choza. Eso era monte, un bosque, todo alrededor era bosque y aquí era una pequeña choza en el inicio del siglo XX. O sea, ya tiene cien años, nosotros estamos en 2015, tiene 102 años. Ella vino a vivir aquí y vivió toda su vida, no solo aquí, pero en fin, fue quedándose, después mi padre compró la casa de su madre, o sea, de mi abuela, en fin. Mi padre también ya falleció y dejó para sus hijos. Hoy somos tres. Entonces esa casa es nuestra. E de ahí fue natural mi intención, yo siempre quise tener un estudio, un lugar donde pudiese manipular las cosas que yo hacía, porque como cualquier artista, tengo un enorme problema con espacio, aún más con ese tema de equipos. Entonces, básicamente la idea del Reator, del Estudio, fue armar un espacio donde yo pudiese probar todos esos lenguajes sin tener que desarmar todo al final de la tarde, tener que llevar para la casa y traer al día siguiente y armar. En fin, hay una libertad de creación y eso fue el tema del Reator.

Hay performances que usan la mediación de la fotografía y del video para llegar al público. ¿Cómo trabaja más usted? Directamente con el público o con esa mediación? Ese es un tema interesante. Yo intento mezclar las dos cosas, tanto lo que está ahí en el video, a veces yo salgo de aquí y queda un video que dura cinco minutos y yo vuelvo para acá, o la fotografía, en fin. Las dos cosas para mí son absolutamente necesarias. Tanto mi presencia, física, en determinado espacio que fue ordenado para eso, no necesariamente platea y escenario, pero un espacio. Y esas otras tecnologías, de video, de imagen, a veces yo juego hasta con el equipo que determina. A veces yo uso el proyector de diapositivas, el proyector de video, proyector, el retroproyector, cada uno de esos objetos de proyección de imagen le dan una referencia y un resultado distinto. Eso, y la manipulación de eso, ocurre en aquel momento. Creo que está bien centrado en esos dos temas y añadiendo al sonido, tanto de este sonido pre gravado, que está hecho, elaborado anteriormente, como el sonido que es hecho en aquel momento. Entonces eso también depende de cómo se está desarrollando y cómo es sentido aquel momento con las personas que ahí estén.

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pablo mufarrej

de arte y también de artista, creo que las dos cosas van siempre juntas.

¿Cómo es su proceso creativo?

(Belém-PA, 1982)

¿Cómo empezó su trayectoria artística?

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TALLER SANTA TEREZINHA, DENTRO DE LA INSTALACIÓN, YO, EL HORIZONTE Y MI CUEVA, EL 06 DE MARZO DE 2015.

Uno no es artista a partir del momento que tiene una formación académica, creo que eso se construye a lo largo de toda su historia. Por ejemplo, si tú tienes treinta y dos años, aquel trabajo llevó treinta y dos años para ser realizado. Creo que yo cuento mucho con esa existencia porque ese histórico de vida de cada uno se suma. Comienza, dibuja, dibuja, dibuja. Mi madre una vez me inscribió, descubrió que había la Fundación Curro Velho. Fue a partir de ahí que yo comencé a ordenar eso. Allá yo empecé a transformar todo aquel universo de cosas que yo ya investigaba: dibujo, pintura y participar de los talleres. Digamos que, sistematizar, o sea, ordenar más eso. Conocer un poco más la historia del arte, conocer las técnicas.

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Luego yo ingresé a la universidad, estudié en la Universidad Federal [UFPA], de artes plásticas y fui armando una carrera, que tuvo como base mucho conocimiento grafico de grabado, porque yo estuve responsable por el núcleo de grabado de la Fundación Curro Velho, y ahora he vuelto para allá, como funcionario público. Pero yo viví durante siete años así, enseñando en talleres y haciendo también, por eso tal vez mi trayectoria sea de educador, de profesor

Mi proceso involucra, como el de todos, varios temas. Creo que hay algunas ideas que yo logro pensar a largo plazo, hay otras que no. Pero lo que yo entiendo sobre proceso creativo, el acto creativo, [Marcel] Duchamp habla algo muy bonito, el único texto que él escribió que, el acto creativo siempre tiene cincuenta por ciento que uno controla y cincuenta que uno no sabe hacia dónde va. Y también hay cosa que el Hélio Oiticica habla, de un estado de invención, donde hay una parte que uno controla y otra que no se puede controlar, ellas van ocurriendo durante ese proceso, durante ese acto de creación. Esas entidades se van manifestando, pero no un espíritu médium que viene al cuerpo y crea de la nada, pero pienso que en la medida que [Gaston] Bacherlad le llama estudio, él, antes de pensar, necesita estudiar. Entonces, por ejemplo, en ese proceso creativo, digamos que él sea alimentado con muchas técnicas, por eso yo acabo estudiando también, desde los procedimientos técnicos, teóricos, en fin, eso va sumando, sumando, sumando y cuando veo he construido un trabajo. Hay otra cosa que yo llevo mucho en cuenta, es lo que yo llamo “ingeniería creativa” o “red de mantenimiento del propio trabajo”. Entonces, tú no produces solo en la hora que llegas allá y lo va a hacer, pero necesitas las herramientas materiales para construir eso, que van desde tener capital para poder producir, tener materia prima para tu propio trabajo, hasta redes psicológicas. A veces, necesitas tranquilidad, hay artista que necesita el ocio. Entonces si esas cosas no están en su lugar, es muy difícil ocurrir ese proceso creativo. Es eso lo que intento hacer, intento hacer que todas las cosas estén funcionando para que yo pueda crear.

Habla un poquito sobre el proceso de esa obra aquí [Yo, el horizonte y mi cueva: el color, el espacio y la experiencia - 1º movimiento]. Esa obra es una obra nueva que hace parte de un conjunto de nueve movimientos. Ese es el primer movimiento y el nombre de la serie es Yo, el horizonte y mi cueva y tal vez ella sea la sumatoria de esos treinta y dos años, y de un hecho que ocurrió que fue muy importante, la muerte de mi abuela, en la primera hora del último día de este año. Entonces, tal vez ese sea el primer movimiento que yo hago después de eso. Yo ya había especulado, yo ya traía algunas cuestiones, pero su muerte me conturbó profundamente. Mucho de mi universo creativo viene de ella. Ella tuvo un problema, murió a los ciento uno. Tal vez esa muerte me habló mucho sobre la existencia, sobre lo que hacemos aquí. Mi abuela era analfabeta, en fin, vivió de una manera muy lucida, no tuvo grandes lujos, pero fue alguien que vivió para la existencia de sus prójimos. Entonces hoy lo que hago es un poco de eso. Creo que esa serie intenta traer esos temas un poco inviabilizados y tirar otros. La muerte de la abuela habla de una dimensión de la vida e intenta volverte a esa cueva y mirar nuevamente para el horizonte y eso lo sumas con lo que eres.

Me estabas hablando ayer que trabajaste bastante en este espacio [Taller Santa Terezinha] para una obra que duró algunas horas ayer por la noche. Está perdurando un poquito hasta ahora y tal vez de aquí un rato ya no habrá nada. ¿Cuál es tu sentimiento? ¿Qué tienes a decir sobre esa cosa que es tan efémera? Es la vida, ¿no? Es como cocinar. Yo tengo un trabajo que es con cocina. Tiene que ver con la abuela también. Que pasa muchas horas pilando una cosa para cocinar.

Tratar con dignidad y respeto a cada elemento. No con sentido de permanencia, pero de existencia. Es eso. Se dio en ese momento, fue materializado para eso y se deshace.

¿Qué te pareció ayer aquí? ¡Yo estaba muy feliz!, ¡estaba muy feliz!, ¡estaba muy feliz! Aún estoy feliz. Y feliz también por esa coincidencia gentil que me fue brindada. En ese dialogo también hay una forma de registro de eso. Creo que tu trabajo fue extremadamente oportuno y significativo. Tal vez lo que haga sentido de esas tres horas. Porque ahora ella se vuelve otra obra que no es mía. El registro de ella que va contigo, el registro de esa situación que tú estás construyendo, termina emanando otro trabajo. Entonces sal, sal de la sala. Tal vez se haga una experiencia compartida. Creo que eso hace sentido, son aquellas gratas coincidencias u oportunidades. Concesión, yo creo mucho en concesión de la existencia. Concesiones.

Estabas hablando de tu proceso, ese tema de pensar una parte y dejar ese “estado de invención” y también tu subsistencia con tus obras, financieramente hablando. Habla un poquito de eso. Creo que llegó el momento de un conjunto de artistas comenzar a pensar su propio proceso y descubrir mecanismos para mantenerlo, sin que tenga una dependencia directa de un sistema, por ejemplo, más pautado en los edictos. No tengo nada en contra la política de edictos, creo que ella hace mucho sentido para mucha cosa. Pero para otras ella no hace ningún sentido. Por ejemplo, para ese trabajo [Yo, el horizonte y mi cueva], era imposible pensar su tiempo, su tiempo de construcción, el tiempo que llevaría para hacerlo, si tuviese que materializar todos esos conceptos antes. Porque hay una antítesis

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del edicto de investigación. Él te propone investigar, pero que tu definas antes donde vas a llegar y tengas datos de cuánto va a costar, cómo va a ser, él crea una cadencia totalmente ilógica y fabril. De fabricación para el proyecto de arte que sabemos que no tiene sentido. Algunos proyectos, algunos trabajos, ellos permiten tener esas etapas, pero hay otros que no. Son las casualidades y accidentes, no una exploración investigativa imaginativa cien por ciento. Ellas [las investigaciones] desencadenan otras cosas. Hay reacciones que hacen eso. Entonces me preocupo mucho con eso y comparto mucho con los artistas, sobre como ellos pueden subsidiar su propio trabajo sin necesariamente estar aprisionado a eso. Por ejemplo, yo tengo PagSeguro que yo hago un contrato directo con una empresa, como persona física, y ese PagSeguro me fornece una máquina, yo voy allá y puedo poner en diez cuotas un trabajo para un comprador que no es un comprador medio de la obra de arte, el tipo del sistema de galería. Entonces la misma tomada de intereses que esa operación me daría, sería una de un galerista o de otro sistema. Nada en contra ese sistema. Nada en contra de las galerías. Yo creo que todo lo que está ahí tiene sentido. Pero, cada artista puede encontrar nuevos mecanismos para mantener su propio trabajo, pensar una cadena de su propio trabajo. ¿Cuáles son las actividades que yo necesito hacer para materializar aquella idea? o ¿cómo yo puedo organizar esa idea para hacerla auto sostenible? Todas las veces que pensamos en la organización de eso, pensamos que el artista va a tener que sentarse y limpiar su espacio y va a haber un registro rellenito con el paso a paso de eso. Y no es eso. Es ver cuáles son los elementos. Creo que eso es importante: ¿cuáles son los principales elementos para mi proceso de creación? ¿Dónde eso aparece en un edicto?

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Entonces, eso va a ocurrir en ese edicto. ¿Dónde eso ocurre con una relación de coqueteo con el mercado de arte tradicional? Circuito de coleccionador, de galerista? ¿Dónde es que ocurre dentro de un espacio institucional, del

sistema de arte, de los museos y de otros? Y ¿Dónde yo tendré un trabajo que va en la contra mano de todo eso? ¿Qué es lo que se crea en un periodo que no se puede estar en otras? Porque uno hoy acaba teniendo una cierta adicción al trabajo, ¿no? Que son concebidas para adentrar en un sistema establecido y eso es muy extraño! Es arte un poco iglesia, como aquellas bien aburridas, canónicas, ¿no?

Estabas hablando sobre esas fotos, sobre eso de dejar el tiempo actuar. Habla un poquito sobre eso. Ah, me gusta mucho envejecer. Yo trabajo mucho con el cuaderno del artista. Hay muchos elementos que yo voy haciendo, haciendo, haciendo. Eso dice mucho sobre mi proceso de creación. Primero yo necesito armar muchas partes, pa,pa,pa. Todas separadas. Después yo voy agarro todo eso y armo un objeto. Va a ser una caja, va a ser un cuaderno, va a ser una pintura, va a ser un... cualquier otra cosa. Esas fotos y algunos de esos datos, a veces, son pequeños apuntes para próximos trabajos, para próximos movimientos. Entonces yo veo un tema, voy, voy, voy, estudio, estudio, voy. Tal vez, hasta el agotamiento para que yo pueda, en las últimas consecuencias, llevar aquello. Cuando yo llego, y aquello tiene muchas piezas entonces yo empiezo a armar. Esa instalación dice mucho de eso. Y eso me pone contento. ¡Muy contento! Ahora estoy logrando explotar, hacer eso en una escala más grande también, dejar que ese dato hable y que no sea solo un objeto de discurso o fruto de una narrativa. Que las personas se sumerjan en eso, lleven un poco de ese vestigio.

pp Condurú

que no es la computarizada, pero tiene piezas y las personas arman el panel que quieran, luego nosotros fotografiamos y enviamos por email, de ahí la persona imprime, hace lo que quiera. Entonces es un arte así, interactivo, con toda mi pintura, me encanta pintar, me encantan los colores, no voy a dejar de hacerlo, lo que quería era unir computadora y pintura.

(Belém-PA, 1958)

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CASA STUDIO PP CONDURÚ, EL 07 DE MARZO DE 2015.

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¿Qué es pixelpart?

Bueno, yo estaba harto, estaba trabajando mucho en computación gráfica, tenía una empresa, entonces dije: “Yo quiero volver a pintar”. Yo pintaba, pero poco. Estaba más en la computación mismo. Y yo quería juntar esas dos cosas, computación y pintura, y tampoco quería pintura en atelier solitario. Entonces, esa obra es interactiva, las personas pueden comprar cuantas piezas quieran, armarla como quieran, ponerla donde quieran, ¿entiendes? Se puede hacer lo que quiera. Entonces es eso, hay esa interactividad, es un trabajo que tiene un poco de computación, el nombre de ese trabajo es Pixelpart, y en eso consiste. Esas miniaturas, ese trabajo todo vino así. Yo no quería pintar solo, quería hacer una cosa colectiva y hay una parte que todas las piezas son fotografiadas y de ahí van a la computadora, en la computadora se hacen muchas otras cosas y también la gente acompaña por el blog hace un tiempo. Desde el inicio yo fui subiendo e invitando a las personas a que participaran. Mi idea es que, después, eso se transforme en game. Yo empecé a trabajar con un grupo para hacer un game y una mesa interactiva de touchscreen, con proyección, también dentro de una galería. Pero ese proyecto no se realizó, porque yo no gané Itaú, no gané Funarte, no gané nada (risas). Hubo galería en el final del año pasado. En esa galería, incluso voy a hacer también aquí en el [Proyecto] Circular, la mesa analógica,

¿Cómo empezó tu trayectoria? [Ai (Paf! Paf!)! ¡Los zancudos me están comiendo!] Mi padre dibujaba, mi padre era coleccionador. Él ya falleció, en el año 74. Él era coleccionador de discos, libros y yo era muy pegada a él. Él dibujaba desde niño, él tenía unos dibujos, era bien artista, mi padre era bien interesante. Él siempre me regaló, desde niño, cosas para pintar, mis regalos eran rompe cabeza, solo cosas así. Nunca un cochecito, cosas así... Tampoco era mucho lo mío. Cuando él falleció, en 74, yo enloquecí, creí que tenía que ser artista plástico, yo dejé todo. Para ser pintor aquí, tenía que ser arquitecto. Yo quería ser pintor, aquí no había escuela de arte, no había nada, no había nada. Entonces yo fui al Parque Lage el 76, 77, me quedé hasta el 78 y me vine. Entonces yo comencé así. La historia es un poco por ahí. Entonces yo me regresé y vivo de eso, desde aquella época. Desde el 75 yo vivo de eso. Yo me las arreglo, yo me arreglo. (risas)

Trabajas con varias cosas, ¿no? Sí, yo siempre dibujo, aún trabajo con la computadora, me gusta diversificar. Puedes ver eso por mis temas, técnicas, yo nunca me quedo tranquilo. Soy bastante inquieto con relación a eso.

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¿Cuáles son más o menos algunas de las técnicas que usas? Mira, todo yo he creado, voy creando. Todo es creación. Yo, el google y la tienda de artesanía que vende. Porque aquí, en Belém, no hay una gran tienda que vende materiales. Es una tienda que vende cosas para hacer artesanía. Últimamente yo inventé una tontería que hace esas líneas. Hace esa cosa gordita. Yo lo inventé con un lapicero, fui rompiendo, hice una cosa así: es una puntita así, corté una jeringuilla, y con eso yo dibujo. Cuando no hay una cosa, la invento. Casi todo es cosa de artesanía, entonces yo me siento como una ricachona haciendo las cosas.

¿Cómo es tu proceso creativo?

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Como yo trabajo con eso hace mucho tiempo, entonces dejo que las cosas ocurran. Mi historia la aprendí, por eso hablé tanto de mi padre, de los discos, porque como yo escuché mucha música, yo aprendí más dibujo oyendo Hermeto Pascoal y ahí yo aprendí a dibujar, dar silencio, des construir, construir, y dar movimientos… aquello me encantaba, e intentar pasar eso para el trabajo. Y mi trabajo también tenía una parte, que era una parte un poco [Jiddu] Krishnamurti, que era de la plenitud, de la originalidad del dibujo también. Yo leí un libro de Ferreira Gullar que se llamaba Sobre Arte en el cual él hablaba de la originalidad de hecho del dibujo. Como soy, básicamente, dibujante más que pintor, solo aprendí a pintar en la década de 90, pero yo siempre he sido dibujante. Y el dibujo es originalidad de todo. Desde la pintura de la cueva, todas esas cosas. El libro es chévere. Me encantaban los dibujos japoneses, todas aquellas cosas, el rasgo, la pintura de Van Gogh, la originalidad del trabajo de Van Gogh, el hecho de que él iba para adentro de su trabajo, de la plenitud de su trabajo. También me interesa ese arte más intuitivo, creativo. A mí no me gusta repetirme. Parece que uno descubre una

manera, y esa manera, esa manerita, “quedó chévere…”. ¡Que se joda (risas)! Me gusta el movimiento. Tiene que ser un golpe. Yo meto la cara. Hay esos dibujos, voy a mostrarte en la práctica. Yo comienzo agarrando eso de aquí, hecho tinta atrás y voy y lo mancho, luego voy dibujando. Ese, por ejemplo, está con tinta, pero antes tiene un trazo aquí atrás. Aquellos yo estaba un poco bloqueado, empezando. Muy aburrido. En ese yo me empeñé, agarré el lápiz así (serie de onomatopeyas sugiriendo movimientos bruscos) y salió así (risos). Entonces uno tiene que lanzarse, no hay otra. Hay que arriesgarse, tirarse y solo poner atención para no flaquear, ese es el juego.

¿Crees que hay un tema recurrente en tu trabajo? Hay. Rostro. Cara. Ser humano. Siempre me ha gustado dibujar rostro. Siempre. Pero, hay una cosa que me molesta, eso de no repetirse. De ahí se hace otra cosa... Una época yo hice zancudos. Es que yo pensaba, en aquella época, y de vez en cuando pienso unas cosas así, que en Belém, solo le gusta el arte a los zancudos y a las lagartijas.

¿Y aquí está la “reina del aborto”? Eso fue en Ceará. Hubo una época que me aburrí de Belém y salí viajando por ahí. Quise elegir una capital para vivir. Me fui a São Luís, Fortaleza… Llegué allá en São Luís y me reuní allá con unos artistas locos, ellos me llevaron a los puteros, para cosas locas. Allá todos solo pintaban subidas, puestas del sol... que cosa aburrida. Entonces hicimos una serie sobre los puteros de allá, sobre las putas, los travestis. Cuando llegué a Fortaleza, esa era la Reina del Aborto, una médica muy rica. Eran varias caras, dibujos así de grandes.

Era un periódico. Me quedé sorprendido cuando llegué allá. No había nada para leer el domingo después del almuerzo. Yo estaba en un lugar bien feo, después quedó chévere. Pero ahí, ¡asu! Me dieron un periódico para leer, el periódico era solo ellos, cada uno tenía una página. La Reina del Aborto tenía dos, la página central era solo de ella, diciendo que ellas eran lindas y maravillosas, ricas. Yo dije: “¡Carajo! ¡Que absurdo!” esos tipos distribuían gratuitamente ese periódico. Entonces yo pinté a esos tipos. Fue muy loco, porque esa exposición fue censurada el 85, en São Luís.

¿Qué te inspira, PP? Es esa multiplicidad, yo soy un adicto visual. Entonces la televisión es todo para mí, porque pasa mil imágenes de todo el mundo, todo el tiempo. Yo adoro el internet por eso. Por eso ese trabajo [Pixelpart] tiene un poco de computación, porque yo comienzo en internet. Hasta las técnicas, todo, la divulgación, la venta. Me gusta esa multiplicidad de cosas. Ese trabajo [Pixelpart] da esa posibilidad. Como son varias series, yo tengo que hacer varias series de mayólica. Entonces son varias posibilidades de pintar, no solo eso, cada uno es una pintura, es un dibujo, es una historia. Entonces yo realizo pintando varios de una sola, ¿me entiendes?

Su segundo nombre P ¿qué es? ¿Es un segundo nombre?

Tú expusiste, esos días, allá en el Centro Cultural do Carmo? Fue así: es de mi primo. Él me invitó, era un homenaje al abuelo, entonces yo fui solo con esos dibujos. Después cuando acabó, yo fui a recoger los cuadros y agradecerle, entonces él dijo:” La galería va a estar noviembre y diciembre cerrada, y yo tendré que pagar empleado. ¿Tú no quieres utilizarla?”. Entonces yo llamé a unas personas y armé un evento que se llamó Entre, que era justamente tanto para entrar allá que estaba iniciando, como para entrar en ese proyecto. Era un movimiento. Todos los jueves, nosotros hacíamos algo allá, había películas, música, poesía. Todos los jueves, venía otra gente, otros acontecimientos, ¿entiendes? Prácticamente lo que ocurrió en el Santa Terezinha [Taller] comenzó allá, en ese movimiento que se llamaba [ENTRE] Un rico lapso, que ocurrió en noviembre y diciembre del año pasado. Entonces comprendimos que la demanda de Belém, eso me parece importante hablar, de los artistas, es de mercado y movimiento. Ya nadie quiere una galería, ese aburrimiento, ya nadie quiere curador, curador es aburrido, galería es aburrida. En aquella galería no era permitido perforar la pared. Imagínense ese absurdo. Ese movimiento que ocurrió en el ENTRE y está ocurriendo en el Santa Terezinha, es esa demanda que nosotros queremos. La felicidad de los artistas que trabajan en eso [en las ocupaciones artísticas de la Oficina Santa Terezinha] no tienes idea. Ellos lloraron, lloraron, se abrazaron…

PP es Pedro Paulo.

Y te dicen más PP ¿no? Sí, desde niño.

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elaine arruda

(Belém-PA, 1985)

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TALLER SANTA TEREZINHA, EL 10 DE MARZO DE 2015.

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Tu formación es Psicología, no? Sí (risas).

El arte vino primero o después? Mi padre es arquitecto, entonces yo siempre he dibujado, siempre me han gustado las manualidades. Siempre lo veía dibujando, pienso que tengo una influencia suya. Pero nunca había pensado estudiar artes, pero cuando ingresé para el segundo grupo, me quedé un semestre sin nada para hacer y entonces fui al Curro Velho [Fundación], haciendo un curso allá y comencé a hacer grabado. Conocí a Armando Sobral de ahí comenzó un compañerismo que duró mucho tiempo. Fundamos juntos el Atelier do Porto, hicimos varias cosas hasta 2014. En realidad siempre fue una doble vida, siempre he sido mucho de eso de doble vida (risas). Durante mi facultad yo estudiaba psicología y daba clases de Grabado y dibujo en el Curro Velho.

¿Cómo es ese “paisaje suspendido”?

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Fue un proyecto que yo hice, fue la conclusión de mi maestría. Hacía un tiempo que yo frecuentaba el Taller Santa Terezinha, cuando llegué al taller, vine queriendo hacer grabados en gran escala y mi idea era pasar con la apisonadora encima de la placa para imprimir. Porque yo compré una placa de

zinc de dos por dos, esas de hacer vallas publicitarias y la idea era imprimir sin tener que cortar. Porque cuando hacemos grabado, tenemos la limitación de la prensa, ¿no? Aquí en Belém la mayor prensa que había era la del Curro Velho, entonces yo debería cortar con un largo de sesenta centímetros. Así perdería todo el chiste. Cortar, hacer un rompe cabeza, pero en fin… si no funcionara, era lo que yo iba a hacer. Era yo, Veronique, Isalelle y el Vicente Cecim, que es un escritor, un poeta monstruo de aquí de Belém. Y nosotros estábamos allá, finalizando el grabado, pintando y yo inconsolable. “¡Ah, no! Yo no debo cortar…” entonces el Vicente Cecim dio esa idea. Él dijo así: “¿por qué no pasa por encima con un carro de asfaltar calle?... y yo me quedé así… “será posible?”. Y me quedé ‘con la mosca detrás de la oreja’. Yo vivía aquí en la Cidade Velha y ya había circulado por el Porto do Sal. Entonces yo con la Vero vinimos juntas aquí al taller a preguntar a Don Chico, que es el dueño de la Santa Teresinha, si él conocía a alguien que alquilara esos carros que nosotros queríamos imprimir. Y él se puso a mirarnos. “Chica, ¿qué quieres? (risas). Él es así. “Pero chica, ¿qué quieres hacer?”. Y yo dije: “Yo quiero imprimir, estoy grabando una placa…” entonces traje la placa para acá y en eso de traer la placa yo ya comencé a trabajar aquí, usando las herramientas de los operarios. Fue bien chévere esa recepción. No hubo ninguna resistencia, ni de parte de los propietarios, ni de los operarios. Entonces él dijo: ” Mira, yo conozco una máquina que nosotros podemos adaptar para imprimir eso que tu quieres hacer”. Yo dije: “ ¿Está usted seguro?”. Él me dijo: “Seguramente, vamos a probar”. Y ahí yo comencé a imprimir. Funcionó, nosotros adaptamos la calandria, que es una máquina utilizada para hacer tubos, para girar metal, para que se transformara en una prensa. Entonces yo gané una escala infinita de trabajo. Pues lo que yo iba a hacer en sesenta centímetros, ahora estoy haciendo de tres metros por uno veinte. Fue una investigación que yo empecé en 2010 e invierto en ella

hasta ahora, final de la maestría, la defendí ahora en noviembre de 2014 y el resultado fue ese proyecto, Paisagem Suspensa (Paisaje Suspendido), que fue un grabado de doce metros por tres.

¿Ese trabajo fue expuesto aquí en el Taller Santa Terezinha? Como mi maestría es allá en São Paulo, en la USP, y es una maestría en Poéticas Visuales, la conclusión fue una exposición. Y por la escala del trabajo, yo tuve la suerte de conseguir el salón del Tomie Ohtake, invitada por Paulo Miyada. Y la exposición de la conclusión de la maestría y la primera vez que fue exhibido allá [en São Paulo]. Fue increíble, me encantó. Pero me quedé con eso de querer mostrar dentro del hangar [Oficina Santa Terezinha], yo creo que el hangar tiene escala para eso y va a ser una manera de llevar para la ciudad, de exhibir en Belém, porque nadie había visto. Yo también siempre tuve una crisis con mi proceso, porque yo siempre mostré mis trabajos, los grabados, y tenía un impacto muy fuerte, y el proceso termina siendo un adjunto del trabajo y eso nunca ha sido algo bien resuelto, incluso fue un tema muy discutido durante la maestría: ¿hasta qué punto es interesante mostrar ese proceso y hasta qué punto no lo es? Y cuando lo enseñé aquí [en el Taller Santa Terezinha] creo que resultó positivo, porque el proceso está en todas partes, ¿no? La persona entraba en el proceso y veía el resultado, en realidad no era así: proceso y resultado. Todo quedó bien integrado. Me gustó mucho.

Fue ahí donde empezó ese movimiento, esa ocupación que ustedes hicieron aquí, en Santa Terezinha? Hubo el Circular, que es ese proyecto de articulación entre espacios independientes y yo estaba saliendo del Atelier do Porto, yendo para São Paulo a hacer doctorado, yo estoy yendo ahora para allá. Entonces la idea

era hacer una despedida, una finalización, mostrar para la ciudad el trabajo y “adiós gente, estoy yendo para São Paulo”. Pero fue tan bacán. Iba a ser un evento, íbamos a participar del Circular como evento, les encantó a todos los que vinieron y nosotros decidimos. Yo por la invitación de Del Tetto Júnior, que es el hijo de Don Chico, decidimos hacer la ocupación con cierta regularidad. De ahí surgió la idea de crear el Taller Santa Terezinha - Espacio Cultural. El Taller Santa Terezinha es un proyecto de ocupación, y lo chévere de él es que no se restringe a taller, al espacio del taller, porque el Atelier do Porto fue, para mí, increíble, como una incubadora, un aprendizaje, pero yo siempre quise entrar en el Porto do Sal. Para mí, lo más chévere del espacio es justamente ese contexto. El Porto do Sal es un contexto de puertos, tiene mercado, tiene toda una cultura ribereña paradojalmente urbana, porque es un enlace entre la ciudad de Belém y las islas. Hay muchas islas por aquí. El Taller está vivo, eso es un proceso. Las ocupaciones van ocurriendo aquí hasta que ella sea vendida. Pero, creo que el proyecto no se muere porque es todo un contexto de actuación.

¿Cómo es tu proceso creativo? Es un proceso muy intuitivo. Al mismo tiempo que tiene una materialidad, él es bastante concreto, porque yo trabajo con herramientas, con la punta de videa, hacha, almádena, soldadura, entonces hay ese lado realmente manual, ese lado de la industria, de la relación, muy relacional con los operarios, con el Don Chico. Pero la manera que yo construyo la imagen, es totalmente intuitivo. Yo no hago una planificación para construir una imagen. Ese proyecto, Paisagem Suspensa (Paisaje Suspendido), e hice un panel, entonces, poco a poco fui ocupando las matrices. Primero hago una secuencia

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de líneas, luego otra que sobrepone, por eso, yo lo llamo Paisaje Suspendido, porque yo no tengo un deseo de representar un paisaje, sino comunicar sensaciones. Creo que hablar un poco de la escala de ese lugar que es un lugar muy fuerte para mí. Aquí mismo estamos en la orilla del río, que es un lugar inmenso. Es eso, creo que hay una relación muy fuerte, hay una relación corporal muy fuerte, hay un deseo de captar, de alguna manera o de comunicar esa escala amazónica, ese paisaje de aquí.

Dijiste que desde 2010 estás investigando sobre ese trabajo. ¿Cuál era tu objeto de investigación? En 2010 fue cuando yo comencé esa investigación de paisaje. Creo que desde 2010 el paisaje es presente, el paisaje y el cuerpo, son cosas que están presentes en esa investigación. Entonces, en 2010, yo estaba en una escala del cuerpo, los trabajos eran de dos metros por uno. Entonces, era casi un trabajo dual, ¿no? Yo y mi escala. Ahora en 2013 y 2014, que el trabajo ha crecido aún más, con interés de una escala arquitectónica, o de una escala que el cuerpo recurre el paisaje, él ya no es un reto, sino un elemento más.

¿Cuáles son tus referencias? ¿Qué cosas te inspiran?

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Yo tengo una relación muy fuerte con la música. Entonces creo que para hablar de referencias me viene a la cabeza el choro (género musical típico brasileño), música instrumental, Piazolla, Chopin. Yo me inspiro mucho en la sensación que la música evoca para construir las imágenes. Ahora hablando de artistas, las personas, las personas ya relacionaron como Pollock… hay varios artistas de aquí también que yo me identifico, como el Pablo [Mufarrej], con la Vero [Veronique Isabelle]. Pero, creo que la música es muy fuerte.

Y el trabajo con la Vero, ¿cómo fue? Yo estaba leyendo hoy sobre la exposición /instalación que ustedes hicieron. En 2010 nosotras tuvimos un dúo que duró unos dos años nosotras hicimos un trabajo con instalaciones, con objetos, fue un intercambio muy intenso en el momento que ella llegó a Brasil. Nosotras pasamos un tiempo correspondiéndonos por email y creo que el trabajo ocurrió como un intercambio cultural mismo. Ella vino, pasó seis meses aquí [en Belém], yo fui, pasé seis meses allá [en Canadá]. Nuestro dúo hablaba un poco de cómo cada una compartió su realidad con la otra. Creo que la influencia de ella en mi vida es muy fuerte, tanto que ese trabajo fue algo que - ese trabajo en grandes escalas - no hay como no relacionar con nuestro dúo. Y ella acabo quedándose aquí, tiene un trabajo muy fuerte en el Porto [do Sal], está estudiando antropología visual. Creo que fue un hecho en el cual nosotras mostramos un poco de cómo fue ese intercambio y cada una siguió con las referencias culturales de la otra.

coletivo pitiú

(Belém-PA, 2014)

Débora Oliveira, Vivian Santa Brigida y Verônica Limma

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¿Cómo comenzó el colectivo?

TALLER DEL COLECTIVO PITIÚ, EL 11 DE MARZO DE 2015.

Verônica| El colectivo comenzó con un grupo de personas que siempre se encontraban en el Curro Velho [Fundación] y participaban de un laboratorio con el Pablo [Mufarrej] y nosotros estábamos juntos todo el tiempo. Hay un amigo nuestro, el Eliezer [Carvalho], que nos invitó para armar el primer colectivo, que era el Pirão. Entonces vino esa necesidad de trabajar juntos e hicimos algunas intervenciones con el Pirão, pero ya hay otro colectivo con el nombre Pirão, que es de teatro. Luego sentimos la necesidad de cambiar el nombre y nos quedamos un tiempo paradas, decidiendo qué nombre podría ser, ese dolor de cambiar el nombre, toda esa cosa. Hasta que nos decidimos por el Pitiú. El tema es que dentro de ese proceso siempre ocurrió una cosa rara… nosotras fuimos a participar del proyecto [Paisagem Suspensa] con Elaine [Arruda] y solo fui yo, Vivian y Débora, todos llegaban y ella nos presentaba: “Mira las chicas del colectivo”, y era siempre “ las chicas “. Nosotras siempre decíamos: “Hay dos personas más y son chicos”. De ahí empezó a propagarse ese tema del colectivo de chicas. Con la salida de ellos, resultó realmente un colectivo solo de chicas. Entonces lo bautizamos de Pitiú, volvimos a nuestra pesquisa en el Porto do Sal, pero con otro enfoque, que es el enfoque direccionado para el tema de la mujer.

El Pitiú surgió a fines del año pasado, cuando decidimos dar esa nueva cara para nuestro trabajo. Salir también de ese tema de trabajar solo con gravados y abrir más el abanico, incluso por las influencias que cada una tiene. Una trabaja mejor con pinturas y dibujo, la otra trabaja mejor con grabado, otra con la fotografía. Entonces nosotras decidimos, en ese proceso del Pitiú, comenzar a mezclar esos lenguajes. Cruzarlos y hacer realmente experimentaciones visuales.

¿Qué es Pitiú?

Débora/ Pitiú es un término regional, que usamos para el olor, el olor del pescado, es un olor que penetra, es muy fuerte. Es el hedor del pescado y es también un pez. Yo fui a investigar y vi que hay un pez con el nombre Pitiú. Aquel olor que exhala en el Ver-o-Peso [Mercado] es lo que nosotros llamamos de Pitiú. Listo, es eso lo que es el Pitiú, es eso lo que significa para nosotras. Nosotras, en realidad quisimos hacer un juego de palabras. Como es un colectivo solo de chicas, hay unas jergas así: “ ¡Vaya tú estás Pitiú!”, o sea estás apestosa, estas con la regla y eso (risas). Y nosotras quisimos jugar con eso. Explica un poquito sobre qué es el Porto do Sal y qué trabajos hacen ustedes allá.

Verônica/ Porto do Sal parece un lugar direccionado solamente para los artistas, ¿no? En realidad allá es un puerto muy antiguo que fue revitalizado alrededor de los años 80, solo que sigue funcionando como puerto. Hay un espacio periférico por detrás que la mayoría de las personas no conocen y fue en ese espacio que nosotras entramos y conocimos a las personas. Y el puerto funciona normalmente. ¿Qué ocurre para que tengan esa visibilidad allá? Empezó a haber la necesidad por parte de los artistas que viven allí por el barrio de la Cidade Velha, de querer revitalizar aquel espacio. Entonces empezó a surgir espacios culturales, proyectos direccionados para allá.

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Débora/ La técnica tiene que estar al servicio de la poética y no lo contrario. En nuestra investigación en el Porto do Sal, nosotras fuimos para allá para hacer dibujo al inicio y transformar en grabado. Al llegar allá nos encontramos con personas, con las relaciones. Las personas nos recibieron muy bien, allá en sus casas. “Ven aquí a tomar un cafecito…” y charlaban, hablaban de la vida, de los hijos. Mucha gente había venido del otro lado del río. Y nosotras comenzamos a percibir que las historias de vida de las personas eran más importantes que dibujar y pasar al grabado.

colectivo, que es un tema que, cuando uno trabaja en colectivo, es como ese trabajo va a presentarse. Es complicado, tres personas y una identidad visual, lograr reunir características individuales de cada una para aquel trabajo. Nos pusimos a discutir por un buen tiempo sobre si la identidad visual del colectivo iba a ser eso: todos trabajando en un tema para tener un lenguaje colectivo o si íbamos a juntarnos para cada uno producir sus trabajos individuales, trabajando de manera colectiva, pero con el trabajo de cada uno. Por un tiempo nos quedamos con esa duda, pero las cosas se van acostumbrando.

Verônica/ Esas relaciones que fueron construidas es lo chévere. Esa relación, aunque seamos artista, de qué manera se va a conseguir expresar, visualmente, ese que es un contacto que no es visible. Es una relación que uno va construyendo, que es de la persona, abrir su casa, su espacio, su corazón, para recibirte. Las personas abren sus vidas, su cotidiano, y yo creo que es una cosa que solo el arte da. Uno no está ofreciendo nada, ni dinero, ni nada, uno llega allá y dice: “Yo quiero investigar su cotidiano, su vida…” y la persona agarra y te abre ese espacio. Eso es una cosa que me instiga mucho. ¿Cómo voy a conseguir pasar? Si voy a conseguir y si hay la necesidad, porque a veces no es necesario. Porque lo que realmente queda es la relación humana que se construye.

Débora/ nosotras decidimos no preocuparnos y hacer. Entonces ocurre los dos, al final ocurre los dos a la vez. Nosotras empezamos a entrar en unas discusiones filosóficas sobre qué es colectivo de eso, colectivo de aquello, pero decidimos no hacernos problema, vamos a producir, vamos a trabajar y las cosas fueron ocurriendo así. Lo importante es producir. El trabajo es muy gratificante, conseguimos lidiar bien con eso.

Vivian/ La influencia de las chicas es mayor en mi trabajo con grabado, o toque de cada una, el manosear del cincel. Eso viene más de ellas.

¿Cómo es ese proceso creativo de ustedes trabajando juntas? ¿Cómo es la autoría? ¿Las obras son firmadas con el nombre del colectivo o individualmente?

Débora/ También hay eso de que a veces uno ni sabe que es influenciado. Pero creo en soluciones para el trabajo. Nosotras terminamos influenciando mucho en la parte de la materialización del trabajo.

Débora/ Las obras del colectivo son del colectivo, nosotras no ponemos autoría, nosotras presentamos como colectivo. Generalmente cuando vamos a hacer una investigación, cada una va haciendo una cosa, sacando foto, dibujando, luego discutimos durante días, nos peleamos, nos despeinamos, volvemos, pedimos disculpa. Así vamos cerrando las cosas.

Verônica/ Nosotras somos muy diferentes. Nuestros dibujos son totalmente diferentes. Débora me influyó en el proceso de comprensión del grabado. Nosotras tenemos una identificación muy grande cuando estamos juntas imprimiendo. Y Vivian tiene una conexión con el color, ella tiene facilidad para el color. Entonces hay una influencia en la hora de hacer un trabajo, de pedir una opinión para saber si tal color va a funcionar pues ella tiene esa facilidad. Entonces eso es importante en la hora de hacer un trabajo colectivo.

Verônica/ La mayor preocupación es de como tal trabajo se presenta como

¿En qué medida cada una influye en el trabajo de la otra?

pinturas. Yo opté por el acrílico sobre tela, que para mí, es una manera sencilla, barata y fácil de expresarse, porque cuanto más sencillo es el arte es mejor para mí, en ese sentido de expresar un pensamiento y, a partir de aquella imagen, crear toda una idea de contextualización.

Jaider esbell

(Normandia-RR, 1979)

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¿Cuál es su etnia?

GALERIA JAIDER ESBELL DE ARTE INDÍGENA, EL 18 DE MARZO DE 2015.

Yo soy indígena Macuxi. Nací en el área donde hoy es la Raposa da Serra do Sol, la mayor área brasileña demarcada, y creo, una de las últimas, dentro de esa perspectiva de tierras continuas. Nací allá y viví allá hasta los dieciocho y luego me mudé a Boa Vista.

Cómo empezaste a trabajar com arte? Mis ganas de hacer arte vienen de la niñez. Desde niño, siempre quise ser artista. Mi contacto con el mundo del arte, con la literatura vino con mi origen. Mi abuelo contaba mitos y leyendas y yo quería ver aquellas escenas que él contaba ilustradas, materializadas. Y quería escribir nuestras propias historias. Entonces desde mi primera niñez siempre tuve esas ganas de ser artista, de ser escritor, pero siempre tuve la conciencia de que eso era una cosa casi imposible para mi realidad y eso me motivó a dejar la reserva para ir a la ciudad y estudiar y crear esa condición de ser artista. Mi vida fue toda basada en esa planificación. Vine, estudié, hice concurso, hice facultad, cree mi estructura, ayudé a mi familia. Entonces, a los treinta y uno, en 2010, yo me inscribí en una convocatoria de literatura de la FUNARTE y gané. Entonces, al año siguiente empecé a escribir el libro y a pintar mi primera colección de

Soy autodidacta, nunca tomé clases de pintura, aprendí haciendo, aún estoy aprendiendo, pero muy difícilmente debo cambiar de estilo o cambiar el uso de materiales, voy a seguir con el acrílico porque para mí es suficiente para materializar un pensamiento y dar inicio al gran proceso de transformación que el arte nos proporciona a todos, incluso para el artista. En 2011, hice mi primera exposición, regresé de Normandía, para el pueblito donde nací, estudié y crecí. Fue mi primera exposición, se llamaba Cabocagem, o homem na paisagem. En realidad cuando fui para Normandía, en 2011, llevé un paquete de servicios turísticos y culturales, porque yo fui llevando una exposición de fotografía mía, porque me gusta también la fotografía, llevé cuatro videos cortos, que yo hago también, llevé el proyecto del libro de la FUNARTE y llevé la exposición de artes plásticas. La llamé, en la época, de 1ª Mostra Jaider Esbell de Artes Integradas, llevé esos cuatro productos y me quedé allá por quince días interactuando con la comunidad. Mi estreno oficial en el mundo de las artes fue cuando presenté esos cuatro productos. Yo ya hacía y estudiaba por mi cuenta, y entonces surgió esa oportunidad de mostrar toda esa producción de una sola vez. Aún en 2011, yo me vine para Boa Vista y presenté mi trabajo en la Universidad Federal con una propuesta, y la Universidad acepto al instante, me concedió un espacio, e hicimos la segunda exposición aquí en Boa Vista, fue cuando mi trabajo tuvo una visibilidad en los medios de comunicación. Desde entonces solo aumentan mis actividades que involucran, básicamente, producción. Yo divido mi tiempo como productor cultural, como investigador y como artista. Escribo para sitios web, escribo

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libros, ayudo en muchas investigaciones de investigadores en Brasil, produzco pinturas, estudio esculturas y nuevas posibilidades.

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En la literatura me está yendo bien, en las artes plásticas también, pero yo me quedo libre, pues como soy totalmente autodidacta, no tengo compromiso con ninguna escuela, con ninguna academia. Entonces yo tengo toda la libertad para probar y ver qué funciona. Desde 2011, cuando me di cuenta de la potencialidad de mi trabajo, yo trato de compartir esa responsabilidad con otros artistas indígenas que ya estaban trabajando hace más de veinte años aquí en Roraima también de manera autónoma, solitos, desarticulados, y yo invito a ese grupo de artistas, son aproximadamente ocho artistas, para componer un colectivo y hacer nuestra propuesta de trabajar el arte segmentado, trabajar el arte indígena contemporáneo de una manera contextualizada con el movimiento indígena, con la realidad del indígena urbano, del indígena de la comunidad y de esa realidad amazónica con relación al local - global. Salimos de aquí de nuestro local y llevamos para el mundo a través del internet y de otras exposiciones que hacemos en Brasil y en otros países, esa realidad de la Amazonía fantasiosa y fantástica que la gente siempre tiene la idea de paraíso, de lugar perfecto, ¿no? Entonces llevamos tejido en nuestro arte ese tema real, lo que la gente de aquí vive, sus expectativas, como es la vida por aquí. Trabajamos entre eso dos universos: el mundo indígena con todo su universo, con toda su complexidad, también está muy conectado con el mundo moderno, contemporáneo de la gran sociedad, y la gran sociedad para los indígenas , y presentar el indígena para el propio indígena, y todo ese tema de contextualizar el indígena en la actualidad. Es un trabajo de arte más enfocado, que tiene un resultado práctico, trabajamos un poco esa función social del arte, que va mucho más allá del mercado y del arte por el arte.

Habla un poco más sobre el colectivo, ¿ tiene nombre? El colectivo es una formación experimental de organización. Aún no tenemos un nombre específico. Trabajamos en el colectivo el encuentro de todos los pueblos, reunimos artistas de varias etnias y a partir de la reunión de esos artistas, empezamos a estimular personas de esas mismas etnias a presentarse y sentirse invitadas a participar. Ese colectivo tuvo primeramente el apoyo de la FUNAI y de la Universidad Federal de Roraima, en 2013. En 2014 ese movimiento creció. Más y más personas quisieron participar y la Universidad institucionalizó parte de ese trabajo, ella atribuye a los estudiantes indígenas de la Universidad que cuiden de esa parte de producción científica de los alumnos indígenas, y también de la parte de producción académica, investigaciones, y otra parte queda con los artistas, que trabajan el arte y el libre pensamiento, la subjetividad, la autonomía en la forma de expresarse.

Jaider, ¿cómo es su proceso creativo dentro de las artes visuales? Yo pienso mucho. Toda mi referencia es mi niñez y juventud. El local donde nací, como viví, viendo a los indígenas involucrándose con la sociedad y viceversa, sufriendo, adaptándose, aprendiendo las artimañas de todo. Ese proceso creativo es todo interno. Cuando yo voy a pintar, ya tengo una idea lista en la cabeza. Todas mis pinturas, más de dos mil, a lo largo de mi carrera, es como si fueran una interpretación de un gran banco de datos que aún tiene mucho para ser mostrado. Yo no pinto todos los días, pero cuando me quedo mucho tiempo sin pintar mi cuerpo pide para que yo pinte, que materialice algo.

ana mendina

(Santana do Livramento-RS, 1977)

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STUDIO DE LA ARTISTA, EL 18 DE MARZO DE 2015..

¿Cómo viniste para Boa Vista? Yo llegué aquí a los siete días de nacida. Porque mi madre vino en el Proyecto Rondon, con los primeros abogados que vinieron para acá, antes de volverse estado. Aún era territorio. Entonces ella vino y me trajo pequeñita. Y yo crecí aquí y me quedé hasta unos 14, 15 años. Después fui para el Rio Grande do Sul para terminar la secundaria, luego me fui de vacaciones a Australia. Cuando me fui a Australia estaba estudiando periodismo, luego lo dejé y empecé a estudiar artes allá. Hice mi primer curso en Australia, después estudié un año en Costa Rica, luego me fui a Londres y perfeccioné un poco más la cerámica y la escultura. Después, el último curso que yo hice fue en Nueva Zelandia, allá me quedé 5 años, donde hice un curso más de arte e hice arte Maorí, Pacífico, me especialicé en cultura del Pacífico, yo fui aceptada por los Maorís para estudiar en su escuela indígena de arte.

¿Cómo surgió su interés por el arte? Surgió al ver el arte primitivo de Australia. Yo vi a los nativos de allá haciendo arte primitiva y su arte en la galería y allá es un lugar muy fuerte artísticamente. Creo que el lugar y todo lo que yo estaba viviendo en aquella época hizo que yo me interesara por el área, que siempre me ha gustado. Pero allá yo tuve

la seguridad de que iría a trabajar con eso. Entonces me recordé de nuestros nativos, ese fue el link. A través de otro pueblo, muy lejos de mi casa, me recordé de lo que tenía en casa. Y entonces comencé a interesarme mucho por la cultura indígena Amazónica. Yo empecé a estudiar a los Yanomami en inglés, en Inglaterra, comencé a estudiarlos de dentro para fuera. Cuando llegué aquí, en 2009, vine y organicé una exposición y yo ya estaba con una investigación un poco más avanzada, ya estaba comenzando a pintar cosas de la cultura de ellos, vincular con la naturaleza y buscar más conocimiento. Entonces yo llamé a Davi Kopenawa [Yanomami] y a su hijo, el Dario, para nombrar e interpretar la exposición que yo había hecho. Entonces expusimos juntos aquí, fue muy lindo. De ahí empezó, con ellos, una amistad y colaboración.

¿Cuáles son las técnicas y los lenguajes que utilizas en tu trabajo? Me gusta habla la palabra mix midia, porque últimamente el resultado es mix mídia, porque yo mezclo acrílico, mezclo dibujo con pintura para llegar al resultado que quiero. Pero yo pinto bastante con acrílico, me gusta mucho la pintura. Pero, dibujo y fotografía también hacen parte de mi producción. Y el body art, que ahora saltó de la tela para las personas. Es probando también la instalación, me encantan instalaciones. Me gusta mucho crear el personaje y hablar del aspecto de la naturaleza que está dentro de cada uno. No importa quién tú eres, si eres indígena o no, alguna parte de tu ser va a estar conectado al local de donde viniste, que es la naturaleza. Entonces yo intento, de una u otra manera, expandir ese mensaje a través del material que yo tengo en manos. Últimamente yo estoy queriendo pintar personas, como si tuviese que sacar la naturaleza de dentro para afuera de ellas.

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Me interesa saber sobre tu concepto de mix mídia. Habla um poco más sobre eso.

coger lo más puro posible para dar una respuesta contemporánea para tal tema.

Cuando uno empieza, la midía es el medio. ¿Qué es? ¿es pintura ¿es fotografía? ¿Es carbón? ?Es dibujo? Entonces digamos que yo empiece con carbón, luego yo agarro los trazos que quiero. Todo está sobre control, pero estoy abierta a mezclar los materiales y ver que reacciones van a ocurrir. Cuando estaba en la escuela, siempre hablaba: “No se mezcla aceite con acrílico”. Bueno… sí. Si uno tiene el control de lo que está haciendo, el arte queda tan abierto que uno empieza a manipular los medios que tenga en mano a su favor, a favor de su idea, de donde quieres llegar. Me gusta mucho mezclar los materiales cuando estoy trabajando. Generalmente está todo a mí alrededor. Es como si el dibujo estuviese pidiendo. Salí del control, pero comienza a darte nuevas posibilidades.

¿Cuál es el ambiente que te gusta trabajar? Generalmente, sola. Es porque yo pienso que un proceso es muy incierto hasta que llegues al resultado final, ni uno mismo sabe bien donde va a tener que cambiar o qué va a ocurrir. Es bastante personal. Yo me siento expuesta cuando estoy creando de verdad y alguien entra ahí, y viene preguntándome cosas con la expectativa que yo no tengo, pues mi expectativa está junto con el proceso. Me gusta la soledad para crear. A veces yo voy al Tepequém, que es una casita que yo estoy construyendo ahora, que queda en una montaña bien linda de aquí, yo me quedo allá, pero generalmente es la soledad. El arte es, bueno… una profesión bastante solitaria.

¿Cómo es tu proceso creativo? Yo, generalmente, lo veo listo. Luego yo intento entender cómo voy a llegar a aquel resultado que yo vi. Es muy intuitivo. La pieza pide lo que tengo que hacer para llegar a aquel resultado que yo imaginé. Entonces, dejo abierto, por eso es importante tener dominio de cuanta más técnica y maneras de crear libre. Me gusta empezar algo y terminarlo para que yo pueda ver, tocarlo. Me gusta leer sobre lo que yo voy a hacer, no solo leer, pero ver alguna cosa, saber un poquito a respecto. Hasta para poder dar mi visión.

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Yo hablo de los Yanomami, pero los Yanomami me abrieron los ojos para mirar como todo el pueblo va a hacer eso. Entonces, en todos los lugares que voy intento oír a las personas nativas del lugar, luego viene la forma plástica que nuestra sociedad dio a eso. Yo siempre intento ir a la fuente para intentar

¿Y esa mujer? Que linda. Es una mujer con pájaros en la cabeza. Yo siempre pongo un elemento de la naturaleza, aunque esté toda adornada, con labial, con cartera, en la ciudad. Ese es el link que me gusta hacer: entre lo que tenemos en la Amazonia, con los grandes centros. Uno no necesita estar en la Amazonia o ser de la Amazonia o estar cerca o lejos de una selva para comprenderla y saber, al menos, que ella está allá. Entonces mi trabajo habla bastante sobre eso, sobre la conexión, ese hilito invisible que existe, que las personas saben que está allá, pero una hora u otra, la gente tiene que hablar y eso hace bien a las personas, ellas no se sienten tan aisladas. Eso es una parte humana de la gente buena, que hace que las personas, que viven en una ciudad grande y fría, sientan una comodidad. Yo intento llevar, todo lo que puedo, para esos grandes centros también.

Mi amistad con los Yanomami me han generado dos nombres. Yo tengo mi primer nombre, Mirena, que fue el Davi quien me dio. Mirena significa espejo, entonces yo respeto mucho a todos esos conceptos. Ellos sacaron eso de algún lugar. La blanca que logra ver lo que nosotros hacemos y reflejar para otros sin mentir. Entonces partiendo de ese principio, todo es genuino, yo siempre pregunto, “¿Está correcto? ¿Es así? ¿Es de esa manera que ustedes quieren decir?”. Porque yo soy solo un instrumento, un puente. Es muy lindo que ellos permitan que yo sea ese puente. Entonces, yo intento ser transparente como el agua. Y mi otro nombre fue el Julio Goes, que es otro chamán de allá del Pico da Neblina, quien también me dio ese nombre, Wataperarioma. Me parece tan bonito ese cariño, porque es demasiado espontaneo, yo respeto mucho, esa nuestra amistad es para siempre. Me enseñaron a inspirarme en la naturaleza. Ellos dicen que yo le gusto a los espíritus. (risas)

¿Escribes sobre tu trabajo? Me gusta escribir. También me gusta usar frases junto con lo que creo, porque es parte de la idea, ¿no? De la creación. A veces, la palabra también escapa de la imagen. Me gusta mezclar.

CARMEZIA EMILIANO

(MALOCA DO JAPÓ, NORMANDIA-RR,1960)

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CASA ATELIER DE LA ARTISTA, EL 20 DE MARZO DE 2015.

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¿Qué significa wataperarioma? [palabra escrita en la pared del estudio de la artista]

¿Cómo usted empezó a trabajar con arte? Yo comencé a pintar mirando, visitando a otros artistas. Eliakim me dio tela, pincel y tinta. Entonces, yo empecé. Pensé: ¿será que voy a pintar? Entonces yo pinté un aguaje en 1992, yo hice la primera tela. Luego, empecé a retratar mi cultura indígena, como vivíamos antiguamente, para que la cultura no se acabe. Yo fui poniendo en la tela, pasando para la tela, para que no se acabe la historia del Pueblo indígena, su cultura.

Usted es macuxi? Soy Macuxi. Usted aprendió mirando así nomás, o hubo alguien que le haya enseñado? No, yo aprendí así nomás, mirando los paisajes, la naturaleza. Como yo viví en el campo, yo saqué de mi memoria. La pintura viene de mi memoria.

¿Qué le gusta pintar? ¿Cuáles son los temas que están siempre en sus cuadros? Me gusta pintar mi cultura indígena, las indígenas haciendo beiju, harina, sacando algodón, haciendo comida, danza. Es eso lo que me gusta registrar: los paisajes, las leyendas de los antiguos, la leyenda de las malocas donde yo vivía, donde yo crecí. Yo voy por ahí visitando algunas malocas y registro las historias, todos son Macuxi. Yo registro solamente la cultura Macuxi.

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¿Cuál es el material que usted usa para pintar? Yo uso tinta óleo y acrílico también, pero el acrílico yo dejé de usar, estoy usando solo óleo mismo. usaba pigmento natural, pero ahora estoy usando solo el óleo.

Sí, yo hago exposición. Jaider me invitó para hacer exposición. Ahora estoy preparándome para hacer exposición allí en el centro comercial. Yo no sé si lo voy a hacer porque mi trabajo se demora para secar, se demora para hacer. No es un trabajo que cualquiera lo puede hacer.

Usted ya recibió varios premios, ¿no? Cuente un poco como fue eso.

Usted también tiene un trabajo con el circo, ¿no?

Sí. Ya es la quinta vez que he recebido premio en la Bienal de Arte Naïf Brasil. Yo no esperaba ganar premios así y ser conocida por mis obras. Un hombre me inscribió para esa premiación, su nombre es Augusto, él vive en Brasilia. Él me inscribió en 2006. De ahí las personas empezaron a conocerme a través de mi trabajo. Ahora estoy comenzando a hacer las obras para exponer en 2017, en Brasilia. Estoy retratando las leyendas e historias del pueblo indígena de aquí de Roraima.

Sí, mi marido trabaja con artes circenses. Cuando lo conocí, él no tenía circo, trabajaba solito, particular, en cumpleaños, animando fiestas. Yo lo conocí, nos casamos y estamos juntos hace más de veinte años. Ahora tenemos un circo, vivimos del arte circense también. Mi trabajo también, de vez en cuando, yo vendo mis obras. No tenemos empleo fijo, nuestra renta es de los cuadros y del circo. Mis hijos trabajan en el circo, el circo es nuestra familia. Nosotros nos vamos a Venezuela con el circo, a Santa Helena, ¿no? Nosotros viajamos por las provincias, Pacaraima,Normandia, Caracaraí. Nosotros viajamos por los interiores. Vivimos así, viajando, conociendo otros amigos, también otros artistas. Vivimos así, del arte.

Usted primero tiene aquella imagen en la cabeza y luego la pinta, ¿cómo es? No. Yo la paso de una vez para la tela. Yo ya tengo la idea para ponerla en la tela. Primero voy dibujando, luego voy pintando. Una tela yo me demoro casi dos semanas para pintar, porque mi trabajo es todo muy bien hecho.

¿Y aquella tela que yo fotografié?

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Yo la pinté contando historia del Monte Roraima. Porque el Árbol de la Vida tenía Dos Hermanos. Ese primer cuadro que yo pinté, también es sobre el Monte Roraima, A Lenda da Árvore da Vida (La Leyenda del Árbol de la Vida) fue premiado. En 2006, inscribí dos trabajos, los dos fueron premiados. Era un árbol grande, lleno de frutas que la gente no podía cosechar, entonces Dos Hermanos decidieron derrumbarlo y cortarlo para comer las frutas. Yo pinté eso, lleno de pajarillos, lleno de indígenas cogiendo las frutas ya caídas.

¿Usted forma parte del colectivo de los artistas indígenas?

¿Cuál es su rutina de trabajo aquí con los cuadros? ¿Usted pinta todos los días? Yo trabajo todos los días. Hay atividades de casa también, yo tengo más tiempo por la tarde. Yo cojo mis obras por la tarde, a veces por la mañana, un poquito. Voy produciendo. Me gusta trabajar solita, no me gusta que nadie se ponga a mirarme. Me gusta trabajar solita, solo escuchando música. Yo prendo la radio, me pongo a escuchar y a viajar en mis obras. Pintando, viajando en la obra, al mismo tiempo yo estoy viajando allá para crear otro dibujo. Entonces cuando termino de pintar, voy a dibujar, en eso ya pensé lo que voy a hacer. Es así.

¿A usted le gusta trabajar en esse rinconcito aquí? Sí, en el piso, en la silla, en pie, de todas maneras yo pinto, ahora falta construir un atelier, despacito yo voy vendiendo las obras y construyendo mi atelier.

Isaias Miliano

(Uiramutã-RR, 1971)

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¿Cuál es su etnia?

ATELIER DEL ARTISTA, EL 24 DE MARZO DE 2015.

Mi padre es Macuxi, mi madre es Patamona, que es otra etnia que está ubicada entre dos fronteras. Yo me considero más Patamona, creo que es donde está la vena artística y todo eso. Hasta hoy ella es mi inspiración. Fui a buscar sobre mis abuelos, todos mis tíos tenían una vena artística, entonces yo creo que de ahí vino. Los indígenas Patamonas hablan inglés, español, portugués y la lengua Patamona. Son de la región de la Guayana, en la región fronteriza donde hablan varias lenguas. Allí ocurre una gran mezcla cultural, de lenguas, de cantos, de hablas. Yo nací en esa frontera loca.

¿Cómo empezaste a trabajar con arte? Cuando tenía doce años me mudé a Porto Velho, mi padre vivía allá. Y era muy chistoso porque mi padre quería llevarme para ver, para trabajar con él, era época de minería allá. Y ellos trabajando en la minería y yo cogiendo raíces. “ ¡Mi hijo es loco, nosotros aquí trabajando y él cogiendo raíces!”. Yo ya tenía la vena. Conocí a un maestro allá, cuando tenía unos diecisiete años, el maestro Ramos Oleiro, un maestro del arte. Él aún sigue vivo, creo que vive en Pimenta Bueno. Él me condujo. “Mira, aquí está la pintura, escultura, madera, cerámica...”. Hice cerámica por mucho tiempo con él, hoy ya no hago.

Por tres años estuve con él, en un cobertizo de arte. Él me enseñó los rumbos. Después me dijo: “Estás bien, estás listo. Puedes irte”. Entonces, desde ahí ya no dejé de producir. Hoy por hoy elegí trabajar solo con madera, pintar algunas cosas, hacer más producción direccionada a la instalación, me gusta mucho la instalación. Pero eso ocurre luego de otras trayectorias, puesto que yo empecé eso, regresé a Boa Vista para desarrollar el trabajo, no logré desarrollarlo, fui para una escuela a dar clases de arte, di clases durante unos diez años, me olvidé un poco de mi trabajo, de mi producción. Luego dejé eso y empecé a desarrollar solo mi trabajo: grafismo rupestre de la Amazonía. Con otra mirada, otro tema, con los tribales, buscando las pinturas corporales de los pueblos de Roraima, de la mayoría de las etnias, intentando transformar eso en la plástica, trayendo para que las personas vean, de los sitios arqueológicos también, trayendo para las galerías. Pero para hacer todo eso, tuve que andar, viajar, para luego poner en la madera, en la pintura. Es un trabajo que me gusta y hasta hoy no he parado. Expuse mucho aquí en Boa Vista, con los artistas de aquí. Hubo varias exposiciones colectivas e individuales, después desistí un poco de Boa Vista y fui a hacer un trabajo en la cuenca del río amazonas, en Macapá, Belém, Manaus, luego Brasília. Después fui a exponer en São Paulo y me quedé allá por cinco años, haciendo un trabajo de intervención urbana y varias otras cosas... con instrumentos también, personalizados, haciendo murales, todo con ese tema. Luego decidí regresar, nuevamente (risas) y volví para la montaña, Pacaraima, desarrollando un trabajo de arte allá en la frontera, intervención urbana también, pero ahora con las comunidades indígenas. Talleres en comunidades indígenas, trabajando esa parte de la madera, de la pintura, de la arcilla… y ahora regresé a Boa Vista.

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¿Cuál fue tu relación con la madera, para que te guste y estés trabajando en ella hasta hoy? (Risas) Cuando me aburrí de trabajar con cerámica, pasé unos seis meses sin producir. Fui para las montañas, allá donde yo nací, en el Uiramutã, y cuando yo volví, fui invitado a trabajar en el SENAI, con madera. Yo fui, y había todo para trabajar la parte tecnológica de la madera. Había, en aquella época, un tema que era Roraima Ouro Verde, que ellos tenían un proyecto de deforestación y transformar en pasto, destruir todo y había mucha carpintería, mucha basura de aserradero y para ellos daba igual todo, tiraban todo en la calle, en cualquier lugar. En esa época yo empecé a hacer una campaña para reaprovechamiento de esa madera. Era como tirar piedra en mi propio tejado, puesto que yo trabajaba en el SENAI, que era una institución que tenía un aserradero y una carpintería, de la federación de las industrias, y yo desde adentro diciendo no, que no se debía hacer aquello. Luego yo empecé a trabajar solo con el cedro, que es una madera que ya está entrando en extinción y nadie la planta, no hay ningún trabajo científico direccionado a eso. Yo empecé a dar más atención y desarrollar un trabajo con el cedro, porque hasta aquel momento era lo que más había en la calle, hasta hoy hay ahí. Hoy con esos cambios, esas nuevas construcciones, ellos están remodelando y tirando a la basura, en la calle. Yo sigo recolectando el mismo cedro de aquella época.

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En 2005, yo hice una exposición grande dentro del SENAI contando esa relación entre yo y el resto que ustedes deforestan. Fue un choque en la época, tiré piedra en mi propio tejado delante de todos, pensé: “ esos tipos me van a despedir” (risas). Pero yo no permití que lo hicieran, yo mismo fui y renuncié. En 2002, había una empresa de afuera, llamada Neo Eventos de Brasília, que vio ese trabajo y decidió invertir. Yo participo de grandes ferias de la Amazonia, incluso las de Roraima, que era la Amazon Tec, en aquella época. La empresa me compró un stand y yo fui a exponer y presenté ese trabajó

para la sociedad roraimense y les asusté a todos, pues era todo lo que ellos tiraban a la basura, quemaban, podía transformarse en arte, objetos de arte, decorativos, utilitarios, en fin, una gama de cosas. Yo no estoy en contra de la deforestación, pienso que hay el momento cierto para sacar, para aprovechar. Hasta hoy ese es mi tema, yo cuento la parte científica del cedro, para qué es usado, cuánto tiempo se demora en nacer un árbol, de qué manera… es en su tiempo. No basta uno querer plantar un cedro, el cedro es raro. Y aquí en Boa Vista hay todas las especies y no hay ningún trabajo direccionado para eso.

Cuando hablas que cuentas la historia del cedro, ¿cómo cuentas esa historia? Hablo de la parte científica, de lo que puede ser extraído. Perfume leñoso… el cedro es una madera que puede tener varias funciones y las personas lo tiran aquí, no tiene ningún valor agregado. El cedro solo nace en el final del invierno, él libera una semillita tan pequeñita, que se lleva el viento y decide donde va a caer esa semilla, tiene que haber humedad, si no hay humedad él se muere. Es todo un tema para nacer un cedro. Y la gente aquí no lo valora. Hay el cedro dulce, el amargo, el cedrito. En ese trabajo con el cedro, yo agarro todo ese trabajo científico, lo dejo a un lado, cojo el tema arqueológico, de los grafismos indígenas de los pueblos, para que se usa el grafismo: un ritual de matrimonio, un ritual del monte, un ritual de guerra, un ritual fúnebre. Todo grafismo tiene un lenguaje para que yo pueda cogerlo y poner en un trabajo, en un entalle y contar la historia de cada personaje que fue puesto ahí. Ahora estoy con un tema que se llama Mandala, porque yo uso dos temas: es un sol y una estrella de los sitios arqueológicos de aquí y alrededor con los grafismos. Entonces esas tres semanas yo estoy enfocado en ese trabajo, armando y rearmando, y armando… y contando esa relación del sapito con el mono, luego con el indígena que come el mono… (risas). El mono usa el sapito, el veneno del sapito… (risas). Están todos conectados ahí entre los tres.

Hay un ejercicio, no da para llegar de frente. A veces yo voy de frente, pero antes hago algunos garabatos para saber si es realmente aquello lo que quiero. Saco algunas fotografías y la madera también. Es un proceso bastante lento. Para hacer una mándala, una pieza... es todo un ritual. Hay que bailar alrededor, encontrar las herramientas, despertarse bien. Porque cuando empiezo ya no quiero parar. Porque si paro, ¿cómo volveré al mismo ritmo? Porque depende mucho del brazo, de la fuerza. También hay todo un trabajo geométrico. Antes yo hacía el dibujo, hoy ya no hago. Como ya hago hace mucho tiempo, lo hago directo. Después, el resto es fácil para mí. El cedro es muy suave, seco. Hace más de diez años, veinte años allí. Con los cortes precisos que yo hago, ya tengo algo más rápido para desarrollar. A veces yo llevo dos días para terminar una pieza. Entonces en esos dos días yo tengo que llevar el proceso como si yo fuese una fábrica: tengo que despertarme temprano, arreglar todo, empezar y solo parar a las cinco o seis de la tarde. Así yo ya tengo una pieza lista. Así puedo salir por la noche y ponerme feliz. Al día siguiente vuelvo porque hay los acabados. Si es para armar una colección como esa que estoy armando, llevo de dos a tres semanas… todos los días tengo que hacer fuerza, polvo, tinta… yo solo uso cera, ya eliminé el barniz.

¿Qué te inspira? La naturaleza, yo vivo involucrado con ella. Naturaleza. Mujeres bonitas. Ahora estoy soltero, pero siempre ocurren unas intervenciones románticas que inspiran mucho (risas). Es verdad. Artistas, amigos, familia. Amigos, amigos. Todo eso me inspira.

Edinel Pereira

(Mucajeí-RR, 1965)

¿Cómo empezaste a trabajar com arte?

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ATELIER DEL ARTISTA, EL 30 DE MARZO DE 2015.

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¿Cómo es tu proceso creativo?

Fue de allá de aquella provincia [Mucajaí] que salió toda esa historia. Porque todo lo que yo veía allá, yo quería reproducir, quería dibujar. Nací en una familia muy pobre de agricultores. Nosotros éramos 18 hermanos… y yo siempre he sido muy curioso, todo lo que yo veía quería retratar. Y comenzó a despertar eso porque en aquella época mis hermanas hacían curso de pintura con las monjas de la iglesia y ellas hacían aquellos dibujos en trapos de cocina. Y yo aún era niño, pero iba con ellas para hacer el dibujo con el carbono, para ayudar-las. Aquello fue despertándome. Yo siempre cargaba una tinta, un pincel, llevaba para la casa y quería pintar. Pero siempre me ha gustado trabajar, pintar con los temas que la misma naturaleza brindaba. Yo viene a conocer una tela cuando ya era adolescente, yo solo pintaba en restos de madera, en restos de cosas vegetales, en hojas grandes, cosas así. La gente decía: “no eres una artista”. Y yo me ponía preocupado con aquello. Pero después que conocí una tela, no me pareció lo más maravilloso. Hoy yo sigo desarrollando trabajos con aprovechamiento de residuos porque no vi tanto chiste en una tela. Después que he conocido una tela me puse a pensar, ¿cuál es la diferencia de una tela para un pedazo de papel? , ¿Para un pedazo de madera? Hoy sigo haciendo. Yo pinto muchas telas, pero en la mayoría de mis trabajos yo busco trabajar reutilizando restos de madera,

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de contrachapados, de MDF… la última exposición que yo hice era solo sobre persianas. Yo pinto en las parabólicas… me gusta trabajar así. El 86 quise mostrar que yo era un artista y expuse mi trabajo en la región donde yo nací, allí fue donde surgió, en Mucajeí. Yo fui y pasé un mes, yo vivía en Boa Vista, entonces me fui para allá, hice la recolección de materiales e hice una exposición que el tema era Raiz, porque fue de allá donde vino toda mi vivencia, esos conocimientos fueron de allá.

Dijiste que antes trabajabas com teatro. ¿Cómo fue esa história? Es que uno siempre tiene esa vena artística, ¿no? Yo no tenía mucho conocimiento, pero hacíamos ese teatrito de iglesia. Teníamos el Grutec, que era un grupo de los hermanos y de los amigos. Mientras mis amigos estaban responsables por actuar, yo estaba responsable por la escenografía, por el traje, por esos temas que era más de la plasticidad. Pero a veces yo también actuaba.

Habla un poquito más de su trabajo con reaprovechamiento de material.

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A mí siempre me ha gustado trabajar con el reaprovechamiento, porque la primera materia prima que yo empecé a trabajar en mi vida fue la arena. Mis padres no tenían condiciones de comprarme una tela, esas cosas, entonces yo tenía que trabajar con la materia prima que estaba a mis pies. Hasta hoy yo utilizo la arena de varias maneras, tanto en tela, en disco de vinilo, botellas, cajas. Antes, cuando yo era niño, ni pegamento teníamos, usábamos pegamento casero, mi madre lo hacía y yo lo utilizaba para pegar los papeles de cemento, que cogíamos para utilizar. Mi padre era agricultor y en la época no había bolsa y nosotros hacíamos bolsas a partir de las camadas de las bolsas de cemento, que son varias camadas. Teníamos que hacer las bolsas para atender a los clientes y en ellas yo hacía dibujos con arena, con carbón… yo siempre estaba dibujando. Aparte de vender el producto, iba un arte con la bolsa. Mi padre me reñía: “Deja de hacer eso niño!” ¿no tienes qué hacer? Te pones a

hacer garabatos en las bolsas de los clientes”. Pero yo seguía allá, dibujando, queriendo dejar alguna huella mía. Fue de ahí que surgió toda la historia.

Edinel, ¿cómo es su proceso creativo? Me encantan los retos y también me encanta retratar mis temas regionales. La naturaleza, nuestros arados, los aguajales, la flora, la fauna… me gusta mucho explorar esos temas. Pero lo que venga yo intento pasar para la tela. Generalmente en mis exposiciones no me gusta poner solo las telas, me gusta hacer las instalaciones con la temática que abarca la exposición. Desde niño, yo dibujo y todos los garabatos que hice en las capas de cuadernos y otros soportes yo los guardaba. Una vez fui a participar de un concurso y, mirando mis garabatos, pensé: yo creo que voy a pasar eso para una tela, y los pasé. Y gané el concurso! Y era un dibujo de ochenta y algo.

¿Eres autodidacta? Sí, nunca tuve clases. Bueno, para no decir que nunca tuve, una vez, cuando me vine acá, ya adolescente, mis hermanas ya estaban aquí para terminar los estudios. Entonces había una mujer que daba clases de pintura y mi hermana me inscribió en ese curso. Cuando llegué allá, me decepcioné porque la mujer quería que hiciéramos solo copias. Y me pareció horrible tener que hacer copias. Por eso hoy cuando doy clases, no llevo nada mío, porque me gusta ver el potencial de cada persona, el lado creativo.

¿En qué ambiente te gusta trabajar? Eso no tiene importancia. Me gusta pintar cuando tengo cólera, me gusta pintar cuando estoy contento, me gusta pintar cuando estoy triste… ya que no logro expresarme bien hablando, decir con palabras lo que siento, yo me expreso en mis telas. Si estoy sintiendo algo, lo que pinto, al final se refiere a alguna situación que yo esté pasando en aquel momento. A veces viene algo, y yo lo pongo en la tela.

DALMIR FERREIRA

(SHIRINGAL BOM DESTINO, PORTO ACRE-AC, 1952)

Habla un poquito sobre el lugar de donde viniste.

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ATELIER DEL ARTISTA, 27 DE JUNIO DE 2014.

Yo nací en el inicio de la década de 50, en un shiringal donde viví los mejores años de mi niñez. Yo viví allá por seis años. Fue muy interesante, porque a pesar de que hoy, nosotros que vivimos en Rio Branco, creemos que es un tanto arcaico. No lo era. El shiringal Bom Destino, tenía en aquella época, mejores condiciones que aquí. Hay unas cosas que eran propias de aquella época e de alguna manera yo aún traigo algunas influencias de aquel tiempo. Algunas veces yo me veo, no sé si es por la edad, yo me veo pensando en algunas cosas que eran muy interesantes en aquella época en aquel tiempo. En el shiringal había una costumbre, en mi casa, de vestir la tetera con ropa de frío, después supe que era para conservar el calor del café, del té, y aquella ropa transformaba la tetera en un gallo, o algo así, y aquello movía mi creatividad, pero yo me quedaba, principalmente, divirtiéndome con aquello.

¿Cómo empezaste a trabajar con arte? Fue cuando yo estaba en Manaus. Llegamos ahí el 58, y el 60 yo empecé a hacer un curso de arte, porque fue como un castigo y al mismo tiempo una apuesta que hizo mi padre. Yo dibujaba muy bien. Una vez, yo dibujé una cucaracha que mi padre intentó matar en la pared y era solo un dibujo… entonces él descubrió que yo estaba queriendo hacer un curso en la Escuela

Panamericana de artes, era un curso por correspondencia. Porque en Manaus no había muchos cursos de arte. No sé si sabes que Brasil era Brasil, pero la Amazonia no era Brasil. La Amazonia era de Portugal. Fue una Carta Regia que integró la región norte a Brasil. Belém era la capital de Grão - Pará no rendía cuentas a Rio de Janeiro, rendía cuentas a Lisboa. Y los portugueses no tienen fama de haber desarrollado las artes. Las artes que ellos desarrollaron fueron las humanidades. Ellos desarrollaron mucho la poesía, esas cosas, pero las artes visuales, ellos hicieron, pero no con el viso, con el esplendor que los demás países encontraron. Y yo creo que eso se vino aquí, porque de alguna manera la región norte no tiene como cualidad, grandes expresiones, aunque la haya. El arte que fue bastante destacado fue la fotografía. La fotografía se desarrolló en un nivel tan grande en Belém que era mejor que en cualquier otra región del país. Los mejores laboratorios de fotografía estaban en Belém, no en Rio o São Paulo. A mí siempre me han gustado las artes. Principalmente las artes visuales, porque fue la que desarrollé tempranamente. Pero también hay otras cosas. La poesía, me encanta la poesía, la lectura. Una de las áreas que yo me intereso mucho es la memoria, patrimonio histórico. Sabiendo de dónde venimos, seguramente sabremos hacia dónde vamos. Lo que yo debería haber hecho era ir a un lugar más desarrollado, donde tal vez yo hubiese florecido con más fuerza. Yo ya estuve por ahí. Ya estuve muchas veces fuera de aquí de la Amazonia. Y por la Amazonia yo anduve mucho, en la época de topografía yo anduve mucho. No lo sé. Yo creo que empezó a gustarme estar aquí, aprendí a querer ese lugar. Pero en el área cultural me gustaría que hubiese más de lo que hay ahora. Me gustaría ver el Teatrão funcionando, me gustaría ver una galería abierta, me gustaría ver una biblioteca más bonita, con un buen acervo… lo que tiene de bonito una biblioteca son sus libros.

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¿Cómo es su proceso creativo? De alguna manera, yo tengo varias motivaciones distintas. Por ejemplo, hay época que yo me pongo a escribir poesía y no hay espacio para la pintura, y raras veces yo cojo un lapicero para hacer algún bosquejo. De todas maneras no hay una semana que no haga nada, es incluso por una cuestión de obligación. Es muy complicado no tener una cobranza, simplemente no lo hacemos, cuando no hay quien lo exija. Cuando hay un concurso, cuando hay una exposición, cuando hay una invitación, cuando algún amigo pide para hacer un trabajo sobre algún tema, o algo así, yo me pongo satisfecho y al mismo tiempo preocupado porque generalmente hay que cumplir plazos. Eso de tener esa obligación, ayuda mucho a uno, tener alguien que te exija. Es eso lo que hace el artista, es el compromiso de tener que hacer algo. Ya corrí para hacer material, para participar, y al final yo sabía que estaba haciendo todo solo por aprovechar la oportunidad, pero sabía que no iba a aprobar, no resultaría en nada, pero igual yo hago. Hay muchos que yo solo miro, hay toda la posibilidad, y yo digo: “no, yo no voy a hacer. No voy a hacer porque no quiero”. Cuando uno empieza a envejecer, empieza a ponerse más selectivo con uno mismo. “yo no voy a pintar eso. Tengo un buen libro, prefiero leer”. Las ganas de hacer algo pasa. Uno no está aquí para esperar. Nadie vive de esperar. Yo no sé esperar nada, yo soy muy desesperado. Si hay algo para hacer, o lo hacemos ahora o vamos a hacer otra cosa. Pero esperar es algo muy aburrido. Así soy yo cuando se trata de hacer alguna cosa.

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Un trabajo de arte nunca me toma toda la vida. Lo hago una semana antes. Yo tengo que elegir un tema, dejar todo listo, porque en una noche yo sé que lo hago, yo sé que cogiendo con dedicación yo hago, yo soy capaz de hacer. Es difícil, pero si está en la cabeza yo la hago. Si le doy mucha vuelta… el gusto para mí en la pintura, es el hecho de pintar, no el producto final.

Me gusta el arte contemporáneo. Me gusta. Aunque no soporte la carga de engaño que ella trae. Mucha cosa que no es nada. Que no exige ningún esfuerzo y que ni quiere decir nada. Pero como vamos a saber que una cosa no quiere decir nada, ¿no? (risas).

IVAN CAMPOS

(RIO BRANCO-AC, 1960)

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CASA-ATELIER DEL ARTISTA, EL 2 DE NOVEMBRO DE 2014.

Cuéntame nuevamente esa historia Ivan, ahora grabando. El arte entró en mi vida por medio de mi mamá. Porque en la época que yo estaba internado ella dibujaba en las cajetillas de cigarro y me daba. Dibujaba muchas mujeres desnudas, bañándose dentro de tinas. Mi madre dibujaba bien mujeres desnudas. Mi madre nunca estudió dibujo, es algo que venía con ella. Ella iba dibujando y dándome a mí. Yo tenía un paquete así de dibujos y me ponía a ver aquellas mujeres desnudas, yo tenía ocho años y tenía aquello conmigo. E aquello se quedó conmigo. Cuando salí del hospital - yo me quedé nueve meses internado con tétano, casi me muero - ya salí con aquellas ganas de aprender a dibujar. Me gustaba leer historietas. Mi hermano dijo que cuando yo aprendiera a leer él me iba a dar libros de historietas. El primer libro de historieta que yo gané fue uno de Brasinha, no sé si conoces el Brasinha. Es un diablito, que usa tridente y pañal. Ahí empezó a gustarme el dibujo y las historietas, eso me motivó mucho. Fue cuando yo empecé a dibujar para que mi madre bordase. En aquel tiempo, yo fui adquiriendo más conocimiento de dibujo, yo empecé a estudiar con otras personas. Yo estudié con Jaider Damasceno, fue un tipo que me inició, hoy él ya ni pinta. Yo solo trabajaba en blanco y negro. Yo empecé a trabajar con color cuando ya tenía 20 años. Yo, incluso, tengo que evolucionar

un poco dentro de la pintura, con color, ya está muy retrasada para mí, mi evolución, para donde yo quiero llegar. Yo estoy haciendo otros trabajos con figura humana, ahí yo hago otros estudios basado en eso. Porque para mí es fácil pintar el medio ambiente con la luz que me da el medio ambiente, ahora trabajar como traer aquello, ya está siendo más difícil. Requiere mucho estudio académico, esas cosas, y yo nunca frecuenté una academia de Bellas Artes, yo vengo “saltando por encima de rocas” solo por la fuerza de pintar mismo, ¿comprendiste? ¿Quieres que yo hable qué es el arte para mí? Porque así, arte para mí es una cosa muy profunda, no es simplemente coger unas tintas, un pincel, una tela e… bueno, el arte, no tiene un camino programado, la persona va a elegir un camino dentro del arte para… ¿estás comprendiendo lo que quiero decir? Son varias ramificaciones que tiene el arte. Y más aún dentro de la pintura…

¿Tú tienes una pintura de botas, ¿no? ¿Cuál es la historia? Sí, tengo. Incluso esa pintura está con Danilo [de S’Acre]. Un compañero llegó y me dijo “ tú solo pintas con esas tintas de tela, no pintas con óleo, no sabes pintar con oleo. El óleo es el material de los grandes pintores”. Y dio la espalda y se fue. Y yo me quedé con aquello en la cabeza. Ahí fui y compré unas biznagas de óleo, de ahí yo me puse a mirar a las biznagas... “ ¿ qué voy a pintar con eso?” . Entonces miré y había un par de botas mías en la puerta de la casa. Entonces pensé: “ voy a entrenar con esas botas”. Me gustan mucho las botas, cuanto más viejas, mejor. De ahí empecé a pintar, pintar, y por detrás habían unas zapatillas de los chicos, luego empezó a entrar la luz del sol por la puerta, era temprano, por la mañana, tempranito. Yo aproveché la escena y pinté. Entonces un día, Danilo fue a mi casa y le gustó. Me invitó para ir a una fiesta en su casa y yo no sabía que era su cumpleaños. Cuando llegué allá todos le traían regalos. Yo miré… y volví a para mi casa y le conté a Ana.

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¿Quedó bonita?

el tiempo. Yo pinto todos los días de mi vida, es muy raro el día que yo no pinto. Es como ponerse ropa. Si me ven desnudo, les va a parecer raro, es lo mismo si no me ven pintando. ¿ me comprendes? Bueno, en realidad, si es que puedo elegir, prefiero la mañana, cuando el sol está apareciendo. Es algo mágico para mí cuando el sol está surgiendo.

Sí, quedó.

¿Cómo es tu proceso creativo?

Ah, sí. Danilo navega mucho en el internet. Y por allí él encontró una pintura de Van Gogh y me dijo: “ Es idéntica a la que pintaste”. Pero yo ni sabía.

En realidad, quien me direcciona es el propio trabajo. Yo no hago lo que quiero. Es el trabajo que me va diciendo lo que tengo que hacer. A veces, yo me molesto con eso. A veces, yo quiero pintar una flor y la flor no aparece, aparece un arbusto diferente. Quiero pintar un insecto y sale un pajarillo. Joder, yo nunca mando en mi pintura! A veces yo me pongo a pensar que no soy yo el que está pintando, es otra fuerza, otros seres que tal vez mueven mis brazos. Yo me pongo a pensar que para hacer un movimiento de brazo hay mucha cosa que hace aquella energía… ¿no? Habitan muchas cosas dentro de nosotros.

Y ella dijo: “ No hagas eso, llévale aquellas botas que pintaste, pues a Danilo también le gustan las botas”, entonces se quedó allá con él. ¿La viste?

Sí, la vi.

Ivan, ¿qué te inspira a pintar? Talita, esos días están siendo secos, desiertos para mí. Está quedando tan seco y desierto para mí en la pintura. Yo ya no tengo tanta inspiración como antes. Yo pinto más por fuerza del hábito. Antes cuando era más joven, había una serie de cosas que traían evolución para mí, inspiración… el universo que yo vivía era como un volcán, siempre en erupción, salía para las fiestas, tomaba, y toda aquella cosa. Entonces, aquello me favorecía de cierta manera. Yo llegaba a casa la cabeza hirviendo e iba a pintar y todo. Pero hoy en día estoy más selectivo para inspirarme y todo. Yo tengo ganas de hacer pintura en el sentido de pinturas angelicales, esas cosas. Yo nunca he pintado a una Santa María, yo nunca he pintado a un San José. Pintura ambiental para mí, ya es algo bien aburrido, yo ya no tengo aquella energía, yo creo que lo que yo tenía que hacer de pintura ambiental, yo ya hice. Me preguntaste, qué me inspira en la pintura, ¿no? Para mí ahora es solo las ganas de pintar. La fuerza de voluntad de pintar es lo que me trae inspiración.

¿Hay un horario específico que te gusta pintar?

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Bueno, a mí familia, le parece raro si no estoy pintando. Yo estoy pintando todo

¿Cómo es el ambiente que te gusta pintar? Como soy un pintor familiar, pinto en casa, yo ya me acostumbré con mi mujer y mis hijos que van y vienen. Pero, si hay otra persona, ¿puedes creer que yo me cierro? Si hay una persona ajena. Pero, me gusta pintar oyendo música, yo mismo hago la selección.

¿Qué clase de música te gusta oír? Música instrumental. Pero, últimamente, me está gustando más la música para ese lado espiritual… me voy poniendo más anciano y ya tengo que prepararme para cuando salga de aquí (risas). Voy más para el lado espiritual, que habla de Jesús, esas cosas. Pero no dispenso las demás. Pero ahora escucho más esas, ¿puedes creer?

Yo tomé tanta ayahuasca en mi vida que siento que está arraigado un poco. Cuando yo conocí la ayahuasca, fue en la misma época que yo comencé a trabajar con pintura. Eso es interesante. Pero, yo no pinto cuando estoy en trance, realmente no logro, yo creo que ni dé. Quedarse pegado en aquellas cosas, no da para pintar (risas). Ahora no puedo decir que no me ayudó, porque todo es experiencia, de todo sacamos enseñanzas, ¿no es cierto? Queda a criterio del que ve la pintura y también tiene la experiencia con la ayahuasca. Yo no tomo ayahuasca para ponerme loco. Yo tomo para revisar mi consciencia. Sacar lo que hay que sacar y tapar otras cosas.

SIMONE BICHARA

(RIO BRANCO-ACRE, 1965)

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ESPACIO GAYA, EL 9 DE SEPTIEMBRE DE 2014.

Habla un poquito de tu historia, Simone.

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Hablándome eso, me hizo recordar que la gente dice que tus pinturas parecen viajes de ayahuasca. ¿Tú te identificas con eso?

Yo soy acreana, “do pé rachado”, como dice la gente de aquí. Soy hija de boliviano descendiente de español con sirio libanes. Desde niña yo siempre tuve una conexión muy fuerte con el bosque, siempre me han gustado las artes y pintaba desde chiquita. Y eso vino de mi madre, porque ella se sentaba con todos los hijos para dibujar, para pintar. Yo tengo dos hermanos que pintan, que dibujan. A los dieciocho años, cuando fui a trabajar en la Comissão Pró-Índio, después en la FUNAI. Entré en las aldeas muy joven, sin hablar ninguna lengua indígena y los indígenas tampoco hablaban portugués en aquella época, solo los líderes, los profesores y los monitores. Cuando llegué en el bosque, aquel silencio, aquel pueblo maravilloso y aquella energía fuertísima del bosque y yo sin hablar su lengua y ellos sin hablar mi lengua, era realmente mucho silencio, a parte del silencio de la selva, uno se queda mucho ahí en el centro de la fuerza de la selva. Entonces yo empecé a ver, medio que enloquecí, comencé a ver aquellos círculos completos, yo lo veía entero, completo, con colores, formas y todo. Pero como me involucré mucho con los nativos, y los nativos hacen mariris, las fiestas, y en las fiestas hay las pinturas y ahí yo empecé a pintar con ellos, aprendí a pintar, a hacer kenes, y pintaba a los indígenas y ellos me pintaban. Fue una sintonía muy fuerte. Yo creía que estaba viendo el sol como el indígena lo veía, porque yo no conocía la palabra mándala. Después de mucho tiempo yo me quedé un tiempo en Brasília, pintando, y la Keila Diniz miró uno de mis trabajos y dijo: “Guau, estás pintando unas mándalas lindas” . Entonces por primera vez yo oí la palabra mándala y fui a investigar. Yo creo que mi trabajo va más allá de lo que es una mándala. Si coges una mándala tradicional tibetana, mi trabajo va más allá. Mi trabajo es un

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círculo, por eso las personas lo llaman de mándala y yo misma lo empecé a autodenominar mándala. Pero mi trabajo es extremadamente acreano, amazónico, selvático, brasileño y todo centrado en la energía del bosque, de los pueblos tradicionales, de los pueblos indígenas. Y yo veo también que tiene una conexión con África, que es algo muy fuerte en mí, en mi naturaleza. Yo acostumbro decir que sí soy negra, yo me considero negra, yo no soy blanca. Y yo tengo esa profunda conexión con la Madre África, es la cuna de la humanidad. Y a veces yo siento que hay alguna cosa oriental, por ser un círculo, incluso por mi descendencia. A veces, es como si pintara vitrales en madera. Y así hice mi formación holística de cinco años en Brasília, en 96, y la conclusión de mi curso fue una muestra de cincuenta obras, por un proyecto llamado Mándala Terapia. Desde entonces, yo vengo realizando muchas exposiciones en varios estados brasileños y en el exterior. Y yo no pinto solo en círculo, lo que yo hago, yo hago en cualquier formato, pero me encanta el círculo, para mí es difícil salir del círculo. Si observas, casi todo en el universo que es poderoso, que es esencial a la vida es en círculo: los planetas, nuestros ojos, los orificios de nuestro cuerpo, la rueda, el pozo… el círculo realmente es una forma de poder, es una forma de cura. La propuesta esencial de este trabajo es llevar para el mundo la energía de la selva. Antes de cualquier cosa, es eso. Es llegar a Rio de Janeiro, São Paulo, Minas Gerais y poner esas obras para aquellas personas que viven en aquel mundo tan urbano, tan concreto, de tanto loquerío urbano, para que ellas puedan, a partir de aquella visualización, de las formas, de los colores, respirar y hacer la conexión con la selva física y con la selva sagrada.

¿Cómo es tu proceso de trabajo, desde la idea hasta la hechura de la obra?

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Yo tengo la manía de reaprovechar todo, yo no puedo tirar las cosas. No es por afición, es porque yo creo que hay tanta gente que necesita, ¿por qué

voy a botar? Yo pensé: “ya que me gusta tanto ese tema de reaprovechar, el papel usado, no tiene valor comercial, valor artístico, ¿qué podría utilizar para también contribuir con ese tema de la sustentabilidad?” Entonces me vino el tema de la madera reciclada. Yo pinto en la madera reciclada. Todo lo que hago es autodidacta. Entonces la propuesta, aparte de llevar la energía de la selva, yo digo al mundo que la cantidad de bosques que ya fueron tumbados no necesitamos tumbar más. Hay tierra suficiente para plantar e mucha madera tirada en el piso que uno puede reaprovechar. La idea es mostrar lo que hago, lo que recibo, porque, a veces yo me hecho y veo toda la obra, me vuelvo loca. Si mi mano acompañara la velocidad de mi mente, yo tendría billones de obras. Yo soy rápida, pero mi trabajo es demorado. Yo no soy una artista que pinta una obra en un día, una semana. La mayoría de mis obras son de dos, tres, ocho meses. Yo soy rápida, pero es un trabajo muy minucioso. Entonces así, a través de la belleza, del arte, tocar las personas para lo sencillo, para lo bello, para la naturaleza, la importancia de los bosques, de los pueblos tradicionales y el tema del reciclaje y de compartir.

A parte de tu trabajo como artista, mantienes aqui el Espacio Gaya. Una gran pasión mía desde niña es ese tema de la cura. No es que yo sea una curadera, una chamán, pero yo siempre tuve esa fe, esa fe muy fuerte en Dios, en los seres de la selva, porque yo crecí viendo a esos seres. Había una mujer que iba a la ventana de la casa de mi madre todos los días, con un tigre, y ella nos llevaba leche para que tomásemos. Y no era una locura de mi cabeza, porque mis hermanos se recuerdan lo mismo. Yo crecí viendo a esos seres encantados, la reina del bosque, para la cual tengo una verdadera devoción. Aun haciendo la facultad de historia, yo fui a hacer holismo y después hice varias otras formaciones en renacimiento, masaje ayurveda, yoga, inúmeras cosas. Y yo siempre supe que un día yo iba a tener un espacio que sería para el arte, para la educación y para la cura.

DANILO DE S’ACRE

(RIO BRANCO-AC, 1958)

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CASA-ATELIER DEL ARTISTA EL 18 DE ABRIL DE 2015.

¿Cómo empezó tu interés por las artes? Creo que es desde niño, ese universo creativo, ¿no? Yo tenía ese contacto con la naturaleza, con los bosques, yo me sentía muy observador. Observaba mucho a las plantas, las nubes y, principalmente, los insectos, los animales y la belleza de la naturaleza. Creo que eso me influenció mucho. Después demostré una facilidad para el dibujo, utilizaba materiales primarios, carbón, tierra, arena, barro, así empecé. No teníamos muchas condiciones de materiales, entonces uno creaba, usaba crema dental, merthiolate achiote… los pinceles eran aquellos tallos de hierba que encontrábamos y hacíamos pincel. Era muy primario, prácticamente prehistórico (risas).

¿Cuándo empezaste a querer realmente trabajar con arte? Aún en la adolescencia. Vinimos para la ciudad, entonces ya conocí otros artistas, otras personas que trabajan con arte, nos ayudábamos mutuamente. Lo conocí a Dalmir Ferreira que ya trabajaba con las artes, conocí a Genésio Fernandes quien me ayudó mucho, me daba consejos, tintas, y la Universidad Federal nos ayudó en el área de extensión universitaria. En aquella época no había internet, la tele recién estaba llegando y casi no había libros de arte. Yo fui a Brasília cuando tenía dieciocho años, termine mi segundaria allá,

ya hacía exposiciones. Entre en el teatro amador. Y en aquel tiempo había mucho eso, el teatro amador era un núcleo que había gente que cantaba, gente que era poeta, artistas visuales, eso era bien chévere. El grupo de teatro reunía mucha gente de varios segmentos. Después de dos años regresé a Acre, entré en el Grupo Semente y me quedé militando en el área de las artes. En 1980 trabajaba en la UFAC, fue demitido y me fui al nordeste, a Recife y João Pessoa. Hice algunas exposiciones allá, pero me quedé poco tiempo, porque mi objetivo era irme a Italia. Después me fui a Rio de Janeiro y del Rio me fui a Italia. Me quedé trece años allá. Dormí en la calle, tuve hambre, pero después salí adelante, conocí a unas personas y las personas siempre ayudan y eso es muy bueno. Siempre tuve buenas personas en mi camino. Me interesaba mucho ese contacto con las personas, con artistas de varios lugares del mundo, creo que eso me enriqueció mucho. Y la lectura también, ver, visitar museos, visitar exposiciones, creo que eso da al artista una capacidad mucho mayor de inversión en su propio trabajo. Yo soy un caníbal de imágenes, me gusta mucho devorar imágenes. Devorar y vomitar esas imágenes.

¿Cómo acostumbra ser el ambiente que te gusta trabajar? Yo ya trabajé en la calle, ya me expuse mucho trabajando en la calle. No me gusta así, con mucha gente viendo mi proceso de trabajo. Pero no tengo nada en contra. Me gusta trabajar en casa, con desorden mismo. Allí me concentro, me gusta oír música siempre, mientras esté trabajando y me gusta el ambiente del hogar, el desorden de los chicos, gente hablando… desorden de hogar mismo, eso me da una seguridad. También me gusta la soledad, pero ya me acostumbré con ese dinamismo familiar y uso la casa como ambiente de trabajo. Hay el atelier pero yo no le doy mucha bola. Prefiero pintar dentro de la casa.

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Antes yo creía en inspiración. Hoy ya no. Inspiración para mi es tener un insight para empezar y hacer. Inspiración es empezar a trabajar. Porque va a salir algo, aunque no tengas noción de lo que va a ser. Últimamente, yo vengo trabajando más con lo abstracto, entonces no sé, al principio, qué va a aparecer. Es más espontaneo, va apareciendo con el tiempo. Creo que nuestro universo aquí de Acre, vivimos en la Amazonia, de ese calor tropical, creo que eso tiene mucha energía, los pueblos indígenas de aquí, la cultura ribereña, la cultura indígena, la cultura de la Amazonia, creo que eso es mucho equipaje para la creatividad. Creo que el artista amazónico tiene algo de distinto. Estamos un poco atados, vivimos en eso de no soltarnos mucho. Debe haber ciudades más libres, que ya salió un poco de eso. Pero el amazónico aún vive mucho eso de su barrio, la gente tiene que ser mundial, universal. Se queda mucho en lo regional y eso incomoda un poco. No es que no me guste, me gusta, pero creo que uno tiene que saber usar esa cosa regional de una manera más universal, para alcanzar otros lenguajes, otros lugares.

¿Quieres decir algo más? Antes yo me ponía a pensar “ no sé cuál es mi estilo, no sé cuál es mi escuela”, yo me quedaba en crisis porque debía tener un estilo, debía tener una corriente. Ahora, yo me veo tan libre que tengo la idea de que puedo hacer lo que quiera. No voy a preocuparme por eso y voy a vivir siempre en crisis. Porque es tan bueno vivir en crisis en ese sentido de la creación, ¿no? Porque uno está siempre buscando otras cosas y creando cosas diferentes y eso es bueno, ¿no? Forma parte del universo creativo. Mi crisis es en el sentido de producir cosas diferentes, ponerme a buscar cosas y siempre aprendiendo. Y al final uno no sabe nada. Uno se va y no aprende nada. Y siempre va a ser así.

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DEISI MELLO

comencé a desarrollar otra clase de pintura, comencé a usar tinta acrílica también, porque la tinta al óleo era más demorada y me limitaba un poco. Comencé a usar tinta acrílica bastante acuosa que me daba más posibilidad de diseño y empecé a usar la espátula también, y entonces empecé a pintar por etapas.

(FOZ DO IGUAÇU-PR,1983)

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ATELIER DE LA ARTISTA, EL 20 DE SETEMBRO DE 2014.

Deisi, la idea es hablar un poco sobre tu trayectoria en las artes y de cómo llegaste aquí a Rio Branco. Bueno, a mí siempre me ha gustado dibujar, pintar y en mí familia también hay unos dibujantes, que hacen algún tipo de arte y yo tengo un primo que dibuja muy bien, me gusta mucho ver sus dibujos, creo que fue lo que más me incentivó. Yo ya hacía unos garabatos también… pero la parte que me llamó más la atención fue cuando llegué a Rio Branco. Yo llegué en 2003. Así que llegué, ya le conocí a Darci [Seles], a Glicério [Gomes]… y cuando lo conocí a Glicério, él ya me llevó al SESC y me presentó a Darci. Yo hice, más o menos, unos tres meses de curso con Darci y en este mismo año, era el aniversario de quince años de la Asociación de los Artistas Plásticos. Entonces, él me invitó para participar de la exposición. En realidad yo estaba empezando, y conocí a otros artistas. Después yo empecé a interesarme por las artes. Antes yo hacía porque me gustaba, pero yo no imaginaba que tomaría eso como profesión. Yo empecé a participar de las exposiciones colectivas y comencé a desarrollar otro estilo, porque hasta entonces yo pintaba algunas cosas de foto, que yo veía que me gustaba, me gustaba también hacer reproducción de algunos pintores. Pero con el pasar del tiempo sentí la necesidad de cambiar, lo que ya no estaba bueno. Algo distinto, algo que no siguiese ninguna escuela. Y

Aún pintaba unas telas pequeñas y comencé a usar las líneas de la misma tela para hacer collage e inserir algunos grafismos también. En realidad, yo empezaba dejándola un tanto abstracta, y de repente se iba formando algunas imágenes y de ahí iba jalando los colores. Yo trabajo mucho con colores, entonces… cuando empiezo a pintar yo tengo que abrir prácticamente todas las tintas, yo uso esas bandejitas y pongo tintas en todas. Yo voy haciendo unas mezclas, como si un color jalase el otro. Y lo mismo con los trazos. Entonces así, tuve algunas personas que me influenciaron bastante, pero de una manera para querer producir, pintar más y no hacer parecido. Yo empecé a pintar unas telas más grandes. Me gusta mucho esa parte de Rio Branco, aquella parte de la Gameleira, principalmente en la época de lluvias, las personas caminando, como si fuera un día cualquiera, caminando de ida y vuelta, con sus paraguas, yo soy fascinada por eso y con los postes (risas). Son dos elementos que yo utilicé en varias telas. Hoy no puedo decir que tengo un estilo así, en realidad es complicado hablar de estilo, ¿no? Porque si empiezas a analizar las obras, empiezas a encontrar varios estilos dentro de ella, entonces no da para ponerlas dentro de ellos. Es simplemente mi pintura, mi manera de pintar. En el inicio yo tenía mucha preocupación con eso de hacer algo. “ ¿Estará bueno?” o ¿no estará bueno? ¿Será que va a funcionar? ¿Será que le va a gustar a la gente? ¿ o no? “. Siempre yo trataba de ver un cuadro y querer quizás hacer algo semejante. Hoy ya no tengo esa preocupación. Tengo un trabajo libre, bien suelto. Yo uso muchos colores y no estoy muy preocupada con eso de si va o no funcionar. Yo lo que quiero es poner para afuera y pintar.

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Por eso yo también uso la espátula, uso una cosa así más acuosa, pero por el propio movimiento que hace la tinta yendo para algún rumbo yo intento hacer, inserir los elementos de mi obra dentro de ese fondo. Generalmente yo empiezo con un fondo, pinto todo el fondo, pongo varios colores y dejo escurrir. También voy manipulando hacia donde quiero que vaya. Y después yo empiezo a usar la espátula, tirar tinta… algunos dibujos yo los trazo, otros no, otros yo dejo libre. Y los colores, yo pongo uno, luego quiero poner otro y eso pasa muy rápido. Entonces yo empiezo a dibujar, a pintar una tela, ella va en un proceso un poco lento… cuando llego a la mitad, yo empiezo a inserir los colores, así es bien rapidito. Ahí yo ya veo. Mientras yo no mire y diga “ está bueno” yo sigo poniendo tinta (risas). Yo estoy en una fase… humm… ¿cómo puedo decir? No de encontrarse porque yo sé lo que me gusta, sé lo que hago, pero estoy en una búsqueda de algo nuevo, algo diferente para darle continuidad a lo que yo hago.

Me parece tan linda esa escena, cuando el río se llena y las personas se ponen a mirarlo. Muy chévere, ¿no? Ah, yo soy fascinada por aquella parte del rio cuando está lleno, el puente, las personas… aquel montón de gente transitando, medio sin compromiso, algo así. Ah, me encanta ponerme a mirar. Yo ya pasé tiempos solita en un barco, mirando (risas). Realmente me gusta. Crea un clima un tanto nostálgico.

¿Y ese espacio [atelier], como lo armaste?

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Ese espacio surgió de una gran necesidad… primero un espacio así, que yo puedo llamar de mío, que yo puedo estar sola. Cuando estoy pintando, lo más cerrado para mí es mejor. Yo tengo que estar sola, tener aquel momento solo para mí. Cuando yo empiezo a pintar yo me quedo muy concentrada, entonces

cualquier cosa que me saque del enfoque, puede incomodar lo que esté pretendiendo hacer.

Tu trabajo es muy bonito. Ves las referencias del lugar, pero no es lo literal, es más… puedes viajar en la imaginación así. Hay muchos artistas que se quedan en aquella cosa bien regional, ¿no? Me gusta la cosa regionalista, pero para mí, yo necesito algo que me identifique como artista, una característica. Yo creo que logré, de alguna manera, eso. Justo porque yo intento poner algo más mío, más personal. Intento imprimir una marca más fuerte, más…

margot paiva

Yo comencé a trabajar aún en Francia. Porque allá, como estudiante, era una vida reglada, entonces yo ya ayudaba a mis profesores en restauraciones, en mueblería sacra, ayudaba en todo lo que me pedían.

(PORTO VELHO-RO, 1968)

¿Cómo empezaste a desarrollar tu arte?

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Cuenta un poco cómo fue tu inicio con las artes.

SALÓN MARGOT, EL 28 DE ABRIL DE 2015.

Mi madre tenía una tienda de artesanía indígena y cosas de otros lugares, y yo siempre me ponía muy curiosa con todas aquellas artesanías. Desde pequeñita yo soy muy sensible para las artesanías, las cosas hechas a mano, y cuando tuve la oportunidad de salir de Brasil e irme a Francia, yo apenas había cumplido diecinueve años, me quedé seis años allá. Fui a los centros culturales y recorrí diversas puertas, y la gente de artes plásticas me cogió. Pero yo fui para dentro del cine, fui para dentro de la foto, pero la gente de artes plásticas, me cogió y yo me identifiqué muchísimo, realmente allí era mi universo. Y fue la cosa más enriquecedora que yo tuve en la vida hasta hoy, a nivel cultural, fue esa, fue ese tiempo en Francia, en Toulouse, en Ville Rose, al sur de Francia, porque ahí yo aprendí lo que es la sencillez, porque nosotros como brasileños somos muy exuberantes y ahí yo empecé a valorar la sencillez, valorar el detalle. Después de seis años, regresé a Brasil y seguí mis estudios. Me recibí de arquitecta, también para refinar mi arte y, a cada día yo empiezo a darme cuenta de que no sé casi nada. Me parece bueno eso de estar siempre descubriendo cosas nuevas, siendo sorprendida por cosas increíbles, hay mucho por aprender. Pero ya empecé también a agarrar el gusto por enseñar lo poco que sé, poder despertar ese interés por el arte y por la cultura, así como yo fui despertada.

Cuando yo ya estaba estudiando en Francia, yo fui a hacer un curso con Carmen Givoni. Yo la encontré en una vernissage, era un curso muy caro y yo no tenía condiciones de hacerlo. Y yo le comenté: “mira, yo tengo muchas ganas de hacer su curso, pero su curso es muy caro”. Entonces ella me preguntó por qué yo quería hacer su curso. Yo le dije que era porque a mí me gustaba dibujar grande. Ella me preguntó: “¿Qué haces los miércoles?”. Yo le dije: “¿Qué necesita usted los miércoles?”. Entonces ella me propuso que yo le cuidara a su hija a cambio del curso. Entonces yo le cuidaba a la pequeña Isis, y un miércoles es como si fueran siete días de la semana (risas). Como yo participé de muchos cursos, yo me quedé a merced de muchos estilos hasta desarrollar el mío. Hasta hoy, yo me hallo cambiando, ordenando, simplificando, con un pie en lo academicismo, siempre, para poder deformar. Porque yo creo en el estudio, después del estudio yo creo en la deformación. Pero primero el estudio. Estudiar a los grandes monstruos, para luego moldear su propio monstruo. Saber que monstruo tiene padre y madre (risas).

¿Cómo fue su regreso a Brasil? El regreso fue un gran retroceso. Yo ya había elegido aquel lugar para quedarme, pero tuve unos temas más fuertes, más emocionales, mi sangre me llamaba. Mi madre tuvo un periodo enferma y mi presencia era muy importante, porque a veces uno está al otro lado, estimula y aquello le da miedo a la enfermedad y ella se va. Fue lo que ocurrió.

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Cuáles son las técnicas y lenguajes que utilizas en tu trabajo? Yo tengo una afinidad con acuarela. Yo hago técnica mista, pero yo soy mucho del dibujo. Y cuando yo pinto, yo lo hago acuarela. No soy una eximia pintora, pero yo me considero una dibujante bastante fiel. Una cosa yo sé que tengo dentro de la obra, que es la personalidad. Aquella obra debe tener un olor, tiene que emocionar, tiene que instigar, tiene que causar rareza, tiene que cuestionar… eso es lo que busco mucho en mi obra. Hacerla mover mi público. Es de donde yo parto. Es más que todo por el lado intelectual y embellecimiento. Claro que nadie quiere hacer nada feo. Y como todo artista, uno adora lo bello. Ni necesita ser artista. La belleza vino para... si no fuera la belleza, ni sé qué sería de nosotros. Yo parto del cuestionamiento: ¿Por qué? Y después yo embellezco la obra.

¿Cómo es tu proceso creativo? A veces, cuando uno trabaja por encomienda, alguien pide una obra. Es más fácil, porque dentro de aquel universo yo ya sé cómo voy a navegar. Pero cuando yo estoy construyendo una exposición donde yo voy a armar un salón, donde voy a hablar de serie, entonces, normalmente yo tengo esa necesidad de libertad.

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Me gustan cosas grandes y me gusta llenar el salón, rellenar la galería, la sala. A cada instante me pongo a imaginar así… yo tengo muchas habilidades plásticas. Mis manos realmente son muy ágiles. Entonces, yo quiero trece obras, más o menos, trece telas, yo quiero siete objetos, yo quiero tres instalaciones y yo voy construyendo de esa manera, porque yo soy una artista plástica. Yo soy una experimentadora, una entrometida, una curiosa. Yo soy muy exótica porque yo soy de aquí de Porto Velho, tengo una mezcla árabe, indígena, portuguesa. Yo nací en la orilla del Río Madeira, yo me considero casi un tucumã (palmera) con ojos y boca. (risas). El proceso es crear un ritmo; a partir

del ritmo dar el motivo para aquello, para que aquello también tenga corazón, pulmón, poder respirar; y, al final, yo lo embellezco totalmente y va a salir muy nutrido, sabiendo portarse y bonito, porque yo no puedo dejar a un hijo salir por el mundo así desprotegido. (risas).

Margot, ¿en qué ambiente te gusta trabajar? ¿Silencioso? ¿Bullicioso? Me gusta trabajar al lado de una piscina tomando sol. Me gusta mucho trabajar en el verano, en el sol, donde seca rápido, porque yo soy muy ansiosa, una cosa visceral. Mientras una se seca yo ya voy preparando la otra. Mi cabello crece, yo me quedo con bigote, feota, descuidada, porque no tengo tiempo. Si me invitan a salir yo voy, pero todos se ponen pasmados porque yo voy a estar fuera del padrón. Después yo saco la cascara, me organizo y voy a exponer. El lugar más rico que yo logro pintar es al lado de la piscina, a la orilla de un río, yo me baño en biquini, tomo sol, voy dibujando, voy pintando… yo soy nómada, pongo las cosas en una cajita y me voy. Aprovecho el sol y energizo mi cuerpo. Me gusta mucho ese sol, el agua, estar en medio de esos elementos, me mueve y yo participo de eso con la tela, la tela respira esos elementos que yo estoy pasando en el momento. Algunas obras hablan en qué atmosfera fueron concebidas. Hay que tener silencio, pero también hay que estar con los amigos dando sugerencias, porque las sugerencias, a veces es Dios mandando palabras por personas, por ángeles sin alas. Yo creo en la visión de mis amigos, de mis hijas, de mi madre…

Margot, ¿qué te inspira? Solo el trabajo construye la productividad. Cuando uno trabaja, uno es un ser pleno. Trabajando, usando los dones que Dios le dio, su salud. Es delicioso trabajar y hacer lo que a uno le gusta. Y yo quiero a cada día hacer más. Estoy haciendo un curso de teatro, yo quiero ser actriz (risas).

GABRIEL BICHO

(PORTO VELHO-RO, 1989) CASA DEL ARTISTA/ESPACIO VISAGE EL 29 DE ABRIL DE 2015.

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¿Cómo fue su aproximación con las artes, su inicio? Es muy chistoso, porque es un dialogo que yo tengo, hasta hoy, con mis padres, porque mi familia no tiene un histórico de relación con las artes. No hay ninguna profesión en mi familia que tenga relación con historia, con literatura o con las artes. Mi familia, en realidad, es mucho de enfermeros, abogados y contadores. Yo me recuerdo que, alrededor de mis quince, dieciséis años, yo gané de regalo una cámara de mi madre, esa cámara fue comprada en Bolivia y era pequeñita, en realidad, era una filmadora, pero yo usaba más la función de fotografiar. Y fue a partir de ahí que empezó mi relación, ese despertar, con la imagen. A lo largo de dos años ese gusto solo creció. Esas ganas de producir y ese aprecio por la fotografía fueron evolucionando. Cuando cumplí diecinueve años, yo quería ir a São Paulo para estudiar fotografía. Yo tenía eso en la cabeza, pero mis padres no me permitieron. En aquella época, ellos decían que yo era muy joven y que no aguantaría una gran ciudad, y yo me quedé en Porto Velho. Como yo practicaba mucho deporte en la época, fui a hacer un curso que yo no quería, pero fui solo para darles el gusto a mis padres. Ese es un proceso natural de los hijos que viven con los padres. Pero llegó un momento que yo ya no aguantaba. La fotografía hablaba tanto, me instigaba tanto, me provocaba tanto, que después del

cuarto siclo de Educación Física, casi a los veinte años, decidí abandonar la carrera e irme a São Paulo. Aplacé la carrera y me fui a São Paulo a estudiar fotografía. Eso también fue por influencia de algunos amigos en São Paulo que ya eran fotógrafos, me instigaban hablando de las posibilidades, que el curso era muy bueno. Entonces, me fui a hacer el curso técnico de tres años. En ese proceso, yo ya estaba teniendo una relación mucho más íntima con la fotografía. Entonces, en ese periodo, hice otros cursos extras que fueron muy importantes para mí. De ahí mi mundo empezó a ganar amplitud. Fue en ese periodo, en el final de 2012 para 2013, donde yo empecé a ver la imagen de una manera más actual, contemporánea, y empecé a pensar la fotografía relacionada a otras manifestaciones. Fue cuando yo construí una de mis primeras series, la 2por4. Esa serie participó del Arte Pará, en 2013. Yo estaba volviendo para Porto Velho y ahí, ya había un material construido del Edificio Copam y fotografié el hangar del ferrocarril aquí en Porto Velho. Y desde entonces, yo pienso la fotografía unida a otras manifestaciones. El curso de artes de aquí de la UNIR viene potencializando eso. Y hoy, yo me encuentro en ese camino, pensar la fotografía con otras manifestaciones y también vengo pensando mucho en las palabras. Yo siento que necesito escribir más sobre mi trabajo.

¿Cómo fue su regreso para acá? ¿Su sentimiento? Mi regreso aquí fue loco, porque yo no quería volver. Yo concluí el curso de fotografía y estaba entrando en el curso de arte, allá en São Paulo. Pero a causa de una enfermedad que yo descubrí, que es el queratocono, me quedé en ese tema. Yo necesité hacer las cirugías, y quiénes pagaron las cirugías fueron mis padres, en 2012. Esas cirugías fueron caras. Y mi madre me dijo: “si necesitas yo voy a pagar, pero tienes que volver, porque yo no podré seguir ayudándote

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como te ayudaba, pues voy a estar pagando las cuotas de la cirugía”. Yo no tuve otra opción. Yo ya no tenía una relación con la ciudad. Volví como si fuera un nuevo habitante. Eso yo fui construyendo a lo largo del tiempo, con los trabajos que fueron surgiendo, con las oportunidades y también a través del curso en la Universidad. Pero creo que mucho por esa influencia fuerte que tuve con São Paulo, esa vivencia intensa, São Paulo es muy intensa. Uno tiene posibilidad de cursos más contemporáneos. Eso no hay en Porto Velho. Y yo sentí la necesidad de construir un trabajo que hablase eso, fue cuando el 2por4 salió a la luz. En el inicio fue una angustia volver, pero después yo vi que regresar es importante.

¿Cuál es su momento de trabajo ahora?

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La relación con la Midia Ninja fue muy importante, es una manera muy chévere de crear narrativas colaborativas. Cuando yo regresé de São Paulo, yo regresé muy influenciado por Cris, [Bierrenbach] yo fotografiaba mucho la calle, el cotidiano de Porto Velho, fue en ese momento que comenzó a surgir oportunidades: Festcine, Mídia Nija, Greenpeace… eso fue muy chévere para mí, porque uno crea una relación íntima con determinadas comunidades, y poder hacer una producción sobre un determinado sitio, una región, eso para mí es increíble, eso me parece maravilloso. El tema es que en ese proceso, yo empecé a estudiar artes en la UNIR y comencé a ser muy influenciado por los profesores, por las lecturas. Y entonces, naturalmente, yo empecé a pensar esas otras series: Ceratocone, Pele Sufocada…y fotografía con texto, fotografía con palabra, cosas que yo nunca había pensado, un trabajo mío, fotográfico, que lograra inserir palabras ahí adentro y hoy estoy logrando inserir. Pero yo no tengo ganas de dejar de transitar por el campo del fotoperiodismo, lo contrario. Se las oportunidades aparecen y son buenas para mí, no tengo como decir no, es algo que de hecho me gusta mucho.

Pero hoy, lo que siento es que estoy pensando la fotografía más en la forma textual. Por ejemplo, yo puedo contar en los dedos, de enero hasta hoy, cuantos trabajos hice. Yo hice pocos, porque de hecho estoy intentando desprenderme más del obturador y pensar más en mi mente, transcribir mi mente, todas las cosas que estoy pensando internamente. Entonces yo estoy muy en esa relación de texto mismo, más que en la producción propiamente. Yo he construido algunas cosas ese año, pero todo lo que yo he construido no tiene nada que ver con fotografía. Hay trabajos de pintura, de collage… y la fotografía, hoy para mí, es construida internamente. Ella no va a salir de mí. Pero hoy, yo siento esa necesidad de expresarme más de manera textual que con la imagen. El 2015 empezó así para mí, yo no sé hacia dónde va eso, pero tampoco me importa hacia donde va. Esa idea de dormir sin saber lo que va a ocurrir mañana es óptima para mí.

Luiz Dantas

La poesía es… yo tengo una técnica de pintar, pero la poesía es lo que está por detrás de las cosas. Ella me ayuda a tener valor y decir que aquello es chévere, que le va a gustar a la gente, que va a ser interesante.

(Porto Velho-RO, 1974)

¿Ves algún tema recurrente en tus telas? ¿Un tema, un sentimiento?

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CASA-ATELIER DEL ARTISTA EL 30 DE ABRIL DE 2015.

¿Cómo empezaste a trabajar com arte? Yo soy autodidacta. Incluso, empecé un poco tarde porque… yo empecé a pintar a los 27 años, de la nada. Agarré las tintas y las llevé para mi cuarto, yo vivía en Vilhena, estudiaba Letras – portugués allá. Cogí las tintas y los papeles, comencé y ya no paré. Fue así que me descubrí como artista.

¿Cuáles fueron tus primeras telas? ¿de qué hablaban? Yo pinto mi idea. Yo no quería reproducir nada, yo reproduzco lo que yo imagino. Rostros, gestos de personas…

¿Cómo es tu proceso creativo? Yo nunca había pensado sobre eso. Esa cosa de preocuparse y pensar sobre eso. Mi proceso creativo es mi imaginación cotidiana. Yo pienso todo el tiempo. Aparecen imágenes todo el tiempo. Mi proceso creativo son las cosas, son las mujeres, son los niños, la literatura, los maestros, los mitos. Es una cosa calma, sin desesperación.

¿Qué te inspira? Todas esas cosas que le hablé. Pero todo eso viene de ser poeta. Yo soy poeta.

Mujer. La manera de las personas, el cotidiano, un lugar que ellas pasan, e incluso lo que no existe, yo creo.

¿En qué ambiente te gusta trabajar? Yo solo logro trabajar oyendo música, aquí mismo en mi casa. Yo pinto en la madrugada.

Habla de ti, artista. Yo soy un artista maduro. Sé hacer las cosas. Sé pintar, sé escribir, también sé fotografiar. Pero yo soy un artista muy yo mismo. Yo para las cosas. Yo para lo que veo, yo para lo que imagino. Yo soy un artista que imagina. La imaginación comanda las cosas, y yo agarro y reproduzco lo que me imagino.

¿Hay algo más que quieres decir? Yo quiero recitar un poema. Compartimos porque vivimos en el norte, ¿no? El poema es: Vivo bajo el cielo del norte, donde el sol y la lluvia se enamoran y donde los árboles alimentan los ríos.

Gracias Luiz. Está bien. Gracias a usted.

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SAMIRA ALVIM

(JAGUAPITÃ-PR, 1979)

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CASA-ATELIER DE LA ARTISTA, EL 04 DE MAYO DE 2015.

Tu formación es Ingeniería Forestal. Y tu trayectoria dentro de las artes, ¿cómo empezó? En las artes es una cosa que viene desde niñita. Desde niña, yo dibujo, pinto… mi madre se dio cuenta que yo tenía facilidad para esas cosas, y siempre me ha apoyado. A los nueve años yo comencé a tomar clases de pintura en tela, ahí aprendí a pintar con tinta. Cualquier cosa que mi madre ya no usaba, yo cogía y pintaba.

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Después fui a estudiar en una escuela técnica y conocí una artista, su nombre es Vitória Basaia, ella es fantástica, crea los pigmentos, su base es lo que viene de la tierra. Ella empezó a darse cuenta de que yo tenía un talento. En esa época, que yo estudiaba en la escuela técnica, yo comencé a hacer unos dibujos con líneas, con nanquín. Yo no tenía ninguna pretensión de exponer, ni de hacer nada, yo solo dibujaba. De ahí, Vitória Basaia empezó a incentivarme. “Mira, tú puedes utilizar otros materiales. Ya que dibujas tantas líneas, puedes utilizar, por ejemplo, plumas de gallina”. Entonces tuve fases, la fase de las líneas… antes yo solo hacía líneas rectas, no hacía con curvas, yo tenía ese padrón, tenía que ser el padrón solo línea recta. Después yo fui mezclando curva con recta. Después tuve otras fases. Comencé a pintar con lápiz de color

y comencé a hacer pájaros, porque yo tenía la necesidad de sentir libertad, de refutar, entonces yo hice unos pájaros bastante diferentes. Hice varias cosas con pájaros. Después con tinta, algunas fases con tinta y línea, crayón de cera, tiza pastel, tinta… cuando empecé a trabajar con ingeniería forestal, yo dejé de trabajar con artes. Hacía solo una cosita de vez en cuando, cogía una tinta blanca y mezclaba algún pigmento.

¿Y cuándo retomaste tu historia con las artes? Retomé cuando fui para Goiás. Estaba con mi hijo bebito, no estaba trabajando, comencé a pintar nuevamente. Me quedé un buen tiempo sin trabajar, entonces también empecé a hacer artesanías. Pero dibujar, dibujar mismo, ese trabajo con líneas fue en 2013. Dos mil trece fue cuando nació Gregório, mi bebe menor. Cuando él era bebito, yo estaba de licencia y empecé a tomar clases en la Maria Mirando, una arte educadora, una maestra. Entonces, Gregório iba conmigo, él se quedaba en el bebé confort. Ahí yo aprendí acuarela y otras técnicas. Todo así… creo que cuando los hijos nacieron y yo no estaba trabajando con forestal, es que tuve la oportunidad de dedicarme.

¿Cómo es tu proceso creativo, Samira? Es bastante diversificado. No voy a decir que sigo siempre un método. En la mayoría de las veces, es el tema de sentir. Yo tengo aquella sensación y hago. Tiene que ser más por la noche, porque durante el día no da, porque estoy involucrada con otras cosas, hay mis hijos, yo no logro. Entonces en la madrugada yo empiezo a dibujar. A veces sale como yo estaba imaginando, otras veces, cambia totalmente. Es algo que ocurre basado en las sensaciones que yo esté sintiendo. Yo estoy aprendiendo a no comprar las tintas preparadas, estoy haciéndolas. Son varios tipos de pigmentos. Hay una que yo utilicé café

soluble. Hay la goma laca también, la hindú, que hay que comprar barniz seco para hacer, mezclar con alcohol y dejar curtir. Es un impermeabilizar. Ahí yo voy descubriendo las tintas.

FLÁVIO DUTKA

(1974, IGUATU-PR)

¿Qué te inspira?

¿Ves algún tema que sea recurrente en tus obras? Veo. Me gusta dibujar y ver que mis dibujos tienen movimiento, que él se está comunicando. Si me doy cuenta que eso no está sucediendo, yo lo guardo y puede ser que después de un tiempo yo siga con algo más en aquel mismo dibujo. Yo tengo que ver en ellos una comunicación. Ellos tienen que comunicarse para tener valor para mí.

Naciste aquí, Dutka?

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CASA-STUDIO DEL ARTISTA, EL 06 DE MAYO DE 2015.

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La naturaleza, el comportamiento de las personas y de los animales, sensaciones, emociones, sentimientos.

No, yo nací en Paraná, en una ciudad muy pequeña llamada Iguatu. Mis padres salieron de allá y fuimos a Canarana en Mato Grosso, de Mato Grosso regresamos a Paraná, donde yo estudié el jardín, y de ahí mi padre decidió venir a Rondônia. Del año 80 para el 81, específicamente en el invierno, nosotros vinimos para acá como migrantes. Mi papá decidió venir en diciembre… tardamos doce días en llegar, encima de un camión. Pero es muy gratificante recordar eso.

¿En que año naciste? Soy del siglo pasado... (risas) en 1974. Tengo cuarenta y un años… muy bien vividos! Muy bien encaminados, bien caminados. E esos cuarenta y un años fueron prácticamente todos vividos en función del arte. Porque yo me recuerdo que lo que yo pedía de regalo a Papá Noel en mi niñez - él existe - (risas) era bolígrafo, papel, esas cosas. Y él me daba. Entonces él existe.

Habla un poco de cómo empezó su interés y su trabajo con el arte. Me gustaba mucho dibujar, tenía una sensibilidad muy afectiva. Hay dos imágenes que son muy fuertes para mí, de mi niñez. Una imagen de un ángel de la guardia mostrando un demonio rojo de tacón, vestido… la rave completa,

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no? (risas) mostrando el ángel Gabriel, una imagen así... es una imagen que era muy fuerte para mí, hasta hoy, aún es. Yo pretendo volver a la ciudad para poder reverla, es una pintura en la abobada de la catedral en Canarana… era un especie de elevación de Cristo al cielo. Era una cosa que me atraía. Yo empecé a refinar mi trabajo a partir de 1989, de los 80 a los 90, que era mi fase de adolescencia. El rock’n’roll siempre fue muy presente en mi concepto, si es que yo tengo algún concepto, yo no tengo ningún concepto de arte… pero tengo la búsqueda por mi arte. La música siempre ha hecho parte de mi trabajo, incluso más que la propia imagen, porque había una dificultad muy grande de imagen. Yo soy del tiempo que no habían los nuevos medios de comunicación… es cliché hablar eso. Pero hoy parece muy fácil tener un bello estudio sobre lo que es producir un arte y lo que fue producido en el arte, pero antes no.

Dijiste que la música fue muy importante en su trayectoria. ¿Qué músicas acostumbras escuchar?

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Ah, me gusta mucho Pink Floyd. Ellos aún hacen parte. Entonces, fue cuando aparecieron dos personas, dos genios. Uno, que me llamó la atención, murió en el día de mi cumpleaños, el veintitrés de enero de 1989. Murió después que su compañera había muerto. Era Salvador Dalí. Y Francis Bacon. Las primeras imágenes que me recuerdo que tuve acceso de Francis Bacon, pensé: “ Dios mío, ese tipo tiene pacto con el demonio!” (risas). el eje judío-cristiano aún internalizado. El tema sobre la óptica religiosa, hasta con el lugar, su lugar, un templo religioso donde uno está. Uno lo desee, o no, pero esas cosas están internalizadas en cualquier individuo que haya pasado por ese tipo de iniciación. Yo no tengo la menor idea de lo que acabo de decir. (risas) ¡En serio! pero es eso mismo. Por supuesto que yo tengo una idea de lo que yo dije.

Pero es un tanto complejo verbalizar eso. Yo creo más en la imagen. Yo tengo la capacidad de expresarme a través de la imagen. Yo no tengo el don de la palabra. Tanto así que la única poesía que yo tengo paciencia para leer es la Tabacaria, de Fernado Pessoa. Listo, yo creo que ya basta. Bueno, y un poco de Eliot. Pero yo no nací con el don del ritmo ni de la palabra, aunque ellos estén de una manera implícita en la producción de la imagen. ¿Qué es la imagen sino una nueva posibilidad de lectura? En fin, ese mundo no es nada más que posibilidad de lectura. Miradas. Y es encima de esas miradas que yo busco mi verdad, lo que yo creo. Yo necesito creer en algo para mantenerme vivo. Y lo único que me mantiene, lo que me mantiene vivo, es ese instinto de pintar, dibujar, hablar con el gesto. Lo que quiero discutir es mi posibilidad de mirar, por ejemplo, en ese trabajo que yo hice, él es el puntapié y el desarrollar de varios caminos recorridos por mí, por medio de ellos llegué a lo inimaginable: dibujar paisajes. ¿Qué soy, hoy? Una persona que dibuja paisajes, un artista que dibuja paisajes. Pero, así como si el artista fuese algo superior. No, no lo es. Es usando mi capacidad de manipular la imagen, mi actual producción viene encima de esta capacidad que tengo de mirar e intentar pasar una imagen de un determinado lugar, de una determinada región, pero con un diseño extremadamente técnico, frío y sin sentido. Desmitificando la idea de que existe una Amazonia linda harmoniosa. ¿Amazonía? Es bonita en la fotografía. No importa el medio, lo que importa es que uno sepa que la realidad se puede manipular y transformar es una posibilidad de mirada. La amazonia es bonita en la fotografía. Si vas a mirar y ver la realidad, ella es completamente distinta. Todo empezó con ese trabajo que yo les enseñé. Fue una clase de epifanía. Yo empecé a hacerlo, luego de hacer una visita al Divino en la región de Costa Marques con la gente de historia de la UNIR [Universidad

Federal de Rondonia] de 2000, 2001. Yo, como alumno de historia, me recuerdo que… fui y volví. (risas) fue muy interesante, pero fue muy rápido. No fue allá donde encontré mi Amazonía transcendental. Yo encontré un dialogo a ser recorrido, cuando miré al río Guaporé, saliendo de Rondonia y yendo hacia Bolivia. Yo miré al río y hubo como si fuera una revelación. Aquí en Rondonia yo tuve a una persona, mi gran madrina, que fue Rita Queiroz. Ella me abrió las puertas a los dieciséis. Yo la considero como un ángel que vio la posibilidad de un niño provinciano, creyendo en un mundo que podría vivenciar el mundo a través del arte. Hoy yo no aconsejaría a nadie. Puede parecer un tanto romántico, pero, producir arte, tocar Let it Be, Yesterday, es algo fácil, ¿no?! Pero, crear eso requiere mucho trabajo, requiere mucha vida, requiere mucho dolor, requiere mucho sufrimiento. Con un artista ocurre lo mismo. Un artista, sea cual sea el camino: No sigas. Pero si quieres dar un chapuzón, hazlo de cabeza, busque ser siempre el mejor en lo que haces, porque aún no va a estar bueno y nunca lo va a estar.

¿Cómo es tu proceso creativo? Mi proceso creativo es básicamente en el cuerpo humano. Yo busqué muchas cosas, busqué tener una buena base académica sobre arte. A partir de ahí yo empecé a dibujar el cuerpo humano. Y yo pasaba por un sufrimiento muy grande, una depresión, y yo aún no había sido diagnosticado, entonces empeoró y yo busqué otros caminos. Yo dibujaba mucho el cuerpo humano, el ser humano en sí. Pero después yo regresé, vine a Porto Velho. Aquí empecé a pintar, seguí pintando. Yo tuve un espacio de cuatro años para saber si realmente quería, o no, ese camino. Esa elección de no querer me llevó a dos situaciones muy fuertes. Entonces, me di cuenta de que realmente el camino que yo debería seguir era el camino del arte. Y yo, ya no tenía edad para poner el hijo para adentro, después que sale el hijo, uno tiene que arreglarse, ya

no se puede volver a ponerlo adentro, no es tan fácil. Entonces, yo busqué investigar mucha anatomía, el cuerpo humano y vine para Rondonia. El único curso que hice fue de dibujo con modelo vivo, en la pinacoteca del estado de São Paulo. Y eso me dio caminos para el desarrollo de mi enfoque. Yo me quedé casi un año: yo necesito un tema, yo necesito un tema, ¿Dónde está el tema?... en fin. Después me di cuenta que no había tema. Yo me olvidé que estaba buscando el tema, el tema ya estaba conmigo. Yo estaba, en realidad, racionalizando demasiado. Yo me di cuenta que él simplemente venía como marullo.

¿Cuáles son las técnicas que usted utiliza en su trabajo? Yo me adapto. Soy una persona extremadamente adaptable. Yo necesito una sombra, una silla, un bolígrafo y un tablero. Y un buen repelente. (risas). solo eso. Hubo un tiempo que yo pinté mucho con óleo, nanquín, en fin, todas esas cosas de aquí de mi studio. Pero como me estoy dedicando, hace siete años, a ese trabajo del baixo madeira [parte relacionada al río Madera], de retratar el baixo madeira de manera más fría, mas imparcial, lo más cruel posible en su realidad sin clichés. Tonta es el tigre que no come la sachavaca que está cerca, ¿no? Ponerlos cerca en un cuadro no tiene sentido. Son esos clichés que yo quiero desmitificar. Tonto es quien piensa que es así.

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www.vimeo.com/channels/artistadeplastico

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https://www.facebook.com/artistadeplasticox

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{créditos

PESQUISA, EXPERIMENTAÇÃO E FOTOGRAFIAS INVESTIGACIÓN, EXPERIMENTACIÓN Y FOTOGRAFÍAS |

De Boa Vista-RR

Talita Oliveira

Ana Mendina | Flor, 2014. Pintura corporal.

ARTISTAS E OBRAS ARTISTAS Y OBRAS |

Carmezia Emiliano | Wazaká - A Origem do Monte Roraima, 2014. Oléo s/ tela. 100x120 cm

De Belém-PA Coletivo Pitiú (Débora Oliveira, Vivian Santa Brigida e Verônica Limma) | Sem Título, 2014. Técnica mista. 1,40 x 2,02 m Elaine Arruda | Paisagem Suspensa, 2014. Gravura em metal. 12mx3m. Nando Lima | Morgue Insano and Cool, 2009. Ciberperformance. Pablo Mufarrej | Eu, o horizonte e a minha caverna/ 1º movimento – A cor, o espaço e a experiência, 2015. Instalação. Spray, luz, pinturas, papéis, desenhos, fotografias, vídeo, zarcão e objetos apropriados. Dimensões variadas. PP Condurú | A Amazônia é minha, 2003. Acrílica s/ tela. 55x60cm

Edinel Pereira | A Mulher do Tepuí, 2015. Acrílica sobre tela. 90 x 70 cm. Isaias Miliano | Mandalas Espacial – O sol da pedra pintada/Estrela do Amajari, 2015. Madeira cedro doce, entalhe em madeira. Tema: grafismo indígena rupestre de Roraima. 50 x 70 cm. Jaider Esbell | Sem Título, 2014. Acrílica s/ tela. 100x120 cm

De Porto Velho-RO Flávio Dutka | A-MA-TA-DA-SE-DE-NO-GUA-PORÉ, Inverno de 2004. Técnica mista. 10 imagens 20x30cm cada, políptico. Gabriel Bicho | Ceratocone/Keratoconus, 2013. Raio-x ocular e Xilogravura. 20 cm de diâmetro. Luiz Dantas | Os jogadores, 2015. Pastel e Óleo s/ madeira. 100x80 cm

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Margot Paiva | You may say I’m a dreamer, 2012. Óleo s/ tela. 2,0x1,75 cm Samira Alvim | Aracno Centro, 2014. Nanquim sobre papel. 29,7x21 cm

De Rio Branco-AC Dalmir Ferreira | Samaúma seca, 2014. Nanquim s/ papel. 25x40 cm. Danilo de S´Acre | A única viável solução Decifra-me ou te devoro, 2015. Óleo sobre tela. 200x140 cm. Deisi Mello | Da série – Tardes chuvosas, 2012. Acrílica sobre tela. 80x100 cm.

EQUIPE BELÉM-PARÁ Tati Brito | Produção/Producción Danielle Franco | Assessoria de Imprensa/Asesoría de Prensa

EQUIPE BOA VISTA-RORAIMA

Sérgio de Carvalho Talita Oliveira Danilo de S’Acre REVISÃO DE TEXTO REVISIÓN DE TEXTO |

Kaline Barroso | Produção/Producción Edgar Borges | Assessoria de Imprensa/Asesoría de Prensa

Jamilsa Melo

EQUIPE PORTO VELHO-RONDÔNIA

Aquesia Maciel

Olegária Cristina Porto | Produção/Producción Marcela Bonfim | Assessoria de Imprensa/Asesoría de Prensa

EQUIPE RIO BRANCO-ACRE

Ivan Campos | Grãos de areia, sem data. Acrílica s/ pano.

Mari Maia | Produção/Producción Giselle Lucena | Assessoria de Imprensa/Asesoría de Prensa

Simone Bichara | Amor e perdão, 2003/2004. Pintura sobre madeira reciclada, tinta acrílica e naquim. 1,61 m de diâmetro.

DESIGN GRÁFICO DISEÑO GRÁFICO |

Selene Fortini

IMAGENS COMPLEMENTARES IMÁGENES ADICIONALES |

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TEXTOS

Shutterstock

TRADUÇÃO PARA O ESPANHOL TRADUCCIÓN AL ESPAÑOL |

EDITORA NEPAN AGRADECIMENTOS AGRADECIMIENTOS |

Anderson Paiva, Carlos Maltz, Ed Andrade Júnior, Gerson Albuquerque, Irene Almeida, José Viana, Júlio Cesar Barbosa, Marcelo Seixas, Marcelo Cordero, Raquel Ishii, Roger Elarrat, Sérgio de Carvalho, Ueliton Santana, Véronique Isabelle e Vitor Blanco. Esta obra está licenciada com uma Licença Creative Commons Atribuição-Não Comercial-Sem Derivações 4.0 Internacional (CC BY-NC-ND 4.0). Para ver uma cópia da licença, visite: https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.pt_BR Esta obra está licenciada con una Licencia Creative Commons Reconocimiento-No Comercial-Sin Obra Derivada 4.0 Internacional (CC BY-NC-ND 4.0). Para ver una copia de la licencia, la visita https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.es_PE

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