Leilão 73
Grande Leilão de Arte e Antiguidade
  • Não vendido

    Antonio Bandeira

    Fortaleza, 1922 -1967

    Paisagem Longínqua,1962

    Óleo s/tela Ass. inf. direito e verso e datado A produção abstrata de Antônio Bandeira (1922-1967) remonta à década de 1940, quando, ainda em Paris em uma temporada de estudos na École Nationale Supérieure des Beaux-Arts e na Académie de La Grande Chaumière, aproximou-se das vanguardas europeias e passou a incorporar técnicas do cubismo e do fauvismo em seus trabalhos. Sua relação com o alemão Wols (1913 - 1951) e com Camille Bryen (1907 - 1977) influenciam a adoção de uma pintura mais gestual, abstrata e aberta a sugestões ligadas ao automatismo surrealista. Apesar de ainda preservar a figura neste período, já é de maneira sugerida, marcada pela interação de elementos livres como manchas e marcas de pincel. Em 1948, Bandeira participa da mostra La Rose des Vents, na Galérie des Deux Ilés, que marca sua adesão ao abstracionismo informal principalmente visto nos trabalhos em guache e nanquim. Na pintura, o trabalho Paysage Lointain de 1949, no qual o artista incorpora manchas, riscos e formas coloridas sem submetê-los a um desenho prévio, é dos primeiros exemplos da sua adesão ao abstracionismo em telas. De volta ao Brasil, mudou-se para Fortaleza em 1952, onde Bandeira iniciou uma nova fase de sua pintura caracterizada pela radicalização dos princípios da abstração informal. Nessas telas, vê-se a incorporação de técnicas como os gotejamentos e respingos da tinta que produzem composições livres de linhas harmonizado por formas coloridas, conforme observamos no lote apresentado. Este é seu período de maior prestígio: recebeu o prêmio na 2ª Bienal Internacional de São Paulo (1953), teve exposições organizadas em Paris, Londres e Nova York e realizou um painel para o Palais des Beaux-Arts de Bruxelas (1958). Bandeira permanece na França até 1959, quando retorna para uma temporada bem sucedida de exposições no Brasil, entre elas a grande individual no Museu de Arte Moderna da Bahia - MAM/BA em 1960 e a 5ª e a 6ª Bienal Internacional de São Paulo. O quadro apresentado é de um período em que sua produção já era mais escassa e que perdurou até sua morte, em 1967.
    Lote 114
  • Não vendido

    Lasar Segall

    Vilna, 1891 -1957

    Figura inclinada ao luar, ( Série As Erradias), 1949

    Óleo s/ tela Ass. inf. esquerdo e verso e datado Ex-coleção Felicia Leiner Lasar Segall (1891-1957) foi um destacado pintor e escultor lituano-brasileiro, considerado um dos mais importantes artistas modernistas do Brasil. Sua obra é caracterizada por uma abordagem expressiva e emocional, explorando temas como o sofrimento humano, a solidão e a angústia. "Figura inclinada ao luar" faz parte da série "As Erradias" de Segall, criada durante sua fase madura como artista. Nessa pintura, Segall retrata uma figura humana inclinada, iluminada pela luz da lua. A cena transmite uma sensação de melancolia e introspecção, características recorrentes em suas obras. O uso do óleo sobre tela permite que Segall crie uma atmosfera densa e sombria, com pinceladas expressivas e uma paleta de cores escuras e terrosas. A figura inclinada é representada de forma estilizada, enfatizando sua expressividade emocional e sugerindo uma introspecção profunda. A série "As Erradias" de Segall reflete sua preocupação com as questões existenciais e a condição humana, abordando temas como o exílio, a dor e a alienação. Essa série é considerada uma das mais marcantes de sua carreira e demonstra a influência do expressionismo em seu estilo. A série é resultado da aproximação entre o rumo incerto dos emigrantes e a marginalidade das prostitutas, que são retratadas em cenas cotidianas, nas portas e janelas do casario, com seus clientes, nuas e seminuas. Contagiando a atmosfera de sensualidade há também a marca da dor, do sofrimento, da exclusão social.
    Lote 112
  • Lote arrematado

    Frans Krajcberg

    Kozienice - Polônia, 1921 -2017
    Escultura em madeira Ass. verso As esculturas com raízes de Frans Krajcberg, renomado artista polonês-brasileiro, são testemunhas da sua profunda conexão com a natureza e seu compromisso em denunciar a destruição ambiental. Utilizando raízes retiradas de áreas desmatadas e queimadas, Krajcberg cria esculturas que representam a resistência e a resiliência da vida diante da devastação. Suas obras evocam uma mistura de dor e esperança, mesclando elementos orgânicos e abstratos para transmitir uma mensagem poderosa sobre a urgência de preservar e proteger o meio ambiente. As esculturas de raízes de Krajcberg são consideradas peças únicas e muito valorizadas no mercado de arte contemporânea por apresentam uma estética poderosa e marcante, que combina elementos da natureza com a expressão artística, transmitindo uma mensagem ambiental e social. Suas obras integram os acervos de importantes instituições brasileiras e internacionais, como o Museu de Arte Contemporânea de Niterói (MAC) e o Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM).
    Lote 91 Lote vendido
  • Não vendido

    Cândido Portinari

    Brodoswki, 1903 -1962

    São Francisco de Assis, 1943

    Óleo s/ tela Ass. inf. esquerdo Ex col. Assis Chateaubriand Registrado no Projeto Portinari FCO: 5230 CR: 1763 São Francisco de Assis foi retratado por Portinari em várias de suas obras, sendo a mais prestigiada a que integra o painel de azulejos da Igreja São Francisco, projeto de Oscar Niemeyer localizado no complexo da Pampulha, em Belo Horizonte. No lote apresentado, Portinari retrata São Francisco com grande dramaticidade, feição expressiva, vestindo seu hábito franciscano marrom. Portinari utiliza uma paleta de cores terrosas e tons suaves para retratar São Francisco, transmitindo uma sensação de serenidade e harmonia.
    Lote 79
  • Não vendido

    Lasar Segall

    Vilna, 1891 -1957

    Família, 1944

    Óleo s/ tela Ass.inf. central e verso. Obra com número de registro numero 278. Obra apresenta antigo restauro. Foi capa do catálogo da Soraia Cals em maio de 2006. A obra retrata uma cena de uma família em uma paisagem rural. As figuras representadas são pessoas simples, perceptíveis tanto pelas vestimentas modestas quanto pela ausência de calçados, o que sugere uma vida humilde e conectada à terra. A composição da obra apresenta o pai e a mãe com as cabeças baixas, indicando um estado de contemplação ou preocupação. A criança ao fundo está parcialmente encoberta, adicionando uma camada de mistério à cena e deixando espaço para interpretação. No entanto, é o menino à frente do grupo que encara diretamente o público, estabelecendo um contato visual direto e transmitindo uma sensação de presença e conexão emocional. A cena é representada em tons escuros, criando uma atmosfera melancólica e introspectiva. A presença de animais na paisagem, comumente encontrada nas obras de Segall, contribui para a sensação de ruralidade e destaca a relação entre os seres humanos e o ambiente natural que os cerca. Através dessa obra, Lasar Segall aborda a intimidade e a complexidade das relações familiares, bem como a condição humana em meio à simplicidade da vida rural. Ele transmite uma atmosfera de serenidade e reflexão, convidando o espectador a contemplar as emoções e os desafios enfrentados por essa família. A habilidade de Segall em capturar a essência dos personagens e transmitir emoções por meio de sua técnica expressiva e da escolha cuidadosa da composição reflete sua maestria como artista. Lasar Segall deixou um legado artístico significativo, onde sua abordagem sensível e humanista à arte continua a encantar e provocar reflexões sobre a condição humana e a sociedade.
    Lote 89
  • Não vendido

    Roberto Matta

    Santiago, 1911 -2002

    Sem título

    Óleo s/tela Ass. inf. esquerdo e verso Roberto Matta (1911-2002) foi um pintor e escultor chileno, considerado um dos principais representantes do surrealismo e um dos mais importantes artistas latino-americanos do século XX. Sua obra é conhecida por suas composições abstratas, surreais e futuristas, nas quais ele explorou a interseção entre a arte, a ciência e a filosofia. Ao longo de sua carreira, Matta desenvolveu um estilo único que ficou conhecido como "inscapes" (paisagens interiores). Suas pinturas apresentam uma combinação de formas orgânicas e geométricas, linhas fluidas e cores vibrantes. Ele frequentemente usava tons de azul em suas obras, que evocam um ambiente onírico e misterioso. Observadas no lote apresentado, as principais características do estilo de Matta são a combinação de elementos figurativos e abstratos, a sobreposição de camadas de tinta, o uso de linhas sinuosas e a criação de espaços tridimensionais imaginários. Suas obras muitas vezes retratam paisagens imaginárias, figuras distorcidas e espaços arquitetônicos não convencionais, transmitindo uma sensação de mistério e profundidade. No mercado de arte internacional, Matta é amplamente valorizado e suas obras são muito procuradas por colecionadores e instituições, integrando coleções em todo o mundo, incluindo o Museu de Arte Moderna (MoMA) em Nova York, o Museu Nacional Centro de Arte Reina Sofía em Madri, o Museu de Arte Moderna de São Francisco, entre outros. Com sua abordagem visionária e suas obras impactantes, Roberto Matta deixou um legado duradouro no mundo da arte, desafiando convenções e explorando novas possibilidades estéticas. Sua valorização no mercado de arte e sua presença em coleções importantes são um reflexo do impacto e da relevância contínuos de seu trabalho até os dias de hoje. Sua contribuição para o surrealismo e sua inovação artística lhe renderam um lugar de destaque na história da arte latino-americana e internacional.
    Lote 43
  • Lote arrematado

    Companhia das Índias

    Portugal, 1481
    Conjunto Serviço dos Pavões, Peças em porcelana, Família Rosa, pertencente ao Serviço Imperial de D. João VI, composto por 56 pratos rasos, 27 pratos fundo, 5 covilhete, 5 travessas, sendo uma par de travessas maiores e 3 em tamanhos pequena, média e grande, 3 molheiras, 3 saleiros e uma sopeira com presentoir. Centro apresentando dois pavões, sobre um rochedo, cercados de peônias. Borda em flores e arabescos. Sec. XVIII. Serviço dos Pavões (também conhecido como Serviço dos Dois Pavões, ou, em inglês, Double Peacock Service) é um serviço de jantar real, confeccionado em porcelana de pasta dura, de finíssima qualidade, que foi produzido na China do Imperador Qianlong, sob encomenda, para a Europa, trazido e comercializado pela Companhia das Índias Ocidentais. Estima-se que cerca de vinte mil peças do hoje chamado Serviço dos Pavões tenham sido produzidas entre 1750 e 1795, restando hoje cerca de cinco mil distribuídas por todo o mundo. É considerado um dos mais belos serviços de jantar de exportação. Em formato oitavado, recortado ou redondo, o prato é de louça (porcelana) branca, encaroçada, decorada com esmaltes nas cores habituais da chamada "família rosa". Na sua borda figuram quatro ramos postos em cruz e a orla rouge de fer, alternada com chamativas estilizações de ramos na cor azul. No campo, observa-se um casal de pavões sobre rochas e um ramo com grandes peônias, separados da borda da peça por um friso flordelisado. Além de pratos de vários tamanhos, é composto por sopeiras de vários tipos, terrinas, molheiras, travessas de vários formatos, manteigueiras, meleiras e tigelas. Foi utilizado pela Família Real Portuguesa e pela Família Imperial Brasileira tanto no Paço de São Cristóvão como também na Fazenda Imperial de Santa Cruz. É um serviço conhecido como “viajante”, pois foi levado da China a Portugal, e de Portugal para o Brasil, quando D. João VI, ainda príncipe, temendo as guerras napoleônicas, estabeleceu-se no Rio de Janeiro, com sua mãe, D. Maria I. Os serviços de porcelana chinesa de uso imperial, trazidos para o Brasil por D. João VI, foram dispersos após a proclamação da República, sendo atualmente peças raras, procuradas por colecionadores de todo o mundo.
    Lote 52 Lote vendido
  • Lote arrematado

    Djanira

    Avaré, São Paulo, 1914 -1979

    Paisagem, 1973

    Óleo s/tela Ass. inf. direito Entre os principais temas retratados por Djanira, as paisagens e cenas do cotidiano brasileiro destacam-se na medida em que refletem sua profunda conexão com a natureza e o ambiente rural. Artista autodidata, nascida no interior de São Paulo, na cidade de Avaré, seu estilo artístico foi marcado por uma abordagem figurativa e expressiva. A representação da paisagem natural foi um tema explorado desde o início da trajetória artística de Djanira. Essas obras retratam a beleza e a diversidade das paisagens brasileiras com uma sensibilidade poética e autêntica. Djanira explorou de forma singular a atmosfera, as cores e os detalhes das paisagens, seja retratando cenas rurais, praias paradisíacas ou cenas urbanas. Sua paleta de cores vibrantes e alegres trazia vida e energia às composições, transmitindo uma sensação de vitalidade. No lote "Paisagem", de 1973, podemos apreciar uma paisagem exuberante, com vegetação abundante e montanhas cobertas de verde. Há uma sensação de contemplação e admiração pela grandeza e beleza da natureza presente derivada da emoção contida na relação da artista com o ambiente. Suas pinceladas enérgicas somadas ao uso de uma palheta intensa transmitem uma sensação de dinamismo e vida à obra. A valorização de Djanira no mercado de arte cresceu ao longo dos anos, e suas obras são apreciadas tanto no Brasil quanto internacionalmente. Sua abordagem única da pintura, seu compromisso com a representação da cultura brasileira e suas cores vibrantes atraíram a atenção de colecionadores e apreciadores de arte. Djanira recebeu reconhecimento por seu trabalho ao longo de sua vida. Ela participou de exposições importantes no Brasil e no exterior, foi exaltada pela crítica e recebeu importantes prêmios, como o Guggenheim International Award - Prêmio Guggenheim, de 1958.
    Lote 53 Lote vendido
  • Lote arrematado

    Cícero Dias

    Escada, 1907 -2003

    Natureza Morta, 1929/1930

    Aquarela s/ papel Ass. inf. direito Localizado Rio O lote encontra-se em nosso espaço para apreciação através de prévio agendamento. O lote apresentado pertence à fase inicial da trajetória artística de Cícero Dias, que, após mudar-se para o Rio de Janeiro em 1920 com apenas treze anos, passou a frequentar o circuito modernista. Iniciou o estudo de de arquitetura e de pintura da Escola Nacional de Belas Artes (Enba) em 1925 e, em 1927, realizou sua primeira exposição individual, no Rio de Janeiro. "Natureza morta" é uma delicada aquarela na qual Dias representa um prato com frutas brasileiras. Integram a cena alguns itens de mobiliário, como a mesa e um banco. Cícero Dias é considerado uma figura de extrema importância na arte brasileira do século XX, sendo um dos principais responsáveis pela da arte nordestina. Sua abordagem vanguardista e seu engajamento com as questões sociais e culturais do Nordeste foram fundamentais para a afirmação e valorização dessa região no contexto artístico nacional. Além disso, Cícero Dias foi um participante ativo no movimento modernista brasileiro. Ele esteve envolvido com importantes grupos e instituições artísticas, como o Grupo dos Cinco e o Salão de Maio, onde defendeu a arte moderna e promoveu o diálogo entre artistas de diferentes correntes. Sua atuação nesses círculos artísticos contribuiu para a consolidação do modernismo no Brasil e para a abertura de novos caminhos para a produção artística nacional.
    Lote 54 Lote vendido
  • Não vendido

    Émile Gallé

    Nancy, França, 1846 -1904
    Vaso francês em pasta de vidro na cor verde, vermelho e marrom, decorado com Paisagem Lacustre. Assinado na peça. C. 1900 Lote não exposto - cod.L5 Émile Gallé (1846-1904) foi um renomado artista e mestre vidreiro francês, famoso por suas criações excepcionais de vasos, sendo considerado um dos principais representantes do movimento Art Nouveau. Seus vasos eram verdadeiras obras de arte, incorporando elementos naturais, como flores, plantas e insetos, por meio de técnicas inovadoras de vidro soprado, gravura em ácido e incrustações. Gallé também explorou a paleta de cores, criando efeitos sutis e translúcidos em suas peças. Cada vaso de Gallé é uma expressão de sua criatividade e devoção à natureza, e suas obras continuam sendo altamente valorizadas e colecionadas até hoje. A maior parte da suas peças foi realizada em pasta de vidro ou cristal soprado, ricamente trabalhados a partir de técnicas como inclusões, apliques de folha de ouro ou prata, e a marchetaria do vidro - técnica que inventou e patenteou e consiste na deposição de pequenas inclusões de cristal colorido na pasta fundida. Gallé foi um dos únicos artistas a dominar essa técnica, que era extremamente difícil porque exigia que a peça de vidro fosse aquecida várias vezes e aumentava o risco de rachaduras. As obras de arte de Émile Gallé são procuradas por colecionadores de todo o mundo e às vezes alcançam preços muito altos. As peças produzidas durante a vida de Émile Gallé são mais procuradas; já os produzidos após sua morte, de 1904 a 1936, pelos Estabelecimentos Gallé, são menos populares. A Flambe d'eau ou The Iris (39,3 × 14,5 cm) em vidro foi vendida em 4 de abril de 2008 em Paris pelo valor de 182.170 euros. Rhododendron, uma lâmpada de 1925, foi vendida em Nova York em 14 de dezembro de 2007 por 140.404 euros.
    Lote 77
  • Lote arrematado

    Francis Bacon

    Dublin, 1909 -1992

    Figura

    Serigrafia Ass. Inf. direito Edição XL de XCIX Em "Figura", Francis Bacon exemplifica seu estilo único e perturbador, que desafia as convenções artísticas e provoca uma resposta emocional intensa. Ao apresentar a figura disforme sentada em uma cadeira sobre um fundo preto, Bacon cria uma atmosfera de angústia e desconforto. Sua representação distorcida do corpo humano reflete a visão pessimista e perturbadora do artista sobre a existência. A figura parece estar imersa em uma solidão e uma aflição interna, transmitindo uma sensação de isolamento e sofrimento emocional. O estilo de Francis Bacon é caracterizado pelo uso expressivo de cores vibrantes e pinceladas grossas, que adicionam uma intensidade emocional única às suas obras. Sua abordagem artística é altamente subjetiva e evoca uma resposta visceral no espectador. Bacon não se preocupa em retratar a realidade de maneira precisa, mas sim em capturar a essência e a essência emocional de seus temas.
    Lote 63 Lote vendido
  • Lote arrematado

    Suzanne Valadon

    Bessines-sur-Gartempe, 1865 -1938

    Torso e fita azul, 1921

    Óleo s/tela Ass. inf. esquerdo A produção artística de Suzanne Valadon (1865 - 1938) é marcada pela originalidade e pela representação franca e autêntica do mundo feminino. Valadon, que começou sua carreira como modelo para artistas famosos da época, como Renoir e Toulouse-Lautrec, e tornou-se a primeira artista mulher admitida na Société Nationale des Beaux-Arts, desenvolveu sua própria voz artística ao explorar temas como a nudez feminina, a maternidade e a vida cotidiana. Suas pinturas são caracterizadas por uma abordagem ousada e uma paleta de cores rica e vibrante. Com pinceladas expressivas e uma habilidade técnica notável, Valadon retratava a figura feminina de forma realista, rompendo com os padrões estéticos da época. Sua contribuição artística foi fundamental para abrir caminho para a representação autêntica das mulheres por mulheres e sua produção continua a ser admirada por seu pioneirismo até os dias de hoje.
    Lote 88 Lote vendido

1212 lotes

    • 5251

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    Lances encerrados
    Lances encerrados

    Grande Leilão de Arte e Antiguidade

    Leilão de Arte - Acervo Arte e Antiguidade

    Estamos convidando você para acessar o nosso catálogo do Grande Leilão da TNT Arte de Arte e Antiguidades que ocorre entre 19 e 23 de junho, conduzido pela nossa leiloeira Thais Alexandre.
    A partir de uma cuidadosa curadoria, apresentamos uma seleção excepcional de peças, com destaque para obras de importantes artistas tanto internacionais, dentre os quais Bernard Buffet, Roberto Matta e Susane Valadon, quanto nacionais como Bandeira, Di Cavalcanti, Krajcberg, Portinari e Lasar Segall, com um incrível conjunto de aquarelas.
    Também apresentaremos aparelhos de chá e de jantar em prata francesa e portuguesa, e em porcelana Limoges e da Companhia das Índias (Família dos Pavões).
    Somam-se lotes de mobiliário em madeira nobre, vasos em esmalte francês Limoges, esculturas de arte sacra, e belos tapetes persas Kashan, Tabriz e Naim.

    Se ainda não esta cadastrado, inscreve-se para receber os catálogos do leilão e para ficar apto a lançar e siga-nos no Instagram para acompanhar a divulgação.

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    Leilão

    19 de Junho de 2023, Segunda-feira, às 19:00
    20 de Junho de 2023, Terça-feira, às 19:00
    21 de Junho de 2023, Quarta-feira, às 19:00
    22 de Junho de 2023, Quinta-feira, às 19:00
    23 de Junho de 2023, Sexta-feira, às 19:00

    Estrada da Gávea 899 loja 243 - São Conrado - Rio de Janeiro

    Leiloeira

    Thais Alexandre
    JUCERJA - 178
    Organização: TNT Arte Galeria

    Exposição

    Destaques estarão expostos de 07 a 19 de junho de 2023 _ Consulte obras expostas,

    Estrada da Gávea 899 loja 243 - São Conrado - Rio de Janeiro

    Informações

    contato@tntarte.com.br

    +55 21 2495-6142
    +55 21 99464-0374
    +55 21 99398-0022

    5521994640374

    Seg. a Sábado, de 10 às 20h. Domingo e feriados, das 14 às 20h.

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