Arte, Artistas e Arteiros - MultiRio

Arte, Artistas 

e Arteiros

Arte, artistas e arteiros 

................................................................................. 

Série televisiva: textos complementares 

MultiRio - Empresa Municipal de Multimeios ltda. 

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Sumário 

introdução .............................................................................................................................. 5 

Arte, artistas e arteiros no giro da terra .............................................................................. 7 

As relações fundamentais entre arte e natureza, facilitando o entendimento da participação de cada ser humano 

como integrante, dependente e agente transformador do meio ambiente. 

Capítulo i - A terra gira, o tempo passa 

Bom dia, boa tarde, boa noite .......................................................................................... 9 

E mudam as estações ................................................................................................... 21 

Capítulo ii - No giro da terra, preservar, mudar, transformar 

Aqui encontrei meu lugar .............................................................................................. 35 

Meio ambiente em alerta .............................................................................................. 48 

Arte, artistas e arteiros deixam sua marca ......................................................................... 65 

A arte como marca de identidade do ser humano, que, com o seu espírito investigativo, sempre utilizou diferentes 

linguagens expressivas como meio para produzir e comunicar suas ideias. 

Capítulo iii - Nossas marcas no mundo 

Marcando presença ....................................................................................................... 67 

Registros de identidade ................................................................................................ 81 

Capítulo iV - Encontro marcado 

De volta ao passado ...................................................................................................... 97 

Marca registrada ........................................................................................................... 107 

Arte, artistas e arteiros em toda parte .............................................................................. 123 

A arte como forma de expressão, fonte de pesquisa e identificação cultural, ressaltando a articulação entre o passado 

e o presente e a relação das concepções e dos sentimentos próprios de cada indivíduo com o imaginário coletivo. 

Capítulo V - Quem tem arte reparte 

Entre o fazer e o saber .................................................................................................. 125 

A parte de cada um ...................................................................................................... 137 

Capítulo Vi - tecendo e participando da festa 

Ponto de partida ........................................................................................................ 149 

Festa para todos ........................................................................................................ 162 

Arte, artistas e arteiros brincantes .................................................................................... 177 

A ludicidade do ato criador e as inúmeras possibilidades de “brincar” com a imaginação em um jogo que desenvolve 

a capacidade de inventar, transformar, contestar e descobrir novas soluções. 

Capítulo Vii - Brincar de inventar 

Construindo o brincar .................................................................................................... 179 

A participação lúdica ..................................................................................................... 192 

Capítulo Viii - Pensar para brincar 

Imagens que brincam .................................................................................................. 203 

Brincar para contestar ................................................................................................. 216 

Arte, artistas e arteiros em novos tempos ........................................................................... 233 

As linguagens contemporâneas da arte e as novas possibilidades de criação diante dos avanços tecnológicos, mostrando 

como a separação e a reaproximação entre arte e ciência influenciam as relações dos homens entre si e deles com o universo. 

Capítulo iX - tempo de transformação 

A captura da imagem ................................................................................................... 235 

Imagem em ação .......................................................................................................... 248 

Capítulo X - tempo de novas mídias 

Rede de comunicações ................................................................................................ 267 

Criação e tecnologia .................................................................................................... 280

Introdução 

A arte se faz em um tempo, em um lugar e pela ação das pessoas envolvidas nesse fazer. A 

arte não existe sem o artista, sem o espectador e, principalmente, sem o arteiro que habita 

cada um deles. Arte, artistas e arteiros se entrelaçam no processo criativo. 

O artista é aquele que direciona suas buscas e investigações no caminho específico da 

produção nos diferentes campos da arte. E o arteiro? Ele é o que ousa, enfrenta desafios e 

não tem medo de experimentar o novo. 

É importante observar que dentro de todo artista existe um arteiro, mas nem todo arteiro se 

realiza no campo específico da arte. Pode escolher outros caminhos de realização pessoal 

e profissional, mas segue mantendo a sensibilidade e o prazer criativo em seu cotidiano. 

Arte, artistas e arteiros caminham sempre juntos, e, com certeza, as obras que nos 

sensibilizam, nos instigam e fazem pensar contêm viva a essência dessa união. 

A série Arte, Artistas e Arteiros tem como principal compromisso estimular alunos e 

professores a explorar os diferentes caminhos das linguagens artísticas, sem medo de se 

aventurar pelas trilhas que se apresentem nesse percurso. 

São tantas e tão diversas as questões da arte que, mais do que aprofundar um determinado 

conhecimento, procuramos mostrar a riqueza que o assunto oferece, tomando-se por base 

recortes temáticos selecionados com o objetivo de favorecer discussões e reflexões, sem 

que se perca a poética implícita no próprio sentido da arte. 

As temáticas trabalhadas nos textos e nos programas pretendem colaborar com as práticas 

educativas, abrindo possibilidades para novas pesquisas, novas articulações e novos 

desdobramentos, inter-relacionando os diferentes saberes de todos os envolvidos nesse 

universo de comunicação e de troca. 

O professor, como mediador do conhecimento, deve procurar apresentar o conteúdo a ser 

estudado, instigando seu aluno a encontrar respostas para possíveis dúvidas, a considerar 

novos pontos de vista, a descobrir diferentes possibilidades e, principalmente, a despertar 

o desejo de aprender mais sobre algo que faz parte da vida – a arte. 

Cabe ao professor escolher seu caminho, de acordo com as necessidades e os interesses 

das turmas, construindo uma proposta didático-pedagógica em Arte, para que seus alunos 

desenvolvam competências e habilidades. Assim, por meio de suas próprias escolhas, eles 

encontrarão maneiras individuais de se colocar no mundo, possibilitando a expressão das 

muitas mensagens poéticas e de significados estéticos, dando vez e voz para o arteiro em 

potencial que cada um traz em seu interior.

ARTE, ARTISTAS E ARTEIROS 

NO GIRO DA TERRA 

Roda mundo, roda gigante 

Roda moinho, roda pião. 

O tempo rodou num instante 

Nas voltas do meu coração... 

Roda Viva / Chico Buarque de Hollanda

A Terra gira, 

o tempo passa 

Bom dia, boa tarde, boa noite... 

Depois do dia vem noite, 

Depois da noite vem dia. 

E depois de ter saudades, 

Vem as saudades que havia. 

Fernando Pessoa 

A Terra gira, o tempo passa, o Sol e a Lua 

se alternam, e a paisagem se transforma em 

cores, cheiros e sons. É uma mágica que 

nos instiga infinitamente. 

Por que o Sol brilha em um lugar enquanto 

é noite em outro? 

A Terra, como todos os corpos do universo, 

não está parada. Ela realiza inúmeros 

movimentos. O giro que faz em torno de si 

mesma chama-se rotação e dura, aproximadamente, 

24 horas. 

A luz solar vai iluminando, progressivamente, 

diferentes áreas do nosso planeta à medida 

que ele gira, e, como o movimento é de 

oeste (onde o sol se põe) para leste (onde o 

sol nasce), em alguns lugares anoitece e em 

outros amanhece. 

Por que percebemos de formas diferentes o 

amanhecer e o anoitecer? 

1 . Fotografia da Terra tirada a 7 de dezembro de 1972 durante 

a missão Apollo 17. 

O nascer e o pôr do sol nos provocam diferentes 

emoções. São momentos únicos, mas 

que se repetem de maneiras diferentes para 

cada um de nós que lhes assistimos. 

Olhar não é apenas ver, pois a nossa maneira 

própria de perceber transforma as coisas 

que vemos, e, muitas vezes, elas podem se 

materializar em diferentes linguagens: gráfica, 

plástica, corporal, escrita, falada, musical. 

A percepção e a sensibilidade são janelas 

para o mundo e possibilitam a troca 

entre o que está dentro e o que está 

fora. A todo instante, nossos sentidos são 

A Terra gira, o tempo passa 

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2 . Claude Monet. Impressão: Nascer do Sol, 1872. 

estimulados. Estabelecemos relações com 

alguns estímulos, selecionando, valorizando 

ou negando. Nesse movimento interno, 

surgem constelações de significados e diferentes 

configurações. 

No começo do mundo, só havia dia. A noite estava adormecida nas profundezas das águas com 

Boiuna, uma cobra grande que era senhora do rio. 

A filha de Boiuna, uma moça muito bonita, havia se casado com um rapaz de um vilarejo, nas 

margens do rio. Na hora de dormir, ela não conseguia e explicava para o marido: 

— É porque ainda não é noite. 

Um dia, a moça pediu ao marido que fosse buscar a noite na casa de sua mãe. Ele mandou 

três amigos às profundezas do rio para falar com Boiuna. 

Boiuna colocou a noite dentro de um caroço de tucumã, uma fruta da palmeira, e mandou 

entregar como se fosse um presente para sua filha. 

Os três amigos carregavam o tucumã quando ouviram o barulho de sapinhos e grilos, bichinhos 

que só cantam à noite. Curiosos, resolveram abrir o tucumã para ver que barulho era 

aquele. Quando o tucumã foi aberto, a noite escapou e tomou conta de tudo. O mundo virou 

uma escuridão só. 

A filha de Boiuna viu o que tinha acontecido e tentou separar a noite do dia. Pegou dois fios, 

enrolou o primeiro, pintou de branco e disse: 

— Você será Cujubim e vai cantar sempre que o dia nascer. 

Então, soltou o fio, que se transformou em pássaro e saiu voando. 

Depois, enrolou o outro fio, jogou cinza sobre ele e disse: 

— Você será Coruja e cantará quando a noite chegar. A coruja saiu voando. 

A partir de então, o mundo passou a ter dia e noite. 

É com base nessa realidade que construímos 

um repertório particular de sensações e 

interpretamos o mundo. 

O ser humano, em diferentes grupos sociais, 

constrói uma cultura própria, atribuindo 

sentidos específicos para os fenômenos 

da natureza. São lendas, músicas, danças, 

crenças, registros pictóricos que contam a 

história dessa cultura através dos tempos. 

Um desses exemplos é a narrativa que explica 

o surgimento da noite. Ela integra a riqueza 

da tradição oral de vários povos indígenas 

e apresenta variantes em diferentes sociedades, 

dos caiapós aos tupis da costa brasileira. 

A narrativa de como a noite começou a existir 

parece falar da contribuição que a humanidade 

pode ter na própria feição do planeta. 

3 . Página à direita: Marc Chagall. Saint Jean Cap Ferrat, 1952.

imagem 

noite

Como o dia e a noite, somos envolvidos por sentimentos 

opostos, contrastantes. Aprender a lidar 

com eles nos faz inventar ideias que movem 

nossos pensamentos sobre o sentido da vida. 

Fazer parte desse mundo mágico movimenta 

nossas dúvidas e certezas, nossas verdades 

e mentiras, nossos sonhos e realidades. 

Quanto mais fecho os olhos, 

melhor vejo... 

Meu dia é noite quando estás ausente... 

E à noite vejo o Sol 

se estás presente. 

William Shakespeare 

Desde sempre, a Lua e o Sol iluminam não 

só os caminhos do ser humano, mas também 

sua poesia e sua arte. 

Os gregos consideravam a luz como símbolo 

do conhecimento e as trevas como símbolo 

do desconhecido, do medo. 

Na Idade Média, os vitrais surgem como um 

grito de luz, colorindo o interior sombrio das 

catedrais. Os vitrais contam histórias luminosas 

aos fiéis, inaugurando um novo domínio 

da luz. 

4 . Rosácea da Catedral de Notre Dame de Paris (séc. XIII). 

A luz, historicamente, personifica tudo o que 

é bom, porque nos permite enxergar cores, 

linhas e formas. A escuridão nos traz medo 

e insegurança, mas abre brechas à imaginação, 

pois tentamos ver, com a mente, aquilo 

que os olhos não conseguem distinguir. 

No teatro, no cinema e nas artes visuais, a 

luz é usada como um recurso expressivo. A 

distribuição intencional de luzes e sombras 

pode, por exemplo, dar profundidade e dramaticidade 

às cenas. 

Quando há luz, há sombra. A sombra participa 

da cor do objeto, de acordo com a menor ou 

maior distância e luminosidade dele. Esse contraste 

entre luz e sombra é chamado de efeito 

claro/escuro. Em desenhos e pinturas, a técnica 

é utilizada também para dar noção de volume. 

VITRAIS 

Conjunto figurativo ou decorativo formado por pequenos pedaços de vidro de várias cores unidos por liga de 

chumbo. Através de vitrais coloridos, a luz penetra o interior de grandes igrejas medievais, como a Catedral de 

Chartres (1194) e a Sainte-Chapelle de Paris (1241). Os imensos espaços iluminados criados por novas técnicas 

construtivas buscam aproximar os fiéis de forma quase palpável do pensamento da época, que vinculava a luz ao 

próprio conceito de Deus. 

COR 

A cor somente pode existir por causa de três elementos: a luz, o objeto e o espectador. Em 1666, o físico Isaac Newton 

descobre que a luz branca de um raio de sol, ao passar por um prisma de cristal, se decompõe em uma série de cores 

com comprimentos de onda diferentes. Tal como em um arco-íris, violeta, anil, azul, verde, amarelo, laranja e vermelho 

formam o espectro visível. 

5 . Página à esquerda: Vitral da Catedral d’Évreux (França). 


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Todos os corpos se revestem de luzes e 

de sombras. As luzes são de duas nature- 

zas: original e derivada. Original é a pro- 

duzida pela chama do fogo, ou pela luz 

do sol ou do ar; derivada é a luz refletida. 

leonardo da Vinci 

Foi leonardo da Vinci que, na Renascença, introduziu 

a técnica de representação chamada 

“chiaroscuro”. As formas são representadas 

sem usar linhas de contorno, mas apenas pelo 

contraste entre as cores do objeto e do fundo, 

reproduzindo na pintura a passagem da luz e 

da sombra, simulando, assim, o relevo. 

6 . Leonardo da Vinci. 

Mona Lisa (ou A Gioconda), 

1503-1505. 

Como os pintores renascentistas que conheciam 

a força da luz e da sombra, artistas 

como Caravaggio, Rembrandt e Vermeer exploraram 

o claro/escuro em suas obras. O 

domínio técnico da iluminação, da composição 

e da cor tornou esses artistas conhecidos 

como “os mestres da luz”. 

7 . Rembrandt van Rijn. A Companhia de Frans Banning Cocq e 

Willem van Ruytenburch (conhecido como A Ronda Noturna), 1642. 

8 . Johannes Vermeer. Garota 

com um Brinco de Pérola, 

c. 1667. 

LEONARDO DA VINCI 

(Vinci, 1452 – Amboise, 1519) 

Artista, filósofo, cientista, matemático, escritor e músico italiano. Sua habilidade em várias áreas do conhecimento está 

ligada ao humanismo renascentista, que considerava o homem como centro do universo e dotado de capacidade ilimitada 

de desenvolvimento. Considerando o artista como um criador dotado de inteligência, Leonardo defende a arte como uma 

atividade intelectual cuja base, o desenho (disegno), constitui a própria ideia, a concepção mental de determinado objeto. 

REMBRANDT VAN RIJN 

(Leyden, 1606 – Amsterdã, 1669) 

Pintor, desenhista e gravador, Rembrandt é considerado o grande artista da poderosa Holanda do século XVII. Produziu 

retratos individuais e de grupos e também uma extensa série de autorretratos que abrangem desde sua juventude até 

sua velhice. O artista valoriza mais a verdade e a franqueza do que a harmonia e a beleza e assim estuda intensamente 

espaço, atmosfera e luz, de modo a exibir rostos de seres humanos “reais”, sem sinais de pose ou de vaidade. 

JOHANNES VERMEER 

(Delft, 1632 – 1675) 

Pintor holandês, Vermeer executou retratos, vistas de cidades e, principalmente, quadros de interiores domésticos. Na 

busca da descrição objetiva da atividade da luz, ele suaviza os contornos das figuras sem perder o efeito de solidez e 

firmeza. Resultam composições de senso sereno de equilíbrio, muitas vezes baseadas em harmonia de azul, cinza, branco 

e amarelo e luz moderada, que nos fazem enxergar a beleza de uma cena singela com um olhar sempre revigorado. 

9 . Página à esquerda: Rembrandt van Rijn. A Companhia de Frans Banning Cocq e Willem van Ruytenburch (conhecido como A Ronda 

Noturna), 1642 (detalhe). 


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Tentar entender o mundo, encontrar respostas 

e se expressar de algum modo é um 

caminho que o ser humano percorre continuamente 

desde a infância, transformando 

o seu conhecimento por meio da sua imaginação 

e de novas conquistas. 

A capacidade de imaginar precede as descobertas, 

tanto no campo da arte quanto 

no da ciência. 

Imaginar é projetar, é antever, 

é a mobilização interior orientada 

para determinada finalidade, 

antes mesmo de existir 

a situação concreta. 

Edith Derdyk 

Ciência e arte se completam nas formas de 

investigação e de entendimento da vida. 

Ambas são caminhos para a compreensão 

do mundo. São formas de conhecimento 

que transformam e antecipam o futuro, 

pois são inovadoras e descortinam uma 

nova maneira de ver. 

As manifestações artísticas e o modo 

como assimilamos e representamos a vida 

sofrem influências das descobertas e invenções 

científicas. 

Mas, certamente, nenhuma explicação científica 

sobre os fenômenos da natureza tira 

o encantamento de assistir a um pôr do sol 

ou de contemplar uma noite de luar. 

Acorda, vem ver a Lua 

Que dorme na noite escura 

Que surge tão bela e branca 

Derramando doçura... 

Melodia Sentimental / Villa-lobos e 

Dora Vasconcelos 

Essa magia poética se concretiza por diferentes 

formas de expressão. Tentar captar e eternizar 

um momento como o do verso anterior 

mobiliza a imaginação e pode se traduzir em 

canção, poesia, expressão corporal, desenho, 

foto, pintura, escultura e tudo mais que a 

criatividade humana possa ousar. 

10 . Antônio Bandeira. A Grande Cidade Iluminada, 1953. 

Tradicionalmente, as pessoas relacionam o dia 

a trabalho, compromissos, horários, ansiedade, 

renovação, produção, realizações, passeios; a 

noite lembra descanso, meditação, família, sonhos, 

festas, medo, solidão, angústia. 

Mas sabemos que nem sempre é assim, 

principalmente nos tempos atuais, nos quais 

as cidades não dormem. 

CIÊNCIA E ARTE 

Ciência e arte são formas de conhecimento do mundo que visam a ampliar os limites do que nós sabemos e de 

como o sabemos. A relação entre arte e ciência, porém, constitui tema complexo, já que, em diferentes épocas, 

essas atividades são vistas ora como percepções de mundo divergentes, ora como perspectivas complementares. 

No início do Renascimento, arte e ciência compartilhavam o mesmo terreno: na perspectiva, regras de projeção 

geométrica definem o espaço da pintura.

Agora o Sol se deita, 

sombras se levantam gigantescas. 

Logo, logo tudo é sombra. 

Poemas Haikai/ tomas tranströmer 

Você prefere a chegada do dia ou o cair da 

noite? Com qual deles você se identifica? Esses 

momentos trazem diferentes lembranças. 

As sensações decorrentes dessas lembranças 

são filtradas e registradas pela sensibilidade 

do artista. É ele que, combinando 

intuição, análise, realidade e simbolismo, 

abre caminhos para diferentes percepções, 

transformando nosso comportamento e 

nossa visão de mundo. 

Podemos rejeitar ou nos sentir atraídos por 

uma obra de arte. Mas, qualquer que seja a 

nossa reação, a inquietude que a obra provoca 

nos leva a pensar e a rever nossos próprios 

conceitos. 

Desse modo, ao vivenciarmos um trabalho 

artístico, são as nossas impressões que 

completam seu sentido. 

O artista não é o único a concluir 

o ato de criação, porque o espectador 

estabelece o contato da obra com o 

mundo exterior, decifrando e 

interpretando suas qualidades 

profundas e assim juntando sua 

própria contribuição ao 

processo criativo. 

Marcel Duchamp 

A dualidade dia/noite está fora e dentro de 

cada um de nós. Saber aceitar e se permitir 

rejeitar diferentes aspectos desses opostos 

são atitudes que facilitam o encontro de 

uma existência em equilíbrio. 

11 . Vincent van Gogh. O Vinhedo Vermelho (detalhe), 1888. 

12 . Vincent van Gogh. A Noite Estrelada (detalhe), 1888. 

Muitas pessoas buscam e encontram na arte 

o ponto de equilíbrio para suas vidas. 


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O artista Arthur Bispo do Rosário, na reclusão, 

aprendeu a ver, a sentir e a expressar o escuro 

que abrigou a sua criação. 

Ele criou assemblages, bordados, trajes e 

o extraordinário Manto da Apresentação, 

obras que o colocam no patamar de qualquer 

grande artista de vanguarda. 

É importante lembrar que Bispo nunca teve 

intenção de ser artista, e sim procurar a luz, 

na escuridão, através de sua arte. 

Dizem que o que eu faço é arte, 

mas é minha salvação na Terra. 

Arthur Bispo do Rosário 

A sabedoria popular, muitas vezes, cria 

formas simbólicas para lidar com os contrastes 

da vida humana, de uma maneira 

crítica, saudável, alegre e carregada de 

muito humor. 

Em Pernambuco, na brasileiríssima cidade 

de Olinda, os bonecos gigantes do Homem 

da Meia-Noite e da Mulher do Meio-Dia expressam 

a magia dessa dualidade que encanta 

e encantará o ser humano através dos 

14 . Página à esquerda: Um exemplo de assemblage — Robert Rauschenberg. Cama, 1955. 

tempos. Esses personagens fazem parte da 

cultura local e trocam de roupa todos os 

anos, exibindo aspectos significativos da 

tradição nordestina. 

São doze em ponto 

E a Lua cheia clareia os quatro cantos 

Para ver quem vem passar 

É o homem da Meia-Noite que vem 

Vestindo fraque e colete 

Gigantes pernas de pau 

Dançando na multidão 

Alceu Valença 

13 . Arthur Bispo do Rosário. Manto da Apresentação, sem data. 

ARTHUR BISPO DO ROSÁRIO 

(Japaratuba, SE, 1911 – Rio de Janeiro, 1989) 

Bispo do Rosário produz a maior parte de sua obra em um hospital psiquiátrico do Rio de Janeiro. Tomando por base 

utensílios comuns (canecas de metal, botões, colheres, madeira, etc.), ele faz uma espécie de inventário do mundo para 

apresentar a Deus no dia do Juízo Final, quando, como representante dos homens e das coisas, ele vestiria seu Manto 

da Apresentação. Reconhecida no Brasil no início dos anos 1980, sua obra ganha reconhecimento internacional na 

Bienal de Veneza de 1995. 

ASSEMBLAGES 

Arranjo tridimensional de materiais heterogêneos, artísticos e/ou não artísticos que sugere ruptura de limites entre arte 

e vida cotidiana. “Assembler” em francês significa “juntar, reunir”. Uma assemblage reúne elementos díspares que 

mantêm seus sentidos originais no interior do conjunto final. O procedimento passa a ser empregado nos anos 1950 

e 1960 por artistas como Jean Dubuffet, Robert Rauschenberg, Jean Tinguely, Rubens Gerchman e Wesley Duke Lee. 


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15 . Homem da Meia-Noite no carnaval de Olinda, Pernambuco. 16 . Bloco de rua no carnaval de Olinda, Pernambuco. 

Acompanhados por uma orquestra de frevo, 

típica do estado de Pernambuco, e saudados 

pelos fogos de artifício, o Homem da Meia- 

-Noite e a Mulher do Meio-Dia percorrem as 

históricas ladeiras olindenses, ano após ano, 

desde o século passado, arrastando multidões 

para abrir e fechar o carnaval da cidade. 

Varei o dia, 

revirei a noite 

Clareou de novo 

e eu ficando lá... 

Frevo de Itamaracá / Edu lobo 

O ser humano nasce com a capacidade de 

descobrir, de ousar e de enfrentar desafios, 

sem medo do novo. 

As dualidades, no nosso interior, confrontam 

sentimentos e emoções, pondo à prova nosso 

potencial para transgredir e transformar 

luzes e sombras. 

Nessa busca, é importante caminhar junto 

com o arteiro que habita cada um de nós. 

O céu e o inferno, o bem e o mal, 

a luz e as trevas integram as 

contingências humanas em genes 

perpétuos, em que seres de um 

gênero se transformam em espécies 

de outro, abrindo as cortinas de 

um fabuloso teatro alquímico de 

onde surgirão Goyas, Klees, Kafkas 

e Garcias Márquez. 

israel Pedrosa 

ORQUESTRA DE FREVO 

O carnaval pernambucano tem sua música e dança próprias e originais. Surgido nas ruas do Recife, o frevo tem 

características singulares, tais como o bailado de passos acrobáticos e a inconfundível sombrinha. O frevo apresenta 

as variedades frevo de rua, frevo-canção, frevo de bloco. A orquestra de frevo é um grupo musical que acompanha 

e anima os foliões. Uma orquestra de frevo conta com integrantes distribuídos entre os instrumentos: trombone, 

trompete, saxofone, surdo, bombo, tarol e outros.

E mudam as estações... 

Por seres tão inventivo 

E pareceres contínuo 

Tempo tempo tempo tempo 

És um dos deuses mais lindos 

Tempo tempo tempo tempo... 

Oração ao Tempo / Caetano Veloso 

Na Antiguidade, os sábios, os mitos e a religião 

tentaram explicar o grande enigma do 

espaço celeste. 

De onde viemos? Para onde vamos? 

17 . Albrecht Dürer. Mapa Celeste do Hemisfério Norte, c. 1515. 

A Terra já foi considerada o centro de 

tudo, o “Umbigo do Universo”. A partir do 

Renascimento, com as grandes descobertas 

e as invenções científicas, o Sol ocupa seu 

lugar de destaque, estrela respeitada por 

todos os planetas; e a percepção da Terra, 

pelo homem, se transforma, adquirindo novas 

representações. 

Surgem mapas que combinam arte e ciência 

e que são verdadeiras obras-primas, 

como as xilogravuras do hemisfério norte, 

feitas pelo artista alemão Albrecht Dürer, 

que foram publicadas em 1515. 

18 . Johannes Vermeer. O Astrônomo, 1668. 

RENASCIMENTO 

Grande movimento cultural que se origina no Mediterrâneo europeu em meados do século XIV e expande-se 

pela Europa e pelo Novo Mundo até fins do século XVI. O termo refere-se ao renovado interesse por formas 

da Antiguidade clássica como verdadeira fonte da beleza e do saber. O Humanismo, com a revalorização do 

homem e de sua ilimitada capacidade de desenvolvimento, está na base do movimento, que se caracteriza 

por maior conhecimento da arte, filosofia e literatura antigas e pelo progresso científico e técnico. Observa-se 

então crescente prestígio da pintura, escultura e arquitetura, que passam a ser compreendidas como atividades 

intelectuais, e não meramente mecânicas. Do mesmo modo, o artista ganha novo estatuto social e cultural, sendo 

considerado um criador dotado de inteligência e dignidade. 


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E o esplendor dos mapas, 

caminho abstrato para a imaginação concreta, 

letras e riscos irregulares abrindo para 

a maravilha. 

O Esplendor / Álvaro de Campos 

Em seu giro em torno do Sol, a Terra reverencia 

o astro rei, fonte de luz e de calor. Ela 

se inclina, rodopia, exibindo toda a beleza 

azul do planeta que encantou o astronauta. 

Nessa ciranda, a Terra não vai sozinha e, 

durante um ano, junto com outros planetas, 

brinca em um movimento chamado translação. 

Inclinando-se para o Sol, a Terra vaidosa 

muda sua roupagem, de acordo com o aquecimento 

maior ou menor dos raios solares. 

Surgem as estações do ano, e, em cada uma 

delas, a natureza cria cenários próprios para 

o desfile da vida. 

São cores, sons, cheiros e sabores que provocam 

sensações diferentes, estimulando nossa 

imaginação. As mudanças das estações sinalizam 

que tudo na vida tem um tempo. 

Batidas na porta da frente 

é o tempo... 

Resposta ao Tempo / Cristóvão Bastos e Aldir Blanc 

Tempo romântico para as flores, a construção 

dos ninhos e o namoro dos animais. 

Borboletas e abelhas voam de flor em flor 

em busca do néctar. É uma época agradável 

com temperaturas amenas. 

Tempo para o calor, a alegria fervendo no ar, 

os dias bem longos e as noites curtas. A felicidade 

das cores que vibram com a luz do Sol 

se unindo à algazarra das férias escolares. 

Tempo gostoso para as frutas maduras e as 

folhas de todos os tamanhos e cores que 

caem e cobrem o chão das ruas, dos parques 

e dos jardins; dias mais curtos e mais frescos. 

Tempo para o sonho e o recolhimento, com períodos 

de frio intenso, dias curtos e noites longas. 

Alguns animais hibernam, e o homem também 

prefere ficar em casa, no calor das cobertas. 

A Terra se prepara para uma nova primavera, e, 

então, o que seria o fim precede o recomeço. 

19 . Sandro Botticelli. 

Primavera, 1477. 

20 . Página à direita: Sandro Botticelli. Primavera, 1477 (detalhe).

As quatro estações: primavera, verão, outono 

e inverno alternam-se durante o ano, 

atendendo a necessidades vitais dos seres 

que habitam o nosso planeta. 

Atividades como a agricultura e a pecuária estão 

diretamente relacionadas às estações do 

ano, que também determinam os tipos de vegetação 

e o clima de todas as regiões da Terra. 

As antigas civilizações sempre tentaram explicar 

os fenômenos cíclicos da natureza, 

unindo imaginação e realidade, através de 

diferentes expressões artísticas. Era comum, 

na tradição oral, as forças da natureza adquirirem 

formas humanas. 

Na mitologia romana, Ceres é a deusa da terra 

cultivada, das colheitas e das estações do 

ano. Desde aquela época, era realizado um 

festival na primavera em sua homenagem. 

Na mitologia grega, Ceres é representada 

como Deméter. 

Uma interessante lenda simboliza a influência 

dessa deusa no ciclo anual da colheita. 

Deméter teve uma filha, Perséfone, com Zeus. 

Perséfone foi raptada por Hades, senhor do reino 

subterrâneo da Terra. Zeus ordenou que Hades devolvesse 

Perséfone. Mas, como ela havia comido 

uma romã, estava ligada a Hades, não podendo 

ficar totalmente livre. 

Estabeleceu-se um acordo: Perséfone passaria 

uma parte do ano no mundo subterrâneo. Nesse 

período, a mãe Deméter, entristecida, deixava 

os campos áridos no verão, antes das chuvas de 

outono, que, novamente, tornavam o solo fértil. 

Deméter representava a terra cultivada, de 

onde nascia Perséfone, a semente que brota 

periodicamente. 

O rapto de Perséfone, filha de Ceres, foi 

celebrado por poetas como Ovídio e também 

serviu de inspiração para diversos 

pintores do Renascimento, época em que 

foram revividos os ideais da antiga cultura 

greco-romana. 

21 . Luca Giordano. 

Rapto de Perséfone, 1684-1686. 

MITOLOGIA 

Elemento característico das mais diversas culturas, o mito é uma forma de expressão do ser humano em sua 

perplexidade diante do mundo. Mitologia é o conjunto de mitos ou narrativas simbólicas transmitidos ao longo do 

tempo, dentro de um grupo social, por tradições orais ou escritas que explicam a origem de determinados fenômenos, 

seres, costumes sociais, etc. 

22 . Página à esquerda: François Girardon. O Rapto de Proserpina, 1677-1699. 


25


26 

As estações do ano são temas recorrentes 

em diferentes lugares e épocas, traduzidos 

nos modos de viver do homem e representados 

nas mais diversificadas formas de arte. 

As antigas tribos de pastores hebreus já comemoravam 

a festa da primavera com o ressurgimento 

do pasto para os rebanhos e o 

nascimento das novas ovelhas. 

A chegada do ano novo lunar na China é 

marcada pelo festival da primavera, quando 

o povo expressa sua alegria, enfeitando 

ruas, parques, lojas e casas com lanternas 

vermelhas, flores e fitas coloridas. 

No Nordeste brasileiro, São José é o patrono 

da boa colheita. A crença popular associa as 

chuvas no dia do santo (19 de março) a um 

sinal de que a colheita do ano será farta. 

O tema das quatro estações já surgiu no 

carnaval carioca, como um enredo denominado 

Cântico à Natureza, da Estação Primeira 

de Mangueira. 

Brilha no céu o astro rei 

com fulguração, 

abrasando a Terra, 

anunciando o verão... 

As Quatro Estações do Ano / Nelson Sargento, 

Jamelão e Alfredo Português 

Os ciclos da natureza, no giro da Terra, mostram 

a continuidade, a renovação e a força da vida. 

Sempre quis que minhas obras 

tivessem a leveza e a alegria 

da primavera. 

Matisse 

Cada um de nós elege uma estação preferida. 

Corpo e mente sofrem influências das 

forças climáticas. E, assim como a Terra, mudamos 

as roupagens externas e as internas 

que se inter-relacionam no nosso modo particular 

de ser e de viver. 

As estações do ano interferem também no 

ciclo da moda. As criações seguem tendências 

e estilos ligados às coleções primavera- 

-verão e outono-inverno. 

A moda, intimamente associada ao conceito 

de mudança, está em constante metamorfose. 

Mudam as estações, mudam também os 

estilos, os tecidos, as cores, as padronagens, 

os acessórios, os modelos. 

A razão de termos uma paixão 

universal por adornos... é que 

desejamos ser, além de obras 

da natureza, obras de arte. 

Nancy Etcoff 

Como as roupas podem ser obras de arte? 

23 . Yves Saint Laurent. Vestido Mondrian, 1965.

24 . Piet Mondrian. Composição Losangular com Vermelho, 

Preto, Azul e Amarelo, 1925. 

Ao longo da história do homem, essa ideia 

germinou e deu origem a uma série de produções 

estilísticas inspiradas em obras de 

artistas plásticos como Van Gogh, Monet, 

Bispo do Rosário e Mondrian. 

O designer ou estilista cria “uma arte que 

se veste”, registrando nela o que imagina 

tornar real a sociedade e seu tempo. 

A moda é a transmissão da civilização. 

Pierre Cardin 

Figurinos para peças de teatro, filmes, shows 

e clipes musicais nos situam em relação 

ao local, ao clima e à época onde ocorrem, 

compondo personagens em suas vivências. 

Afinal, para que serve a arte? 

Podemos dizer que a arte é uma forma de 

interpretação e representação do mundo. 

Ela vem para provocar, sacudir os hábitos, 

transformando ideias e conceitos. 

A arte, independentemente da época em que 

foi feita, torna-se atemporal quando nos sensibiliza, 

parecendo estar viva dentro de nós. 

Tudo para mim é hoje e agora. 

Eu ouço obras do Pixinguinha e sei 

que elas foram feitas no século 

passado. Eu vivo aquilo. Ela não só 

me emociona, mas é como se fizesse 

parte do meu ser. Esse tempo é o 

tempo da minha vida. 

Paulinho da Viola 

Através dos tempos, o processo vital da natureza 

é uma das fontes de inspiração que alimentam 

diferentes linguagens artísticas, sempre 

conservando a essência da criação individual. 

As quatro estações serviram de tema a vários 

artistas. Entre os nomes que mais se 

destacaram, está o compositor de música 

italiana barroca Antonio Vivaldi. 

PIET MONDRIAN 

(Amersfoort, 1872 – Nova York, 1944) 

Pintor e teórico holandês, Mondrian é talvez quem mais contribuiu para a formulação da abstração concreta na arte 

moderna. É mentor intelectual do Neoplasticismo, movimento de vanguarda que chega a uma nova concepção da forma 

através da redução das múltiplas formas e cores da natureza a planos, linhas (horizontais e verticais) e cores (primárias, 

preto e branco). Essa compreensão racionalista e abstrata da forma se estende para o design, a arquitetura e a moda. 

ANTONIO VIVALDI 

(Veneza, 1678 – Viena, 1741) 

Compositor e maestro, foi autor de numerosas obras, tais como óperas e consertos, consagrando-se pela série As 

Quatro Estações. Foi ordenado padre, porém dedicou-se quase completamente à música. Apesar do seu prestígio, 

terminou a vida sem recursos e em esquecimento por dois séculos. Seus originais, vendidos a particulares após sua 

morte, foram redescobertos somente no século XX, quando sua obra voltou a ser reconhecida. 


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28 

A obra de Vivaldi As Quatro Estações, com sua 

riqueza melódica, consegue transportar o ouvinte, 

convidando os sentidos a uma viagem. 

Vivaldi, buscando completar a experiência sensorial 

de seus músicos e da plateia, acrescentou 

ao trabalho a exibição de pinturas e sonetos, 

relacionando música, arte visual e poesia. 

Que a arte nos aponte uma resposta, 

mesmo que ela não saiba. 

E que ninguém a tente complicar 

porque é preciso simplicidade 

para fazê-la florescer. 

Porque metade de mim é a plateia 

e a outra metade, a canção. 

Metade / Ferreira Gullar 

25 . Giuseppe 

Arcimboldo. 

Outono, 1572. 

26 . Giuseppe 

Arcimboldo. 

Verão, 1563. 

Assim como Vivaldi na música, o pintor italiano 

Giuseppe Arcimboldo criou uma série de 

obras plásticas inspiradas nas quatro estações. 

Esses trabalhos distinguem-se das representações 

características de sua época, pois 

são retratos feitos tomando-se por base a 

combinação de objetos, frutas, verduras, 

flores e legumes, típicos de cada estação, 

com roupas e paisagens que variam de acordo 

com o clima. 

27 . Giuseppe Arcimboldo. Inverno, 1563. 

28 . Giuseppe 

Arcimboldo. 

Primavera, 

1563. 

Como podemos observar, o clima fertilizou 

ideias, fazendo desabrochar criações geniais 

ao longo da história.

Não sei que paisagista doidivanas 

Mistura os tons... acerta... desacerta... 

Sempre em busca de nova descoberta, 

Vai colorindo as horas quotidianas... 

Jogos da luz dançando na folhagem! 

Do que eu ia escrever até me esqueço... 

Pra que pensar? 

Também sou da paisagem... 

A Rua dos Cata-Ventos / Mario Quintana 

Durante as estações do ano, a luminosidade 

do sol modifica o colorido das paisagens, 

produzindo efeitos diferentes de cor e de luz 

em um mesmo dia. 

Os pintores impressionistas observaram detalhadamente 

essas transformações, estabelecendo 

mudanças em seu modo de pintar e 

no colorido de suas palhetas. 

29 . A Catedral de Rouen (França). 

As estações, que, até então, eram representadas 

de forma simbólica ou alegórica, passam 

a surgir, nas pinturas impressionistas, 

com uma nova visão. 

O pintor francês Claude Monet, um dos precursores 

desse estilo, retratava um mesmo 

motivo diversas vezes, explorando as variações 

luminosas nas paisagens, nas árvores, 

nos rios, nas pessoas. 

O encanto que sentia pela luz e sua ousadia 

em representá-la intensamente fizeram 

dele um dos mais importantes artistas 

desse movimento. 

Um clássico da persistência de Monet em representar 

os efeitos da luz é a série de pinturas 

realizadas pelo artista mostrando as 

modificações nas cores da construção da Catedral 

de Rouen durante o passar das horas. 

Os impressionistas, querendo captar os 

momentos efêmeros da vida, pintavam rapidamente, 

pois o sol logo mudava de posição, 

alterando todas as sombras, as luzes 

30 . Claude Monet. A Catedral 31 . Claude Monet. A Catedral 32 . Claude Monet. A Catedral 

de Rouen (O Portal, Efeito de Rouen (O Portal ao Sol), de Rouen (Pôr do Sol), 

da Manhã), 1894. 

1894. 

1894. 

IMPRESSIONISMO 

Movimento artístico constituído na Paris da segunda metade do século XIX por grupo de pintores insatisfeitos 

com as regras acadêmicas de arte. Na busca de experiência direta e imediata da realidade, eles registram motivos 

cotidianos, muitas vezes dedicando-se à pintura ao ar livre (plein air). Notas cromáticas puras são inseridas na 

tela com pinceladas rápidas, leves e imprecisas, sendo percebidas pelo espectador em sua mistura óptica. 


29

e as cores. É também a primeira vez que 

Monet, Renoir, Degas e outros artistas da 

época começam a sair dos ateliês para pintar 

ao ar livre. 

33 . Pierre-Auguste Renoir. Duas Irmãs (no Terraço), 1881. 

34 . Edgar Degas. Aula de Balé, 1879-1880. 

CLAUDE MONET 

(Paris, 1840 – Giverny, 1926) 

Um dos mais característicos representantes do Impressionismo ao manter-se fiel às impressões resultantes da experiência 

direta da realidade. Sua pintura se destaca por explorar a qualidade da luz e da cor que mudava em diferentes 

condições atmosféricas e em várias horas do dia. 

PIERRE-AUGUSTE RENOIR 

(Limoges, 1841 – Cagnes, 1919) 

Um dos principais expoentes do Impressionismo. Aborda variados temas através de um modelado de cores brilhantes. 

Pinta com pequenos toques de cores puras que, percebidas isoladas ou unidas às outras, produzem efeito que consiste 

na própria luz que emana do quadro. 

EDGAR DEGAS 

(Paris, 1834 – 1917) 

Pintor que mantinha afinidades e diferenças com os impressionistas: justapunha pinceladas de tinta ou pastel, mas 

pouco pintava ao ar livre ou diante do motivo. Preferia temas urbanos e a luz artificial. Atento às cenas cotidianas, 

buscava enquadrá-las com ênfase na análise do movimento. 

36 . Página à esquerda: Claude Monet. Vétheuil no Verão, 1880 (detalhe). 

35 . Claude Monet. Mulher com uma Sombrinha, 1875. 

O colorido do mundo está em nós. 

israel Pedrosa 

No final do século XIX, a pintura brasileira se 

enriquece com o colorido impressionista trazido 

da Europa. Essa mudança chega mais 


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32 

clara na obra de Eliseu Visconti, que inova no 

uso da cor na pintura de paisagens, nas cenas 

cotidianas e em retratos. Seu aprendizado 

na França e suas pesquisas no contato direto 

com a natureza, na pintura ao ar livre, são fundamentais 

para compor as decorações que faz 

para o Theatro Municipal do Rio de Janeiro. 

As características das quatro estações podem 

ser relacionadas com as fases da vida 

do homem na Terra. O início da caminhada 

na primavera, a energia do verão na adolescência, 

os frutos do outono que chegam com 

a maturidade e a sabedoria de uma velhice 

cultivada no aconchego do inverno. 

Nós somos mutantes como as estações do 

ano. Sazonais como a natureza, temos nossos 

momentos de inverno e de verão, comportamentos 

outonais e primaveris. 

A natureza está, constantemente, nos enviando 

mensagens. É necessário percebê-las, senti-las 

e interpretá-las. 

Monet, Vivaldi e Arcimboldo são exemplos 

de artistas sintonizados de tal forma com a 

natureza que deixaram germinar as sementes 

de um espírito arteiro, em obras instigantes e 

revolucionárias, modificando os caminhos da 

arte através dos tempos. 

O mundo se encurta, o tempo se dilui: 

o ontem vira agora; o amanhã já está 

feito. Tudo muito rápido. 

Paulo Freire 

37 . Eliseu Visconti. Plafond (teto sobre a plateia) do Theatro 

Municipal do Rio de Janeiro (detalhes), 1908. 

ELISEU VISCONTI 

(Vila de Santa Catarina, Itália, 1866 – Rio de Janeiro, 1944) 

Pintor e desenhista italiano, Visconti inicia formação artística no Rio de Janeiro (Liceu de Artes e Ofícios e Academia Imperial 

de Belas Artes). Sua pintura participa do processo de modernização da arte no Brasil e se abre a tendências internacionais 

da passagem do século XIX para o XX – Art Nouveau, Simbolismo e Impressionismo. Atento à relação arte-indústria, ele 

projeta objetos em ferro, cerâmica, estamparia de tecidos, etc. Decora também o Theatro Municipal do Rio de Janeiro.

Conhecimentos em arte 

• Os efeitos da cor, luz e sombra na natureza 

e em diferentes horas do dia. 

• A descoberta e o uso do claro-escuro 

na pintura renascentista. 

• As variações da técnica de claro-escuro. 

• O Impressionismo e principais artistas 

representantes. 

• O designer de moda e a influência das 

estações climáticas nos figurinos. 

ARTiculando em sala de aula 

Professor(a), com base no texto lido, sugerimos 

algumas atividades para propor aos 

alunos: 

• Observar as áreas de luz e sombra 

dos objetos. 

• Fazer desenhos com efeitos de luz 

e sombra. 

• Selecionar e fazer releituras de obras 

artísticas que usaram o dia, a noite e 

as estações do ano como tema. 

• Fotografar ou desenhar a mesma cena 

vista de dia e de noite. 

• Utilizar a técnica de colagem em composições 

com papéis pretos e brancos 

(negativo e positivo), alternando configurações 

de forma e fundo. 

• Analisar e comparar registros do dia e 

da noite e da natureza nas estações 

do ano, em diferentes linguagens 

artísticas (músicas, poesias, narrativas 

– como lendas –, fotografias, 

pinturas, teatro). 

• Observar obras de pintores impressionistas 

e as transformações colorísticas 

das paisagens pintadas em diferentes 

horas do dia. 

• Propor atividades ao ar livre, observando 

o efeito das cores e da luz na natureza 

e fazendo registros de forma criativa. 

• Fazer pinturas com pequenas pinceladas 

de cores primárias e secundárias 

para obter efeitos semelhantes à técnica 

impressionista. 

38 . Vincent van Gogh. O Vinhedo Vermelho, 1888 (detalhe). 

• Observar a obra O Vinhedo Vermelho 

em Arles (1888), de Van Gogh, e realizar 

experiências, com base em um mesmo 

desenho, representando o dia e a noite. 

Utilizar efeitos de diferentes usos das 

cores: as sensações de frio ou calor, 

proximidade ou afastamento provocadas 

por suas combinações. 

• Perceber como os temas “dia e noite” e 

“estações do ano” são trabalhados por 

vários artistas e diferentes técnicas. 

• Fazer desenhos de padronagens para tecidos, 

apresentando variações em suas 

cores, inspiradas nas diferentes estações. 

• Criar estilos de roupas diferentes para 

cada estação do ano. 


33


34 

Para visitar 

instituto Moreira Salles – Centro cultural que realiza exposições, palestras, shows, 

sessões de cinema e eventos. 

Endereço: Rua Marquês de São Vicente, 476, Gávea. 

Tel.: (21) 2274-2149. 

observatório Nacional – Instituição de pesquisa, ensino e prestação de serviços 

tecnológicos na área de astronomia. 

Endereço: Rua Gal. José Cristino, 77, São Cristóvão. 

Tel.: (21) 3878-9100. 

Planetário da Gávea – Instituição que desenvolve projetos culturais de ciência 

e astronomia. 

Endereço: Rua Vice-Governador Rubens Berardo, 100, Gávea. 

Tel.: (21) 2274-0046. 

Senai/Cetiqt – Centro de formação profissional para o setor têxtil, estudo de 

Moda e Design. 

Endereço: Rua Magalhães Castrim, 174, Sampaio. 

Tel.: (21) 2582-1000. 

theatro Municipal do Rio de Janeiro – Inaugurado em 1909, com arquitetura 

inspirada na Ópera de Paris, possui coro, orquestra sinfônica e uma companhia 

de balé. Sua decoração apresenta obras de arte de autoria de Rodolfo Amoedo, 

dos irmãos Bernardelli e de Eliseu Visconti. 

Endereço: Avenida 13 de Maio, 33, Centro. 

Tel.: (21) 2332-9123.

No giro da Terra, preservar, 

mudar, transformar 

Aqui encontrei meu lugar 

Anda, quero te dizer nenhum segredo 

Falo desse chão, da nossa casa, 

vem que tá na hora de arrumar. 

O Sal da Terra / Beto Guedes e Ronaldo Bastos 

O mundo que habitamos é o encontro de 

nossas referências, pessoais e sociais, com 

os estímulos externos a que somos expostos. 

O ambiente que nos abriga causa sensações 

às quais reagimos com múltiplas combinações 

de ideias e respostas, que nos levam à 

necessidade de criar, recriar, inventar e modificar 

o espaço. 

As formas, individuais e coletivas, de apreensão 

do mundo e a necessidade de interpretar 

e expressar pensamentos estão presentes 

em todas as culturas. 

O homem é um “ser de encontro”; 

constitui-se, desenvolve-se e se 

aperfeiçoa encontrando-se com 

realidades de seu meio ambiente 

que em princípio lhe são distintas, 

distantes, externas e estranhas. 

Estética / Alfonso lópez Quintás 

39 . Iole de Freitas. 

Dora Maar na Piscina, 1999. 

No giro da Terra, preservar, mudar, transformar 

35 35


36 

Qual o lugar que ocupamos no mundo? 

Cada espaço guarda em si a história e a identidade 

do grupo social que dele faz parte. 

Meio ambiente é tudo o que nos rodeia, inclusive 

nós mesmos e nossas criações. Não é algo abstrato, 

idealizado e distante do nosso cotidiano. 

A todo instante, nos deparamos com múltiplas 

realidades que precisam ser discutidas, pois 

fazem parte do ecossistema como um todo. 

A utilização de nossa capacidade para sentir, 

perceber e conhecer o meio ambiente amplia 

a necessidade de explorar e representar o 

mundo, constituindo, assim, a cultura local. 

As coisas estão no mundo, 

eu é que preciso aprender. 

Coisas do Mundo, Minha Nega / Paulinho da Viola 

Em lugares e tempos diferentes, aliando a 

intenção e o gesto criador, os artistas falaram 

da natureza à sua volta, de seus sonhos, 

seus desejos, suas esperanças, sua 

realidade, sua cultura. 

A natureza é fonte de inspiração da canção brasileira, 

em vários momentos, por várias décadas. 

O compositor baiano Dorival Caymmi consegue 

aproximar o homem e a natureza por 

meio de suas canções. 

Vamos chamar o vento 

Vento que dá na vela 

Vela que leva o barco 

Barco que leva a gente 

Gente que leva o peixe 

Peixe que dá dinheiro, Curimã 

O Vento / Dorival Caymmi 

Como extensões dos fenômenos da natureza, 

as canções de Caymmi nos convidam 

a ver o mar, a sentir o vento, a ouvir as 

ondas quebrando, a ver o brilho do sol e o 

balançar dos coqueiros. 

Será que a natureza tem alma 

de artista?... Haverá uma analogia 

entre a natureza e o espírito humano? 

Serão os homens apenas a natureza 

tomando consciência de si? 

Rubem Alves 

Podemos dizer que tanto a natureza quanto 

a sua representação artística não têm limite. 

São exemplos dessa liberdade expressiva 

as paisagens surrealistas de Magritte e 

a dramaticidade lírica do Lago dos Cisnes 

de tchaikovsky. 

PIOTR ILITCH TCHAIKOVSKY 

(Votkinsk, 1840 – São Petersburgo, 1893) 

É um dos mais populares compositores da música clássica e considerado o maior compositor romântico da Rússia. Aos 

23 anos, deixou a profissão de advogado para dedicar-se inteiramente à música. Produziu diversas sinfonias, mas foi o 

balé que lhe deu a unanimidade de público e de crítica. Com O Lago dos Cisnes, A Bela Adormecida e O Quebra-Nozes, 

conseguiu atribuir uma grandeza ao gênero, até então visto com inferioridade.

Esses artistas preferiram visitar seus sonhos, 

embelezando e transformando o mundo, 

para nos fazer também sonhar e inventar 

outras realidades, criar projetos e soluções 

para melhorar a condição humana. Essa é 

uma das razões de ser da arte. 

40 . René Magritte. A Condição Humana, 1933. 

Não devemos ter medo de inventar 

seja o que for. Tudo o que existe em 

nós existe também na natureza, pois 

fazemos parte dela. 

Pablo Picasso 

A arte é indispensável e um constante exercício 

de liberdade. 

Alguns artistas buscaram, em suas formas 

de expressão, uma parceria efetiva com 

a natureza. 

A pintora brasileira Cristina Oiticica fez a 

experiência de deixar que seus trabalhos 

secassem expostos à ação do tempo e descobriu 

que o pó, a terra, as folhas e alguns 

insetos haviam-se integrado à tela. 

A artista começou essa técnica pintando nas 

florestas, nos vales e nas montanhas dos Pireneus, 

na França. O resultado do trabalho virou 

o livro As Quatro Estações. Entre 2004 e 2005, 

Cristina enterrou várias telas na Floresta Amazônica 

e esperou um ano para desenterrá-las. 

A floresta úmida e equatorial deixou suas marcas. 

Geralmente, as telas ficam na terra pelo período 

de nove meses (o ciclo de uma gestação) 

ou por um ano (o ciclo das quatro estações). 

Assim, a artista consegue uma participação 

singular do meio ambiente, que interfere 

nas obras, deixando a impressão digital da 

própria natureza. 

Quando deixo meus trabalhos nos campos, 

nas florestas, nos leitos dos rios, 

ele não somente capta o elemento físico, 

espacial, mas o elemento energético. 

Quando ele está na natureza, vai-se identificando, 

e ela vai reagir a esse corpo. 

Cristina oiticica 

RENÉ FRANÇOIS MAGRITTE 

(Lessines, 1898 – Bruxelas, 1967) 

Pintor, desenhista, gravador e fotógrafo belga, Magritte produziu imagens espirituosas ao retratar objetos cotidianos 

em locais inesperados. Um dos maiores representantes do Surrealismo, o artista se distingue pela figuração realista 

de objetos, capaz de gerar situações ao mesmo tempo estranhas e familiares. Propôs uma espécie de lógica do 

absurdo, enfatizada nas “pinturas de palavras”, capazes de desfazer a conexão que espontaneamente estabelecemos 

entre objetos, imagens e palavras. 


37 37

Os modos de buscar parcerias estéticas com 

o meio ambiente fazem parte dos ideais sociais 

de muitos artistas, para que suas obras 

sejam democraticamente contempladas por 

diferentes observadores, no dia a dia. 

Em diversas épocas e em vários lugares do 

mundo, chafarizes, esculturas e monumentos, 

expostos em praças e parques, são 

incorporados à paisagem urbana, dando 

identidade cultural e memória histórica ao 

espaço local. São exemplos no Brasil: o chafariz 

de Mestre Valentim, a estátua equestre 

de D. Pedro I, a Escultura para o Rio de 

Janeiro, o Passante, o Cristo Redentor e o 

Monumento aos Pracinhas, todos no Rio de 

Janeiro. Em Brasília, a escultura O Meteoro; 

em Salvador, a estátua de Castro Alves; em 

São Paulo, o Monumento às Bandeiras. 

Na Europa, podemos citar dois exemplos: a 

Fontana di Trevi, em Roma; e a Stravinsky 

Fountain, em Paris. Esta última, idealizada 

pelos artistas Niki de Saint Phalle e Jean Tinguely, 

é composta por 16 esculturas que representam 

a obra A Sagração da Primavera, 

do compositor Stravinsky. A harmonia entre 

a visualidade das esculturas e a música executada 

no ambiente estimula os sentidos, 

dando lugar ao prazer estético e ao encantamento 

proporcionado pelas obras. 

Os artistas usam a natureza como tema, 

como local para expor suas obras e como 

fonte de materiais plásticos. 

NIKI DE SAINT PHALLE 

(Neuilly-sur-Seine, 1930 – La Jolla, Califórnia, 2002) 

Francesa criada em Nova York, é uma das artistas internacionais que se destacaram usando a técnica do papel machê. 

Criou as Nanás (moças, em francês), esculturas que lhe deram fama. São grandes bonecas que representam o mundo 

feminino. A artista fez também esculturas da Praça Igor Stravinsky, em Paris. Com uma linguagem aparentemente 

infantil, trata de temas como a morte, o pensamento místico, os mistérios do destino, o mundo animal, o paraíso ou 

o inferno e o amor. 

IGOR STRAVINSKY 

(Oranienbaum, atual Lomonóssov, 1882 – Nova York, 1971) 

Compositor russo, estudou música desde os 9 anos, cursou a faculdade de Direito, mas não chegou a exercer a 

profissão. Em 1910, seu balé O Pássaro de Fogo, encenado em Paris, proporcionou-lhe o início da fama. Mas foi 

com A Sagração da Primavera (1913) que entrou para a história da música universal. Na década de 1930, foi morar 

na Europa e, com a Segunda Guerra, mudou-se para os Estados Unidos, onde fez uma brilhante carreira. 

43 . Página à esquerda: Niki de Saint Phalle e Jean Tinguely. Fonte Stravinski, Paris (detalhe). 

41 . Niki de Saint Phalle e Jean Tinguely. Fonte Stravinsky, 

1983 (Paris). 

No Instituto Cultural Inhotim, em Brumadinho, 

Minas Gerais, dentro dos domínios da 

Mata Atlântica, obras de arte contemporânea, 

de artistas nacionais e estrangeiros, ficam 

ao ar livre, em meio aos jardins, imersas na 

mata, no topo da montanha, sobre um espelho 

d’água e também em pavilhões especiais. 

42 . Cildo Meireles. Inmensa, 1982-2002. 


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40 

Inhotim é considerado o maior museu de 

arte contemporânea a céu aberto do mundo, 

onde a coexistência das obras em espaços 

abertos e fechados promove uma experiência 

singular de fruição da obra de arte. 

Outro exemplo de integração entre obras de 

arte e natureza é o Parque de Esculturas Felícia 

Leirner, em Campos do Jordão, São Paulo. 

O local reúne grandes esculturas de cimento 

branco feitas pela artista, que se distribuem 

pelos campos como mensagens enigmáticas. 

Jardins podem ser obras de arte? 

O contato com a natureza estimula o homem 

a reforçar os elos existentes entre ambos, por 

meio da criação de novos elementos estéticos. 

Assim, surgem, por exemplo, os jardins planejados, 

que estabelecem uma constante 

mediação com a paisagem existente, através 

de formas, cores, espécies e contrastes. 

Os Jardins Suspensos da Babilônia, considerados 

uma das sete maravilhas do mundo 

antigo, e os jardins do Palácio de Versalhes, 

na França, são exemplos de que a jardinagem 

teve lugar proeminente em todas as grandes 

civilizações ao longo da história. 

No século XX, Roberto Burle Marx foi um 

reformulador do paisagismo brasileiro. Tornou 

nossas cidades e nossas vidas muito 

mais belas e agradáveis. 

Um paisagista lê a vida de maneira 

florida e sombreada. Fazer um jardim 

é reler o mundo, reordenar o texto 

natural. E quando os jardineiros 

barrocos instalavam assombrosas 

grutas e jorros d’água entre seus 

canteiros estavam saudando as 

elipses do mistério nos extremos 

que são a pedra e a água, 

o movimento e a eternidade. 

Affonso Romano de Sant’Anna, 

em O Globo, 12/11/2000 

Ao planejar um jardim, ele considerava plantas, 

pedras, lagos, cursos, quedas d’água e 

a dinâmica dos animais que ali viviam. Respeitava 

os diversos tipos de ambiente e os 

elementos presentes, criando uma estética 

singular, na qual se destacavam a sinuosidade 

dos elementos e as manchas contínuas 

de cor. 

Burle Marx foi considerado o “poeta dos 

jardins”, pois seus projetos eram verdadeiras 

pinturas. Reunia plantas e flores com 

formatos, texturas e cores complementares 

que, entremeadas a painéis e esculturas, 

transformavam a paisagem em uma 

obra de arte. 

JARDINS SUSPENSOS DA BABILÔNIA 

Foram construídos no século VI a.C. por determinação de Nabucodonossor II, rei da Babilônia, inspirado, 

segundo historiadores do passado, por Semiramis, sua esposa preferida. Ela, deprimida, sentiria saudades de 

sua terra natal, de arredores montanhosos que contrastavam com o relevo plano e monótono da Babilônia. Os 

jardins eram uma construção monumental com seis grandes plataformas sustentadas por colunas que mediam, 

aproximadamente, de 25 a 100 metros. Não restou nenhum vestígio de sua existência. 

PALÁCIO DE VERSALHES 

Foi a principal residência da corte francesa e sede de governo durante mais de cem anos. Nele, ocorreram fatos 

importantes da Revolução Francesa. Em 1837, Luís Filipe transformou o palácio em museu. Depois, voltou a ser sede 

do Parlamento e, em 1875, foi o local escolhido para a proclamação da Terceira República. Lá, foram assinados 

importantes tratados, como o que pôs fim à Primeira Guerra Mundial. O palácio foi restaurado e modernizado durante 

a presidência de Charles de Gaulle e, juntamente com o parque, classificado Patrimônio Mundial pela Unesco em 1979.

Entendia a relação humana com a natureza, 

criando a possibilidade de, até hoje, penetrarmos 

em suas obras, quando passamos pelo 

Aterro do Flamengo ou pela Avenida Atlântica, 

no Rio de Janeiro; pelo Parque Ibirapuera, 

em São Paulo; ou pela Pampulha, em Belo 

Horizonte; além de dezenas de parques e jardins 

públicos que projetou mundo afora. 

Artista múltiplo, Burle Marx, além de seus 

projetos paisagísticos, criou pinturas, desenhos, 

gravuras, tapeçarias, esculturas, 

cerâmicas, cenografias, joias, sempre preocupado 

com a estética e os conceitos fundamentais 

da arte. 

44 . Burle Marx. Projeto paisagístico do Aterro do Flamengo, 1961. 45 . Burle Marx. Vista aérea do calçadão em mosaico 

português, 1970. 

46 . Burle Marx. Projeto paisagístico do Aterro do Flamengo, 1961. 

ROBERTO BURLE MARX 

(São Paulo, 1909 – Rio de Janeiro, 1994) 

Paisagista, arquiteto, botânico, desenhista, pintor, realizou importante obra paisagística, cujas formas orgânicas 

e sinuosas se integram à arquitetura moderna de Lucio Costa, Affonso Reidy, Oscar Niemeyer, entre outros. O 

estudo da paisagem natural brasileira é elemento fundamental de seus projetos, que incorporam espécies vegetais 

descobertas em excursões pelo cerrado, pela Amazônia e pelo sertão nordestino. 


41 41


42 

Roberto Burle Marx foi um humanista 

que, embora em consonância com a 

contemporaneidade, tinha raízes que 

bebiam nas fontes da Renascença. 

Sua atenção esteve sempre voltada 

para a capacidade de criar ou 

transformar o meio social. 

lucio Costa 

Para descobrir novas espécies de plantas, 

Burle Marx realizou expedições por diversas 

regiões do Brasil, como já haviam feito os 

artistas viajantes que, desde o século XVII, 

vieram da Europa para as terras brasileiras. 

Com a missão de documentar as novas regiões 

descobertas, holandeses e franceses 

registraram as paisagens tropicais, muitas vezes 

acentuando o caráter exótico e a cor local. 

47 . Albert Eckhout. 

Abacaxi, Melancias 

e Outras Frutas, sem 

data (detalhe). 

Durante o domínio holandês em Pernambuco, 

Maurício de Nassau trouxe “artistas repórteres” 

que documentaram a região. Frans Post 

registrou, em suas telas, edificações e fortificações, 

e Albert Eckhout pintou os habitantes locais 

e as frutas tropicais em naturezas-mortas. 

Artistas viajantes, como Rugendas e Debret, 

vieram também em expedições que percorreram 

nosso país, desenhando e pintando 

tudo o que encontraram de interessante. 

48 . Jean-Baptiste Debret. Uma Tarde na Praça do Palácio, 1826. 

Esses registros foram de grande importância 

para o conhecimento da flora e da fauna 

brasileiras. Os detalhados estudos desses 

artistas sobre o Brasil foram publicados, no 

século XIX, na França. 

A obra de Debret foi especialmente importante 

pela documentação histórica do cotidiano da 

vida carioca naquela época. Sensível observador, 

ele desenhou e pintou mais de 400 aquarelas, 

que, hoje, fazem parte do acervo do Museu 

da Chácara do Céu, no Rio de Janeiro. 

ALBERT VAN DER ECKHOUT 

(Groningen, c. 1610–c. 1666) 

Pintor e desenhista holandês, retrata fauna, flora e tipos humanos brasileiros durante o governo holandês em Pernambuco 

(1637-1644). Torna-se conhecido principalmente por nove retratos de indígenas, africanos e mestiços que então habitavam 

o Brasil e 12 naturezas-mortas com frutas e vegetais tropicais – um valioso grupo de imagens do Novo Mundo na época. 

JEAN-BAPTISTE DEBRET 

(Paris, 1768-1848) 

Pintor e desenhista francês, Debret chegou ao Brasil em 1816 com a Missão Artística Francesa, cujo objetivo foi promover o 

ensino artístico no país. Como pintor da corte, ele documentou os primeiros eventos da história do novo Estado. Também 

registrou em aquarelas fauna e flora brasileiras e o cotidiano de indígenas, homens livres, escravos e negros de ganho da 

sociedade colonial. Algumas delas foram litografadas e publicadas no livro Viagem Pitoresca e Histórica ao Brasil (1834-1839). 

49 . Página à direita: Jean-Baptiste Debret. Uma Tarde na Praça do Palácio, 1826 (detalhe).

A ilustradora botânica Margaret Mee foi uma artista 

viajante do século XX. De origem inglesa, 

mudou-se para o Brasil em 1952 e explorou durante 

30 anos as florestas tropicais brasileiras, 

principalmente a Floresta Amazônica, registrando 

a flora que encontrava nos ambientes visitados. 

Pintou orquídeas, bromélias, cactos e outras 

famílias botânicas com riqueza de detalhes, utilizando 

tinta guache com a técnica de aquarela. 

Também atuou como ativista ambiental, 

sempre pronta a denunciar a destruição da 

Floresta Amazônica, já naquela época. 

Os trabalhos de Margaret Mee ilustraram livros 

no Brasil e no exterior, deixando um precioso 

acervo para os estudiosos de botânica, 

que ainda utilizam a observação e a sensibilidade 

humana para retratar uma nova espécie, 

apesar dos recursos tecnológicos existentes. 

Eu sei que a minha morte não será o 

fim do meu trabalho. Aonde quer que 

eu vá, eu tentarei influenciar quem 

estiver destruindo nosso planeta, de 

modo que a Terra tenha uma chance 

de sobreviver. 

Margaret Mee 

51 . Página à esquerda: Flor amazônica pintada por Margaret Mee, 1977. 

50 . Margaret Mee. Flor da Lua (Selenicereus wittii), década 

de 1980. 

Para representarmos a natureza, precisamos 

copiá-la? 

No final do século XIX, o artista francês 

Henri Rousseau, de forma diferente dos pintores 

viajantes, não pintava fielmente a natureza. 

Mergulhava em sonhos simbólicos 

para criar suas florestas imaginárias. 

Apesar de ter estudado plantas e animais no 

Jardim Zoológico de Paris, interpretou a realidade 

com paisagens fantásticas, ingênuas, 

cheias de bichos estranhos e flores imensas. 

MARGARET MEE 

(Chesham, 1909 – Seagrave, 1988) 

Artista botânica inglesa, Mee contribuiu de modo significativo para os campos da ciência e da conservação ambiental. 

Especializou-se no registro de plantas nativas da Floresta Amazônica, algumas das quais não haviam sido até então 

identificadas. Preocupada com a proteção da região e de toda a sua flora, começou a incluir em suas ilustrações o 

habitat natural das espécies que desenhava, enfatizando a interdependência entre planta e ambiente. 

HENRI-JULIEN-ROUSSEAU 

(Laval, 1844 – Paris, 1910) 

Pintor francês autodidata, Rousseau produziu uma obra fora de padrões acadêmicos que foi valorizada pelos artistas 

modernos da Paris do início do século XX. Trabalhou vários temas, sendo mais conhecido por cenas imaginárias de 

selva inspiradas em cartões-postais, fotografias, jornais populares e visitas a zoológicos e jardins botânicos. São telas 

grandes, nas quais as figuras, fora de qualquer hierarquia, são dispostas no mesmo plano, estabelecendo estrutura 

formal característica de toda a arte moderna. 


45 45


46 

52 . Henri Rousseau. Paisagem Exótica, 1910 (detalhe). 

Seus quadros de acabamento meticuloso 

têm ar de mistério, com paisagens que parecem 

de outro mundo. 

Com características semelhantes, a pintora 

brasileira Marília Kranz cria uma obra contemporânea, 

na qual as paisagens parecem 

intocadas pelo homem. Silenciosas, tranquilas, 

delicadas e com luminosidade intensa, 

as formas simples da natureza surgem 

coloridas em tons pastéis. 

53 . Marília Kranz. Sem título, 1988. 

O mundo que Marília constrói retrata um 

meio ambiente que nos conforta. 

A essência da natureza é ser uma 

obra de arte liberta, fonte de criação 

da humanidade. 

O Museu de Arte Contemporânea de Niterói 

é um exemplo de que a liberdade plástica 

não tem limite, mesmo quando se utiliza 

um material rígido e pesado como o 

concreto armado. 

Em seu projeto arquitetônico, oscar Niemeyer 

conseguiu, segundo ele mesmo diz, 

fazer surgir uma flor, apoiada em um forte 

caule, emergindo de um espelho d’água. 

A flor vem da natureza e a ela se integra, 

compondo a paisagem da Baía de Guanabara. 

MARÍLIA KRANZ 

(Rio de Janeiro, 1937) 

Pintora, desenhista, gravadora e escultora brasileira, Kranz alcança em suas telas efeitos de translucidez ao fazer uso 

de tinta vinílica sobre lisos suportes de eucatex. O procedimento confere leveza cromática a formas geometrizadas que, 

inspiradas pela natureza, apresentam sensualidade e certo ar de sonho. 

OSCAR NIEMEYER 


Arquiteto brasileiro, Niemeyer é referência internacional no campo da arquitetura moderna. A partir das construções coloniais 

brasileiras e do funcionalismo do arquiteto Le Corbusier, ele desenvolve vocabulário próprio, baseado em curvas desenvoltas 

que fluem no espaço. Tira proveito das possibilidades plásticas do concreto armado no projeto de edifícios situados em todo 

o mundo. No Brasil, destacam-se edifícios de Brasília, como os Palácios da Alvorada, do Planalto e do Itamaraty. 

54 . Página à direita: Henri Rousseau. Numa Floresta Tropical, Combate entre Tigre e Búfalo, 1908/1909 (detalhe).


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55 . Museu de Arte Contemporânea (MAC), Niterói. 

A sinuosidade e as ondulações ambientais 

das paisagens brasileiras estão presentes 

nos jardins de Burle Marx, nas pinturas de 

Marília Kranz e na arquitetura de Niemeyer. 

Nos ensina a sonhar mesmo se 

lidamos com a matéria dura: 

o ferro o cimento a fome 

de humana arquitetura. (...) 

Oscar nos ensina 

que a beleza é leve. 

Lição de Arquitetura – 

para Oscar Niemeyer / Ferreira Gullar 

Cada um de nós, ao sentir-se parte da natureza 

e dela absorvendo todos os ensinamentos, 

a beleza e a perfeição que transmite, 

certamente conseguirá instigar o arteiro 

criativo, dando-lhe voz para encontrar nosso 

próprio caminho de expressão. 

Eu sou a terra, eu sou a vida. 

Do meu barro primeiro veio o homem. 

De mim veio a mulher e veio o amor. 

Veio a árvore, veio a fonte. 

Vem o fruto e vem a flor. 

O Cântico da Terra / Cora Coralina 

Meio ambiente em alerta 

Tudo o que acontece à Terra, 

acontece com os filhos e filhas da Terra. 

O homem não tece a teia da vida; 

ele é apenas o fio. 

Tudo o que faz à teia, 

ele faz a si mesmo. 

A Teia da Vida / ted Perry, 

inspirado no chefe Seattle in CAPRA, F. 

E se o nosso planeta ainda fosse habitado 

por dinossauros? 

56 . Ilustração da Terra habitada por dinossauros. 

Há milhões de anos atrás, o planeta Terra 

era assim. 

Com a extinção dos dinossauros e a evolução 

dos mamíferos e dos hominídeos, surgiu 

o Homo sapiens, e hoje ocupamos todo o 

planeta. Chegamos a sete bilhões de habitantes, 

cobrindo a Terra com cidades, derrubando 

florestas, desviando rios, extinguindo 

animais e plantas, mudando o clima.

Na minha rua estão cortando 

as árvores 

botando trilhos 

construindo casas. 

Minha rua acordou mudada. 

Os vizinhos não se conformam. 

Eles não sabem que a vida 

tem dessas exigências brutas. (...) 

A Rua Diferente / Carlos Drummond de Andrade 

Se continuarmos a destruir nossa morada Terra, 

perderemos nosso lugar aqui. Os recursos naturais, 

indispensáveis à vida, chegarão ao fim, e, 

consequentemente, o ser humano também. 

Talvez a Terra se transforme em um planeta 

habitado por robôs, como antecipam os filmes 

de ficção científica. 

Assim, os robôs representarão uma futura 

etapa da evolução – o Robô sapiens. 

Os robôs, mecânicos ou biônicos, não 

precisam de ar puro, poderão viver sem 

água e sem alimento e aprenderão a 

tirar do sol a energia necessária. Não 

precisarão da beleza dos crepúsculos 

das estepes, nem do ímpeto do vento 

salgado às margens do mar, nem da 

música de Mozart, nem da pintura 

de Michelangelo. 

Meu Manifesto pela Terra / Mikhail Gorbachev 

A Terra é viva e abriga todos os seres em 

uma interdependência única. 

Nossa responsabilidade é universal, pois fazemos 

parte, ao mesmo tempo, de um meio 

ambiente local, de uma nação e do mundo. 

Conscientes de que somos uma única humanidade, 

vivendo em um mesmo espaço, muitos 

de nós já mudamos nossas atitudes em 

relação ao meio ambiente. Devemos todos 

buscar o bem-estar comum, seja por meio 

da participação em grandes movimentos de 

luta pela preservação do planeta ou em pequenas 

ações que são fundamentais, pois 

repercutem no espaço local e no coletivo. 

Qual o papel da arte como agente de 

transformação? 

A arte sempre teve um papel de vanguarda 

na reflexão e na discussão de questões ligadas 

à vida do homem na Terra. 

Alguns artistas denunciam a devastação do 

meio ambiente através de suas obras. 

Frans Krajcberg faz essa trajetória com seu 

trabalho, um manifesto contra a destruição 

da natureza. Constrói montagens tridimensionais, 

transformando, artisticamente, sucatas 

coletadas em áreas devastadas por 

queimadas feitas pelo homem. 

Krajcberg tira terras do chão, quebra e tritura 

pedras para fazer seus pigmentos e 

pintar as esculturas. Dessa forma, com sua 

obra, o artista chama a atenção do mundo 

para a devastação do solo brasileiro e 

também para a beleza deste solo, através 

dos infinitos tons de ocre, cinza, marrom, 

verde, vermelho. 

FRANS KRAJCBERG 

(Kozienice, 1921) 

Escultor, pintor, gravador e fotógrafo polonês, Krajcberg encontra na natureza principal tema e matéria-prima de sua 

arte. Radicou-se no Brasil em 1948, onde desenvolveu trajetória artística marcada por pesquisa e utilização de elementos 

naturais. Recolhe galhos, raízes e troncos de árvores calcinadas que são usados em esculturas e fotografa desmatamentos 

e queimadas, denunciando, assim, a destruição de nosso meio ambiente. 


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57 . Frans Krajcberg. Vista de exposição na Oca – Parque 

Ibirapuera, São Paulo, 2008. 

Eu apanhava madeiras mortas nos 

campos queimados e fiz minhas 

esculturas dando a elas cores das 

terras. Queria dar-lhes uma outra vida. 

Frans Krajcberg 

Na Alemanha, em 1982, o artista Joseph Beuys, 

veterano da Segunda Guerra Mundial, 

engajado politicamente com as questões socioambientais, 

elaborou um projeto visando 

ao plantio de 7 mil mudas de carvalho, 

marcadas por colunas de basalto, em frente 

à sede da Documenta, exposição de arte 

contemporânea que se realiza, na cidade de 

Kassel, a cada cinco anos. 

Seu projeto pretendia mostrar a importância 

do ser humano na transformação do meio 

ambiente, mesmo diante da devastação provocada 

por uma guerra. 

A regeneração da Terra ainda é possível? 

Proteger e restabelecer a integridade e a 

saúde dos ecossistemas deve ser meta de 

todos nós, transformados em verdadeiros 

guardiões do meio ambiente. 

58 . Joseph Beuys. 7000 Carvalhos, 1982. 

JOSEPH BEUYS 

(Krefeld, 1921 – Düsseldorf, 1986) 

O alemão Beuys foi um dos artistas mais influentes da segunda metade do século XX. Fora das tradicionais 

categorias de pintura e de escultura, produziu desenhos, objetos, ações e instalações que participavam de um 

“conceito expandido de arte”, visando à total integração da vida cotidiana com atos criativos. Afirmava que “toda 

pessoa é um artista”, o que significa que cada homem possui um potencial produtivo, capacidade de plasmar o 

mundo em que vive. 

59 . Página à esquerda: Escultura de Frans Krajcberg. 


51 51

Práticas simples, mas importantes, fazem a 

diferença, por exemplo, no volume de lixo descartado. 

Aprender a reduzir, reutilizar e reciclar 

deve tornar-se um hábito em nossas vidas. 

A sociedade contemporânea, que produz 

uma incalculável quantidade de lixo, não 

pode mais prescindir do importante trabalho 

dos catadores de material reciclável. 

As associações responsáveis pela coleta seletiva 

dão destino e funcionalidade ao material 

desprezado. 

A transformação da sucata em diferentes tipos 

de objetos tem início nas próprias associações, 

que incentivam a criatividade das 

pessoas interessadas, gerando, muitas vezes, 

fontes de renda. 

Muitos artistas fazem obras instigantes e criativas 

que nascem do lixo. 

Vik Muniz é um artista plástico brasileiro que 

faz experimentos com novas mídias e materiais. 

Recentemente, ele vem realizando grandes 

obras, esculpidas sobre a terra, utilizando lixo. 

Após dar forma às pilhas de material coletado 

nos lixões, ele fotografa e filma os resultados. 

O premiado documentário Lixo Extraordinário 

mostra o trabalho de Vik Muniz com os catadores 

de lixo de Duque de Caxias. 

Recentemente, o artista reuniu 2.200 instrumentos 

musicais já usados e doados ao projeto 

Por um Mundo Melhor, organizado pela 

produção do festival Rock in Rio/2011. Com 

esse material, Vik construiu, em um galpão 

em Parada de Lucas, o símbolo do festival. 

60 . Vik Muniz. Marat (Sebastião), 2008. 

Kurt Schwitters, na Alemanha arrasada pela 

Primeira Guerra Mundial, também construiu 

uma obra com base em elementos descartados 

pela sociedade. 

VIK MUNIZ 

(São Paulo, 1961) 

Fotógrafo, desenhista, pintor e gravador brasileiro, Muniz questiona a função e as tradições da representação visual 

ao usar materiais inusitados para criar os temas de suas fotografias. Entre suas séries de imagens, estão aquelas 

compostas com chocolate, açúcar, poeira ou recortes de revistas, que são dispostos sobre uma superfície e depois 

fotografados. Tais imagens exploram modos de ilusão do espectador, que questiona a fotografia como reprodução 

fiel da realidade. 

61 . Página à esquerda: Vik Muniz. Marat (Sebastião), 2008 (detalhe). 

Eu não vejo por que bilhetes usados 

de trem, pedaços de compensado, 

botões e restos do sótão, pilhas de lixo 

não serviriam bem como materiais para 

pinturas; elas servem a esse propósito 

assim como tintas industrializadas... 

É possível gritar usando fragmentos 

de lixo, e foi isso que eu fiz, colando 

e pregando essas coisas. 

Kurt Schwitters 

Outros artistas pelo mundo transformam a realidade 

cotidiana com grandes instalações de lixo. 


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62 . Tim Noble e Sue Webster. 

A Fenda, 2004. 

Os artistas britânicos 

tim Noble e Sue 

Webster recolhem todo 

tipo de sucata para 

criar suas “esculturas 

de sombra”, utilizando 

o recurso teatral da 

luz, que, direcionada 

ao amontoado de lixo, 

nos faz perceber o sentido 

figurativo da obra 

na sombra projetada. 

O artista, como agente transformador, em 

sintonia com seu tempo, percebe a necessidade 

de incorporar elementos da realidade a 

sua volta, inclusive a sucata. 

Porque a sucata, 

na verdade 

seja o que for 

que tenha sido 

é um mero estado transitório 

do material em disponibilidade. 

Não tem nada de trágico. 

A sucata é o material em férias... (...) 

Porque a sucata quanto mais sucata 

Mais pode vir a ser UMA OUTRA COISA! 

História do Futuro / Mario Quintana 

Francis Alÿs realiza, desde a década de 1980, 

uma obra de “passeios”, registrados por fotos, 

vídeos e objetos coletados. 

63 . Francis Alÿs. Sapatos Magnéticos, 1994. 

Na obra Sapatos Magnéticos, o artista concebeu 

um par de sapatos magnéticos incomuns. Com 

eles, percorre as ruas e colhe com seus pés uma 

série de objetos metálicos que passam despercebidos 

aos habitantes. Andando pela cidade, ele 

coleta, seleciona, combina, imanta o “lixo” do 

ambiente, fazendo-nos ver os vestígios econômicos 

e culturais da civilização contemporânea. 

A observação atenta do espaço cotidiano pode 

ser fonte de inovação, de transformação dele. 

O reaproveitamento artístico de materiais 

sempre fez parte da cultura de muitos povos. 

O trabalho com sobras de tecidos (patchwork) 

é tradicional em pequenas cidades dos Estados 

Unidos, da Europa e do Brasil. Consiste 

na reunião de retalhos, das mais diferentes 

cores e estampas, que resulta em colchas, almofadas, 

roupas e enfeites decorativos. 

TIM NOBLE E SUE WEBSTER 

(Stroud, 1966 – Leicester, 1967) 

Dupla de artistas britânicos que entra na cena artística londrina em meados dos anos 1990. Entre seus trabalhos mais 

conhecidos, estão as séries de sombras em que coisas banais, inclusive lixo e animais empalhados, são agrupadas e então 

iluminadas a partir de certo ângulo, de modo a projetar sombras que exibem grande semelhança com algo identificável. 

Essas peças transformam detritos da sociedade em algo interessante, desafiando noções convencionais de beleza. 

FRANCIS ALŸS 

(Antuérpia, 1959) 

Artista visual belga, Alÿs explora questões urbanas, de áreas de conflito ou os benefícios e prejuízos do progresso 

por meio de vídeos, performances, objetos, mapas, desenhos, pintura e fotografia. Fundamentais em sua arte são as 

caminhadas, como a que ele fez em Havana (1994): ele percorreu a cidade com sapatos magnetizados que coletavam 

pequenos objetos, restos, os indícios do ambiente econômico, social e cultural da cidade. 

64 . Página à direita: Tim Noble e Sue Webster. Vida Selvagem Britânica, 2000.

Lembrando uma colcha de retalhos, a obra 

do artista Romero Britto possui tratamento 

gráfico semelhante, aplicado à pintura. 

Ele combina padrões geométricos, cores vibrantes 

e figuras em composições harmoniosas, 

alegres e decorativas. O contorno 

preto com que envolve as formas confere 

também ao trabalho características semelhantes 

às de um vitral, técnica que une 

pedaços de vidro colorido. 

Qual a ligação que podemos estabelecer entre 

a técnica de unir retalhos com outras expressões 

de arte? 

Coletar, selecionar e compor com pedaços 

dos mais diferentes materiais é um desafio à 

criação do artista, apresentando numerosas 

possibilidades de soluções com liberdade de 

expressão. Geralmente, os materiais disponíveis 

na comunidade servem como elementos 

detonadores do processo criativo. 

A obra do espanhol Antoni Gaudí sintetiza 

a força da natureza, vinculando a Terra ao 

homem. A originalidade do seu estilo aparece 

não só na arquitetura, mas também no 

revestimento que faz, nas diversas construções, 

utilizando mosaicos de retalhos de 

azulejos, cerâmicas, vidros, formando composições 

com desenhos inusitados. 

Gaudí imaginou e criou uma fantástica cidade 

jardim, o Parque Güell, na cidade de 

Barcelona. Respeitando a natureza local, 

adaptou a arquitetura à geografia do terreno 

e utilizou, na construção, materiais existentes 

no próprio meio. 

65 . Antoni Gaudí. Salamandra (Parque Güell), 1900-1914. 

Para o revestimento em mosaicos, procurou 

fábricas de cerâmicas onde coletou desperdícios, 

refugos, cacos e estilhaços, que aplicou 

nas construções do parque. 

Muito longe de Barcelona, a Casa da Flor 

é uma obra-prima da arquitetura espontânea 

no nosso país. Foi construída por Gabriel 

Joaquim dos Santos, simples trabalhador 

das salinas de São Pedro da Aldeia, 

no Rio de Janeiro, filho de uma índia e um 

ex-escravo africano. 

Durante toda a sua vida, ele criou a casa dos 

seus sonhos, utilizando material de sucata. 

A pequena casinha de pau a pique foi toda 

revestida de cacos de cerâmica, de louça, de 

vidro, de ladrilhos e restos de objetos velhos, 

como bibelôs, lâmpadas, tampas, além 

daqueles encontrados na natureza. 

Com sua única e poética obra, Gabriel se incluiu 

no seleto grupo dos “construtores do 

imaginário”, artistas/arquitetos que, como 

Gaudí, fugiram dos padrões tradicionais, 

criando uma arquitetura surreal e orgânica. 

ANTONI GAUDÍ 

(Reus, 1852-1926) 

Arquiteto e designer espanhol, Gaudí desenvolveu obra de formas orgânicas que, inspiradas na natureza, 

estruturam suas construções. Influenciado pelo movimento Arts and Crafts, da segunda metade do século XIX, 

que defendia a unidade das artes, ele integrava cerâmica, vitral, ferro fundido, carpintaria e mosaicos à sua 

arquitetura. Entre suas obras, concentradas em Barcelona, encontram-se a Catedral da Sagrada Família, o Parque 

Güell, a Casa Batlló e a Casa Milà. 

66 . Página à esquerda: Antoni Gaudí. Casa Batló, 1905-1907. 


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E ali quase por um século, viveu um 

preto solitário, transformando a pedra 

em flor. Inutilmente. Ludicamente. 

Lindamente, com aquela pureza que 

só os iluminados têm... Com suas flores 

de pedra Seu Gabriel inventava a 

primavera. A primavera possível. 

Affonso Romano de Sant’Anna 

Outra obra que merece destaque, usando o 

mosaico feito com sucatas, é a escadaria do 

Convento de Santa Teresa, tombada pela Prefeitura 

do Rio de Janeiro, que une o bairro da 

Lapa a Santa Teresa. 

67 . Jorge Selarón. Escadaria Selarón (Rio de Janeiro). 

Seu idealizador é o artista Jorge Selarón, que 

revestiu os 215 degraus da escadaria com 

quase 2 mil peças de cerâmicas, pastilhas e 

azulejos, inteiros ou em cacos, coletados no 

Brasil e no mundo. 

Selarón, morador do local, sentiu a necessidade 

de embelezar o ambiente, não só revestindo 

a escadaria como também fazendo 

jardins suspensos, utilizando banheiras antigas 

cobertas com azulejos. 

A “escada de Selarón” confere um toque mágico 

ao lugar. 

Objetos podem ser retalhos de lembranças. 

Para eternizá-las, o artista carioca Barrão 

participou, em 1999, da exposição A Imagem 

do Som de Chico Buarque, no Paço Imperial, 

no Rio de Janeiro. 

Tomando-se por base a canção Maninha, de 

Chico, Barrão criou uma escultura com pedaços 

quebrados de antigos bibelôs de louça. 

Olhar a obra de 

Barrão ouvindo a 

canção de Chico é 

como juntar recortes 

de fragmentos 

do passado. 

68 . Jorge Barrão. Assemblage inspirada na canção Maninha, 

exposta em A Imagem do Som de Chico Buarque, 1999. 

JORGE SELARÓN 

(Chile, 1947 – Atualmente reside no Brasil) 

Pintor e ceramista, Selarón criou um dos pontos mais visitados do Rio de Janeiro: a Escadaria do Convento de 

Santa Teresa, entre os bairros da Lapa e de Santa Teresa. Por essa obra, que sempre muda sua composição, ele 

recebeu da Prefeitura título de Cidadão Honorário do Rio de Janeiro. 

JORGE VELLOSO BORGES LEÃO TEIXEIRA, O BARRÃO 


Artista multimídia que produz objetos, vídeo, música, capas de disco, cenografia e vinhetas de TV. Barrão retira objetos 

cotidianos de seus contextos originais e lhes dá novos sentidos. Constrói peças irreverentes e inúteis que criticam a 

sociedade de consumo com um humor tipicamente carioca.

Se lembra da fogueira 

Se lembra dos balões 

Se lembra dos luares dos sertões 

A roupa no varal, feriado nacional 

E as estrelas salpicadas nas canções... 

Maninha / Chico Buarque 

O aproveitamento de sucatas não só colabora 

com o meio ambiente, mas é um desafio 

para o ser criador, que consegue unir 

partes em um todo, em diferentes expressões 

artísticas. 

Na era planetária, é necessário situar o humano 

no universo. 

O sentimento de pertencer à mesma espécie 

nos ajuda a reconhecer a identidade terrena 

e a esperança de uma cidadania que 

busque a solidariedade entre os homens e 

a conscientização ecológica. 

O cidadão planetário tem o olhar 

sobre o planeta, tem carinho pelo 

mundo como o berço de todo mundo. 

Pensa em séculos, não vive em função 

do dia de hoje. 

Herbert de Souza, o Betinho 

Para despertar todos os que habitam este 

planeta, alguns artistas acharam necessária 

a criação de obras quase tão imensas quanto 

o universo e os problemas que ele enfrenta. 

O artista norte-americano John Quigley projeta 

obras de arte que chamam a atenção 

para assuntos humanitários. Depois de prontos, 

seus trabalhos são registrados em fotos 

e filmes aéreos. 

Recentemente, John recriou o desenho O Homem 

Vitruviano, no Ártico, em tamanho colossal. 

Propositalmente, ele fez apenas uma 

parte da obra, deixando-a incompleta. 

69 . Leonardo da Vinci. Homem Vitruviano, 1492. 

HOMEM VITRUVIANO 

(Galeria da Academia, Veneza, c. 1492) 

Desenho de Leonardo da Vinci baseado no tratado do arquiteto romano Vitrúvio, que acreditava que a boa 

arquitetura e as perfeitas proporções do homem seguiam leis da natureza. Com seu vasto conhecimento de 

anatomia e geometria, Leonardo obteve sucesso com esse desenho, que chegou a representar o padrão da 

beleza física humana. 


59 59

70 . John Quigley. Homem Vitruviano Derretendo. 

Intitulou seu trabalho de Homem Vitruviano 

Derretendo, com a intenção de denunciar o 

que vem acontecendo com o derretimento 

das calotas polares. 

Desde que o Homem Vitruviano foi 

criado, na Renascença, o homem 

distanciou-se de sua essência, por 

isso está derretendo. 

John Quigley 

Nas águas de Cancún, no México, o artista 

Jason de Caires Taylor projetou para as futuras 

gerações um museu submarino. 

Criou centenas de esculturas humanas, em 

tamanho natural, tendo como modelos os 

moradores da região. 

Feitas de um material especial, as esculturas 

são submersas para que vivam em 

constante mutação. 

O Parque Nacional Marinho e suas estátuas 

cobertas de algas fazem o papel de corais 

vivos em perfeita harmonia com o meio ambiente 

local, onde o trabalho do artista se 

funde com o trabalho da natureza. 

A água é vista aqui como uma promessa de 

vida, um recomeço. 

A mesma imagem pode ser percebida na 

canção Águas de Março, de Antonio Carlos 

Jobim, que se enquadra em um repertório de 

canções ecológicas. Ela revela o talento do 

maestro como letrista e reafirma suas preocupações 

com o meio ambiente. 

A sequência de versos breves, como uma 

chuva de pensamentos recortados sobre 

o cotidiano, apresenta elementos da flora, 

da fauna, do folclore, de brasilidade, 

alternando otimismo e pessimismo, vida 

e morte, mas muitas promessas de uma 

vida renovada. 

São as águas de março fechando o verão 

É a promessa de vida no teu coração 

pau, pedra, fim, caminho 

resto, toco, pouco, sozinho 

caco, vidro, vida, sol, noite, morte, laço, anzol 

HOMEM VITRUVIANO DERRETENDO 

Obra criada pelo artista e ativista ambiental britânico John Quigley a 800km do Polo Norte. Ele recriou o célebre Homem 

Vitruviano, de Leonardo da Vinci, com chapas de cobre sobre o gelo para chamar a atenção para o fenômeno do 

aquecimento global. 

71 . Página à esquerda: Leonardo da Vinci. Homem Vitruviano, 1492 (detalhe). 

Águas de Março / tom Jobim 

Hoje, a questão não é ter mais, mas ser mais. 

Ser mais consciente, mais solidário, mais 

pacífico, mais atuante, com um olhar 

mais abrangente. 


61 61


62 

A memória é fragmentada, 

e o sentido de identidade do 

indivíduo depende, em parte, 

da organização desses fragmentos. 

A Formação Integrada / Maria Ciavatta 

Precisamos ser muito, muito mais arteiros 

para, de posse de nossas memórias sensíveis, 

podermos, conscientemente, avaliar e organizar 

todas as possibilidades criativas para somar 

forças e unir nossas ações no sentido de 

preservar, mudar e transformar o mundo. 

O importante é não estar aqui 

ou ali, mas ser. E ser é uma ciência 

delicada feita de pequenas-grandes 

observações do cotidiano dentro e 

fora da gente. Se não executamos 

essas observações, não chegaremos a 

ser: apenas estamos e desaparecemos. 


Carlos Drummond de Andrade 

• Percepção dos elementos visuais (ponto, 

linha, forma, cor e textura) na natureza. 

• Artistas que se inspiraram na natureza 

para criar. 

• Técnicas e recursos usados em obras 

de arte. 

• Reprodução e estilização de elementos 

da natureza por meio do desenho 

de observação. 

• Arte como intervenção urbana. 

• Tridimensionalidade aplicada aos trabalhos 

artísticos. 

• Reutilização e reciclagem de materiais 

em objetos artísticos. 



algumas atividades para propor aos alunos: 

• Ilustrar a letra de uma música cujo tema 

seja a natureza. 

• Observar a obra A Grande 

Família, de Magritte, 

na qual o céu aparece 

através da silhueta de 

um pássaro. 

72 . René Magritte. 

A Grande Família, 1963. 

• Fazer uma composição cujo contorno seja 

uma forma da natureza e preencher com 

elementos ligados ao tema, utilizando 

técnicas de desenho, colagem ou pintura. 

• Ouvir a música O Lago dos Cisnes, de Tchaikovsky, 

e traçar linhas contínuas, de olhos fechados, 

ao som da melodia. Preencher as áreas 

delimitadas com diferentes texturas e cores. 

• Assistir ao vídeo do balé O Lago dos Cisnes. 

Debater as sensações suscitadas, os movimentos 

dos bailarinos, a suavidade e a dramaticidade 

das cenas e a beleza estética do espetáculo. 

• Observar a ação do tempo nas obras de Cristina 

Oiticica. Trazer, para a sala de aula, objetos que 

tenham sofrido a ação do tempo. Em grupo, 

fazer uma instalação utilizando esses materiais. 

• Pesquisar sobre o Cristo Redentor e outras 

esculturas importantes da cidade do 

Rio de Janeiro.

• Fazer um projeto para melhorar a praça do 

bairro, incluindo uma escultura criada pelos 

alunos. 

• Trazer um elemento da natureza (folha, 

flor, concha...) para a sala de aula. Fazer 

um desenho de observação do elemento 

escolhido, representando-o o mais próximo 

possível da realidade. Realizar um 

segundo desenho, estilizando as formas 

do primeiro. 

• Registrar, por meio de desenhos, diferentes 

espaços naturais escolhidos pelos alunos, 

utilizando a técnica de aquarela para 

a finalização do trabalho. 

Para visitar 

• Após conhecer o trabalho Flor da Lua, de 

Margaret Mee, e o empenho da artista 

em encontrar essa espécie botânica, os 

alunos poderão criar sua própria flor-da- 

-lua, utilizando pedaços rasgados de papel. 

Descrever e desenhar a flor criada. 

• Colecionar formas interessantes, encontradas 

na natureza, e juntá-las, transformando-as em 

interessantes esculturas (trabalho em grupo). 

• Utilizar sucatas para criar uma composição 

de alerta contra a destruição da natureza. 

• Fazer cartazes que alertem para a preservação 

do meio escolar. 

instituto Moreira Salles – Centro cultural que realiza exposições, palestras, shows, 

sessões de cinema e eventos. 

Endereço: Rua Marquês de São Vicente, 476, Gávea. 

Tel.: (21) 2274-2149. 

Museu do Açude – Situado na Floresta da Tijuca, no Alto da Boa Vista, em uma área 

de 150m 2 , possui ricos acervos de arte pertencentes à coleção Castro Maya. 

Endereço: Estrada do Açude, 764, Alto da Boa Vista. 

Tel.: (21) 2492-2119. 

Sítio Roberto Burle Marx – Antiga residência do paisagista Burle Marx, atualmente 

é uma instituição de conservação e pesquisa de recursos naturais. Possui um dos 

mais importantes acervos botânicos e paisagísticos de plantas vivas do mundo. 

Endereço: Estrada Roberto Burle Marx, 2.019, Barra de Guaratiba. 

Tel.: (21) 2410-1412. 

Museu de Arte Contemporânea de Niterói – O MAC foi projetado por Oscar Niemeyer, 

sendo um dos marcos da arquitetura brasileira e símbolo da cidade de Niterói. 

Endereço: Mirante da Boa Viagem, s/n., Niterói. 

Tel.: (21) 2620-2400. 

Jardim Botânico – Criado por D. João VI, em 1808, hoje é um espaço de lazer, estudo e pesquisa 

que abriga numerosas espécies raras de plantas da flora brasileira e de outros países. 

Endereço: Rua Jardim Botânico, 920, Jardim Botânico. 

Tel.: (21) 3874-1214. 


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DEIXAM SUA MARCA 

Toda a produção do homem carrega 

a sua história de humanidade 

e tem na arte 

a sua marca de sujeito. 

Telma Cintrão

Nossas marcas no mundo 

Marcando presença 

antes de existir alfabeto existia a voz 

antes de existir a voz existia o silêncio 

o silêncio 

foi a primeira coisa que existiu 

um silêncio que ninguém ouviu. 

O Silêncio / Arnaldo Antunes 

O homem deixa marcas, evidenciando a sua 

passagem pela Terra. Mas a configuração das 

galáxias, os desenhos deixados pelo vento 

na areia, o caminho percorrido pelos animais, 

as nervuras das folhas e até mesmo as rugas 

na face dos homens identificam também as 

marcas da natureza na identidade terrena. 

73 . Nervuras de uma folha. 

A aventura da existência mostra a necessidade 

vital do ser humano em deixar registros, 

marcar sua presença, seu domínio e 

sua identidade em um território. 

Antes mesmo de desenvolver a linguagem 

verbal, o homem já se comunicava por meio 

de símbolos. 

A capacidade de comunicação 

humana não se restringe às palavras. 

Fayga ostrower 

Nas cavernas, os desenhos e as pinturas rupestres 

expressavam e transmitiam os hábitos 

e as experiências do homem pré-histórico, 

mostrando sua sensibilidade visual e 

capacidade de abstração. 

Na solidão e na segurança das cavernas, o 

homem sonhava, imaginava e criava, em sua 

tentativa de compreender o mundo. Assim, 

ele fez da caverna o seu primeiro ateliê. 

ARTE RUPESTRE 

Consiste em traços, gravações ou pinturas sobre rochas feitos em cavernas ou ao ar livre. É considerada a primeira 

manifestação da criatividade humana, pois remonta à pré-história, mas não se limita a esse período. Encontrada em 

diferentes épocas e locais, essa arte emprega linhas e grafismos geométricos, representa formas humanas e de animais 

ou marcas de mãos e pés. Possui prováveis significados rituais e/ou religiosos, mas não detém sentido estético evidente. 


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68 

Usando recursos rudimentares, desenhava, 

contornava as formas rochosas e, às vezes, 

usava como molde as próprias mãos. Estas 

eram colocadas contra a parede, e, soprando-se 

pó colorido, as silhuetas das mãos ficavam 

gravadas e, com elas, a identidade 

era marcada para a posteridade. 

74 . Impressões de mãos em Cuevas de las Manos (Argentina). 

As primeiras cores eram feitas de madeiras 

e ossos queimados, cal, terra e minérios em 

pó, misturados com água ou gordura animal. 

Os contornos das pinturas eram desenhados 

com os dedos, com musgos ou com pincéis 

feitos de pequenos galhos de árvores, pelos 

ou penas de animais. Para preencher as formas, 

sopravam os pós através de tubos feitos 

de ossos ou de caules vegetais, como se fosse 

um spray. 

Podemos dizer que as cavernas revelaram os 

primeiros artistas do grafite. 

75 . Pintura de um bisão na caverna de Altamira (Espanha). 

O homem pré-histórico apropriava-se do seu 

mundo, capturando visualmente o meio em 

que vivia, dando-lhe novos significados em 

formas simbólicas e estabelecendo um diálogo 

singular com seu tempo. 

A arte é muitas coisas. Uma das 

coisas que a arte é, parece, é uma 

transformação simbólica do mundo. 

Quer dizer: o artista cria um mundo 

outro – mais bonito ou mais intenso 

ou mais significativo ou mais 

ordenado – por cima da 

sensibilidade imediata. 

Sobre a Arte / Ferreira Gullar 

GRAFFITI (GRAFITE) 

Refere-se a inscrições em muros ou outras superfícies em espaços públicos urbanos. O termo é plural de graffito, que, 

em italiano, significa “arranhado, rabiscado”. Abrange de imagens gráficas coloridas a monogramas estilizados e 

tem origem na Nova York dos anos 1970, quando se usaram tinta em spray e outros materiais para traçar palavras 

e imagens em edifícios e trens do metrô, de modo a intervir na cidade sem a mediação de instituições artísticas. 

HOMEM PRÉ-HISTÓRICO 

A pré-história é o período anterior à invenção da escrita (até 4000 a.C. aproximadamente), e os homens que 

viveram na época pertenciam a diferentes espécies. Entre elas, estavam a do Homo neanderthalensis (homem de 

Neanderthal), que existiu de cerca de 300 mil anos a.C. até 29 mil anos a.C., e a do Homo Cro-Magnon, e as duas 

competiam entre si. Há várias hipóteses sobre a extinção da espécie neandertal, como doenças, mudanças climáticas 

e violência em conflitos. 

76 . Página à direita: Arte rupestre.


70 

Por meio dos símbolos, o homem está em 

condições de perceber, possuir e ter juntas, 

de uma só vez, muitas coisas. Por essa razão, 

a mente vive sempre aberta a mil caminhos 

e possibilidades. 

Nas décadas de 1970 e 1980, munidos de 

pincéis atômicos, giz, carimbos, pincéis e 

latas de tinta spray, grafiteiros marcaram a 

cena urbana cobrindo, com símbolos, palavras 

e imagens, muros e vagões de trens em 

diferentes lugares do mundo. 

A arte do grafite mostra que a necessidade 

humana de deixar marcas é atemporal. 

Como na pré-história, esses artistas eram, 

em sua maioria, anônimos. 

O primeiro artista de 

formação profissional 

a usar o grafite foi o 

norte-americano Keith 

Haring, na década de 

1970. As pinturas no 

metrô de Nova York 

são marcas registradas 

de sua obra. 

77 . Keith Haring. 

Desenho no metrô de 

Nova York, 1983. 

Decidi voltar ao desenho, que mudou 

pouco desde a pré-história e ainda 

guarda a mesma origem. 

Keith Haring 

O artista norte-americano Jean-Michel Basquiat, 

na década de 1980, também ganhou popularidade, 

deixando suas marcas simbólicas no 

mundo cosmopolita de Nova York. 

78 . Jean-Michel Basquiat. Cabeza, 1982. 

Como grafiteiro, incorporava palavras, letras, 

números, pictogramas, logos, símbolos 

de mapas, diagramas em suas pinturas. A 

obra ainda exerce forte influência em artistas 

do grafite contemporâneo. 

Grafite: sujeira, vandalismo ou arte? 

KEITH HARING 

(Reading, 1958 – Nova York, 1990) 

Artista de rua norte-americano, Haring começou a atrair a atenção pública com seus desenhos de giz no metrô de 

Nova York no fim dos anos 1970. Marcado pela cultura urbana e pela explosão da cena de dance music dos anos 

1980, seu trabalho tem aspecto caricatural e cores vívidas. Haring queria fazer uma arte para a pessoa comum que 

circulava pela ruas, e não somente para ricos colecionadores que frequentavam galerias de arte. 

JEAN-MICHEL BASQUIAT 

(Nova York, 1960-1988) 

Pintor, escultor e desenhista, Basquiat é um dos pioneiros da arte de rua. Já no fim dos anos 1970, começou a 

cobrir prédios abandonados de Manhattan com grafites. Suas referências pintadas e escritas incluíam imagens 

e símbolos das culturas africana, asteca, grega e romana e também de sua herança porto-riquenha e haitiana. 

Trouxe uma perspectiva bicultural à figuração dos anos 1980, ao incluir a cultura negra e o imaginário urbano em 

desenhos e pinturas diretas e espontâneas.

O grafite revela uma forma viva, inquieta e 

provocativa de participação e de comunicação. 

Atende ao espírito rebelde e contestador 

dos jovens, que também precisam marcar sua 

presença no mundo. 

Diferentemente da pichação sem propósito 

definido, o grafite já se consolidou como 

uma realidade da arte contemporânea. 

No Brasil, a dupla de irmãos Otávio e Gustavo 

Pandolfo, conhecida como os Gêmeos, 

desenvolve, desde 1987, uma obra que se estendeu 

das cidades paulistanas ao exterior. 

79 . Os Gêmeos. O Estrangeiro, 2011. 

Influenciando outros jovens artistas, Os Gêmeos 

ajudaram a tornar a arte de rua aceita 

pela população e a definir um estilo brasileiro 

de grafite. Os temas abordados são: retratos 

de família, política e crítica social. Hoje, ocupam 

galerias e museus de todo o mundo. 

Nossas influências começam com a 

arte brasileira, a cultura popular brasileira 

e vão até tudo o que a gente 

sonha, vê, sente, ouve. 

otávio Pandolfo 

No início da carreira, no final dos anos 1980, 

Otávio e Gustavo fizeram apresentações de 

break, modalidade de dança de rua que, com o rap 

e o grafite, é marca do movimento hip-hop, que 

nasceu nos Estados Unidos na década de 1970. 

Na cidade do Rio de Janeiro, na década de 

1990, o hip-hop dava os primeiros passos, 

apresentando nomes como Gabriel O Pensador, 

MV Bill e Marcelo D2. 

Não somos donos da verdade 

Mas conhecemos bem as ruas 

A nossa realidade é nua e crua 

Rap é cultura de rua e 

não vou dizer mais nada 

Para bom entendedor meia 

palavra basta. 

Rappers Reais / Planet Hemp 

OS GÊMEOS 


Dupla formada pelos gêmeos Otávio e Gustavo Pandolfo, que se destaca na arte de rua brasileira. Os irmãos 

aderiram ao grafite no final dos anos 1980, influenciados pela pichação feita em São Paulo e por vídeos 

e revistas do movimento hip-hop americano. Desenvolveram, então, um estilo próprio (figuras amareladas 

de pernas finas), ganhando reconhecimento aqui, nos Estados Unidos, na Inglaterra e na Alemanha. Hoje, também 

produzem trabalhos que são expostos em galerias de arte. 

HIP-HOP 

Manifestação cultural que envolve o rap, o break e o grafite. Desenvolveu-se pelas comunidades jamaicana, 

latina e afro-americana de Nova York. Espalhou-se pelo mundo, reportando temas relacionados às classes menos 

favorecidas ou a grupos sociais excluídos. O rap é sigla, em inglês, de “ritmo e poesia” e representa as canções; 

o break é a dança; e o grafite é a pintura e o desenho. 


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72 

Se o grafite é uma arte que tem, basicamente, 

sua expressão nas ruas, o homem primitivo 

sempre encontrou, no abrigo das cavernas, 

a segurança e a proteção para desvendar o 

mundo desconhecido que sonhava compreender, 

imaginando e criando com suas mãos. 

No Brasil, existem pinturas rupestres em 

vários estados, destacando-se o sítio arqueológico 

do Parque Nacional da Serra da 

Capivara, no município de São Raimundo 

Nonato, no Piauí. 

80 . Inscrição rupestre na Serra da Capivara (Piauí). 

Foram encontradas, nas grutas da região, pinturas 

naturalistas (cenas movimentadas de 

caças, guerras e trabalhos coletivos) e pinturas 

geométricas (linhas paralelas, grupos de 

pontos, círculos, cruzes, espirais, triângulos). 

Além das pinturas, muitos sítios arqueológicos 

apresentam a técnica da gravura, feita 

pela raspagem das pedras, surgindo figuras 

em baixo-relevo. Há registros em diferentes 

suportes, como paredes e tetos de cavernas 

e abrigos, blocos no chão, pedras nos leitos 

dos rios e lajes a céu aberto. 

Essas pinturas e gravuras deixadas pelo homem 

antes de o Brasil ser descoberto são 

testemunho da passagem de grupos nômades 

por aqui. 

O baixo-relevo reaparece em outras civilizações 

– no Egito, na Grécia, na Mesopotâmia 

– de forma aprimorada, mas guardando a 

mesma essência primitiva. 

81 . Baixo-relevo no templo de Edfu (Egito). 

Esse mesmo recurso técnico de raspar, tirar 

material com estiletes e goivas é utilizado 

até hoje pelos artistas, seja na elaboração 

das matrizes para gravuras como também 

para conseguir texturas variadas sobre pinturas 

e esculturas. 

As sociedades antepassadas caçadoras, 

pescadoras e coletoras nunca morrem, 

como todas as outras se refazem e se 

recriam de diversas formas no contexto 

de vida das futuras sociedades. 

Michel Justamand 

BAIXO-RELEVO 

Refere-se a elementos da escultura feitos em superfícies planas de pedra, como os frisos do Parthenon ou os entalhes 

nas laterais de edifícios antigos. As figuras esculpidas pouco se projetam a partir da superfície, apresentando menos 

profundidade do que seus modelos reais; elas retêm seus contornos naturais e podem ser vistas de vários ângulos 

sem qualquer distorção. Já no alto-relevo, as figuras se destacam com muito mais ênfase da superfície. 

82 . Página à direita: Baixo-relevo assírio (c. 883-859 a.C.).

Os desenhos simplificados da arte das cavernas 

aparecem de forma mais geometrizada 

na arte indígena. Normalmente, são 

traços que imitam a natureza com um significado 

especial para cada povo. 

É comum entre os povos indígenas brasileiros 

encontrarmos desenhos que representam as 

gotas de chuva, o formato do cipó, a espinha 

do peixe, o movimento da cobra, a nervura 

das folhas, a pele da onça, o couro do tatu. 

Os padrões utilizados nesse trabalho decorativo 

são característicos do grupo, e não, especificamente, 

de quem o faz. É por isso que 

as características formais diferem de forma 

significativa de uma tribo para a outra. 

Os grafismos indígenas combinados formam 

interessantes composições decorativas, que 

aparecem nos objetos domésticos. 

83 . Vaso de cerâmica marajoara. 

O requinte da geometrização na arte indígena 

brasileira é notório na cerâmica da cultura 

marajoara. Seus objetos apresentam padrões 

decorativos com desenhos repetitivos, 

em forma de labirinto, traços simétricos em 

baixo e alto-relevo, combinados com formas 

entrelaçadas e riqueza de grafismos. 

Esse estilo decorativo, original e sofisticado, 

é único e próprio da cultura marajoara, 

marca que faz dela uma das mais admiráveis 

manifestações artísticas da humanidade. 

As mesmas composições decorativas dos 

objetos domésticos aparecem na pintura 

corporal, pois é também uma forma característica 

da cultura indígena usar a pele do 

corpo como suporte de expressão artística. 

A pintura corporal possui função social, conferindo 

dignidade, posição hierárquica, intermediando 

a passagem da natureza para 

a cultura do grupo. Ela revela intenções pacíficas 

ou guerreiras, sentimentos, emoções, 

comemorações, por meio de símbolos que 

contêm mensagens que podem ser lidas. 

O corpo humano é a tela onde os 

índios mais pintam e aquela que 

pintam com mais primor. 

CERÂMICA MARAJOARA 

Tipo de cerâmica colorida produzida por habitantes da Ilha de Marajó (Pará), entre 400 e 1350 d.C. Principal técnica 

de arte marajoara, a cerâmica apresenta tipos distintos de decoração conforme as diferentes fases de ocupação da 

região. Na “fase marajoara da tradição policrômica da cerâmica amazônica”, sofisticados objetos rituais, utilitários e 

decorativos retratam figuras humanas e animais, por meio de padrões gráficos simétricos, em baixo ou alto-relevo. 

84 . Página à esquerda: Urna funerária, fase marajoara (400 a 1000 d.C.). 

Darcy Ribeiro 

A pintura corporal apresenta também outras 

funções, tais como: espantar insetos, proteger 

a pele dos efeitos dos raios solares e, ainda, a 

intenção mágica de afastar os maus espíritos. 


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76 

85 . Crianças caiapós. 

Ao pintarem os corpos, os indígenas usam, 

preferencialmente, o vermelho, do urucum, o 

negro, do jenipapo, e o branco, da tabatinga, 

cores importantes porque, segundo eles, estão 

associadas ao desejo de transmitir ao corpo a 

alegria contida nas cores vivas e intensas. 

Entre as culturas indígenas brasileiras, destaca-se 

a elaborada pintura corporal dos 

kadiwéus. Seus complexos desenhos geométricos 

revelam equilíbrio e beleza ímpar. 

Sobre a arte corporal dos kadiwéus, o antropólogo 

lévi-Strauss comenta: “as pinturas 

do rosto conferem, de início, ao indivíduo 

sua dignidade de ser humano; elas 

operam a passagem da natureza à cultura, 

do animal ‘estúpido’ ao homem civilizado. 

Em seguida, diferentes quanto ao estilo e 

à composição segundo as castas, elas exprimem, 

em uma sociedade complexa, a 

hierarquia do ‘status’. Elas possuem, assim, 

uma função sociológica”. 

Todas as sociedades humanas possuem padrões 

de cobrir, enfeitar e exibir o corpo. Esses 

adornos e seus simbolismos são marcas culturais, 

e, por meio delas, compreendemos os 

aspectos essenciais para a vida em sociedade. 

86 . Mão pintada de 

noiva indiana. 

A cultura hindu, por 

exemplo, também utiliza 

a pintura corporal 

nos rituais de casamento. 

As noivas são 

enfeitadas, por todo o 

corpo, com desenhos 

decorativos que representam 

sorte. 

Algumas tribos africanas usam a pintura 

corporal para se embelezar e comunicar 

significados rituais dos grupos. Também a 

natureza aparece retratada de modo simplificado 

nessa pintura, com pigmentos fortes, 

extraídos de vegetais, do barro, de rochas 

vulcânicas e da cal branca. 

87 . Pintura de homens africanos (Nigéria). 

KADIWÉUS 

Tribo nômade original do Mato Grosso do Sul. Eram conhecidos como mayabas guaikurus. Única tribo brasileira 

que domava cavalos e gado, por isso foi a última a ser dominada. Como cavaleiros, guerreavam e saqueavam 

acampamentos agrícolas, dos quais cobravam tributos. Destacam-se também pelo magnífico artesanato e pinturas 

corporais. Tiveram acesso aos metais por meio de grupos andinos, e os trabalhos realizados nesse material 

revelam grande destreza. 

CLAUDE LÉVI-STRAUSS 

(Bruxelas, 1908 – Paris, 2009) 

Grande pensador do século XX, ficou conhecido na França, onde contribuiu, fundamentalmente, para o 

desenvolvimento da Antropologia. Lecionou no Brasil, na recém-fundada Universidade de São Paulo, de 1930 a 

1939. Fez várias expedições ao Brasil central, que resultaram no famoso livro Tristes Trópicos (1955). O método 

utilizado em seus estudos da organização social das tribos deu origem ao Estruturalismo, de grande repercussão 

nas Ciências Sociais. 

88 . Página à direita: Índio enawene-nawe, Mato Grosso.

O que significa a pintura facial nas sociedades? 

A pintura facial tem grande importância e uma 

função bem significativa, não só para africanos 

e indígenas, mas também nas sociedades 

modernas, nas quais pintar o rosto e os cabelos 

é um comportamento usual. 

A maquiagem sempre foi um artifício de beleza, 

seguindo tendências e padrões culturais, 

sociais e de época. É muito usada no 

teatro, na dança, no cinema e nas fotografias 

artísticas. 

Há pelo menos três mil anos, as egípcias tingiam 

os cabelos e pintavam o rosto. E outras 

civilizações usaram também esse recurso 

para os mais variados fins. 

Na atualidade, em eventos marcantes como a 

Copa do Mundo, podemos observar imagens 

de torcedores com rostos e cabelos pintados 

com as cores de seus países ou de seus clubes, 

em um espetáculo de rara beleza. 

89 . Torcedores brasileiros na Copa da África do Sul. 

Esse fato se repete em comemorações festivas 

como o carnaval, em shows musicais e 

até em manifestações de protesto político. 

Muitas vezes, a maquiagem facial não é 

suficiente, pois há muito mais simbolismos 

a expressar. 

O homem sente a necessidade de criar outro 

rosto. Assim, surgem as máscaras, com 

diversas finalidades, nas sociedades ao longo 

dos tempos. Elas marcam forte presença, 

seja no teatro grego, no carnaval de Veneza, 

na Commedia dell’Arte, no kabuqui japonês 

ou nas culturas indígenas e africanas. 

COMMEDIA DELL’ARTE 

Forma de teatro que tem origem no século XV, na Itália e na França, mantendo-se popular até o século XVIII. Encenado 

com base em um roteiro (“canovacio”), com personagens fixos, esse gênero se distingue da “Comédia Erudita” pela 

improvisação. Apresentando-se em ruas e praças públicas, a Commedia dell’Arte permanece até hoje por meio de 

grupos de teatro mambembe, com seus personagens, tais como a Colombina e o Arlequim. 

KABUQUI 

Forma tradicional do teatro japonês originária do século XVII. Aborda temas históricos, conflitos morais e 

relacionamentos amorosos. Usa uma linguagem antiga, com acompanhamento de instrumentos tradicionais 

japoneses. No início, homens e mulheres atuavam em peças de kabuqui. Papéis femininos chegaram a ser 

interpretados por prostitutas, o que gerou polêmica e levou à proibição da atuação de mulheres. Hoje, 

personagens femininos são interpretados por atores masculinos. 

91 . Página à esquerda: Máscaras venezianas. 

90 . Máscaras venezianas. 


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Todas essas criações artísticas têm a magia 

de contribuir para a construção de outros 

personagens, permitindo a expressão de uma 

dualidade do ser humano ou até de muitas 

faces que ele possa assumir. 

Uma parte de mim 

é todo mundo: 

outra parte é ninguém: 

fundo sem fundo. 

Traduzir uma parte 

na outra parte 

– a que é uma questão 

de vida ou morte – 

será arte? 

Traduzir-se / Ferreira Gullar 

Além da pintura artística do rosto e do corpo, 

diferentes grupos sociais, na intenção de perpetuar 

os desenhos, fazem uso da tatuagem. 

Os indígenas brasileiros utilizam marcas tribais 

para caracterizar indivíduos de um mesmo 

povo. Eles praticam a tatuagem perfurando 

a pele com espinhos e colorindo com o 

preto do jenipapo. Os desenhos vão dos elementos 

mais simples, como os círculos nas faces 

dos carajás, até os mais complexos, como 

os dos índios artistas da tribo kadiwéu. 

O ilustrador norte-americano Michael Whelan 

inspirou-se no rosto de um índio carajá, marcado 

por seus desenhos tribais, para compor 

o projeto da capa do disco Roots (Raízes), da 

banda brasileira Sepultura. Essa ilustração foi 

premiada e correu o mundo, divulgando a beleza 

da arte indígena brasileira. 

92 . LP Roots, do grupo Sepultura. 

Ao ser incorporada pela sociedade ocidental, 

a tatuagem ficou muito tempo restrita a 

grupos isolados e era considerada um símbolo 

de marginalidade. 

93 . Tatuagem 

em um homem 

europeu. 

MICHAEL WHELAN 

(Culver City, 1950) 

Um dos artistas de ficção científica e fantasia mais aclamados desde a década de 1980, reconhecido por mais de 350 

livros e capas de álbuns que ilustrou para artistas como Isaac Asimov, Anne McCaffrey, Sir Arthur C. Clarke, Stephen King, 

Os Jacksons, Sepultura e Meatloaf ou para empresas como National Geographic, Roadrunner Records e The Franklin Mint. 

Sua atividade de criação constitui-se de obras repletas de um simbolismo que se presta a muitos sentidos. 

SEPULTURA 

Considerada a banda brasileira de maior sucesso no exterior, Sepultura foi formada em Belo Horizonte pelos irmãos 

Igor e Max Cavalera no início da década de 1980. Competente em seu gênero musical, o heavy metal, recebe 

diversas influências musicais: da música brasileira, da música tribal africana, indígenas, entre outras. Sepultura já 

vendeu aproximadamente 20 milhões de unidades em vários países do mundo.

Na época contemporânea, tornou-se popular 

e passou a ser respeitada como uma forma 

de expressão artística e estética do corpo. 

Pode estar ligada ao desejo de expressar 

algo, a um estilo, a uma opinião. 

Muitas tribos urbanas têm a tatuagem como 

marca de uma patente. 

A necessidade estética de fazer do corpo 

um suporte da arte é parte integrante da 

formação da maioria das sociedades e, acima 

de tudo, uma característica de manifestação 

cultural. 

O caminho percorrido pelo ser humano, 

desde sempre, deixou marcas que, como na 

história de João e Maria, construíram a possibilidade 

de um retorno para o resgate da 

história vivida antes de nós. 

Mesmo sendo difícil o caminho de volta, 

nem todos os sinais foram destruídos, 

como na fábula dos Irmãos Grimm. 

Na busca desses sinais, a curiosidade e a 

ousadia de profissionais “arteiros” – arqueólogos, 

historiadores, cientistas – recuperaram 

a produção de artistas anônimos que, 

até hoje, são fonte de inspiração e criação, 

em um contínuo processo para perpetuar 

as marcas do homem na Terra. 

O homem é o grande autor das 

páginas da história, expressa pelos 

objetos, instrumentos, imagens que 

ele mesmo inventou, deixando suas 

pegadas para que o futuro percorra 

o mapa em busca do tesouro. 

Edith Derdyk 

Registros de identidade 

A arte, como linguagem nascida 

da invenção humana, 

é reinventada por cada criança, 

por cada um de nós. 

Mirian Celeste Martins 

Qualquer superfície riscada sugere que alguém 

passou por ali, deixando suas marcas. 

São rastros que humanizam a superfície: as 

marcas dos pés na areia da praia ou no solo 

da Lua, a mão gravada nas cavernas ou impressa 

em um vidro embaçado, a pintura no 

rosto de um índio ou a marca de batom deixada 

carinhosamente na face de alguém. 

94 . Pegada do primeiro astronauta na Lua. 

Os registros gráficos são gestos depositados 

em diferentes superfícies, revelando a 

natureza criadora do ser humano, comprovada 

desde as marcas pré-históricas até a 

expressão universal dos grafismos infantis. 

Então, nascemos com a capacidade de desenhar? 


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Todos nós, quando pequenos, já fomos arteiros, 

talvez “candidatos” a futuros artistas. 

Sem medo de arriscar, queríamos deixar 

nossas marcas em um mundo a descobrir. 

Gostávamos de desenhar, de dançar, de cantar 

e de nos expressar de todas as formas 

possíveis, explorando garatujas gráficas, sonoras 

e corporais que nos proporcionavam 

um prazer estético inerente. 

Vamos brincar de novo? 

95 . Steinberg, 1966. 

Quando a criança está envolvida no processo 

criativo, ela adora repetir o mesmo desenho, 

a mesma história, a mesma música, o mesmo 

gesto. Repetir, exaustivamente, perseguindo 

ideias até esgotar. Como em um jogo, a 

criança pequena vai exercitando sua ação e 

seu pensamento de vários modos que, em 

sucessivas tentativas, desvendam o mundo. 

Por que desenhar era tão fácil? 

Certamente, quando pequenos, nosso impulso 

de criar, registrando descobertas e comunicando 

ideias, fazia do desenho um instrumento 

de prazer tão forte quanto comer e brincar. 

A tentativa experimental é a técnica 

da vida, operação natural de aquisição 

de conhecimento através da 

experiência, da vivência. 

Célestin Freinet 

96 . Maria Eduarda. Desenho infantil espontâneo, 2006. 

Era como se todo o corpo, em um movimento 

conjunto para deixar suas marcas, concentrasse 

a energia na direção da ponta do 

lápis, elo entre o corpo e o papel. 

Desenhar é um hábito prematuro. 

Por ser tão simples é que surge 

tão cedo e é, com toda a certeza, 

a maneira mais direta de se registrar 

o que quer que seja. 

Edith Derdyk 

GARATUJA 

A criança passa pelo estágio da garatuja perto de 1 ano de idade. Ela sente prazer em traçar linhas em todos 

os sentidos, sem levantar o lápis, o qual é como se fosse o prolongamento de sua mão. Como uma forma de 

comunicação não verbal, a garatuja pode revelar o estágio de desenvolvimento das crianças sobre a percepção 

de formas e objetos. 

97 . Página à direita: Saul Steinberg. Mulheres, 1950 e Cinco Mulheres com Animais de Estimação, 1945.


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Semelhante à ação espontânea da criança 

nessa fase, o pintor americano Jackson 

Pollock desenvolveu uma técnica de pintura 

que unia o movimento do corpo à tinta que 

respingava sobre imensas telas colocadas 

no chão. 

Passeando pelo quadro, como se fosse um 

palco, ele fazia gestos em uma coreografia 

semelhante à improvisação de uma dança, 

configurando a obra. 

A performance saía da tela, e a força que comandava 

o gesto transformava-o em pintura. 

Como no trabalho de Pollock, existe também 

uma força criativa na produção gráfica 

dos pequenos arteiros que guarda semelhanças 

no desenvolvimento formal, em diferentes 

épocas e lugares, apesar de sofrer 

influências culturais. 

98 . Jackson Pollock pintando (1950). 

A mão, o braço e o corpo inteiro do 

artista não dependem da vontade 

nem da mente, mas são instrumentos 

de uma espécie de furor e euforia, 

desligados de quaisquer normas de 

composição e estéticas. 

Jackson Pollock 

Só o prazer do gesto é que conta, o 

traço ativo que se desenvolve e vive 

sua própria vida. Esse dinamismo do 

traço – que é uma das bases da pintura 

contemporânea – faz da criança um 

verdadeiro ator que se projeta na sua 

obra até que ambos se tornem um só. 

Florence de Mèredieu 

Até hoje, nos desenhos infantis, os rabiscos 

iniciais, como novelos de linha, se desenrolam 

em formas circulares, triangulares, quadrangulares, 

irregulares, que vão aos poucos 

se tornando mais complexas. 

JACKSON POLLOCK 

(Cody, 1912 – Long Island, 1956) 

Pintor americano, Pollock é um dos maiores expoentes do Expressionismo Abstrato – movimento artístico que 

se caracteriza pelo forte caráter expressivo manifesto em telas de grande formato. Desenvolveu técnica pessoal 

(dripping) em que despejava tinta sobre tela estirada no chão conforme se movimentava por ela. O resultado 

é um entrelaçado de linhas e gotas de tinta que, sem hierarquizar qualquer parte da superfície da tela, garante 

vibração uniforme da pintura. 

PERFORMANCE 

Forma de arte que associa teatro, dança, música e artes visuais. Emergiu nos anos 1960, ao desafiar as 

tradicionais categorias artísticas (pintura e escultura) e colocar em questão o próprio conceito de arte. Na base 

da performance, está o questionamento das relações entre arte e vida cotidiana. Artistas performáticos mais 

conhecidos: John Cage, o grupo Fluxus, Marina Abramovic, Vito Acconci e, aqui no Brasil, Flavio Carvalho e o 

grupo Rex. 

99 . Página à direita: Detalhe de obra de Jackson Pollock.


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Os gestos que, inicialmente, produziam 

marcas aleatórias no papel vão ganhando 

ritmo, e o desenho começa a sofrer 

uma metamorfose. 

As formas circulares amadurecem, e surgem 

as mandalas, os sóis e radiais, que são 

a base das primeiras formas e o início da 

compreensão, pela criança, do significado 

dos seus desenhos. 

100 . Maria Eduarda. Desenho infantil (mandala), 2007. 

Com um círculo e poucas linhas, a criança 

representa a figura humana, e a simplicidade 

inicial vai-se enriquecendo de detalhes, 

influenciando os futuros desenhos. 

As mandalas estão presentes, na arte, em diferentes 

culturas, principalmente na estrutura 

dos santuários, nos objetos e na decoração. 

O círculo, bem como a espiral, 

está presente em configurações 

do universo: no desenho das 

galáxias, no movimento do Sol, 

no movimento de rotação da Terra, 

nas digitais, nos redemoinhos, 

nos furacões, nas conchas, 

nos caracóis, nas células. 

Edith Derdyk 

No desenho infantil, as mandalas têm 

um significado simbólico de ordenação e 

de estruturação na busca da harmonia e 

estabilidade estética. 101 . Autor desconhecido. Quatro mandalas tibetanas (século XIV). 

MANDALA 

Palavra original do idioma sânscrito que significa “círculo”, representação geométrica da dinâmica relação entre 

o homem e o cosmo. É um diagrama composto de formas geométricas concêntricas utilizado no hinduísmo, no 

budismo e em outras práticas como objeto ritualístico e ponto focal para meditação. Há tradições espirituais que 

utilizam as mandalas para indução ao transe e compreensão da vida espiritual.

Antigamente, os espaços sagrados no Oriente 

e no Ocidente apresentavam a configuração 

circular. Muitas basílicas e catedrais cristãs 

tinham esse formato, na arquitetura, nos vitrais 

e nos elementos ritualísticos. A Catedral 

de Brasília, projeto de Oscar Niemeyer, é um 

exemplo típico e atual da forma de mandala. 

O desenho infantil é importante? 

Segundo Rudolf Arnheim, “todas as características 

fundamentais que operam de maneiras 

refinadas, complicadas e modificadas 

na arte madura apresentam-se com clareza 

elementar nas pinturas de uma criança”. 

A partir da modernidade, alguns artistas 

passam a se interessar pelas diferentes fases 

da produção gráfica infantil como fonte 

de alimentação da arte abstrata. 

Animados por um desejo de desestruturação, 

eles desenvolvem pesquisas no sentido de 

uma arte de caráter espontâneo e inventivo. 

Voltam-se para o folclore, o artesanato, as 

produções primitivas e o grafismo infantil. 

Foi o desejo de recomeçar tudo desde as bases 

da criação que permitiu uma redescoberta do universo 

gráfico e plástico da criança, assim como 

os de vários povos então chamados “primitivos”. 

Assim, esses artistas retornaram ao grafismo 

desenvolvido na infância, não só para buscar 

uma simplificação formal, mas também recusando-se 

a separar arte e vida para recuperar 

valores essenciais que caracterizam a infância. 

Não foi um simples retorno, mas uma volta 

consciente do artista que, para alcançar plenamente 

o pensamento conceitual abstrato, 

percorreu um longo caminho, acumulando 

uma bagagem estética que lhe permitiu ousar 

em novas conquistas criativas. 

Toda criança é um artista. 

O problema é como manter-se 

artista depois de crescido. 

Pablo Picasso 

A frase de Pablo Picasso, um dos nomes 

mais famosos e versáteis da arte moderna, 

demonstra a importância que ele dava à expressão 

infantil. 

A obra dinâmica do artista mostra o domínio 

que possuía nas mais diferentes técnicas 

artísticas: pintura, desenho, escultura, 

cerâmica e gravura. 

O temperamento inquieto de Picasso buscava 

sempre inovar o seu trabalho, com novas 

formas e soluções. 

Quando criança, ele gostava de representar 

cenas de touradas e, já adulto e 

famoso, fez uma série de gravuras e desenhos 

com touros. As obras são, em grande 

parte, esquemáticas. 

PABLO PICASSO 

(Málaga, 1881 – Mougins, 1973) 

Pintor, desenhista, gravador e escultor espanhol, Picasso representa o típico artista moderno, por sua falta 

de preconceitos e criatividade inesgotável. Descobriu a arte africana e desenvolveu, no início do século XX, 

com Georges Braque, o Cubismo – uma radical reestruturação das linguagens plásticas que fundamenta 

diversas vanguardas artísticas. Posteriormente, Picasso alternou temáticas e estilos diversos, posicionando-se 

politicamente em relação à guerra civil espanhola na tela Guernica. 


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No conjunto denominado Bull, 11 litografias 

apresentam simplificações sucessivas para 

uma imagem realista do animal até seu esqueleto 

ficar estritamente linear. 

102 . Pablo Picasso. Série Touro, 1945. 

Picasso consegue expressar na forma mais 

simples a ideia do touro, como a criança 

que, na fase esquemática, não desenha o 

que vê, mas o que sabe e sente. 

A arte não imita o visível, 

torna visível. 

103 . Paul Klee. Lenda do Nilo, 1937. 

Paul Klee 

Paul Klee foi outro artista cuja liberdade gráfica, 

muitas vezes, assemelha-se aos desenhos 

esquemáticos da criança. Klee criou seu 

próprio mundo pictórico, associando a poética 

e a musicalidade da linha que passeava 

sobre a superfície, fazendo surgir formas que 

uniam as linguagens musical e visual. 

PAUL KLEE 

(Münchenbuchsee, 1879 – Locarno, 1940) 

Pintor, desenhista, gravador, professor e teórico suíço, Klee produziu expressiva quantidade de trabalhos que 

enfatizam o próprio processo de formação destes por meio da experimentação de diversos materiais. Explorou 

temas da natureza e buscou aplicar à técnica artística princípios da composição musical, o que confere à cor um 

desenvolvimento polifônico e garante a seus trabalhos extraordinária liberdade de linguagem expressiva.

Nunca antes de Klee, havia-se 

deixado uma linha sonhar. 

Henri Michaux 

A formação musical de Klee, na infância, 

influenciou sua produção plástica 

quando adulto. Suas obras incluíam, com 

frequência, palavras, notações musicais e até 

símbolos hieroglíficos. 

Mesmo se você não tivesse me 

contado que ele tocava violino, 

eu teria adivinhado isso em várias 

ocasiões em que seus desenhos 

eram transcrições de música. 

Rainer Maria Rilke, sobre Paul Klee 

104 . Joan Miró. A Estrela da Manhã (da série Constelações), 1940. 

Assim como Picasso e Klee, o artista Joan 

Miró também criou sua própria linguagem 

simbólica, inventando uma escrita ágil, cursiva 

e musical. 

Seus trabalhos revelam espontaneidade no 

traçado e elaboração na técnica, representando 

a natureza, em um sentido poético e 

transcendental como as produções gráficas 

do homem primitivo ou da criança. 

Ao artista é indispensável a coragem 

de ver a vida inteira como no tempo em 

que se era criança, pois a perda dessa 

condição nos priva da possibilidade de 

uma maneira de expressão original, isto 

é, pessoal. 

Será que desenho é letra? 

105 . Maria Eduarda. 

Escrita fictícia, 2008. 

Henri Matisse 

Há uma fase do grafismo 

infantil em que a 

riqueza de invenções 

formais se repete, em 

um tipo de escrita fictícia, 

com os traços alinhados 

em uma espécie 

de magia, que busca 

uma comunicação. 

Alguns signos visuais são resgatados, lembrando 

letras que, como desenhos, possuem 

ritmo e pulsação. 

JOAN MIRÓ 

(Barcelona, 1893 – Palma de Maiorca, 1983) 

Pintor, escultor e gravador espanhol, Miró produziu inovações técnicas e artísticas decisivas para a arte do século XX. 

Expoente de viva autonomia do Surrealismo, criou um mundo próprio, por meio de composições líricas e coloridas 

baseadas em um equilíbrio dinâmico. Construiu espaços ritmados com linhas energéticas e formas fantásticas que 

sugerem organismos vivos – céus estrelados, pássaros, figuras femininas que se referem à realidade percebida e 

também ao universo dos sonhos. 


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A estrutura vertical-horizontal é 

inerente à composição visual da 

mesma forma que o ritmo à música. 

Rudolf Arnheim 

Os desenhos e os símbolos das crianças, 

quando representam ideias, são como a necessidade 

de comunicação escrita de antigas 

civilizações. 

Os astecas e os maias desenvolveram sistemas 

de comunicação por sinais. Os escritos 

em língua maia eram uma espécie de desenhos 

esculpidos em pedra. A cultura egípcia 

usou uma forma de escrita – os hieróglifos 

– que era pintada e tinha uma enorme variedade 

de sinais. 

A tradução desses escritos é a fonte histórica 

para o conhecimento dessas civilizações. 

106 . A Pedra 

de Roseta no 

Museu Britânico. 

Tão difícil quanto a tradução dos primeiros 

hieróglifos é também o entendimento das 

produções simbólicas infantis. Geralmente, 

é necessário que a criança “traduza” suas 

notações para que o adulto possa entender. 

Descobrir a existência de códigos socioculturais 

de representação leva a criança a 

sentir a necessidade de imitar e repetir o 

mundo adulto. 

Podemos dizer que todos nós já nascemos 

mergulhados em símbolos, sinais e textos. 

107 . Gabriel. Desenho esquemático infantil, 2008. 

Ao aprendermos os símbolos da linguagem 

escrita no processo de alfabetização, muitas 

vezes deixamos de criar nossa própria linguagem 

simbólica para dominar os códigos 

visuais e gráficos da cultura. 

A criança, ao reconhecer a letra que inicia seu 

nome, estabelece com ela um sentimento afetivo 

e de posse. Passa a identificá-la em diferentes 

situações, e cresce seu interesse em 

copiá-la, escrevê-la e desenhá-la. 

HIEROGLIFOS OU HIERÓGLIFOS 

São os caracteres utilizados nos sistemas antigos de escrita pictórica (composto por imagens). Largamente 

difundidos na Antiguidade, os hieroglifos até podem ter semelhança com objetos que representam, no entanto, 

o comum é que eles representem sons particulares ou grupos de sons, como os sistemas de escrita modernos. 

Hieroglifos compõem sistemas de escrita, tais como maia, hitita e cretense antigo. 

PEDRA DE ROSETA 

Elemento fundamental para a decifração da escrita egípcia. É um bloco de granito negro, com cerca de 762kg, 

com inscrições em três escritas diferentes: hieroglífica (escrita sagrada dos sacerdotes), demótica (a escrita comum 

egípcia) e grega (escrita nativa dos faraós ptolomaicos). Descoberta em 1799 perto de El-Rashid (Roseta, para os 

europeus), no Egito, por um soldado de Napoleão. O inglês Thomas Young e, mais tarde, o francês Jean-François 

Champollion foram os responsáveis pela decifração.

O desenho é um pensamento visual que 

podemos adaptar a qualquer natureza do 

conhecimento, seja ele científico, artístico, 

poético ou funcional, como, por exemplo, as 

letras do alfabeto. 

A criança quer expressar e comunicar pensamentos, 

sentimentos e desejos por meio da 

linguagem escrita. Quando aprende a escrever 

seu nome, que é muito importante por 

ser a primeira palavra com a qual trabalha, 

faz e reformula hipóteses. 

A assinatura do próprio nome é um modelo de 

escrita que ganha estabilidade antes de outras 

palavras. É uma marca de identidade, desenho 

único, presença gráfica que identifica cada um 

de nós no mundo e nos dá posse e autoria. 

A história da arte nos mostra que, na Antiguidade, 

nem sempre as obras eram identificadas, 

assinadas por seus autores. Somente 

na época medieval se instituiu a autoria, que 

se consolidou, mais tarde, no Renascimento. 

A assinatura fortalece a obra como criatura 

do seu criador e perpetua o indivíduo. 

108 . Assinatura de 

Salvador Dalí. 

110 . Assinatura de Claude Monet. 

109 . Assinatura de 

Pablo Picasso. 

Picasso vive no Cubismo ou o Cubismo vive 

em Picasso? 

Do mesmo modo que a assinatura dá voz 

ao artista, também um movimento artístico 

aliado ao estilo individual dá validade a essa 

voz. Por isso, o Cubismo lembra Picasso, o 

Impressionismo é relacionado a Monet, e o 

Surrealismo está ligado a Dalí. 

O mesmo processo ocorre em outras linguagens 

artísticas. 

A força criativa individual é, às vezes, tão 

presente que, mesmo quando os artistas, 

por diferentes motivos, se escondemem personagens 

usando outras assinaturas, transparecem 

nas obras as identidades reais. 

Esse é o caso dos heterônimos do poeta 

Fernando Pessoa, que assinam muitos de 

seus poemas; e de Julinho da Adelaide, um 

pseudônimo do compositor Chico Buarque 

de Hollanda nos anos de repressão política 

no Brasil. 

Todo tempo de grande opressão é 

tempo de grandes sutilezas. 

Millôr Fernandes 

FERNANDO PESSOA 

(Lisboa, 1888-1935) 

Considerado o maior poeta de língua portuguesa, ao lado de Luís de Camões, ou da poesia universal, junto com 

Homero, Fernando Pessoa é celebrado pelas suas diversas personalidades literárias, os “heterônimos”, como 

Alberto Caeiro, Álvaro de Campos e Ricardo Reis. Quando morreu, em 1935, não era muito conhecido, mas deixou 

milhares de originais datilografados ou manuscritos que, descobertos e publicados, o tornaram um dos maiores 

escritores da literatura ocidental. 

CHICO BUARQUE 

Nasceu no Rio de Janeiro, em 1944. Cantor e compositor consagrado, é reconhecido pela diversidade temática 

de suas canções, que alcançam grande sucesso desde a década de 1960. Também é escritor, tendo publicado as 

peças Roda Viva (1968), Calabar (1973), Gota d’Água (1975) e Ópera do Malandro (1979); a novela Fazenda Modelo 

(1974); e os romances Estorvo (1991), Benjamim (1995) e Budapeste (2003). 


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Será que letra é desenho? 

111 . Van Gogh, Carta a John Russell, 1888. 

O desenho é uma das formas de representação 

gráfica e, como a escrita, serve para 

registrar as nossas ideias e os nossos pensamentos. 

Assim, desenho e escrita são recursos 

de expressão e comunicação. 

Na Idade Média, antes da invenção da imprensa, 

os ensinamentos cristãos eram marcados 

em folhas de papel. 

Os copistas transcreviam os textos, deixando 

espaços para que os artistas fizessem as imagens, 

os cabeçalhos, os títulos ou as letras 

maiúsculas com que iniciavam as escrituras. 

Essas imagens eram denominadas iluminuras. 

Com grande rigor técnico e qualidade estética, 

os manuscritos iluminados exibiam 

ornamentações, letras desenhadas e cores 

fortes, ouro e prata na pintura decorativa. 

Essas letras eram verdadeiras obras de arte 

e aparecem, ao longo do tempo, transformadas 

em monogramas que identificam objetos 

de uso pessoal das classes da nobreza. 

112 . Manuscrito iluminado francês, c. 1470. 

ILUMINURAS 

Arte de ilustração dos livros antigos, manuscritos, que remonta à Idade Média, praticada e desenvolvida em sociedades 

islâmicas e, principalmente, na Europa. Originalmente, “iluminura” significava a ornamentação dos livros manuscritos 

com ouro ou, mais raramente, prata, o que dava a impressão de que a página ficava literalmente iluminada. Atualmente, 

remete à ilustração ou à decoração, feita com ou sem ouro, de antigos manuscritos. 

CALIGRAFIA 

A palavra “caligrafia” tem origem no grego kallos (“beleza”) e graphein (“escrever”). Para alcançar uma boa caligrafia, é 

necessário ter um conhecimento seguro da forma correta das letras e bastante habilidade para reproduzi-las da mesma 

forma ao longo de todo o texto. A arte da caligrafia privilegia a beleza da forma, não necessariamente a maior clareza 

da escrita. 

113 . Página à esquerda: iluminura medieval (detalhe). 

O desenho manual de letras e de palavras 

deu origem à arte da caligrafia, que se desenvolveu, 

de formas diferenciadas, desde 

as civilizações tradicionais até as vanguardas 

artísticas do século XX. 


93 93


94 

114 . Caracteres góticos na capa da Bíblia de Lutero, 1541. 

A caligrafia está para a escrita como 

a voz está para a fala. 

A cor, o comprimento e espessura 

das linhas, a curvatura, a disposição 

espacial, a velocidade, o ângulo de 

inclinação dos traços da escrita correspondem 

a timbre, ritmo, tom, cadência, 

melodia do discurso falado. 

Entonação gráfica. 

Sobre a Caligrafia / Arnaldo Antunes 

A letra tem um estilo que nos identifica? 

Todos nós temos um traçado próprio para 

a escrita, embora usemos o mesmo código 

padrão – o alfabeto. Por isso, a maneira 

como escrevemos é uma forma de identificação. 

A assinatura se transforma no decorrer 

dos anos. 

São vários ensaios, principalmente na juventude, 

buscando um traçado ideal que atenda 

a características individuais. A assinatura 

é o acesso à sociedade formal, funcionando 

como um crédito de identificação. 

115 . M. C. Escher. Mãos Desenhando, 1948. 

E, se nossas mãos não desenvolveram a 

habilidade da escrita, elas também podem 

funcionar como registros de identidade, por 

meio das impressões digitais, desenhos que 

a natureza fez em nossa pele, nos marcando 

como seres únicos. 

As mãos simbolizam o próprio “eu” 

da criatura. A personalidade nelas 

está gravada. Muito mais que na cara 

e no nome, nossa identidade está nas 

impressões digitais. 

luis Fernando Veríssimo 

E onde ficaram nossas expressões artísticas? 

Muitas vezes, elas estão esquecidas no 

passado, nos desenhos em cadernos, no 

registro das agendas, nas lembranças das 

músicas da infância, nas brincadeiras dramatizadas 

de faz de conta, junto com o arteiro 

que nasceu com cada um de nós.

A aquisição de diferentes códigos sociais 

pode, de certo modo, desestimular os processos 

de investigação das linguagens artísticas 

e bloquear o crescimento da expressão 

estética. Os saberes adquiridos devem 

ser sempre aliados ao exercício do pensar 

imaginativo. Dessa forma, podemos encontrar 

soluções inovadoras e ousadas, seja no 

campo da arte ou em qualquer outro campo 

de conhecimento. 

Digitais e assinaturas são desenhos exclusivos, 

próprios da identidade. 

A procura e a descoberta de um estilo pessoal, 

mesclado com os códigos culturais, 

certamente vão construindo a poética que 

marca a nossa existência. 

116 . Saul Steinberg. Sem título, c. 1950-1954. 

Minha tarefa pode ser comparada à 

obra de um explorador que penetra 

numa terra desconhecida. 

Descobrindo um povo, aprendo sua 

língua, decifro sua escrita e 

compreendo cada vez melhor sua 

civilização. Acontece o mesmo com 

todo adulto que estuda a arte infantil. 

Arno Stern 


• Os elementos visuais presentes 

na natureza. 

• Os efeitos conseguidos com o uso de 

diferentes técnicas e materiais. 

• A geometrização e simplificação de 

formas nos desenhos do homem primitivo, 

das crianças e de artistas 

contemporâneos. 

• A função simbólica da arte. 

• As marcas de identidade. 

• As formas específicas de expressão de 

cada linguagem artística. 

• A comunicação por meio da arte. 



algumas atividades para propor 

aos alunos: 

• Observar marcas na natureza: as originais 

e aquelas deixadas pela ação 

do tempo ou por outras interferências. 

Registrar marcas de folhas, troncos, 

flores e frutos, imprimindo as texturas 

com lápis cera deitado sobre a superfície 

do papel. 

• Perceber a importância das mãos 

como símbolo da presença humana, 

desde a idade das cavernas até a passarela 

da fama em Hollywood. Fazer 

o contorno da própria mão sobre um 

papel. Recortar a forma e colocá-la 

sobre uma base de cartolina. Salpicar 

guache, com o atrito de uma escova 

de dentes sobre uma peneira, para 

obter a silhueta. 


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• Pesquisar imagens com os desenhos 

primitivos das cavernas. Fazer formas 

simplificadas que mostrem ações cotidianas 

na atualidade, usando canetas 

hidrocor sobre papel pedra. 

• Olhar os grafites nos muros do bairro. 

Em grupo, pintar com hidrocor e guache 

um painel com desenhos semelhantes 

aos grafites. 

• Criar raps com assuntos escolhidos 

pela turma. Ilustrar a capa para o CD 

das músicas. Fazer uma coreografia de 

break, dançando ao ritmo das músicas. 

• Observar os elementos geométricos utilizados 

nos trabalhos artísticos indígenas. 

Geometrizar, por meio do desenho, 

formas de objetos do meio ambiente 

dos alunos. 

• Trabalhar em duplas, nas quais um aluno 

faz o contorno do corpo do outro 

colega sobre papel 40kg. Preencher a 

silhueta do próprio corpo, imitando a 

pintura corporal indígena e usando as 

cores branca, preta e vermelha. 

• Repetir a atividade acima, preenchendo 

outro contorno do corpo com tatuagens 

características do homem urbano e colorindo 

com três cores diferentes das 

anteriores. 

• Ler a poesia Traduzir-se, de Ferreira 

Gullar, e ouvir a canção composta por 

Fagner para esse poema. Fazer máscaras 

faciais divididas ao meio, com desenhos 

diferentes em cada lado, abordando os 

seguintes temas: futebol, carnaval, teatro, 

protesto e outros. 

• Criar formas diferentes para a escrita 

do próprio nome: letras em terceira dimensão, 

letras rebatidas, monogramas, 

assinaturas e outras. 

• Observar diferentes formas de mandalas. 

• Confeccionar, em grupos, grandes mandalas 

desenhadas no chão e preenchê- 

-las com elementos naturais: folhas, flores, 

sementes, terra... 

Para visitar 

117 . Mandalas tibetanas. 

Museu do Índio – A construção de 1880 

abriga um dos mais importantes acervos 

indígenas da América Latina, entre 

objetos, documentos e obras sobre a 

etnologia desses povos. 

Endereço: Rua das Palmeiras, 55, Botafogo. 

Tel.: (21) 2286-8899. 

Museu Nacional – O palácio pertenceu ao 

príncipe regente D. João VI e desde 1892 

abriga o museu. Possui uma coleção de 

esqueletos de animais pré-históricos, armas 

e objetos indígenas do mundo todo, 

além de minerais e animais. 

Endereço: Quinta da Boa Vista, s/n., 

São Cristóvão. 

Tel.: (21) 2568-8262.

Encontro marcado 

De volta ao passado 

Nós só podemos ver as coisas com 

clareza e nitidez porque temos um 

passado. E o passado se coloca 

para ajudar, ver e compreender 

o momento que estamos vivendo. 

iberê Camargo 

A arte está relacionada à natureza e a 

seus simbolismos, ao desenvolvimento individual 

das pessoas, à herança cultural 

dos grupos e à história da humanidade e 

de suas conquistas. 

O conhecimento e a dimensão estética se 

constroem e se reconstroem nas ações mais 

simples das experiências cotidianas, como 

também nas produções artísticas dos diferentes 

períodos históricos. 

118 . Busto de 

Nefertiti, 1345 a.C.. 

Encontros marcados com o passado alimentam 

o entendimento do presente e nos projetam 

para o futuro. 

Existe um único lugar onde o ontem e 

o hoje se encontram e se reconhecem e 

se abraçam, e este lugar é o amanhã. 

Eduardo Galeano 

É importante assumir nosso papel como alguém 

que tem coisas a dizer, experiências e histórias 

para compartilhar, acreditando que, no encontro 

e na troca com o outro, crescemos mesmo 

quando nossas verdades são questionadas. 

Vivemos em um mundo que transforma, a todo 

momento, paisagens, imagens e informações, 

com as quais temos que conviver. Mudanças 

são inerentes a todas as épocas e influenciam 

modos de ver, de pensar e de expressar. 

119 . Piero della 

Francesca. Retrato 

de Federico de 

Montefeltro, Duque 

de Urbino, 1465-66. 


97

A vida social está em permanente 

mudança, por mais que haja períodos 

de estabilidade nos quais todo 

conflito pareça superado. (...) 

Essas transformações resultam de 

oposições, de descobertas e de 

revoluções, e as mudanças que 

promovem repercutem no gosto e 

na arte, numa busca constante por 

formas que expressem melhor o 

momento vivido. 

Cristina Costa 

É por meio da sensibilidade estética que 

buscamos o entendimento da vida. A atitude 

de emoção e encantamento diante 

de uma obra de arte é própria dos 

seres humanos. 

O prazer estético, além de ser próprio de cada 

indivíduo, se transforma ao longo do tempo, 

pois toda época elege os critérios estéticos 

que melhor representam a arte e a cultura do 

momento. Essa dinâmica nos meios de produção 

artística influencia os padrões e o gosto 

estilísticos de determinado período histórico. 

Será que gosto não se discute? 

121 . Página à esquerda: Leonardo da Vinci. A Última Ceia, 1495-1498 (detalhe). 

Cada um de nós tem preferências relacionadas 

à idade, às experiências e aos modos de 

viver. Selecionamos paisagens, cores, imagens, 

palavras, sons, ritmos, muitas vezes, 

sem percebermos a razão de nossas escolhas, 

por não estarmos atentos às emoções 

que nos provocam. Do mesmo modo, o ato 

de rejeitar algo é também produto de uma 

emoção que sentimos e da qual nem sempre 

conseguimos identificar as origens. 

É importante aprendermos a distinguir por 

que temos determinados gostos e de onde 

vem o prazer que nos despertam, respeitando 

outras preferências e novas possibilidades. 

Nosso gosto não deve ser compartilhado 

como demonstração de verdade absoluta, 

mas como aquilo que nos identifica e difere. 

A história da arte evidencia bem a questão 

do “gosto”, que se traduz nos estilos e nos 

ideais de beleza, inerentes a épocas e a lugares 

diferentes nos quais as obras foram 

produzidas, mas também na estética do incômodo, 

do feio, do grotesco. 

Que tal marcarmos um encontro com o passado? 

Voltando no tempo, ao século XVIII, 

estamos dentro de uma igreja barroca em 

Minas Gerais. 

O esplendor da arquitetura e da decoração 

interior com seus dourados e rebuscados 

nos envolve, aprisionando nosso olhar nos 

120 . Leonardo da Vinci. 

A Última Ceia, 1495-1498. 


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detalhes esculpidos na madeira, nos anjos 

gorduchos que se espalham por toda parte, 

parecendo cuidar do local. 

Ao levantarmos a cabeça, a pintura que 

toma todo o teto da igreja nos encanta com 

sua leveza e instiga nossa curiosidade sobre 

a forma como foi realizada. Para completar o 

ambiente, uma música inesperada preenche 

todo o espaço local e o nosso interior, pelos 

acordes de um órgão centenário. 

Esse é um cenário barroco que se repete em 

várias cidades brasileiras, despertando as 

emoções humanas através dos tempos. 

No Brasil, o estilo barroco se desenvolveu 

adquirindo características próprias no encontro 

da cultura europeia, trazida pelos 

122 . Mosteiro de São Bento – Capela-mor. Fundado em 1590. 

portugueses, com os princípios enraizados 

da nossa identidade miscigenada. O dinamismo, 

as emoções, os contrastes estavam 

presentes nas diferentes linguagens da arte. 

O barroco foi tão marcante em nossa cultura 

que encontramos elementos como a curva e o 

movimento reinterpretados conceitual e estilisticamente 

na atualidade, seja na resolução 

espacial da arquitetura de Oscar Niemeyer ou 

nas releituras formais encontradas nas obras 

plásticas de Hilton Berredo e Adriana Varejão. 

123 . Adriana Varejão. Azulejões, 2000-2001. 

BARROCO 

Remete à ênfase em efeitos dinâmicos encontrada na música, na literatura, no teatro e nas artes visuais por volta 

dos séculos XVII e XVIII em diversas partes do mundo. Nas artes visuais, as obras barrocas caracterizam-se pelo uso 

de contrastes abruptos de luz e sombra e diagonais e curvas. Em oposição às belas formas clássicas, evidencia-se 

certo realismo, com a valorização da experiência cotidiana, do drama humano ou da plástica comunicativa. 

ADRIANA VAREJÃO 


Pintora carioca, começou a produzir no fim dos anos 1980 com base em referências do período colonial brasileiro: 

apropriou-se de mapas, azulejos e obras dos artistas viajantes, evocando o barroco na articulação entre pintura, 

escultura e arquitetura. No fim dos anos 1990, empregou cortes e suturas em telas que permitem entrever tinta e 

outros materiais que sugerem o aspecto de carne.

Entre os mais importantes artistas do barroco 

brasileiro, está Antônio Francisco lisboa, 

o Aleijadinho, cuja obra caracteriza diferentes 

cidades de Minas Gerais. 

O conjunto de esculturas dos profetas e das 

capelas em Congonhas do Campo mostra 

a grandiosidade do trabalho desse artista. 

Nas figuras de Aleijadinho, os olhos amendoados, 

o nariz reto e alongado, o queixo 

pontiagudo são assinaturas que marcam 

seu trabalho. 

124 . Aleijadinho. Profeta Joel, 1800-1805. 

... na paz das minas exauridas, 

conversam entre si os profetas. 

Aí onde os pôs a mão genial de 

Antônio Francisco, em perfeita comunhão 

com o adro, o santuário, a 

paisagem toda – magníficos, terríveis, 

graves e eternos –, eles falam 

de coisas do mundo que, na linguagem 

das Escrituras, se vão transformando 

em símbolos. 

Colóquio das Estátuas / 

Carlos Drummond de Andrade 

É importante observar que, mesmo quando 

a obra está relacionada aos princípios estéticos 

de um determinado período histórico, 

a marca do artista, seus gostos, suas características 

pessoais e a influência cultural se 

evidenciam, identificando seus trabalhos. 

Isso ocorre, ao longo da história da arte, 

quando alguns artistas sobressaem no conjunto 

de obras de uma época pela força expressiva 

que define sua criação. 

Se formos mais longe no tempo, encontraremos, 

no período renascentista na Itália, 

a genialidade de Michelangelo, que, aos 23 

anos, fez sua primeira obra-prima – a Pietá, 

escultura em mármore que reúne Cristo e a 

Virgem Maria. 

ANTÔNIO FRANCISCO LISBOA, O ALEIJADINHO 

(Vila Rica, atual Ouro Preto, MG, 1730-1814) 

Escultor, arquiteto e entalhador, foi o principal artista brasileiro do período colonial. Mesclou influências brasileiras 

populares e europeias eruditas e realizou obra singular no cenário barroco-rococó internacional. Esculturas devocionais, 

projetos arquitetônicos, ornamentos em pedra-sabão e conjuntos de talha de sua autoria acompanharam apogeu, crise 

e declínio do ciclo do ouro em Vila Rica, atual Ouro Preto. 

MICHELANGELO DI LODOVICO BUONARROTI SIMONI 

(Caprese, 1475 – Roma, 1564) 

Escultor, pintor, arquiteto e poeta toscano, foi o primeiro artista reconhecido como um gênio por seus 

contemporâneos. Treinado na pintura e depois na escultura, desenvolveu trabalho no afresco ou no mármore 

que revelou pleno domínio no desenho do corpo humano em qualquer posição e ângulo. Criou figuras que se 

contorcem em movimentos violentos, mas cujos contornos se mantêm sempre firmes e serenos. 


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125 . Michelangelo. Pietà, 1499. 

O Renascimento, no encontro com a arte 

greco-romana, retomou os ideais de beleza 

que, nas mãos de Michelangelo, adquiriram 

expressividade única, comprovando a identidade 

do artista. 

Por considerar a escultura uma arte divina, 

Michelangelo transportou características escultóricas 

também para a pintura. Um dos 

exemplos mais extraordinários é o teto da Capela 

Sistina, que, a pedido do Papa Júlio II, 

foi pintado em afresco. 

126 . Michelangelo. A Criação de Adão, 1508-1512. 

As mais de 300 figuras em movimento, idealizadas 

pelo artista, têm uma qualidade de 

relevo como se tivessem sido esculpidas em 

pedra colorida. 

Mesmo distantes dois séculos e pertencentes 

a movimentos artísticos com princípios 

estéticos opostos (Renascimento e Barroco), 

Michelangelo e Aleijadinho encontram-se na 

capacidade de expressar a arte de seu tempo, 

de forma única, desenvolvendo pesquisas próprias, 

apresentando novos padrões de representação 

plástica, revelando maestria incomparável 

em suas obras. 

O ser humano, em contato com uma obra de 

arte, faz dela uma leitura diretamente relacionada 

às suas referências pessoais e culturais. 

Assim, toda e qualquer linguagem é um instrumento 

que pode nos levar a viver diferentes 

momentos e decolar para outros espaços. 

E qual é o passaporte para a viagem da imaginação 

do artista? 

127 . Michelangelo. Teto da Capela Sistina, 1508-1512. 

Ainda bem que a mente viaja 

sem passagem... 

Eduardo Galeano

Percebemos que a liberdade de criação permite 

viagens por épocas e lugares diferentes, 

expressando o que o artista imagina, 

mesmo quando as obras são encomendadas 

e os temas são impostos. 

No passado, era comum a arte ser financiada 

por mecenas – nobres ricos – que determinavam 

o que queriam e pagavam pelas obras. 

A imaginação humana é tão fértil que possibilita 

ao artista representar fatos fora de seu 

tempo, de sua época. 

No período romântico, quando a emoção e o lirismo 

caracterizavam a arte, Victor Meirelles, artista 

brasileiro de formação acadêmica, pintou o 

quadro A Primeira Missa no Brasil, em 1861. 

128 . Victor Meirelles. A Primeira Missa no Brasil, 1861. 

Quase 400 anos depois da chegada dos 

portugueses, o pintor imaginou toda a composição 

da cena, procurando ser fiel ao relato 

de Pero Vaz de Caminha na carta ao rei 

D. Manuel. 

Em nosso país, essa é uma das pinturas 

mais populares e já faz parte do imaginário 

cultural brasileiro. Foi reproduzida em 

cédulas de dinheiro, em capas de caderno 

e em livros escolares, representando esse 

momento da história do Brasil de maneira 

tão forte que consolidou como “verdadeira” 

a criação do artista. 

Acreditamos na imagem criada por Victor 

Meirelles como se ela fosse uma foto 

do acontecimento. 

ROMANTISMO 

Movimento artístico, literário, filosófico que reagiu ao racionalismo iluminista e teve seu auge na Europa do 

início do século XIX. Em contraposição ao equilíbrio e à clareza clássicos, as obras românticas se caracterizavam 

pelo excesso – paixões e emoções manifestas por uma viva subjetividade. Foi nesse período que surgiu a 

própria ideia de criação artística, que passou a ser entendida como produto de uma individualidade. 

VICTOR MEIRELLES 

(Desterro, atual Florianópolis, 1832 – Rio de Janeiro, 1903) 

Pintor e desenhista acadêmico brasileiro, foi um dos maiores representantes de nossa pintura romântica, ou pintura 

histórica, que visa construir a imagem da nação recém-independente por meio da representação dos primeiros 

habitantes e de eventos históricos marcantes. Recebeu várias encomendas de quadros oficiais, entre eles, A Primeira 

Missa no Brasil e a Batalha de Riachuelo. 


103

...esta imagem do descobrimento 

dificilmente poderá vir a ser apagada 

ou substituída. Ela é a primeira 

missa no Brasil. 

Jorge Coli 

O quadro de Victor Meirelles, anos depois, 

foi fonte de inspiração para os pintores Candido 

Portinari e Glauco Rodrigues. 

Portinari, em 1948, retomou o tema em um 

mural encomendado para a sede do Banco 

Boavista, na cidade do Rio de Janeiro, com a 

função educativa de aproximar o público da 

arte e da sua história. 

129 . Candido Portinari. A Primeira Missa no Brasil, 1948. 

A obra tem características modernistas, sem 

preocupação com a descrição feita na carta 

de Caminha, apresentando uma composição 

cenográfica com figuras geometrizadas. 

130 . Glauco Rodrigues. Carta de Pero Vaz de Caminha — 

26 de Abril de 1500, 1971. 

CANDIDO PORTINARI 

(Brodósqui, SP, 1903 – Rio de Janeiro, 1962) 

Pintor e desenhista brasileiro, foi talvez o principal representante de nosso Modernismo artístico ao realizar obra 

afinada com a ênfase social do governo de Getúlio Vargas nos anos 1930. De formação acadêmica, teve interesse pela 

arte moderna, em especial por Picasso, e pelo Muralismo mexicano, cujo forte caráter social vai ao encontro de seu 

objetivo de criar uma arte baseada em tipos populares e trabalhadores. 

GLAUCO OTÁVIO RODRIGUES 

(Bagé, RS, 1929 – Rio de Janeiro, 2004) 

Consagrado artista brasileiro, pintor, desenhista, gravador, ilustrador e cenógrafo. Em 1958, mudou-se para o Rio de 

Janeiro e integrou a primeira equipe da revista Senhor. Produziu obras sobre temas nacionais, como o índio, o carnaval, 

o futebol, a natureza tropical e a história do Brasil. É autor do painel em mosaico na entrada da Fundação Oswaldo Cruz 

(RJ) e de outro que se encontra no Aeroporto Internacional de Salvador (BA). 

131 . Página à esquerda: Carta de Pero Vaz de Caminha (detalhe). 

Glauco Rodrigues, em 1971, para contestar o 

modelo cultural vigente no país, elaborou a 

série A Carta de Pero Vaz de Caminha, com 

26 quadros que, como uma história em quadrinhos, 

narram o descobrimento com legendas 

retiradas da própria carta. Um desses 

quadros remete diretamente à obra de Victor 

Meirelles, mas com características de uma 

irreverente alegoria, apresentando figuras 

pertencentes a várias épocas brasileiras. 

Do mesmo modo que na pintura, a carta de 

Pero Vaz de Caminha deu origem a criações 

artísticas em outras linguagens. São exemplos 

o livro A Viagem do Descobrimento, de 

Eduardo Bueno, publicado em 1998, e o texto 

Segunda Carta de Pero Vaz de Caminha 

a El Rei, de Darcy Ribeiro, escrito em 1960, 

que narra a construção de Brasília. 

Assuntos, temas, tendências e estilos se 

propagam por todas as linguagens da arte, 

deixando marcados os lugares e as épocas 

onde e quando floresceram. 


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Cada obra pede uma interpretação 

diferente. A história de uma obra 

de arte é a história de seu autor e 

de sua época, mas é, também, a 

história das sucessivas leituras 

dela que foram feitas. 

Frederico de Morais 

No Brasil do século XIX, o Romantismo procurou 

uma linguagem própria, nacional, com temas 

ligados ao índio, a fatos históricos, a costumes 

brasileiros. Nas diferentes linguagens 

artísticas, esse estilo apareceu e se consolidou, 

conferindo prestígio e popularidade às 

artes, com uma maior frequência da sociedade 

a espetáculos teatrais, musicais e exposições. 

O tema indianista aparece na literatura de 

José de Alencar e na música de Carlos Gomes; 

o negro está na obra de Bernardo Guimarães 

e na poesia de Castro Alves. 

Os tipos regionais brasileiros são representados 

no teatro de Martins Pena e, mais 

tarde, no trabalho de Arthur Azevedo. Essa 

mesma temática caracteriza a obra do pintor 

Almeida Júnior, que, com seus tipos populares 

do interior do Brasil, mostra a paisagem, 

a luz e o sabor da terra. 

Em nosso país, o Romantismo foi um movimento 

eclético que perdurou por cerca de 50 

anos e envolveu estilos e temas diferenciados 

em torno da busca de uma brasilidade, com 

paixão e liberdade de criação e aberto a mudanças 

na pesquisa da sensibilidade humana. 

132 . Almeida Júnior. O Violeiro, 1899. 

As ideias geradas por nossa imaginação, as 

mensagens que trazemos dentro de nós tornam- 

-se realidade em diferentes encontros. O encontro 

com o nosso tempo, com o nosso espaço, 

com a nossa sensibilidade. O encontro com as 

origens, com o passado, com o legado artístico 

e cultural. E um provável encontro futuro do 

que de nós ficar com as próximas gerações. 

Esses encontros se tornam marcantes na troca e 

comunicação das criações de artistas e arteiros. 

Às vezes me reconheço nos demais. 

Me reconheço nos que ficarão, nos 

amigos abrigos, loucos lindos de 

justiça e bichos voadores da beleza e 

demais vadios e mal cuidados que andam 

por aí e por aí continuarão, como 

continuarão as estrelas da noite e as 

ondas do mar. Então, quando me reconheço 

neles, eu sou ar aprendendo a 

saber-se continuado no vento. (...) 

Quando eu já não estiver, o vento 

estará, continuará estando. 

O Ar e o Vento / Eduardo Galeano 

ALMEIDA JÚNIOR 

(Itu, SP, 1850 – Piracicaba, SP, 1899) 

Pintor e desenhista brasileiro, ocupa lugar em nossa história da arte com sua pintura regionalista. Renova a 

temática de nossa pintura ao retratar sua região, a expressão e os costumes do homem da terra; enfatiza a 

luminosidade solar, patente no clareamento de sua paleta. Ao valorizar o que é próprio de nossa cultura, é 

celebrado por alguns intelectuais como precursor do Modernismo.

Marca registrada 

O tempo se esvai, mas suas 

marcas ficam registradas 

a partir das linguagens. 

larissa Alves 

Qual a marca do seu tempo, da sua cidade, 

do seu país? 

Alguns sinais registram flagrantes da vida 

urbana: outdoors, vitrines, placas, sinais, letreiros 

luminosos inundam as cidades, buscando 

comunicação com as pessoas que 

passam nas ruas. 

133 . Times Square, Nova York. 

Talvez a agitação dos tempos atuais tenha, 

nesses flashes rápidos, a marca dos grandes 

centros urbanos. 

Ao entrarmos nas lojas, o jogo de formas 

e de cores dos produtos, dos rótulos e das 

embalagens procura prender o nosso olhar 

e apela para o consumo. Isso acontece na 

sociedade a partir da Revolução industrial, 

quando uma nova maneira de conceber a realidade 

impôs um modo de vida diferente 

nos centros urbanos. 

A produção em larga escala passou a oferecer 

uma grande quantidade de produtos 

para venda e precisava de consumidores 

para adquiri-los. A produção, nessa época, 

superava a demanda. 

REVOLUÇÃO INDUSTRIAL 

Período em que ocorreu a mudança de uma economia, agrária e artesanal, para outra, dominada pela industrialização 

mecanizada e produção em grande escala. Esse processo iniciou-se na Inglaterra no século XVIII e, favorecido pela 

reforma protestante (com o enfraquecimento da nobreza, a redução do poder do clero e a redistribuição de terras e 

bens da Igreja), espalhou-se para outras partes do mundo. 


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A necessidade de organizar, racional e visualmente, 

os produtos que seriam consumidos 

fez surgir o marketing e o design, 

que usam estratégias de comunicação para 

estimular o consumo e os negócios. 

Esses novos campos da criação desenvolveram-se 

com a colaboração de artistas 

plásticos, responsáveis pela visualidade 

das campanhas, e de músicos que criavam 

jingles para serem veiculados no rádio e, 

mais tarde, na televisão. 

No século XIX, o artista francês toulouse- 

-lautrec foi o precursor da publicidade moderna, 

pois, com seus cartazes, descobriu os 

segredos da comunicação. Segundo Giulio 

Argan, ele “foi o primeiro a intuir a importância 

daquele novo ‘gênero’ artístico, tipicamente 

urbano, que é a publicidade – desenhar 

um cartaz ou a capa de um programa 

constituía, para ele, um compromisso tão 

sério quanto fazer um quadro”. 

Paris conheceu o gênio gráfico de Lautrec 

a partir dos cartazes com as bailarinas do 

Moulin Rouge, marca registrada do artista, 

que fizeram dele o cartazista mais solicitado 

da época. 

Ultrapassando os limites da contemplação 

impressionista, Lautrec buscou representar 

modos de viver a vida, de forma crítica e 

irônica, expressando uma maneira ativa 

de estar no mundo, ao produzir uma arte 

de comunicação. 

134 . Henri de Toulouse-Lautrec. Moulin Rouge: La Goulue, 1891. 

Até hoje, os cartazes da Belle Époque alcançam 

grande sucesso como objetos de decoração, 

aparecendo em diferentes lugares no 

nosso dia a dia. São coloridos, divertidos e 

nos remetem à alegria dos cafés parisienses. 

135 . Jules Chéret. 

Cosmydor Savon, 

1891. 

HENRI DE TOULOUSE-LAUTREC 

(Albi, 1864 – Saint-André-du-Bois, 1901) 

Pintor, gravador e desenhista francês, retratou o cotidiano urbano parisiense do século XIX, em particular o mundo 

efêmero e brilhante do teatro de variedades. Sua arte coincidiu com dois dos maiores desenvolvimentos da cidade 

no período: o nascimento da gravura moderna e a explosão da cultura da vida noturna. Com seus pôsteres, levou o 

meio popular da litografia de propaganda ao campo da alta arte. 

BELLE ÉPOQUE 

Literalmente, “Bela Época”, nome dado na França ao período de efervescência cultural, avanços tecnológicos e 

euforia capitalista vivenciado na Europa entre o fim do século XIX e o início do século XX, em que se verificou uma 

elevação no padrão de vida das classes média e alta. Tal desenvolvimento foi favorecido pela existência de longo 

período de paz, encerrado com a eclosão da I Guerra Mundial (1914). 

136 . Página à direita: Henri de Toulouse-Lautrec. A Palhaça Cha U-Ka no Moulin Rouge, 1897.


110 

Os objetos da vida cotidiana podem ser trabalhos 

artísticos? 

No século XIX, já havia uma preocupação estética 

com os objetos, aproximando artistas 

plásticos e artesãos, mas ainda predominava 

a produção artesanal. 

No fim desse século, o movimento Art 

Nouveau procurou preservar o contato do 

artista com a natureza, por meio de um artesanato 

habilidoso, com linhas sinuosas, 

elementos vegetais e características dos animais, 

transformando formas naturais em formas 

decorativas. 

Os teóricos do movimento Art 

Nouveau preconizavam que a 

arte devia estar presente em todos 

os momentos de nossa vida, os 

artistas deviam desenhar desde 

quadros, até colheres e cadeiras. 

Esses objetos deviam também ser 

produzidos a baixo custo para 

poderem ser adquiridos pelas 

diferentes camadas sociais. 

Desejavam, portanto, o 

desaparecimento da divisão 

entre artes menores e maiores e 

o reconhecimento de uma única 

forma de arte, presente em todos 

os momentos e aspectos da vida. 

leonardo Visconti Cavalleiro 

137 . René Lalique. Mulher Libélula (ornamento de corpete), 

1897-1898. 

O Art Nouveau chegou ao Brasil? 

O artista Eliseu Visconti, conhecedor do movimento 

na Europa, procurou adaptar o estilo 

à nossa cultura e aos recursos existentes no 

país. Realizou, no Rio de Janeiro, a primeira 

exposição de arte aplicada à indústria, sendo 

considerado pioneiro do design no país. 

A mostra incluía vários projetos: objetos de 

ferro, luminárias públicas, grades, cerâmica, 

vitrais, estamparia em tecido, papel de parede, 

capas de livros, revistas e cartazes. 

138 . Eliseu Visconti. Moringa executada para a inauguração do 

Theatro Municipal, 1909. 

ART NOUVEAU 

Estilo artístico internacional que se desenvolveu na Europa da passagem do século XIX para o XX e espalhou-se pelo 

mundo. Na busca por comunicar o dinamismo moderno, arabescos e linhas sinuosas inspiradas em formas naturais 

foram aplicados em arquitetura, mobiliário e artes gráficas. O estilo buscou adaptar-se ao modo de produção industrial 

ao utilizar novos materiais, como o ferro e o vidro. 

139 . Página à direita: Koloman Moser. Envelope para partitura de ópera, 1909 (detalhe).


112 

O estilo Art Nouveau uniu arquitetos de 

vanguarda às transformações da indústria. 

As formas da natureza foram transportadas 

para os novos materiais de construção – o 

vidro e o ferro –, abrindo um caminho estético 

para uma arquitetura diferente. 

São exemplos do estilo Art Nouveau: a Vila 

Penteado, em São Paulo, e o interior da 

Confeitaria Colombo, no Rio de Janeiro, onde 

beleza e elegância são marcas registradas 

de uma época. 

Com raízes no Art Nouveau, mas apresentando 

uma maior simplicidade no estilo, o 

Art Déco adaptou princípios do Cubismo na 

geometrização das formas e influenciou as 

artes gráficas, o cinema e diferentes campos 

das artes visuais. 

140 . Confeitaria Colombo. 

As marcas do Déco na arquitetura estão espalhadas 

pelo nosso país. A cidade de Goiânia 

possui um grande acervo; em São Paulo, 

encontramos o Estádio do Pacaembu e, no 

Rio de Janeiro, o Teatro Carlos Gomes e a 

torre do relógio da Central do Brasil. 

Observamos, também, a presença desse estilo 

no Monumento às Bandeiras, de Victor 

Brecheret, em São Paulo, e no Cristo Redentor, 

projeto do engenheiro Heitor da Silva 

Costa, no Rio de Janeiro, considerada a 

maior estátua art déco do mundo. 

141 . Victor Brecheret. Monumento às Bandeiras, 1936-1953. 

142 . Cristo Redentor, 1931. 

ART DÉCO 

Estilo decorativo francês presente na arquitetura, no design e na moda dos anos 1920/30. Influenciado pelo 

Art Nouveau, dele se distingue por emprego de linhas retas, curvas regulares e padrões geométricos. Adaptou 

formas dos movimentos artísticos de vanguarda a objetos, mobiliário, joias, design gráfico, etc. Surgiu como 

estilo luxuoso, mas adequou-se a materiais e formas compatíveis com a produção industrial ao expandir-se 

pelo mundo.

Assim, a partir do século XX, surgiram novas 

ideias para integrar arte, artesanato e indústria, 

tornando os objetos não só funcionais, mas 

também possuidores de uma beleza estética. 

Com esses objetivos, o arquiteto Walter 

Gropius fundou, na Alemanha, a Escola 

Bauhaus, onde professores-artistas pesquisavam 

cores, formas e materiais para a criação 

de objetos artísticos. 

143 . Marcel Breuer. Cadeira em Tubo de Aço, 1928. 

A Bauhaus procurava reunir pintura, 

escultura, arquitetura, desenho industrial 

numa mesma ação: 

reconciliar as artes e os ofícios 

às artes e a técnica. 

Michel Ragon 

Os princípios do Art Nouveau e da Bauhaus 

ultrapassaram sua história e seu tempo, 

contribuindo para o desenvolvimento de 

uma preocupação estética na indústria, 

cujos resultados podem ser observados em 

nosso cotidiano. 

Então, a indústria e a arte estabeleceram 

uma aliança eterna? 

Em determinados momentos, uma se vale da 

outra, em alianças instáveis e temporárias, às 

vezes gerando conflitos. Mas devemos reconhecer 

que a indústria imprimiu um novo ritmo 

à produção cultural, além de popularizá-la. 

A vida que a tecnologia industrial criou nos 

grandes centros urbanos marcou, por exemplo, 

as origens da Pop Art, movimento artístico 

que surgiu nos Estados Unidos, no século 

XX, e alcançou repercussão internacional. 

Os temas utilizados pelos artistas pop são 

os símbolos e os produtos industrializados 

destinados ao público em geral. 

O principal representante da Pop Art foi o 

americano Andy Warhol, que desafiou as 

convenções tradicionais sobre unicidade, autenticidade 

e autoria da obra de arte, colocando-a 

em outro patamar, em uma atitude 

de ousadia e provocação. 

WALTER GROPIUS 

(Berlim, 1883 – Boston, 1969) 

Arquiteto, teórico e professor alemão, Gropius realizou uma das obras mais influentes do movimento moderno. 

Idealizador e diretor da Bauhaus, propôs arquitetura inovadora, marcada por emprego ousado de materiais 

(vidro, aço, concreto). Na busca por integrar indivíduo e sociedade, arte e indústria, forma e função, baseou sua 

obra na definição de uma metodologia do projeto capaz de encontrar soluções de aplicação universal. 

BAUHAUS (1919-1933) 

Escola alemã de arte, design e arquitetura que buscou unir arte e ofícios ao restabelecer a ligação entre criatividade 

artística e manufatura. Idealizada em 1919 por Walter Gropius, objetivou criar prédios, utensílios, mobiliário, 

livros, etc. tomando-se por base um projeto capaz de determinar uma forma racional adequada à produção 

em série. Seus professores se ligaram às mais avançadas tendências artísticas e propuseram a pesquisa de forma 

e materiais em aulas teóricas e oficinas práticas. 

POP ART (ARTE POP) 

Movimento artístico internacional que se apropriou de imagens da cultura de massa (história em quadrinhos, propaganda) 

veiculadas em diversas mídias. O termo surgiu na Inglaterra (1954) com a sátira de um grupo de artistas à sociedade 

de consumo. Manifestou-se com vigor nos EUA dos anos 1960, quando a relação direta entre produção de imagens e 

tecnologias de reprodução em série evidenciou o aspecto anônimo adquirido pelo objeto, consumido por sua imagem, e 

não por seu valor. 


113


114 

Sua inspiração partia das prateleiras dos 

supermercados. Eram latas de sopa, molho 

de tomate, garrafas de refrigerante, detergentes, 

caixas de sabão em pó, marcas da 

cultura americana que, por meio da técnica 

da serigrafia, eram reproduzidas, repetidas 

e ressignificadas. 

A Pop Art não é um movimento coeso, mas 

tem, no gosto pelo imaginário popular e pelas 

técnicas comerciais, o registro de sua 

principal marca. 

O artista observa a sua volta e escolhe imagens 

prontas para compor o seu trabalho, extraindo 

beleza e crítica de um simples produto. 

Trata-se, então, de uma “arte pirata”? 

Mesmo copiando imagens existentes no cotidiano, 

artistas como Andy Warhol as tomam 

por empréstimo e fazem uma nova leitura 

compositiva, transformando, com ironia, esses 

objetos em obras de arte. 

144 . Andy Warhol. Latas de Sopa Campbell’s, 1962. 

Querendo mostrar que políticos, artistas 

e celebridades têm suas imagens públicas 

também consumidas como um produto, pela 

mídia, Andy manipulava fotos instantâneas 

de personalidades que eram símbolos de 

beleza, glamour ou poder, multiplicando e 

compondo diversas galerias de retratos. 

No futuro, sem dúvida, todo 

o mundo ficará famoso 

durante 15 minutos. 

Andy Warhol 

Warhol cultivou o gênero do retrato ao longo 

de toda a sua carreira e se autorretratou 

com frequência, com a mesma ironia que caracteriza 

sua obra. 

ANDY WARHOL 

(Filadélfia, 1930 – Nova York, 1987) 

Artista e cineasta norte-americano, trabalhou tomando por base os signos banais e anônimos que circulavam em 

jornais e publicidade. Adotou como técnica principal a serigrafia, valendo-se da lógica da produção serial para 

questionar a noção de criatividade no mundo da reprodução e do consumo, os limites entre alta e baixa cultura e 

entre público e privado.

E a pintura de retratos tem espaço na 

atualidade? 

O retrato está na origem da pintura, mas, 

nos dias de hoje, ainda é comum, nas 

praças de nossa cidade, encontrarmos 

desenhistas especializados em retratar 

as pessoas. 

O ser humano, para se sentir eternizado, 

sempre quis deixar uma marca registrada 

de sua própria imagem e, assim, ser lembrado 

no futuro. 

Retratos e autorretratos estão presentes na 

história da arte, de formas diferentes, ao 

longo do tempo. 

A moda da pintura de retratos surgiu no século 

XVI, e o artista deveria ter a habilidade 

de transparecer a identidade, a classe social 

e a semelhança do retratado. 

Toda pessoa abastada posava pelo menos 

uma vez na vida para que um pintor fizesse 

seu retrato. 

No século XIX, a fotografia substituiu, em 

grande parte, o retrato pintado, que voltou a 

surgir de outras formas no século XX. 

145 . Andy Warhol. Díptico 

Marilyn, 1962. 

146 . Rafael Sanzio. Senhora com Unicórnio, 1505-1506. 

O retrato é um ajudante da memória; 

ele sobrevive à morte do modelo e 

será testemunha silenciosa nas 

gerações futuras. 

Véronique Antoine-Andersen 


115

Se, em outras épocas, o artista tinha o compromisso 

de representar fielmente o modelo, 

após a invenção da fotografia, o pintor 

adquiriu mais liberdade expressiva na representação 

da figura humana, que pode ganhar 

massas coloridas, geometrizações, texturas 

e inúmeras possibilidades de interferências. 

Na história da arte, o artista que mais se autorretratou 

foi Rembrandt, com mais de cem obras. 

Desde jovem, pintou seu rosto e, ao longo 

da vida, registrou as marcas que o tempo 

desenhou, transformando sua aparência. 

147 . Rembrandt. Autorretrato, 1660. 

Quererão saber que espécie 

de pessoa eu fui. 

Rembrandt 

Na busca de outro sentido para o autorretrato, 

o pintor holandês Vincent van 

Gogh também fez numerosas telas. Sua 

vida breve não necessitou de um registro 

da passagem do tempo em seu rosto, mas 

sim das marcas intensas deixadas pelo sofrimento 

e pelos conflitos interiores de um 

temperamento ardente. 

148 . Vincent van Gogh. Autorretrato com chapéu de feltro, 

inverno de 1887-1888. 

A cor era, para Van Gogh, o elemento fundamental 

da pintura. Em suas obras expressionistas, 

libertou-se de qualquer naturalismo 

no emprego das cores. Cada espaço da tela 

foi preenchido pela tinta, pelo pincel, pela 

cor, matéria e linha. Ele queria captar a beleza 

dos seres e a essência da vida humana, 

por meio de uma explosão de cores. 

Prefiro pintar olhos humanos 

a catedrais... 

A alma de um ser humano é 

mais interessante em minha opinião. 

VINCENT VAN GOGH 

(Zundert, 1853 – Auvers-sur-Oise, 1890) 

Pintor holandês, típico artista romântico, cuja obra foi incompreendida durante sua vida. Estruturou suas telas 

com pinceladas marcadas de cores vibrantes, cuja comunicação direta e efeito imediato fizeram de seus girassóis, 

ciprestes e autorretratos as mais conhecidas pinturas modernas. Desinteressado pela representação exata da 

natureza, exagerava cores e formas para transmitir o que sentia em relação às coisas que pintava. 

149 . Página à esquerda: Rembrandt. Autorretrato, 1640. 

Van Gogh 


117


118 

Rostos verdes, amarelos e azuis nos retratos 

expressionistas. E por que não? 

No Expressionismo, a tinta pura explode, 

com ousadia e vivacidade, procurando representar 

as angústias e as emoções humanas, 

o medo e a solidão do homem às vésperas 

da Primeira Guerra Mundial. 

Após voltar da Academia de Belas Artes de 

Berlim, a pintora Anita Malfatti mostrou suas 

pinturas expressionistas em exposições na 

cidade de São Paulo. 

150 . Anita Malfatti. A Estudante Russa, c. 1915. 

Anita, distante do academicismo ainda em voga 

na época, retratou os modelos com coloridos 

fortes. Suas telas foram muito criticadas, mas 

tiveram importância histórica na construção de 

uma visão modernizadora de nossa cultura. 

Pintei A Estudante Russa, O Homem 

Amarelo, O Japonês, A Mulher de 

Cabelos Verdes e muitos quadros... 

Eu estava em pleno idílio pictórico. 

Anita Malfatti 

Artistas inovadores uniram-se em torno de 

Anita e alimentaram a ideia de, em grupo, 

apresentarem o que se fazia de mais moderno 

no país. Para eles, a arte brasileira 

deveria marcar o encontro da cultura europeia 

com a diversidade da cultura nacional, 

registrando de elementos da miscigenação à 

singularidade da natureza tropical. 

A valorização nacional era o propósito da Geração 

22, que culminaria na Semana de Arte 

Moderna, no Theatro Municipal de São Paulo, 

com espetáculos e exposições que reuniam 

pintores, escultores, músicos, desenhistas, arquitetos 

e escritores com trabalhos que buscavam 

uma arte genuinamente brasileira. 

EXPRESSIONISMO 

Tendência artística moderna, encontrada em pintura, poesia, cinema, dança e teatro, que surgiu na Alemanha 

no início do século XX e se difundiu pelo mundo. Caracterizou-se pela ênfase na visão subjetiva em relação à 

representação objetiva do mundo: artistas distorciam formas, cores e sons para comunicar suas próprias emoções 

interiores que se projetavam sobre a realidade e provocavam efeito emocional. 

ANITA MALFATTI 

(São Paulo, 1889-1964) 

Pintora, desenhista e gravadora, Malfatti foi pioneira nas artes visuais do Modernismo brasileiro ao executar 

nossas primeiras pinturas com características modernas (uso de cores intensas ou distorção do desenho). Em 1917, 

após temporada no exterior, onde se formou em meio à intensa atividade artística e cultural de Berlim e Nova 

York, a artista realizou uma mostra em São Paulo que provocou polêmica em nosso meio cultural provinciano. 

SEMANA DE 22 (OU SEMANA DE ARTE MODERNA) 

Mostra de artes plásticas e sessões literomusicais realizada no Theatro Municipal de São Paulo entre 13 e 18 de 

fevereiro de 1922. Integrante das festividades do Centenário da Independência do Brasil, o evento manifestou 

o desejo de independência cultural a partir da ruptura com o academicismo de cunho europeu. Sem programa 

estético definido, configurou marco simbólico de nosso Modernismo, sobretudo pelos debates então mobilizados.

A pintora tarsila do Amaral, apesar de não 

haver participado da Semana de 1922, colaborou 

decisivamente com sua obra para o 

desenvolvimento de uma expressão artística 

moderna ligada às nossas raízes. 

151 . Di Cavalcanti. Capa do Catálogo de 

Semana de Arte Moderna. 

Tarsila recriou, em um clima de magia, a realidade 

cultural brasileira. Em sua fase chamada 

“pau-brasil”, segundo o crítico Sérgio 

Milliet, as principais características são “as 

cores ditas caipiras, rosas e azuis, as flores 

de baú, a estilização geométrica das frutas e 

plantas tropicais, dos caboclos e negros, da 

melancolia das cidadezinhas, tudo isso enquadrado 

na solidez da construção cubista”. 

Por meio de formas e cores, Tarsila reencontrou 

as fontes culturais regionais nas lembranças 

de sua experiência de menina criada 

em uma fazenda. 

A fase seguinte de sua pintura, chamada 

“antropofágica”, é marcada pela obra Abaporu, 

que hoje é a tela brasileira mais valorizada 

no mundo. 

“Abaporu” é uma palavra indígena que significa 

“homem que come gente” e fazia uma 

referência à chamada antropofagia modernista, 

que se propunha a digerir a cultura estrangeira 

e adaptá-la à realidade brasileira. 

Nos anos seguintes, o Modernismo buscou 

a sua consolidação, e surgiram manifestos 

com diferentes propostas estéticas que tinham 

também um cunho político e social. 

O ambiente modernista ganhou espaço em 

todas as linguagens da arte. 

152 . Tarsila do Amaral. Abaporu, 1928. 

A obra musical de Heitor Villa-Lobos incorporou 

elementos do folclore, das músicas 

populares, das melodias indígenas, a sonoridade 

dos pássaros e a realidade brasileira. 

O rádio popularizou as gravações de nomes 

importantes da música popular, como Pixinguinha, 

Noel Rosa e Ary Barroso. O cinema 

ganhou impulso com a criação de estúdios e 

a obra de Humberto Mauro. 

TARSILA DO AMARAL 

(Capivari, SP, 1886 – São Paulo, 1973) 

Pintora e desenhista, Tarsila foi uma figura central do Modernismo visual brasileiro. Sua arte se desenvolveu com 

base na fusão entre arte moderna europeia (em especial, o Cubismo) e o Modernismo de Malfatti, Mário e Oswald 

de Andrade. Atenta à plasticidade moderna, voltou-se para o que é próprio à nossa cultura: usou cores, trabalhou 

temas brasileiros e inspirou Oswald de Andrade na concepção do movimento antropofágico com a tela Abaporu. 


119


120 

O arquiteto Lúcio Costa dirigiu a Escola de 

Belas Artes, abrindo espaço para a modernização 

do ensino. A pintura enfocou temas 

regionalistas e a preocupação social nas telas 

de Guignard e Portinari. 

153 . Alberto Guignard. Paisagem Imaginante, 1960. 

154 . Candido Portinari. Café, 1935. 

A Semana de 1922 foi a marca registrada da 

modernidade das artes em nosso país, que, 

tendo por base a visão do nacional e do particular, 

influenciou a vida cultural brasileira 

por cerca de duas décadas. 

Marcas são símbolos, registros, ícones que 

identificam e perpetuam momentos, épocas, 

lugares, pessoas. Elas podem estimular nossos 

sentidos quando encontram eco em nossa 

percepção. 

Se uma música nos marcou, sempre que a 

ouvirmos voltaremos a um momento, a um 

lugar, a uma pessoa. Um perfume que nos 

envolve retoma sonhos perdidos na lembrança. 

O olhar, estimulado por uma tela, por um 

espetáculo de teatro, pelas flores de um jardim, 

aprisionará para sempre as imagens. 

Essas e tantas outras marcas, mesmo aquelas 

mais sofridas, ficam gravadas e fazem parte 

do nosso repertório de vida e do modo sensível 

como nos relacionamos com o mundo. 

As marcas registradas, em cada um de nós, 

são a matéria-prima da criação que impulsiona 

e identifica o fazer de artistas e arteiros. 

No fim tu hás de ver que as coisas mais 

leves são as únicas 

que o vento não conseguiu levar: 

um estribilho antigo 

um carinho no momento preciso 

o folhear de um livro de poemas 

o cheiro que tinha um dia o próprio vento. 


Mario Quintana 

• Os estilos de arte em diferentes épocas 

e culturas. 

• As principais características de diferentes 

períodos da história da arte: Renascimento, 

Barroco, Pop Art, Romantismo, 

Expressionismo e Modernismo. 

• As “marcas” que identificam artistas e 

estilos de arte. 

• A Bauhaus e o desenho industrial. 

• Os movimentos artísticos transformando 

as linguagens da arte.




• Pesquisar o Barroco brasileiro e conhecer 

a obra de Aleijadinho. 

• Comparar a escultura Pietá, de Michelangelo, 

com um dos Profetas, de Aleijadinho, 

percebendo características estéticas 

do Renascimento e do Barroco. 

• Analisar A Primeira Missa no Brasil, de 

Victor Meirelles (1861), e compará-la às 

obras de Portinari (1948) e de Glauco Rodrigues 

(1971), percebendo o mesmo tema 

pintado em épocas diferentes e a contextualização 

social. Escolher um elemento 

de cada uma das obras analisadas anteriormente, 

disponíveis em cópias recortadas. 

Criar uma composição que integre os 

elementos, utilizando desenho, colagem e 

pintura com materiais diversos. 

• Selecionar uma imagem e descrevê-la, 

detalhadamente, em uma carta para 

um amigo pintor. As cartas serão distribuídas, 

aleatoriamente, para a turma, 

e cada aluno será o pintor, que deverá 

criar uma imagem, para o texto recebido, 

por meio de desenho e pintura. 

Comparar as imagens iniciais com o texto 

descritivo e com os trabalhos plásticos 

dos alunos. 

• Observar obras de Toulouse-Lautrec com 

as bailarinas do Moulin Rouge e os cartazes 

da Belle Époque. Em dupla, fazer 

um cartaz para um show, um baile ou 

uma festa que acontecerá no bairro. 

• Imaginar um produto diferente. Em grupo, 

criar a logomarca e a propaganda 

do produto para ser veiculada em revista, 

outdoor, rádio e televisão. Apresentar 

os trabalhos para a turma. 

• Conhecer a obra de Andy Warhol e a Pop 

Art. Trazer rótulos de produtos para sala 

de aula e fazer montagens compositivas, 

com repetição ou alternância dos elementos 

presentes nos rótulos. Poderão ser 

usados recursos do computador para a 

elaboração dos trabalhos. 

• Observar autorretratos pintados por Rembrandt 

e Van Gogh e retratos pintados 

por Anita Malfatti. Trabalhando em dupla, 

fazer o retrato do colega, e vice-versa. De 

posse do desenho do próprio rosto, decorar 

com cores e formas preferidas. 

• Pesquisar sobre o Modernismo no Brasil 

e a Semana de 22. A partir da silhueta 

do Abaporu, de Tarsila do Amaral, transformar 

a figura em outro personagem. 

Em um diedro feito com papel cartão, 

criar um cenário com pintura, desenho e 

colagem para receber o novo Abaporu. 

• Comparar as obras de Anita Malfatti e 

Tarsila do Amaral pintadas com o mesmo 

tema: As Margaridas de Mário de 

Andrade. Sortear um mesmo tema para 

duplas de alunos. Cada participante deverá 

criar seu próprio desenho ou sua 

própria pintura com base no tema sorteado. 

Analisar os trabalhos dos alunos. 

155 . Anita Malfatti. 

As Margaridas de Mário, 

1922. 

156 . Tarsila do Amaral. 

Margaridas de Mário 

de Andrade, 1922. 

• Pensar, responder e trocar experiências 

com o grupo: Qual seria a sua 

“marca registrada”? Qual música, imagem, 

filme que mais o marcou? Como 

representaria essa “marca” em linguagem 

plástica? 


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Para visitar 

Centro Cultural Banco do Brasil – O CCBB está instalado na antiga sede do Banco do 

Brasil, um prédio histórico construído em 1880, em estilo neoclássico, que abriga salas 

de exposições, teatros, salas de vídeo e cinema, bibliotecas e auditório. O setor 

educativo apoia professores com cursos, palestras e visitas guiadas para alunos. 

Endereço: Rua Primeiro de Março, 66, Centro. 

Tel.: (21) 3808-2070. 

Museu Nacional de Belas Artes – Possui um grande acervo de obras de arte brasileiras 

do século XVII ao século XX e obras de artistas estrangeiros, entre pinturas, 

esculturas e desenhos. 

Endereço: Avenida Rio Branco, 199, Centro. 

Tel.: (21) 2240-0068. 

Mosteiro de São Bento – Fundado em 1590, o mosteiro beneditino do Rio de Janeiro 

é um dos principais monumentos da arte colonial do país. Possui um interior 

riquíssimo, nos estilos barroco e rococó. 

Endereço: Rua Dom Gerardo, 68, Centro. 

Tel.: (21) 2206-8100. 

Cristo Redentor – Cartão-postal carioca, com 38m de altura, possui um mirante de 

onde se descortina uma das mais belas vistas da cidade. Foi eleito uma das 

7 Novas Maravilhas do Mundo Moderno. 

Endereço: Rua Cosme Velho, 513, Cosme Velho. 

Tel.: (21) 2558-1329. 

Caminho Niemeyer – Conjunto arquitetônico projetado por Oscar Niemeyer que integra 

várias construções, entre elas a Fundação Oscar Niemeyer, o Teatro Popular, o 

Museu do Cinema e o MAC. 

Endereço: Rua Plínio Leite, s/n., Boa Viagem, Niterói. 

Tel.: (21) 2613-2613.


EM TODA PARTE 

Minhas características distintivas talvez sejam a contraditória 

vontade insofreável de compreender e o gosto do fazer, 

que me converteram em híbrido de intelectual e fazedor. 

Darcy Ribeiro

Quem tem arte reparte 

Entre o fazer e o saber 

Quem somos nós senão uma combina- 

tória de experiências, informações, 

de leitura, de imaginações? 

Cada vida é uma enciclopédia, 

uma biblioteca, um inventário de 

objetos, uma amostragem de estilos, 

onde tudo pode ser continuamente 

remexido e reordenado de todas 

as maneiras possíveis. 

italo Calvino 

O homem acumula experiências ao longo de 

sua vida, e, muitas vezes, são os objetos do 

cotidiano que contam essas vivências. 

O cesto indígena, com trançado de palha, 

guarda as revistas da semana; a moringa 

de barro do Nordeste, hoje, abriga flores no 

centro da mesa; a trama delicada do crochê 

é um tecido decorativo cobrindo o sofá; o 

prato de porcelana pintado, que pertenceu a 

um familiar, agora enfeita a parede da sala. 

São todos exemplos de produtos da criação 

artística do homem, ressignificados em 

nosso ambiente. 

Não é só a utilidade que torna os objetos 

artesanais tão atraentes; eles também despertam 

os nossos sentidos por meio de uma 

energia vital, pois são feitos por mãos humanas 

para mãos humanas. Carregam, assim, 

o potencial estético tanto de quem os 

criou quanto de quem os possui. Mantêm 

sua força criativa ao serem reordenados e 

até redirecionados em novas funções, estimulados 

pela imaginação do homem. 

157 . Vaso de barro com flores. 

No trabalho do artesão, há um 

constante movimento pendular entre 

utilidade e beleza. Esse intercâmbio 

contínuo tem um nome: prazer. 

As coisas são prazerosas porque 

são úteis e belas. 

octavio Paz 


125


126 

A atividade manual é muito antiga, com suas 

diversas técnicas de produção, que foram 

passadas pela tradição e pela necessidade 

do grupo, em diferentes culturas e épocas. 

Os objetos artesanais produzidos guardam 

características locais e podem ter função utilitária, 

lúdica, decorativa ou religiosa. 

158 . Artesanato. 

É importante lembrar que o mundo foi construído 

integralmente de modo artesanal até 

a Revolução Industrial, que só aconteceu há 

cerca de três séculos. Os objetos manufaturados, 

entretanto, continuaram a ser produzidos 

e hoje convivem com os produtos industrializados, 

compondo o nosso dia a dia. 

Geralmente, os artesãos utilizam material disponível 

na comunidade, transformando com 

suas mãos essa matéria-prima em objeto único 

e original, mesmo quando ele apresenta 

um padrão característico de seu grupo social. 

Todo artista vê na matéria a ser trabalhada 

um grande desafio para o fazer criativo. Seu 

imaginário cria algo novo e inusitado com o 

barro, a madeira, os fios, a pedra e tudo o 

que estiver ao alcance. 

(...) o material pode ser nobre ou pobre, 

não importa, mas a forma, qualquer que 

seja, tem que se impor à nossa visão por 

sua expressividade. (...) 

Ferreira Gullar 

O barro e a madeira, que a natureza nos oferece, 

são materiais de vasta utilização pelo 

homem em suas manifestações artísticas 

através dos tempos. 

Um extraordinário exemplo do uso artesanal 

do barro é o exército de terracota (210-209 

a.C.) feito por artistas desconhecidos para o 

imperador da China, com o objetivo de acompanhá-lo 

em sua “vida após a morte”. Na 

construção desse mausoléu, mais de oito mil 

figuras foram enterradas em valas, ocupando 

uma área de 16 mil metros quadrados. 

159 . Guerreiros de Xian. 

Mausoléu do primeiro 

imperador da China. 

GUERREIROS E CAVALOS DE TERRACOTA 

(210-209 a.C.) 

Série de esculturas moldadas em tamanho natural por cerca de 700 mil trabalhadores, que representa os 

exércitos de Qin Shi Huang, primeiro imperador da China, e que foi enterrada com ele em seu mausoléu. Em 1974, 

camponeses descobriram 1.087 guerreiros e cavalos em uma fossa. Estima-se que haja outras 6.000 estátuas desse 

tipo. O trabalho foi listado pela Unesco em 1987 como uma das heranças culturais do mundo.

Os guerreiros foram esculpidos em tamanho 

natural, com seus uniformes, suas armas, 

seus cavalos e suas carruagens. Estão de pé, 

em formação de batalha, entre as muralhas 

de barro. Parte desse rico conjunto escultórico, 

descoberto em 1974, viaja em exposições 

itinerantes pelo mundo e impressiona os observadores 

com sua beleza enigmática. 

Obras como essa comprovam que a criação 

humana não tem limites e deixam nossa 

curiosidade sem respostas. Quantas mãos 

se uniram nesse trabalho? Como desenvolveram 

técnicas tão eficientes e sofisticadas? 

Como conseguiram dar expressões tão fortes 

às figuras feitas em barro? 

Do outro lado do mundo, as civilizações antigas 

que habitaram o continente americano 

deixaram também uma herança artística que 

inclui a arquitetura de monumentos, pinturas, 

esculturas e cerâmicas. Trata-se das 

manifestações culturais de civilizações do 

México, da América Central e do norte da 

América do Sul. 

Os artesãos pré-colombianos se expressaram 

por meio de diferentes materiais. Em barro, 

produziram formas de arte sofisticadas. As 

cerâmicas eram confeccionadas para uso diário 

ou cerimonial, sendo estas mais decoradas 

e com desenhos pintados. 

A confecção de objetos cerâmicos é uma linguagem 

visual universal, por meio da qual o 

homem vem, ao longo do tempo, procurando 

traduzir sua concepção de mundo. 

160 . Vaso maia 

decorado com 

quatro figuras humanas 

sentadas, 

550-850 d.C. 

Na busca por reunir o passado ao presente 

e o imaginário à realidade, o ofício de 

transformar o barro em objetos de arte vem 

sendo exercido também por muitos artistas- 

-artesãos brasileiros. 

No Vale do Jequitinhonha, estranhas e belas 

figuras que trazem marcas da cerâmica indígena 

e as inusitadas moringas antropomórficas, 

pintadas com arabescos e flores, são 

exemplos da inventividade do nosso povo. 

161 . Cerâmica do Vale 

do Jequitinhonha. 

162 . Ulisses. Moringa de Três 

Cabeças, década de 1980. 

ARTE PRÉ-COLOMBIANA 

Refere-se à produção de utensílios, relevos, pinturas, esculturas, amuletos, tecidos, templos e edifícios dos 

povos nativos da América espanhola antes da chegada de Cristóvão Colombo (1492). A vinda dos europeus 

desestabilizou e destruiu grande parte das civilizações maia (América Central), asteca (México) e inca (América 

do Sul). Parte de sua cultura material, porém, sobreviveu, o que permite a realização de pesquisas sobre essas 

culturas como um todo. 

MORINGA ANTROPOMÓRFICA 

Moringa é um vaso de barro bojudo e de gargalo estreito que serve para acondicionar água e conservá-la 

fresca. O prefixo grego “anthropos” significa “homem”. Moringas antropomórficas são vasos que possuem formas 

assemelhadas à humana ou que remetem a atributos humanos. 


127


128 

Do mesmo modo, o barro, que, nas mãos de 

Mestre Vitalino, se transformava em pequenos 

personagens que habitavam o cotidiano 

do artista, também ganha força expressiva 

nas grandes esculturas de Brennand. 

Vitalino Pereira dos Santos, pernambucano, 

viveu em Caruaru e, inicialmente, vendia suas 

peças nas feiras como brinquedos. Hoje, suas 

esculturas são reconhecidas nacionalmente 

pelo registro de imagens da cultura nordestina: 

costumes, personagens e crenças. 

Perpetuada no barro, a tipologia 

estabelecida pelo artista, 

fruto de suas observações 

atentas ao modo de vida do 

povo, estimulou seguidores entre 

familiares e membros da comunidade, 

que continuam desenvolvendo 

experiências com 

o mesmo material, dando continuidade 

à temática do mestre. 

163 . Mestre Vitalino. Lampião. 

164 . Mestre Vitalino. Retirantes, década de 1960. 

(...) o artista sabe imprimir com 

poucos detalhes, na fisionomia 

simples de suas figuras, sentimentos 

bem conhecidos do homem das pequenas 

cidades e povoados nordestinos. 

Graça Proença 

Também nascido em Pernambuco e contemporâneo 

de Vitalino, o artista Francisco 

Brennand utiliza o barro de forma mística e 

mágica, em obras de grandes dimensões, 

com formas criadas pelo imaginário inquieto 

do artista. 

165 . Museu e Oficina Francisco Brennand. 

Alguns de seus trabalhos têm a temática ligada 

à mitologia greco-romana, mas apresentam 

uma concepção moderna na simplicidade 

das linhas, sem excessos decorativos. 

MESTRE VITALINO (VITALINO PEREIRA DOS SANTOS) 

(Caruaru, PE, 1909-1963) 

Ceramista. Desde a infância, produziu bonecos de barro para vendê-los nas feiras nordestinas com os trabalhos de louça 

da mãe. Suas esculturas em barro abordam os temas da vida do homem sertanejo, os animais e os costumes de sua 

região. A obra de Vitalino e a sua influência sobre outros artistas locais fizeram com que o povoado de Alto do Moura, 

onde viveu, fosse reconhecido como o maior “Centro de Arte Figurativa das Américas” pela Unesco. 

FRANCISCO BRENNAND 

(Recife, 1927) 

Ceramista, escultor, desenhista, pintor, tapeceiro, ilustrador, gravador. Iniciou sua carreira como pintor e escultor 

no fim da década de 1940. Em novembro de 1971, começou a reconstruir a velha Cerâmica São João da Várzea, 

fundada pelo seu pai em 1917. Esse conjunto, encontrado em ruínas, deu início a um colossal projeto de esculturas 

cerâmicas. Hoje, abriga 2.000 peças do artista e é um importante centro de atração turística e cultural do Recife. 

166 . Página à direita: Escultura de Francisco Brennand (detalhe).


130 

Vitalino e Brennand, com o mesmo material, 

expressam o mundo com singularidades próprias. 

Apesar de distintas, suas obras constroem 

um universo cultural, relacionando- 

-se dialeticamente com o espaço, o tempo 

e o público através da experiência estética. 

(...) temos realmente a impressão 

de que o sonhador que modela 

segue melhor os interesses do 

devaneio íntimo do que o sonhador 

que contempla. 

Gaston Bachelard 

O trabalho de pesquisas sucessivas em torno 

da organicidade da argila, do barro ancestral, 

tornou-se um elemento marcante na obra da 

carioca Celeida tostes. Em 1982, ela expôs 

um múltiplo com dez mil ovos de barro, representando 

a fertilidade e dessacralizando a 

obra de arte como objeto único e raro. 

Outro trabalho inusitado de Celeida é a Aldeia 

Furnarius Rufus, inspirado no pássaro 

joão-de-barro, oleiro que constrói sua casa 

para procriar e, depois, abandona-a. 

167 . Celeida Tostes. Aldeia Furnarius Rufus, 1992. 

A Aldeia é composta por 50 casas, sendo cinco 

originais do joão-de-barro e 45 feitas com 

moldagens e interferências da artista. A obra 

refere-se tanto ao pássaro quanto a uma aldeia 

xavante às margens do Rio das Mortes, 

possibilitando o estabelecimento de conexões 

socioculturais, discutindo-as esteticamente. 

Segundo a artista, “o trabalho é um contraponto 

entre dois ceramistas: um com 

uma ‘tecnologia’ genética e outro, eu, Celeida 

Tostes, com uma tecnologia adquirida 

pelo homem”. 

A Aldeia Furnarius Rufus representou o Brasil, 

em 1984, na exposição Arquitetura da Terra, 

no Centro Georges Pompidou, em Paris. 

Certamente, a atividade de Celeida como 

professora, paralela à experiência de artista 

plástica, enriqueceu sua obra pelo exercício 

da observação e pelo registro das marcas 

individuais deixadas, por diferentes mãos, 

na plasticidade do barro. 

Celeida Tostes foi mais uma artista que dividiu 

sua sensibilidade e seu conhecimento, 

recriando a matéria do barro, da argila, da 

cerâmica, por partes diversificadas nos muitos 

lugares onde esteve. 

Feliz aquele que transfere o que 

sabe e aprende o que ensina. 

Cora Coralina 

CELEIDA TOSTES 

(Rio de Janeiro, 1929-1995) 

Escultora e professora, encontrou no barro a matéria-prima por excelência de sua arte. Explorou as características 

físicas e sensoriais desse material ancestral em esculturas e instalações que vão além da funcionalidade. Evidenciou o 

vínculo orgânico entre cerâmica, feminilidade, fertilidade, nascimento e morte, presentes em formas circulares, vênus 

e ovos e em seu Rito de Passagem. Sempre na busca da prática coletiva, realizou projetos em comunidades periféricas do 

Rio de Janeiro.

Uma verdadeira escola de artesãos formou- 

-se em torno da obra de Ana das Carrancas, 

na cidade de Petrolina, Pernambuco. 

Para fazer seus trabalhos de barro, essa 

artista inspirou-se nas figuras de madeira, 

multicoloridas, que vinham na proa das barcaças 

que aportavam às margens do Rio São 

Francisco. O barro utilizado era retirado do 

leito do rio para depois ser amassado, modelado 

e então cozido. 

168 . Ana das Carrancas no trabalho. 

As peças de Ana, em um estilo próprio, com 

formas simples e primitivas, são conhecidas 

mundialmente. 

As carrancas, que antes eram esculpidas pelos 

artesãos para afastar os perigos existentes 

nas águas, perderam sua função original 

e, hoje, confeccionadas em barro ou madeira, 

continuam a ser produzidas e são utilizadas 

como objetos de decoração. 

169 . Carranca tradicional de madeira na proa de um barco. 

Se, ao trabalhar com o barro, o escultor pode 

modelar diretamente, a madeira pede ferramentas 

que, funcionando como extensões da 

mão, possibilitam que a habilidade do artista 

dê forma ao rígido material. 

O trabalho de entalhes na madeira, herança 

da colonização portuguesa, foi difundido de 

Norte a Sul do país, adquirindo feições e funções 

locais. No Nordeste, a arte da xilogravura 

é utilizada na impressão dos folhetos da 

literatura de cordel, transformando em imagens 

aspectos da temática do poema popular. 

170 . Folhetos de cordel. 

XILOGRAVURA 

Técnica de gravura que consiste no entalhe de imagem feito com instrumento cortante em bloco de madeira 

(matriz), imagem que depois é impressa sobre papel ou tecido especial. As partes não impressas são removidas, e 

aquelas a serem impressas permanecem na superfície do bloco. Um rolo embebido em tinta cobre essa superfície, 

que, depois de pressionada sobre o papel, revela a imagem. De provável origem chinesa, no Ocidente, a técnica se 

afirmou durante a Idade Média. Chegou ao Brasil com os portugueses e é muito usada com a literatura de cordel 

do Nordeste brasileiro. 


131


132 

Era bonito nas feiras se ver os grandes 

rodados de matutos para ouvirem os 

folhetinhos cantados por poetas, ao ar 

livre, com gestos bem-humorados. 

J. Borges 

O famoso cordelista e gravador de folhetos 

José Francisco Borges, que nasceu em Bezerros, 

Pernambuco, em 1935, conjuga a xilogravura 

e a literatura de cordel, descrevendo 

a vida das pessoas, sua fé, suas esperanças. 

O artista, conhecido como J. Borges, na década 

de 1960, teve seu trabalho reconhecido nacionalmente. 

Publicou álbuns com um vasto repertório 

do universo cultural nordestino, exibindo 

figuras exóticas, histórias e lendas populares. 

Sua obra tem muitos 

seguidores, 

principalmente familiares 

que aprenderam 

com ele a 

arte da xilogravura. 

171 . J. Borges. Briga da 

Onça com a Serpente. 

A mão feliz do trabalho renasce em nós 

no ofício do gravador. 

O trabalho da goiva testemunha a força 

desenhante que reanima a madeira morta. 

Cavando, riscando, sulcos vão criando 

vazios e cheios, comandados por uma 

caligrafia geométrica. 

Da madeira à impressão no papel 

branco, nada é esquecido pela mão- 

-compasso do artista. 

Mirian Celeste Martins e Gisa Picosque 

172 . Gilvan Samico. 

Comedor de Folhas, 1962. 

Transcendendo as fronteiras do cordel, o artista 

Gilvan Samico reelabora o romanceiro 

popular, recriando em seus trabalhos lendas 

sertanejas, reinos imaginários e mitos de 

suas raízes culturais. 

JOSÉ FRANCISCO BORGES 

(Bezerros, PE, 1935) 

Conhecido como J. Borges, é cordelista e xilogravurista. Entre os temas da cultura nordestina presentes em seu 

repertório, estão: o cotidiano do pobre, o cangaço, o amor, os crimes, a corrupção, os folguedos populares, a 

religiosidade. Premiado no Brasil e no exterior, foi condecorado com a Ordem do Mérito Cultural (Ministério da Cultura, 

1999), recebeu o prêmio da Unesco Ação Educativa/Cultural. Sua xilogravura A Vida na Floresta foi escolhida para abrir 

o calendário das Nações Unidas de 2002. 

GILVAN SAMICO 

(Recife, 1928) 

Gravador, pintor, desenhista, professor universitário. Sua obra é inspirada pelo Nordeste, por meio das gravuras que 

ilustram os cancioneiros populares, mesclando elementos simbólicos e religiosos – caboclos, santos, monstros, diabos e 

estranhas aves de rapina. Suas gravuras expressam uma dicotomia, o claro e o escuro, o dia e a noite, o bem e o 

mal. Em 1971, foi convidado por Ariano Suassuna a integrar o Movimento Armorial, voltado à cultura nordestina e à 

literatura de cordel. Tem obras em importantes museus do Brasil e do exterior e já foi premiado na Bienal de Veneza. 

173 . Página à direita: J. Borges. São Francisco.

Impulsionado pelo poeta Ariano Suassuna, 

Samico encontrou, no universo popular, uma 

linguagem própria. 

Nos anos 1950, em contato com oswaldo 

Goeldi, Samico enriqueceu ainda mais a sua 

técnica de gravura, conduzindo a carga expressiva 

do seu trabalho de modo cada vez 

mais elaborado. 

Goeldi grava a linha branca. 

A maioria dos gravadores de cordel 

grava a linha preta. 

A partir de certo momento, começa 

a se evidenciar a linha preta em 

minhas gravuras. (...) 

Tem crítico que diz que a matriz 

de minha obra é muito mais antiga 

que o cordel. (...) 

É como se fossem histórias 

antigas se repetindo nos genes 

até chegar a mim. 

Gilvan Samico 

A gravura brasileira encontra forte expressão 

na obra de Oswaldo Goeldi, que, com 

apuro técnico ímpar, deixa transparecer, 

em uma atmosfera de lirismo, a solidão 

humana, o abandono e o desamparo, elementos 

que caracterizam a construção de 

seu repertório temático. 

Em suas gravuras, predomina o preto das 

formas, contrastando com os poucos traços 

brancos do papel, que deixam a luz passar 

sobre as superfícies negras. As cores surgem 

posteriormente, destacando detalhes da obra. 

174 . Oswaldo Goeldi. Chuva, c. 1957. 

175 . Oswaldo Goeldi. Xilogravura para o livro 

Cobra Norato, de Raul Bopp, 1937. 

ARIANO VILAR SUASSUNA 

(João Pessoa, 1927) 

Dramaturgo, poeta, romancista, professor universitário. Membro da Academia Brasileira de Letras desde 1989. Foi 

Secretário de Cultura de Pernambuco. Fundou em 1970 o Movimento Armorial com o objetivo de valorizar a cultura 

do Nordeste, realizando uma arte brasileira erudita com base nas raízes populares. Suas obras mais conhecidas são 

Auto da Compadecida e Romance d’A Pedra do Reino e o Príncipe do Sangue do Vai-e-Volta. 

OSWALDO GOELDI 


Gravador, ilustrador e desenhista, encontrou na xilogravura o meio preferencial para expressar sua angústia. Retratou 

pescadores, indivíduos solitários, casas, ruas, latas, urubus, cães vadios – objetos comuns, e abandonados, de um Rio 

de Janeiro cuja urbanização produziu indivíduos à margem da sociedade. Em cenas escuras, feitas da superfície negra da 

tinta pontuada por “traços de luz” (branco do papel) das incisões feitas na madeira, figuras se misturam ao fundo, formas 

se parecem umas com as outras, revelando uma atmosfera misteriosa – o assombro que faz parte de nosso cotidiano. 

176 . Página à esquerda: Oswaldo Goeldi. Sem título, 1950 (detalhe). 


135


136 

Que estranho homem será esse que 

resolve as nossas emoções mais subter- 

râneas com figuras de pavor, de solidão 

e tristeza. Que sortilégio especial 

emana daqueles quadrados escuros 

saídos da madeira e que nos gritam 

um apelo tão profundo e dramático, 

despertando inesperadas ressonâncias? 

Rachel de Queiroz 

A xilogravura é uma técnica que serve a diferentes 

propósitos criativos dos artistas. Sua 

vitalidade, vinda das marcas gravadas na madeira 

e impressas no papel, atende ao relato 

de aspectos da vida cotidiana feito na literatura 

de cordel de J. Borges, à apresentação do 

mundo místico de Gilvan Samico e também à 

representação da dramaticidade da vida urbana 

retratada pelo carioca Oswaldo Goeldi. 

Perceber os signos e a poética desses artistas 

conduz um olhar diferente sobre a arte, 

de modo a compreender, ressignificar e contextualizar 

a expressividade imaginativa do 

povo brasileiro. 

A capacidade inventiva do ser humano 

é evidenciada, por toda parte, por meio 

de expressões diversificadas, influenciadas 

pelo meio social e carregadas de 

bagagens individuais. 

Há os artistas que repartem seus conhecimentos 

em torno de seu trabalho, formando 

seguidores prontos para trilhar seus próprios 

caminhos expressivos. Há os artistas que, 

solitariamente, seguem seu percurso criativo, 

mas tornam-se referência por terem uma 

obra marcante e inovadora. 

Considerando que a imaginação humana não 

tem limites, é o talento do artista que o leva 

a observar e captar sensações, formas, atitudes, 

gestos, transportando-os para o barro, 

a madeira e qualquer outro material. Por 

isso, são tênues as fronteiras que separam a 

criação popular da criação erudita. 

As produções artísticas, renovadas e marcadas 

pela atualidade, tornam-se signos de seu tempo. 

Existe, então, diferença entre arte e artesanato? 

A partir do século XX, com a quebra de preconceitos 

anunciada pela Semana de Arte 

Moderna de 1922, pelo movimento regionalista 

pernambucano, liderado por Gilberto 

Freyre, pelas Bienais de São Paulo e por 

grandes exposições nacionais, a arte popular 

passou a ser valorizada e sua estética 

contribuiu para aproximá-la da arte erudita. 

As discussões entre o fazer popular e a criação 

erudita são complexas, envolvendo valores 

e concepções que foram implementados 

177 . Prédio da Bienal de São Paulo, projetado por Oscar Niemeyer. 

BIENAL INTERNACIONAL DE SÃO PAULO 

Mostra internacional de arte realizada de dois em dois anos, criada pelo empresário Ciccillo Matarazzo em 1951. 

Primeira exposição de arte moderna de grande porte realizada fora dos centros culturais europeus e norte-americanos, 

permitiu o confronto entre a arte realizada entre nós e a produção moderna internacional, integrando o sistema 

de arte local ao circuito mundial. É realizada em prédio do Parque Ibirapuera com projeto de Oscar Niemeyer e 

Burle Marx.

socialmente, ocasionando, frequentemente, 

um desnível de prestígio e de poder entre 

o trabalho manual e o trabalho intelectual. 

É importante lembrar que as produções artísticas 

artesanais mostram a sabedoria popular 

em vários campos do conhecimento. 

O conhecimento das numerosas matérias- 

-primas utilizadas: barro, madeira, palmeiras, 

cipós, fibras e outras. O conhecimento 

do local onde essas matérias podem ser 

encontradas, da forma correta de coletá-las 

e prepará-las para serem trabalhadas. O conhecimento 

sobre tinturas, vernizes e colas 

para dar terminalidade ao trabalho. O conhecimento 

sobre os elementos decorativos, 

sua adequação e organização espacial. 

A soma desses e tantos outros conhecimentos 

presentes no artesanato evidenciam 

que ação e pensamento seguem juntos no 

caminho da criação, valorizando a obra e o 

artista popular. 

Caminhamos para um redirecionamento no 

uso dessas categorias, pois, na verdade, o 

fazer e o saber não são realidades distantes 

e distintas entre si nem devem ser transformados 

em instrumento de discriminação, 

criando hierarquização entre objetos e pessoas. 

Eles se complementam na construção 

artística e em seus conteúdos simbólicos, 

não produzindo arte popular nem arte erudita, 

mas, simplesmente, arte. 

Afirmemos, sem discutir por enquanto, 

que todo artista tem de ser ao mesmo 

tempo artesão. Isso parece incontestável 

e, na realidade, se perscrutamos a 

existência de qualquer grande pintor, 

escultor, desenhista ou músico, encontramos, 

por detrás do artista, o artesão. 

Mário de Andrade 

A parte de cada um 

Não é possível o desenvolvimento de 

uma cultura sem o desenvolvimento 

de suas formas artísticas. 

Ana Mae Barbosa 

Através dos tempos, muitos músicos, cantores, 

bailarinos, poetas, escritores, pintores, 

atores e escultores desenvolvem seus talentos 

apenas por amor e paixão, de modo informal. 

Já se identificaram com alguma linguagem 

da arte, percebendo seu próprio potencial 

criativo, mas, por algum motivo, não se inseriram 

profissionalmente no meio artístico. 

Na verdade, todos nós fazemos arte ou nos 

relacionamos com os outros através dela. Temos 

a capacidade inata para apreciar o sentido 

estético e a poética da vida, mas precisamos 

vivenciar a experiência da criação. 

Como nos tornamos artistas? 

Ao direcionarmos nossa capacidade criativa 

para o campo das linguagens da arte, assumimos 

também as responsabilidades que 

a profissionalização em qualquer área exige. 

Além de respeito às regras, ao estudo e ao 

trabalho, o comprometimento com essa atividade 

requer dedicação, e não só prazer. 

Desse modo, podemos até nos considerar 

artistas, mas o reconhecimento público envolve 

muitos outros fatores. 

Convém lembrar que, em muitas civilizações, 

a arte foi construída por artistas anônimos. 

E, muitas vezes, eles não eram aceitos na 

sociedade intelectual, porque trabalhavam 

com as próprias mãos para viver, sendo por 


137


138 

isso considerados pessoas inferiores. Esse é 

o caso de alguns autores das maravilhosas 

esculturas gregas, tão valorizadas pela sua 

beleza clássica. 

Mais importante do que se tornar um artista 

famoso é a possibilidade de dar voz à força 

latente da criação que o ser humano possui, 

canalizando seu potencial criador, qualquer 

que seja o campo profissional de atuação. 

A predisposição em procurar na arte uma forma 

de justificar a própria existência conduz 

algumas pessoas a se inserir no campo artístico 

como autodidatas. Muitos se descobrem 

artistas na própria atividade que exercem. 

É o caso de Antônio Batista da Silva, que, 

de simples oleiro “fazedor de potes”, se tornou 

um dos mais conceituados ceramistas 

do país. Conhecido como Antônio Poteiro, 

esse português natural do Minho e residente 

em Goiânia manuseava o barro de forma 

simples e poética, levando em conta o imaginário 

popular. Criou narrativas circulares, 

reescrevendo no barro histórias que recolhia 

da vida e dos sonhos. 

178 . Antônio Poteiro. 179 . Antônio Poteiro. Cristo Carregando 

a Cruz, década de 1960. 

Sua obra revela, de formas diferentes, vivências 

pessoais em que se misturam o plástico 

e o narrativo, a ingenuidade e a irreverência. 

Poteiro também se expressa pela pintura e 

transporta para seus quadros histórias do 

povo. Sonha suas telas, e, no espaço colorido, 

rodam cirandas, cavalhadas, festas, futebol, 

em um mundo que não para de girar 

na arte e na vida. 

180 . Antônio Poteiro. Cavalhadas, 2008. 

O ceramista e o pintor revelam de forma 

singular a originalidade da criação de 

Antônio Poteiro. 

Os potes são compulsivos, formam 

histórias incríveis, escritas e inscritas 

em suas superfícies em relevo tátil e 

sensual. Sua pintura é hoje a melhor 

do país entre os naïfs. 

Alberto Beuttenmüller 

ANTÔNIO POTEIRO 

(Minho, 1925 – Goiânia, 2010) 

Escultor, pintor e ceramista. Filho de ceramista português, chegou ao Brasil ainda criança. Morou em São Paulo e em 

Minas Gerais, radicou-se em Goiânia. Começou a trabalhar cedo com cerâmica e escultura. Ganhou a vida com a fabricação 

de cerâmica utilitária (daí o sobrenome “artístico” Poteiro). Incentivado por artistas, começou a pintar e transportou os 

temas religiosos e regionais das peças de cerâmica para a tela. Participou de exposições no Brasil e no exterior. 

181 . Página à direita: Adailton. Folia de Reis, década de 1980 (detalhe).

A necessidade de se expressar por meio de 

uma das linguagens da arte pode ser tão forte 

que procura caminhos para se concretizar, 

em qualquer época da vida. 

Ousar sem constrangimentos, desenvolver 

um trabalho sem regras definidas foi o caminho 

encontrado por alguns artistas autodidatas 

que fizeram uma pintura conhecida, 

no Brasil, como Arte Naïf. 

São os poetas anarquistas do pincel. 

lucien Finkelstein 

Podemos encontrar pintores naïfs entre donas 

de casa, comerciantes, professores, jornalistas, 

médicos, advogados. São pessoas 

que pintam com a alma, de modo espontâneo, 

retratando a vida com liberdade estética 

e livres de convenções. 

O termo Arte Naïf foi utilizado, pela primeira 

vez, no início do século XX para identificar 

as pinturas do francês Henri Rousseau, um 

autodidata admirado pela vanguarda artística 

de sua época. Sua obra abriu caminhos para 

outros pintores, conquistando a crítica, ganhando 

espaço em museus e marcando lugar 

na história da arte. 

182 . Henri Rousseau. Uma Noite de Carnaval, 1886. 

Rousseau deixou a natureza entrar nas telas de 

um modo todo próprio. Plantas exóticas, animais 

estranhos, lugares inusitados dão caráter 

ingênuo e fantasioso ao seu trabalho. O uso 

ritmado dos elementos e a palheta de cores vivas 

também caracterizam a pintura do artista. 

Admirador de Rousseau, o pintor francês 

Paul Gauguin busca no ambiente da natureza 

e na cultura popular elementos para criar 

com autenticidade e espontaneidade. 

Em determinado momento de sua carreira, 

opondo-se à sociedade industrial, porque nela 

não encontra condições para revigorar seu trabalho, 

ele inverte a rota, viajando para o Taiti. 

ARTE NAÏF 

O termo naïf significa “ingênuo” em francês. Arte Naïf é a arte produzida por autodidatas, que não têm formação 

artística erudita. Caracteriza-se por ausência de técnicas tradicionais de representação, pelo uso de cores brilhantes 

e pela descrição minuciosa de elementos. No final do século XIX, o francês Henri Rousseau foi reconhecido como 

um pintor naïf. No século XX, a Arte Naïf foi considerada uma modalidade específica e desenvolveu-se sobretudo 

na França, na Itália, na Iugoslávia, no Haiti e no Brasil. 

PAUL GAUGUIN 

(Paris, 1848 – Atuona, 1903) 

Pintor, escultor e gravador, foi um dos maiores renovadores da arte europeia do final do século XIX. Juntamente 

com Van Gogh e Cézanne, explorou possibilidades do Impressionismo, abrindo caminho para vanguardas artísticas. 

Desencantado com a civilização ocidental, seguiu para o Taiti em busca de autenticidade em uma cultura ainda não 

corrompida pelo progresso. Simplificou contornos das formas e empregou extensos planos de cor não naturalista para 

fins simbólicos e expressivos. 

183 . Página à esquerda: Henri Rousseau. O Monumento a Chopin nos Jardins de Luxemburgo, 1909 (detalhe). 


141


142 

184 . Paul Gauguin. Arearea, 1892. 

Lá, Gauguin se interessa pela arte folclórica 

e estuda as técnicas dos artesãos locais, 

construindo uma obra mais instintiva, colorida 

e sensual. 

Gauguin, no Taiti, via os mitos 

“bárbaros” com os olhos do parisiense 

em férias; Rousseau, em Paris, vê o 

mito da civilização moderna com os 

olhos do primitivo deslocado em uma 

sociedade evoluída. 

Argan 

No Brasil, o movimento modernista, com sua 

valorização das raízes nacionais, prestigiou o 

trabalho de artistas que, sem formação acadêmica 

em arte, usavam elementos da tradição 

popular como temática, combinando-os 

plasticamente com uma intenção poética. 

...não se ignora o papel que a arte 

primitiva, o folclore, a etnografia 

tiveram na definição das estéticas 

modernas, muito atentas aos elementos 

arcaicos e populares comprimidos 

pelo academicismo. No Brasil, as 

culturas primitivas se misturam à vida 

cotidiana ou às reminiscências ainda 

vivas de um passado recente. 

Antonio Candido 

A Arte Naïf brasileira reflete uma realidade 

extremamente rica, variada, autêntica e, 

muitas vezes, otimista e alegre. 

Entre os naïfs brasileiros, destaca-se Heitor 

dos Prazeres, que foi premiado na I Bienal 

de São Paulo, em 1951. Seus trabalhos são 

cheios de detalhes e muito coloridos, com 

enfoque na figura humana, que, em frequente 

movimento, parece andar ou dançar. 

185 . Heitor dos Prazeres. Frevo, sem data. 

HEITOR DOS PRAZERES 


Compositor, instrumentista e pintor. Notabilizou-se como compositor de música popular. Foi parceiro de Noel Rosa 

e um dos fundadores da Mangueira e da atual Portela. Iniciou-se na pintura na década de 1930, como autodidata. 

Seus quadros representam cenas do próprio cotidiano: a música, os bairros boêmios cariocas, as mulatas e os 

malandros. Premiado na I Bienal Internacional de São Paulo, em 1951. Em comemoração ao centenário de seu 

nascimento, foi realizada, em 1999, uma mostra retrospectiva no Espaço BNDES e no Museu Nacional de Belas Artes. 

186 . Página à direita: Paul Gauguin. O Espírito dos Mortos à Espreita, 1892 (detalhe).

Antes de dedicar-se à pintura, Heitor dos 

Prazeres foi músico e compositor, parceiro 

de Noel Rosa na célebre marchinha 

Pierrô Apaixonado. 

Outros artistas do meio musical encontraram 

caminhos de expressão na pintura naïf. É o 

caso de Manezinho Araújo e Gilvan Chaves. 

O primeiro pintor naïf brasileiro a ter o trabalho 

reconhecido por seu valor estético foi 

José Bernardo Cardoso Jr., o Cardosinho. 

187 . Cardosinho. Paisagem, 1947. 

Depois de aposentar-se como professor, aos 

70 anos, produziu uma obra significativa, com 

cerca de 600 telas. Foi muito admirado por 

Portinari. Seu trabalho faz parte do acervo do 

Museu de Arte Moderna de Nova York (Moma). 

O Brasil, a França, o Haiti, a Itália e a região 

da antiga Iugoslávia são considerados os 

“cinco grandes” da Arte Naïf no mundo, sendo 

que os pintores brasileiros ocupam lugar 

de destaque nos principais museus. 

Na cidade do Rio de Janeiro, o colecionador Lucien 

Finkelstein fundou o Museu de Arte Naïf 

do Brasil, em 1995, que reúne cerca de oito 

mil obras de 130 países. Nesse museu, encontramos 

as duas maiores telas do gênero, pintadas 

por Lia Mittarakis e Aparecida Azevedo. 

Nessas pinturas, observamos que o espaço e 

o tempo estão conjugados em perfeita harmonia, 

em um mesmo plano, transparecendo a 

profusão de ideias, elementos e cores que as 

artistas expressam com singular beleza. 

188 . Lia Mittarakis. Ilha de Paquetá, 1973. 

A pureza com que pintam mostra que 

eles não estão querendo provar nada, 

apenas exprimir o sentimento através 

do pincel. Essa é a força da arte deles. 

lucien Finkelstein 

A pureza da Arte Naïf também aparece na 

obra da pintora Djanira, que resume seu universo 

pictórico articulando elementos fundamentais, 

conseguindo a forma harmoniosa 

buscada pelo Modernismo. 

CARDOSINHO (JOSÉ BERNARDO CARDOSO JÚNIOR) 

(Coimbra, 1861 – Rio de Janeiro, 1947) 

Conhecido por Cardosinho, iniciou suas atividades em pintura aos 70 anos de maneira autodidata, sendo incentivado 

por Candido Portinari. Identificado como precursor da pintura naïf no Brasil. Sua pintura usou de cores puras e 

possui marcas de espontaneidade que resultaram em obras que aparentam uma desenvoltura natural. 

DJANIRA (DJANIRA DA MOTTA E SILVA) 

(Avaré, SP, 1914 – Rio de Janeiro, 1979) 

Pintora, desenhista, ilustradora, cartazista, cenógrafa e gravadora. Neta de imigrantes austríacos e de indígenas. A 

partir da década de 1940, expôs seus trabalhos em salões nacionais e internacionais. Uma das mais importantes 

artistas do século XX no Brasil, é conhecida pela representação, em linguagem simples, de cenas e costumes brasileiros. 

189 . Página à esquerda: Heitor dos Prazeres. Dança, 1965 (detalhe). 


145


146 

A artista autodidata afirmava: “Eu é que sou 

ingênua, não a minha pintura”. A arte intuitiva 

da paulista Djanira é uma crônica da vida 

brasileira na qual cenas simples revelam aspectos 

comuns do trabalho e da vida diária 

do povo. 

As emoções têm história. Há uma 

sociologia das emoções. Há qualquer 

coisa nos quadros de Djanira que 

ensina ao sociólogo brasileiro. 

Guerreiro Ramos 

Mantendo vínculos com o passado, no interior 

de São Paulo, a artista pintou o país de 

Norte a Sul, sua gente, seus costumes, sua 

terra, sua luz. 

190 . Djanira. Costureira, 1951. 

A pintura era para Djanira um modo natural de 

se relacionar com a vida. Sua obra reflete essa 

espontaneidade em vários aspectos: na procura 

da pureza das cores e na relação entre elas, 

na ousadia das combinações vibrantes, nos ritmos 

que as linhas construíam com a cor, criando 

formas simplificadas nas superfícies planas. 

Djanira não mantinha com a 

linguagem da pintura uma relação 

questionadora e crítica. (...) A sua 

história é outra, o seu mundo 

cultural é outro: a relação com 

o mundo é simples, ingênua. 

É nessa simplicidade e nessa 

ingenuidade que está a sua força, 

porque é a expressão natural 

de sua personalidade. 


Os artistas autodidatas reinventaram a memória 

iconográfica brasileira esquecida nas periferias 

das cidades e nos interiores do país. 

É também evidente a incorporação desses 

elementos culturais na obra de artistas dos 

grandes centros urbanos, tais como Glauco 

Rodrigues, Aldemir Martins, Rubem Valentim. 

191 . Aldemir Martins. Bumba Meu Boi, 1992. 

192 . Glauco Rodrigues. O Estado da Guanabara, 1960-1970.

193 . Rubem Valentim. Série Emblemas, 1989. 

Artistas e arteiros, em suas multiplicidades 

culturais, vivenciam experiências particulares 

que exigem sensibilidade e entendimento, 

tanto nos espaços consagrados da arte como 

nos ambientes da vida cotidiana. 

É preciso que o nosso olhar vá além do objeto 

artístico, descobrindo o verdadeiro significado 

da arte. Ela é o encontro que esse 

objeto promove entre o artista e o espectador, 

dois sujeitos compartilhando a emoção 

poética, que só é possível através das culturas 

em que ambos se inserem e constroem 

sua sensibilidade. 

(...) o “outro” está frequentemente 

em nós mesmos. Somos o “eu” e 

o “outro” simultaneamente e no 

mínimo o confronto com o “outro” 

nos autodefine. 

Ana Mae Barbosa 


• A valorização das produções estéticas 

de diferentes culturas. 

• A diversidade das manifestações artísticas 

populares. 

• As técnicas, os estilos e as temáticas 

utilizados na arte popular. 

• As principais características da Arte Naïf. 

• A produção artística artesanal brasileira. 

• Os aspectos simbólicos, expressivos e 

comunicativos das formas visuais que 

caracterizam a arte popular nas diferentes 

regiões brasileiras. 



algumas atividades para propor 

aos alunos: 

• Transformar peças de sucata de material 

plástico (pratos, garrafas, potes diversos) 

em outros objetos, utilizando a técnica 

de “papietagem”. Cobrir toda a superfície 

do objeto com tiras de papel coladas. Esperar 

secar e dar uma base com guache 

branco. Observar e redefinir a forma conseguida, 

decorando o novo objeto com 

guache ou tinta plástica colorida. 

• Observar reproduções de obras feitas em 

argila pela artista contemporânea Celeida 

Tostes e pelos artistas populares Mestre 

Vitalino, Antônio Poteiro e Ana das Carrancas. 

Analisar os estilos, os temas e 

as técnicas utilizados. Criar objetos, com 

temáticas e estilos próprios, utilizando 

a técnica de modelagem em argila, ou 

massa plástica, ou papel machê. 


147


148 

• Pesquisar artistas que trabalham com 

xilogravura e o uso dessa técnica na 

literatura de cordel. Em grupo, criar 

uma história e confeccionar um livreto 

no estilo da literatura de cordel. Criar a 

capa para o livreto com uma técnica de 

impressão que utiliza, como base, pratinhos 

descartáveis de isopor. Desenhar 

com caneta esferográfica, fazendo sulcos 

na superfície do isopor. Passar tinta 

guache preta, com um rolinho de espuma, 

esticando bem e sem deixar a tinta 

penetrar nos sulcos. Colocar uma folha 

de papel sobre essa matriz, fazendo 

pressão com as mãos, e retirar cuidadosamente 

a “isoporgravura”. Expor os 

livretos confeccionados pelos grupos, 

avaliando os diferentes resultados. 

• Analisar uma reprodução da obra Mulher 

Olhando na Janela, da pintora 

Djanira, quanto ao uso das cores, das 

formas e dos elementos compositivos 

distribuídos no espaço. Criar um desenho 

com o título O que vejo da minha 

janela, colocando tudo o que estiver 

imaginando sobre o tema proposto. Colorir 

o trabalho com lápis aquarela. 

194 . Djanira. Mulher Olhando na Janela, 1950 

Para visitar 

Museu Casa do Pontal – Possui uma das 

mais bonitas e abrangentes coleções 

de arte popular brasileira, com cerca de 

oito mil obras de mais de 200 artistas 

de todo o país. 

Endereço: Estrada do Pontal, 3.295, 

Recreio dos Bandeirantes. 

Tel.: (21) 2490-3278. 

Centro Nacional de Folclore e Cultura Popular 

– O museu, instalado em dois casarões 

do século XIX, abriga um acervo 

significativo da cultura popular brasileira. 

Endereço: Rua do Catete, 179. 

Tel.: (21) 2285-0441. 

Centro de Artes Calouste Gulbenkian – 

Local de cursos nas diversas linguagens 

da arte. Possui um acervo com documentos 

e obras doados por artistas e pessoas 

que fazem parte da história da instituição. 

Endereço: Rua Benedito Hipólito, 125, 

Praça Onze. 

Tel.: (21) 2221-6313. 

Centro luiz Gonzaga de tradições 

Nordestinas – Conhecido como Feira de 

São Cristóvão, o espaço de 34m 2 tem 

700 barracas padronizadas com artesanato 

e comidas típicas, além dos dois 

palcos para a apresentação de shows e 

músicas da cultura do Nordeste. 

Endereço: Campo de São Cristóvão, s/n. 

Tel.: (21) 3860-2929.

Tecendo e participando 

da festa 

Ponto de partida 

Cada um lê com os olhos que tem. 

E interpreta a partir de onde os pés 

pisam. Todo ponto de vista é a vista 

de um ponto. 

leonardo Boff 

Para tecer ideias, precisamos organizar o 

emaranhado de fios que nos envolvem: o fio 

da memória, o fio da natureza, o fio cultural 

e outros tantos fios que, nas mãos humanas, 

se entrelaçam criando formas. 

195 . Teia de aranha. 

Puxando pelo fio da memória, é na natureza 

que encontramos o sofisticado trabalho 

produzido pela aranha que constrói, com habilidade 

e precisão, a teia perfeita em sua 

beleza e com a funcionalidade necessária à 

vida de sua artesã. 

A artista francesa louise Bourgeois considerava 

a aranha um símbolo de proteção, 

carinho e zelo. Para ela, esse animal representava 

a infinitude da vida, que é tecida 

constantemente, pouco a pouco, como uma 

fascinante teia. 

A artista associa seu próprio trabalho 

com uma teia de emoções e memórias 

que ela fia e desfia novamente, 

como Penélope, ao longo da vida. 

texto da exposição do 

Centro Georges Pompidou (2008) 

LOUISE BOURGEOIS 

(Paris, 1911 – Nova York, 2010) 

Escultora, pintora e desenhista francesa naturalizada americana, produziu desenhos, textos e objetos em madeira, 

bronze e mármore, látex, gesso e tecido que tratam de memória, inconsciente, solidão e vulnerabilidade. Atravessando 

Surrealismo, Expressionismo Abstrato e Minimalismo, seu trabalho escapa a tentativas de classificação artística; entre 

o geométrico e o orgânico, pode ser associado a uma rede de emoções e memórias que ela tece e desembaraça, de 

modo ininterrupto. 

Tecendo e participando da festa 

149


150 

O repertório de lembranças de infância de 

Louise constituiu a própria matéria-prima de 

seu trabalho. Desde pequena, ela conviveu 

com as tecelãs, em meio a rocas, novelos 

e agulhas no ateliê de restauração de tapetes 

de seus pais. Esses materiais aparecem 

constantemente em seus trabalhos, principalmente 

as agulhas, que, para ela, significavam 

a costura e a união com seus afetos. 

A artista desenvolveu uma série de aranhas 

escultóricas na década de 1990, nas quais as 

agulhas aparecem representadas nas patas 

do animal. 

196 . Louise Bourgeois. Maman, 1999. 

Em um gesto simbólico, ela homenageou 

sua mãe, intitulando essas obras de Maman. 

Minha melhor amiga era minha mãe. 

Ela era reflexiva, inteligente, paciente, 

apaixonada, razoável, delicada, 

refinada, indispensável, ordenada e 

útil, como uma aranha. 

louise Bourgeois 

Na mitologia grega, Aracne personifica uma 

inigualável tecelã que, com tênues fios, 

constrói sua enorme teia pelo infinito, tramando 

vidas e fiando destinos. 

Esse tema mitológico inspirou o espanhol 

Diego Velázquez na construção de sua obra 

As Fiandeiras, também conhecida como Fábula 

de Aracne. A pintura atesta o domínio, 

pelo artista, do espaço e da perspectiva. É 

uma tela que apresenta o trabalho artesanal 

das fiandeiras, com ritmo e vida, na qual 

a maestria de Velázquez se vale das cores 

para conferir uma surpreendente luminosidade 

à cena. 

197 . Diego Velázquez. As Fiandeiras, 1657. 

Quem sabe se do mito de Aracne nasceu o 

homem artesão que, desde os tempos primitivos, 

entrelaça fios? 

A inspiração do ser humano para tecer, certamente, 

veio da observação das tramas 

construídas pelos animais na natureza. São 

infinitas as possibilidades de criação por 

meio da tecelagem manual, usando fios e 

urdiduras diversos. 

DIEGO VELÁZQUEZ 

(Sevilha, 1599 – Madri, 1660) 

Pintor espanhol, membro da corte de Filipe IV, chegou em suas maiores pinturas a um efeito de realidade singular. 

Influenciado pelo Naturalismo de Caravaggio, foi absolutamente fiel à impressão visual e subordinou regras de 

composição e perspectiva clássicas a um sentido absoluto de verdade. Ele não nos ilude: deixa a tinta e as pinceladas 

bem nítidas na superfície da tela, da qual devemos nos afastar para obter uma impressão geral – a sensação é a de 

que quase podemos tocar os objetos. 

198 . Página à direita: Louise Bourgeois. Maman, 1999 (detalhe).

Na América Latina, a tecelagem sempre ocupou 

um papel muito importante, pois, ao 

longo de milhares de anos, foi o meio de 

sobrevivência dos povos andinos. Os têxteis 

podiam caracterizar a hierarquia social, podiam 

ser usados nas transações comerciais 

e até oferecidos como forma de recompensa. 

199 . Tecido andino. 

Os tecidos, elaborados com detalhes da vida 

desses povos, exerciam também a função 

de um sistema gráfico de comunicação e 

de transmissão de conhecimentos, sendo, 

assim, uma forma de registro cultural e expressão 

artística de grande significado. 

Ainda hoje, a tecelagem da lã em teares é 

muito usada na confecção de grande variedade 

de peças para vestuário e de tapeçarias, 

constituindo um rico artesanato local. 

200 . Tecelã em tear. 

A técnica tradicional do tecido, da 

tecelagem, é um grande símbolo 

da vida, o urdume que são os 

dados que nós recebemos na vida 

e a trama que é como lidamos com 

os dados que recebemos. 

lala Martinez Corrêa 

As tramas perfeitas, resultantes de técnica, 

paciência e sensibilidade, atingem de certa 

forma a condição de objetos artísticos. Surgem 

a renda, o crochê, o tricô, a cestaria, a 

tapeçaria, em diferentes culturas e épocas. 

A arte de transformar fios em renda é uma 

tradição antiga, trazida pelos colonizadores 

europeus, que se espalhou por todo o Brasil. 

Entre o ritmo sonoro dos bilros, as rendeiras, 

em suas almofadas, tecem a renda 

fina e delicada. 

TEAR 

Ferramenta simples utilizada na tecelagem artesanal que permite o entrelaçamento ordenado de dois conjuntos de fios 

(trama e urdidura), a fim de produzir o tecido. A tecelagem é uma das formas de artesanato mais antigas da história e 

presente ainda hoje. Trazida por colonizadores portugueses, desenvolveu-se no Brasil principalmente em Minas Gerais. 

O tear possibilitou confecção de roupas em algodão e lã que serviam para o trabalho no campo e para os dias de festa. 

BILROS 

São peças de madeira, de até 15cm, compostas de uma haste com extremidade em forma de bola ou fuso, utilizadas para enrolar 

as linhas que farão a renda, junto a outros materiais, como fios, almofada cilíndrica, alfinetes e cartões furados (piques). De 

provável origem europeia, a renda de bilros é praticada em várias regiões do Brasil, como no Nordeste e no Sul (Santa Catarina). 

201 . Página à esquerda: Tecidos de Thimphu, Butão. 


153


154 

Respeitando os limites dos bastidores, as 

artesãs fazem um intrincado código de nós 

entrelaçados, construindo um rendendê inigualável. 

Seguindo desenhos feitos no papel, 

as ágeis agulhas das rendeiras criam a 

bela renascença, fino trabalho com grande 

variedade de formas. 

A renda artesanal brasileira, por sua infinita 

originalidade e delicadeza, é famosa em nosso 

país e encanta em outros lugares do mundo. 

202 . Renda brasileira (bilros). 

203 . Renda brasileira (renascença). 

As curvas, os arabescos e os caracóis, encontrados 

nas rendas e nos bordados, são elementos 

recorrentes na obra de vários artistas, 

como na pintura da carioca Beatriz Milhazes. 

Diferentemente do trabalho de Louise Bourgeois, 

no qual a referência ao universo da 

costura e do bordado se faz de maneira mais 

marcante pelo percurso de sua história, na 

obra de Beatriz, as referências aparecem na 

elaboração de desenhos, impressos e pinturas 

de aspecto essencialmente decorativo, que 

lembram rendilhados e estamparias. 

204 . Beatriz Milhazes. Beleza Pura, 2006. 

A artista usa, em seus quadros, um repertório estrutural 

que inclui curvas, formas circulares exuberantes, 

tons vibrantes e motivos florais. Beatriz 

organiza, “tece” os elementos, dando-lhes ritmo e 

movimento, conferindo musicalidade à sua obra. 

A arte de tecer se concretiza de outras formas? 

Vindas da natureza, as fibras, as palhas e 

muitas outras espécies vegetais são matéria- 

-prima para confecção de objetos trançados: 

cestos, balaios, bolsas, tapetes, esteiras, 

mantas, redes de dormir e de pescar. 

O domínio do trançado e da tecelagem ainda 

hoje é praticado com o uso de rústicos instrumentos. 

Técnicas e formas ancestrais são 

encontradas, por exemplo, na cultura indígena 

do nosso país. 

As cestarias decoradas com padrões de desenhos 

que contêm abstrações com significados 

próprios fazem parte da produção artesanal 

desses povos. 

BEATRIZ MILHAZES 


Pintora e gravadora brasileira, explora a profusão barroca, sobretudo o ritmo de arabescos, motivos florais e padrões 

circulares em cores fortes e luminosas. Integrou o grupo de artistas cariocas que renovou a pintura nos anos 1980 

(Geração 80) e chegou a desenvolver técnica própria: pinta placas de plástico e as transfere para a tela, sobrepondo 

elementos circulares em um único plano. Valorizada no mercado internacional de arte, sua obra integra acervos de 

importantes museus norte-americanos. 

205 . Página à direita: Toalha de mesa de crochê (detalhe).

206 . Cestaria indígena. 

As técnicas indígenas de entrelaçar fibras vegetais 

foram absorvidas por outras culturas e 

aparecem, nos dias de hoje, em diferentes pontos 

do país, adaptadas aos tipos de vegetação 

local e com formas diversificadas de produção. 

Uma das fibras mais apreciadas na atualidade 

é o capim dourado, encontrado, principalmente, 

na região do Jalapão, no estado 

do Tocantins. 

Descoberto em épocas remotas pelos índios 

que trançavam e costuravam as fibras, dando 

forma a diferentes utensílios, chegou às mãos 

escravas de quilombolas, que aperfeiçoaram 

a técnica, passada de geração em geração. 

Atualmente, o capim dourado é uma fonte 

de renda importante para muitos artesãos 

e suas famílias. A valorização da produção 

de peças que utilizam essa matéria-prima 

despertou o interesse de muitos artistas 

do design. Eles passaram a trocar conhecimentos 

com os artesãos, e foram agregados, 

desse modo, novos valores aos produtos 

confeccionados. 

As inovações propostas procuram sempre 

manter o traço regional que caracteriza 

esse artesanato. 

208 . Página à esquerda: Cesto de palha (detalhe). 

207 . Peça feita de capim dourado. 

A técnica tradicional de transformar o capim 

in natura é feita pela costura com a 

utilização do fio de seda extraído do buriti. 

Nos dias de hoje, usam-se também outros 

fios dourados e coloridos, sementes, miçangas, 

pedras e outros adereços. 

Capim dourado, buriti, babaçu, carnaúba, 

piaçaba, junco, taquara e cipós são transformados, 

pela habilidade e capacidade criadora 

de artistas artesãos, em peças originais 

que ultrapassam a condição de simples meio 

de sobrevivência para tornarem-se objetos 

artísticos, propiciando aos seus autores um 

caminho de profissionalização. 

O trançar de fios, usado em diferentes técnicas, 

é uma forma de expressão, um símbolo 

tecido e tramado que mostra a vida em uma 

trajetória milenar. 

Quando o homem fez o primeiro 

palmo de tecido criou uma coisa nova, 

um corpo novo no mundo – 

e uma relação espacial nova. 

Na verdade, criou o plano que seria 

mais tarde o suporte da tapeçaria. 



157

Uma das mais notáveis criações do homem 

nas artes visuais de todos os tempos é a 

arte da tapeçaria. 

Os tapetes sempre encantaram as pessoas, 

seja no chão das casas, seja enfeitando paredes 

ou pendurados nas janelas saudando 

cortejos, ou até voando na imaginação aventureira 

dos textos literários. 

Muitos simbolizam atos de homenagem em 

momentos religiosos ou cerimoniais. 

209 . Tapeçaria de Bayeux (um registro histórico da conquista da 

Inglaterra por William, o Conquistador da Normandia), c. 1070. 

As histórias tecidas, bordadas e contadas pelos 

tapetes fizeram parte da vida dos povos 

em várias épocas, em diferentes culturas. 

No Oriente, foram manufaturados os mais 

variados e ricos exemplares de tapetes, que 

são exibidos, na atualidade, em diferentes 

museus do mundo. Na Europa Ocidental, há 

registros de tapetes anteriores às cruzadas, 

e são conhecidas tapeçarias feitas em várias 

cidades medievais francesas. 

Foi durante o período monárquico francês 

que a produção de tapeçarias teve seu auge, 

com a criação da Manufatura Nacional dos 

Gobelins e, mais tarde, da Escola de Artes 

Decorativas Aubusson. 

Os tapeceiros eram artesãos importantes que 

transformavam cartões criados no papel ou nas 

telas por outros artistas em verdadeiras obras 

de arte. A habilidade manual, o conhecimento 

técnico no uso dos fios e das cores trouxe reconhecimento 

a esse trabalho, principalmente, 

durante a Idade Média e o Renascimento. 

Grandes pintores, como Leonardo da Vinci, 

Rubens, Van Dyck, Rafael e Goya, fizeram 

cartões que serviam como referência para 

serem tecidos pelos artesãos. 

210 . Joan Miró. 

Tapeçaria, 

1979. 

MANUFATURA NACIONAL DOS GOBELINS 

Manufatura de tapeçaria criada em Paris, em 1662, pela Coroa francesa, era chamada de Manufatura Real dos 

Móveis da Coroa e reunia tecelões, pintores, fundidores, carpinteiros e ourives que fabricavam objetos para os 

palácios do rei ou que serviam como presentes reais. Por dificuldades financeiras, fechou em 1694 e reabriu em 1699, 

então somente para produzir tapeçarias, que eram consideradas as mais finas da Europa dos séculos XVII e XVIII. 

ESCOLA NACIONAL DE ARTES DECORATIVAS AUBUSSON 

Escola francesa especializada em artes têxteis. Inspirada nas Escolas de Artes Decorativas de Paris e de Limoges, 

foi criada em 1884 a partir da nacionalização da Escola Municipal de Desenho de Aubusson. No final dos anos 

1930, passou por reforma no ensino com introdução de técnicas novas, como a do cartão numerado (Jean 

Lurçat). Nos anos 1990, juntou-se à escola de arte de Limoges, formando a atual Escola Nacional Superior de Arte 

Limoges-Aubusson. 

211 . Página à esquerda: Tapete Gobelin (detalhe). 


159


160 

Do mesmo modo, desde o início do Modernismo 

na Europa, artistas de vanguarda, como 

Picasso, Braque, Matisse, Dufy, Chagall, Paul 

Klee e Miró, também se dedicaram à confecção 

de cartões para tapeçaria. 

É importante lembrar que há sempre um compromisso 

do tapeceiro com a intenção do pintor, 

mas cabe a ele a interpretação do cartão, 

segundo as técnicas usadas na arte de tecer. 

O tapeceiro “diz” a pintura em outra técnica. 

O fio jamais denuncia o pincel, muito 

pelo contrário, tudo o que aparece 

no contexto do quadro, de maneira 

enfática, será otimizado na tradução 

para a tapeçaria. 

Sylvie Forestier 

212 . Albert Eckhout. A Negra Carregada numa Rede. 

As primeiras tapeçarias com temática brasileira 

são gobelinos confeccionados no século 

XVII, com base em pinturas de Albert Eckhout. 

No século XVIII, essas tapeçarias são repetidas, 

e cinco delas pertencem ao acervo do 

Museu de Arte de São Paulo (Masp). 

O artista francês Jean lurçat criou uma técnica 

de redução das cores, facilitando o trabalho 

dos tapeceiros e reduzindo os custos. 

Sua exposição no Museu de Arte Moderna 

do Rio de Janeiro (MAM), na década de 1950, 

despertou grande interesse dos artistas e 

impulsionou a tapeçaria moderna no Brasil. 

Utilizando também a temática brasileira, o 

baiano Genaro de Carvalho tropicalizou cores 

e formas, tornando-se um artista conhecido e 

admirado em nosso país e no exterior. 

Ele criou uma escola na Bahia, deixando seguidores 

que valorizam em sua produção aspectos 

regionais, multiplicando e desenvolvendo 

variações de pontos em ritmos e cores 

que remetem à arte popular brasileira. 

213 . Genaro de Carvalho. O Pássaro Solitário, 1956. 

JEAN LURÇAT 

(Bruyères, 1892 – Saint-Paul-de-Vence, 1966) 

Pintor, ceramista, figurinista e tapeceiro francês, destacou-se por renovar e atualizar a linguagem da tapeçaria. 

Afinado com as tendências artísticas modernas, atuou em decoração, figurinos e tapeçaria nos anos 1920 e 1930. Em 

1939, em Aubusson, buscou revigorar a tapeçaria, que estava em crise: introduziu o cartão numerado e a tecelagem 

de ponto largo. Nos anos 1950, seu trabalho chegou ao Brasil, e foi influência importante para artistas que se 

iniciavam nessa arte. 

GENARO DE CARVALHO 

(Salvador, 1926-1971) 

Tapeceiro, pintor, desenhista, atuou na renovação da arte na Bahia ao lado do pintor Carybé e do fotógrafo Mario 

Cravo Jr. Estudou pintura e dedicou-se à arte do tecer no início dos anos 1950. Em 1955, criou o primeiro ateliê de 

tapeçaria no Brasil, em Salvador. Conjugou sua visão local com o que de melhor se fazia em outras partes do mundo, 

como a tapeçaria de Lurçat, que então chegava ao Brasil.

O pernambucano Francisco Brennand desenvolve 

também estudos para tapeçarias, 

em uma linha construtivista, apresentando 

formas de frutas e flores típicas de sua região, 

com uma beleza cromática inigualável. 

214 . Tapeçaria de Francisco Brennand. 

Na segunda metade do século XX, uma versão 

moderna e ousada de tapeçaria em tear 

foi desenvolvida, em São Paulo, no ateliê 

Douchez-Nicola, pelo francês Jacques Douchez 

e pelo paulista Norberto Nicola. 

Esses artistas realizaram trabalhos com 

técnicas mistas, usando materiais variados 

como lã, estopa, cânhamo, sisal, linho e algodão. 

Nessa investigação formal, chegaram 

a modelos de tapeçarias escultóricas 

e à confecção de tapetes objetos, rompendo 

com a bidimensionalidade tradicional 

da tapeçaria. 

Como nos antigos ateliês europeus, Douchez 

e Nicola convidaram pintores brasileiros renomados 

para pintar cartões que, em seus 

teares, transformavam-se em tapeçarias. 

Desses projetos, participaram artistas como: 

Di Cavalcanti, Volpi, Da Costa, Maria Leontina, 

Aldemir Martins, Djanira, Rubem Valentim, 

Iberê Camargo, Carybé e Burle Marx. 

215 . Roberto Burle Marx. Sem título, 1973. 

A herança de trançar, bordar e tecer foi o ponto 

de partida para artesãos artistas encontrarem 

um caminho criativo e de sobrevivência 

nos mais longínquos locais do nosso país. 

As esteiras de junco, palha e fibras vegetais 

diversas, de origem indígena, continuam 

a ser confeccionadas. São usadas no chão, 

como tapetes, ou revestindo paredes à maneira 

de tapeçarias. 

Entender essa terra de contrastes e mistura 

de culturas leva a uma reflexão desse 

espelho multifacetado, tanto na vida quanto 

na arte da nossa gente, conduzindo-nos 

a uma melhor compreensão da criatividade 

de um povo, em meio ao qual arte, artistas 

e arteiros convivem e buscam sua 

liberdade expressiva. 

JACQUES DOUCHEZ e NORBERTO NICOLA 

(Mâchon, 1921) e (São Paulo, 1931-2007) 

Tapeceiros e pintores, criaram, no final dos anos 1950, o Ateliê Douchez-Nicola, onde desenvolveram formas tecidas 

que saem da dimensão do plano para ganhar o espaço a partir das especificidades dos materiais utilizados. A tapeçaria 

de Douchez se destaca pelos elementos geométricos; a de Nicola é orgânica, sensorial, feita a partir da mescla dos 

materiais tradicionais (lã, linho, estopa, sisal, cânhamo) com raízes, folhas, terra, penas, árvores e cipós entrelaçados. 


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Festa para todos 

Um galo sozinho, não tece a manhã: 

ele precisará sempre de outros galos. 

(...) outros galos que com muitos outros galos 

se cruzem os fios de seus gritos de galo, 

para que a manhã, desde uma teia tênue, 

se vá tecendo, entre todos os galos. 

João Cabral de Melo Neto 

Quando o primeiro galo cantou, ao amanhecer, 

o trabalho coletivo recebia os últimos acertos. 

Era assim, todos os anos, na noite que 

antecedia a festa de Corpus Christi. Durante 

semanas, os preparativos para a festa tinham 

envolvido os moradores da pacata cidade. 

Divididos em grupos, planejaram o projeto, 

estudaram o percurso, criaram os desenhos, 

selecionaram os materiais, escolheram as 

cores que dariam vida aos “quadros” e 

“passadeiras,” nos quais as mensagens de 

amor e solidariedade ganhariam forma no 

extenso tapete. 

216 . Pessoas trabalhando no tapete de Corpus Christi. 

A confecção final foi feita nessa noite de 

vigília, com muita confraternização, muitas 

histórias e conversas. Os desenhos delineados 

no chão das ruas foram preenchidos 

com os mais diversos materiais: pétalas, 

flores, sal, serragem, pó de café, cascas de 

ovo, pigmentos coloridos e tudo o que estivesse 

disponível no local. 

A festa de Corpus Christi é uma tradição religiosa 

trazida por imigrantes açorianos que 

ganhou força na cidade de Ouro Preto, adquirindo 

contornos do barroco português. 

217 . Tapete de Corpus Christi. 

Hoje, é celebrada com a grandiosidade desses 

tapetes em várias cidades brasileiras. A 

devoção entoada nos cânticos e o ritual litúrgico 

culminam com a passagem da procissão 

sobre a produção criativa da comunidade. 

O trabalho coletivo feito por voluntários 

anônimos, assim como uma arte efêmera, 

dura o tempo do processo de criação e as 

poucas horas da passagem do cortejo. Seu 

registro fica nas fotos, nos filmes, nas reportagens 

e, principalmente, na lembrança 

sensível daqueles que participaram executando 

ou apreciando esses belos tapetes, 

encontro da vida e da cultura popular.

(...) perceber o modo como o outro 

olha depende da disponibilidade 

para ouvir o outro e compreender 

a singularidade como leitor. 

italo Calvino 

Ano após ano, no contexto das festas natalinas, 

tem lugar outro cortejo popular de caráter religioso 

que chegou ao Brasil com os portugueses: 

a Folia de Reis. Realizada em várias cidades 

brasileiras, esse teatro do povo conta a história 

da visita dos Reis Magos ao Menino Jesus. 

Os componentes do grupo cumprem um ritual: 

batem à porta dos fiéis, arrecadam doações 

e entram nas casas, cantando e pedindo 

bênçãos para os moradores. Do lado de fora, 

palhaços mascarados com suas fantasias enfeitadas 

e coloridas dançam ao som do violão, 

do pandeiro e do cavaquinho, recitando para 

o povo. A função desses participantes é intrigar 

e divertir, fazendo malabarismos, dançando 

e improvisando versos durante o cortejo. 

218 . O Auto da Folia de Reis. 

A folia é uma festa que ultrapassou o caráter 

religioso e desenvolveu-se aqui com características 

próprias, tornando-se um auto popular, 

um teatro do povo que conjuga o sagrado 

e o profano. 

Como um país pode preservar suas memórias? 

Uma forma de preservação cultural é o que 

acontece com a Folia de Reis, que, mantendo 

a tradição com seus ensinamentos passados 

de geração em geração, permite improvisações 

e uma recriação constante do ritual. Essa 

manifestação folclórica de rara beleza vive 

até hoje por guardar a essência da criação 

artística renovada pelo imaginário popular. 

Um símbolo importante da Folia de Reis é a 

bandeira que segue à frente do cortejo. Podendo 

apresentar diferentes formatos, ela geralmente 

retrata temas variados, ligados aos 

Reis Magos ou à Sagrada Família, e, muitas 

vezes, é enfeitada com ex-votos, fitas, flores 

de plástico ou de papel colocados pelo povo. 

219 . Folia de Reis 

(palhaço). 

FOLIA DE REIS 

Auto popular natalino de origem portuguesa que une aspectos sagrados e profanos. Inspirada na visita dos três Reis 

Magos ao Menino Jesus, ocorre principalmente no Norte do Brasil, de 24 de dezembro a 6 de janeiro, fechando o 

ciclo natalino. Grupos musicais fazem paradas em casas previamente escolhidas, apresentando danças dramáticas, 

como o terno de reis, o rancho e o bumba meu boi, em troca de donativos. 


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Bandeiras, mastros, fantasias e máscaras 

são elementos presentes na maioria das 

nossas festas populares. Eles têm origem 

no medievo europeu e foram incorporados 

à nossa tradição desde o período barroco. 

A Festa do Divino também possui em sua 

bandeira um símbolo de identificação e agregação 

da comunidade: uma pomba branca 

sobre raios solares, destacando-se do fundo 

vermelho da bandeira. 

No alto de seu mastro, outra pomba talhada 

em madeira, rodeada de fitas coloridas, parece 

levantar voo. Essa é a principal, mas não é 

a única bandeira a estar presente na Festa do 

Divino. Muitas outras, representando diferentes 

localidades, participam do cortejo, levando 

intenções e desejos dos fiéis seguidores. 

220 . Bandeira de Folia de Reis. 

Como a Folia de Reis, a Festa do Divino também 

apresenta aspectos religiosos e profanos 

e tem origem portuguesa. Nas comemorações 

do Divino, um dos pontos altos é a solenidade 

na igreja, durante a missa de Pentecostes, 

na qual um jovem da comunidade é coroado 

Imperador do Divino. 

221 . Bandeira da Festa do Divino. 

222 . Coroação do Imperador. 

Do lado de fora, grupos de danças folclóricas, 

como as congadas, os catiras e os moçambiques, 

festejam a coroação. 

As festas populares brasileiras apresentam 

várias linguagens da arte com uma estética 

própria das comunidades onde se desenvolvem. 

A dança, a música, o canto, a poesia, 

a indumentária, as alegorias compõem 

um espetáculo teatral que reúne as tradições 

culturais com contribuições estéticas 

das novas gerações. 

FESTA DO DIVINO 

Acontece sete semanas depois do Domingo de Páscoa, no dia de Pentecostes, para comemorar a descida do Espírito 

Santo sobre os 12 apóstolos. São festejos tradicionais populares, com registro no Brasil desde o século XVII, que 

mesclam manifestações profanas e religiosas, como cavalhadas (batalhas entre mouros e cristãos) e representações 

teatrais, ao lado de novenas, missas e procissões. 

223 . Página à direita: 62º Encontro Nacional de Folia de Reis em Muqui, Espírito Santo.


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A dinâmica de toda festa é um 

complexo de relações onde todos são 

atores e espectadores, produtores e 

consumidores; ela é performática. 

(...) A festa é o ato mesmo da 

produção da vida. 

léa Freitas Perez 

A Folia de Reis e a Festa do Divino estão 

presentes, praticamente, em todo o território 

brasileiro, e a sua força expressiva também 

toma forma na obra de pintores como Debret, 

Tarsila do Amaral e Djanira, no teatro 

de Ariano Suassuna, na música de Tim Maia, 

Milton Nascimento, Martinho da Vila, Ivan 

Lins, Vítor Martins. 

224 . Djanira. Folia do 

Divino, 1959. 

Como podemos compartilhar experiências 

da tradição popular sem pertencermos ao 

grupo em que ela está inserida? 

Ao nos propormos olhar para uma manifestação 

artística de outra cultura, precisamos 

ter os sentidos abertos para nos deixarmos 

estimular, percebendo os valores estéticos e 

de vida que nela estão enraizados. 225 . Bumba meu boi. 

Os devotos do Divino 

vão abrir sua morada 

Pra bandeira do menino 

ser bem-vinda, ser louvada, ai, ai 

Deus nos salve esse devoto 

pela esmola em vosso nome 

Dando água a quem tem sede, 

dando pão a quem tem fome, ai, ai. 

Bandeira do Divino / ivan lins e Vítor Martins 

Os rituais simbólicos são essenciais para a 

compreensão e organização da experiência 

humana e da renovação da vida em sociedade. 

Uma das mais expressivas manifestações da 

cultura popular do nosso país, que agrega 

em seu formato vários tipos de danças, cantos 

e encenações teatrais, se realiza em torno 

da figura do boi. 

O folguedo do boi acontece no Brasil há mais 

de um século e se mantém vivo até hoje por 

ser um dos brinquedos populares encontrados 

em quase todos os estados, fazendo parte 

do universo cultural do país. Está presente 

em diferentes ocasiões, nas festas mais marcantes 

da comunidade onde está inserido. 

FOLGUEDO DO BOI 

Festa folclórica, mais conhecida como boi-bumbá ou bumba-meu-boi. Tem influências indígenas, africanas e europeias. 

Dependendo da região e da modalidade do boi, pode ocorrer durante as festas juninas, o Natal ou o carnaval. Compõe-se 

de dança, drama e música e, em geral, apresenta o tema da morte e da ressurreição do boi, em uma encenação em 

que se agregam vários personagens, com variações conforme o contexto local.

No Maranhão, o boi é símbolo da cultura local, 

e a encenação do auto é, muitas vezes, 

dedicada a São João. As promessas ao santo 

são pagas com o acolhimento dos brincantes 

nas casas, o que equivale a um ex-voto. 

Essa manifestação popular apresenta 

traços regionais, com caras e jeitos próprios 

e nomes diferentes, tais como: bumba 

meu boi, boi-bumbá, boi de mamão, 

boi-pintadinho, boi de reis, boi-calemba, boi de 

matraca, bumba. 

No Brasil, adquiriu uma forma de crítica à situação 

social de negros e índios, tornando-se 

um auto brasileiro, de tríplice criação mestiça. 

Procura mostrar, a seu modo, a realidade 

e a história do país por meio da cultura. 

Sobre todos os aspectos, 

o bumba meu boi é o bailado 

mais notável do Brasil. 

Renato de Almeida 

O cortejo do boi pode ocorrer em qualquer 

espaço onde circule, sem necessitar de cenários, 

unindo realidade e imaginação. Os 

brincantes fazem, intuitivamente, peripécias 

e gracejos animados para o povo. O espetáculo 

agrega falas, músicas, danças, histórias, 

poesias, piadas e louvores. 

Os personagens, que usam vestuário próprio, 

alegorias e complementos, saem dançando e 

cantando, ao som das violas, rabecas, zabumbas, 

matracas e harmônicas. As fantasias, os 

objetos de mão, os enfeites, os adereços e os 

animais fantásticos utilizados em cena, além 

do próprio boi, são feitos pelos participantes 

com muita criatividade e poucos recursos. 

226 . Cortejo de boi. 

O enredo, mesmo com adaptações regionais, 

tem seu auge na morte e na ressurreição do boi. 

O meu boi morreu 

Que será de mim? 

Manda buscar outro, maninha 

Lá no Piauí. 

Cultura popular 

O bumba meu boi foi inserido por Mário de Andrade 

em sua obra Macunaíma. Foi a primeira transposição 

desse folguedo para a literatura erudita. 

EX-VOTO 

Abreviação do termo latino ex-voto suscepto (“o voto realizado”), designa placas, pinturas, estatuetas e variados 

objetos (entre eles, réplicas em barro, madeira ou cera de partes do corpo afetadas por doenças) oferecidos a 

divindades em agradecimento a uma graça alcançada. Manifestação ligada diretamente à arte religiosa e à arte 

popular, desperta interesse de historiadores da arte e da cultura, arqueólogos e antropólogos. 

MÁRIO DE ANDRADE 

(São Paulo, 1893-1945) 

Mário Raul de Morais Andrade foi poeta, romancista, crítico de arte, folclorista, musicólogo, ensaísta e um dos 

realizadores da Semana de Arte Moderna de 1922. Nos anos 1930, criou e dirigiu o Departamento de Cultura da 

Municipalidade Paulistana, que originou a Secretaria Municipal da Cultura. Escreveu o romance Macunaíma (1928), 

no qual recria mitos e lendas indígenas para traçar um painel do processo civilizatório brasileiro. 


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227 . Capa do livro Macunaíma, de Mário de Andrade. 

Em Macunaíma, há fragmentos da cultura 

popular do nosso país, reorganizados com 

novos significados. 

O auto do boi inspirou o teatrólogo pernambucano 

Joaquim Cardozo na criação 

dos textos teatrais O Coronel de Macambira 

(1963), De uma Noite de Festa (1971) e Boi 

de Carro (1975). Essas peças seguem o modelo 

do bumba meu boi, e sua estrutura 

formal pertence à estética dessa festa. 

A popularidade do folguedo do boi transformou-se 

em cores e formas plásticas, através 

do olhar e do talento de alguns de nossos 

artistas. Di Cavalcanti, Portinari, Sonia Furtado, 

Bianco transportaram a encenação para 

as telas; J. Borges, para o cordel; Vitalino e 

Manoel Eudóxio, para o barro. 

228 . Candido Portinari. Bumba Meu Boi, 1959. 

O que confere tanta popularidade à figura do 

boi em nosso país? 

Segundo Mário de Andrade, o boi se tornou 

o “substituto histórico do bandeirante, e o 

maior instrumento desbravador, socializador 

e unificador de nossa pátria”. 

O artista Humberto Espíndola desenvolve um 

trabalho focado em temas regionais e procura 

traduzir a importância do boi, animal- 

-símbolo que retrata o cenário político, econômico 

e social da população do cerrado do 

Centro-Oeste do Brasil. 

A obra de Humberto é questionadora, e sua 

“bovinocultura” pinta a representação sarcástica 

de uma sociedade que, como no 

bumba, gira em torno da figura do boi, que 

nela é moeda e símbolo de poder. 

A humanização do animal é um elemento de 

informação, denunciando, muitas vezes, a 

vontade de poder do ser humano. 

HUMBERTO ESPÍNDOLA 

(Campo Grande, 1943) 

Pintor e desenhista brasileiro, inspirou-se em temáticas regionais, com destaque para o tema do boi, visto como 

símbolo da riqueza de Mato Grosso. Por meio de um grafismo caricatural, realiza retrato sarcástico da sociedade 

do boi: emprega crachás e medalhas que remetem a exposições agropecuárias, usa as cores da bandeira brasileira 

ou antropomorfiza o boi para denunciar a ganância do ser humano. Em 1974, criou o Museu de Arte e Cultura 

Popular, ligado à Universidade Federal de Mato Grosso. 

229 . Página à direita: Mestre Vitalino. Boi Zebu.

230 . Humberto Espíndola. Painéis do palácio do governo de 

Mato Grosso, 1975. 

A permanência da figura do boi se estende por 

todo o ano, em comemorações marcantes como 

as festas juninas, o ciclo natalino, o carnaval. 

A onda que me levou 

Me embalou 

Dela pra cá numa legal 

E o vento que soprou 

Me avisou que tinha boi no carnaval. 

O Boi Dá Bode / Djalma Branco e Caruso 

Vestígios de diferentes folguedos regionais 

aparecem reunidos na grande festa popular 

brasileira, que é o carnaval. Nela, está presente 

não só o boi, mas também as bandeiras, 

as máscaras, as fantasias, a música, a 

dança, os cortejos. 

Desde o período greco-romano, havia festas 

com características carnavalescas, incluindo 

cortejos de pessoas mascaradas que cantavam 

e dançavam em homenagem a figuras 

mitológicas, como Baco e Saturno. 

231 . Página à esquerda: Jean-Baptiste Debret. Carnaval, 1823 (detalhe). 

Mesmo após a queda do Império Romano, a 

tradição das festividades carnavalescas na 

Europa continuou e chegou ao Brasil trazida 

pelos colonizadores portugueses. 

A partir do século XI, com a implantação da 

Semana Santa pela Igreja Católica, a festa 

pagã do carnaval ficou restrita aos três dias 

que antecedem o período da quaresma. Assim, 

haveria um momento de interrupção da 

vida cotidiana, com suas normas e proibições, 

dando lugar a uma liberdade utópica. 

O carnaval é a segunda vida 

do povo, baseada sobre o 

princípio do riso. 

Mikhail Bakhtin 

O carnaval brasileiro deriva também de 

festividades leigas como, por exemplo, 

a coroação de D. João IV, rei de Portugal, 

no século XVII, e o casamento do futuro 

D. João VI com Carlota Joaquina, no século 

XVIII. Esses acontecimentos, apesar de 

ocorridos na Europa, foram comemorados 

por três dias na cidade do Rio de Janeiro, 

com festas populares que incluíram carros 

alegóricos, desfiles e fantasias, envolvendo 

diferentes classes sociais. 

A predisposição popular para as brincadeiras 

de rua incorporou outras tradições 

europeias: o entrudo português, no qual 

limões de cheiro eram atirados à população, 

as máscaras de Veneza, que aqui 

foram reproduzidas em cera ou papelão, 

os bailes de salão e os cortejos de 

carros alegóricos. 


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E vieram os ranchos, os cordões, os blocos 

e as sociedades carnavalescas, presentes em 

diversos pontos do país, com músicas e instrumentos 

próprios das tradições regionais. 

232 . Rodolpho Chambelland. Baile à Fantasia, 1913 (detalhe). 

No Rio de Janeiro, brincava-se ao som do 

maxixe; em Pernambuco, o frevo e o maracatu 

comandavam a festa; na Bahia, o afoxé 

contagiava a população. 

O samba, que teve a sua primeira gravação 

em 1917, com a composição Pelo Telefone, 

de autoria de Donga, passou a ganhar espaço 

na preferência popular dos cariocas, 

em lugar do maxixe. 

O chefe da folia 

Pelo telefone manda me avisar 

Que com alegria 

Não se questione para se brincar 

Pelo Telefone / Donga 

233 . Partitura da música Pelo Telefone, de Donga. 

Entre 1927 e 1930, surgem, na trilha dos ranchos, 

blocos e cordões, as primeiras escolas de 

samba: a Deixa Falar, a Mangueira e a Vai Como 

Pode. Mas o primeiro desfile oficial só acontece 

em 1932, na Praça Onze, no Rio de Janeiro. 

Mais tarde, as marchinhas passaram a disputar 

com os sambas a preferência dos foliões. 

O carnaval revelou artistas que criaram e 

interpretaram músicas lembradas até hoje. 

Noel Rosa, Ary Barroso, Lamartine Babo, 

Carmen Miranda e as irmãs Linda e Dircinha 

Batista foram alguns dos talentos popularizados 

pela era do rádio e dos discos. 

Quem foi que inventou o Brasil? 

Foi seu Cabral! 

Foi seu Cabral! 

No dia vinte e um de abril 

Dois meses depois do carnaval 

História do Brasil / lamartine Babo 

DONGA (ERNESTO JOAQUIM MARIA DOS SANTOS) 


Integrante do núcleo que daria origem ao samba atual, participava das rodas de música na casa da lendária Tia 

Ciata, ao lado de João da Baiana, Pixinguinha e outros. Compositor de sambas e diversos outros gêneros musicais de 

raízes africanas, como toadas, macumbas e lundus. Tocava cavaquinho, violão-banjo e violão. Sua composição mais 

conhecida é Pelo Telefone, considerada o primeiro samba gravado (1917). 

234 . Página à direita: Augusto Malta. Carnaval, 1932.


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235 . Guilherme Santos. Carnaval na Avenida Central. 

236 . J. Carlos. Capa da revista Fon Fon. 

Cenas de carnaval aparecem reproduzidas 

em desenhos e pinturas de Debret, Tarsila 

do Amaral, Di Cavalcanti, Orlando Teruz, 

J. Carlos e Portinari e flagradas nas fotografias 

de Augusto Malta. São temas de espetáculos 

no teatro de revista de Walter Pinto, 

em diversos filmes da Atlântida e nos desenhos 

animados Alô, Amigos, de Walt Disney, 

e Rio, de Carlos Saldanha. 

237 . Foto de divulgação do filme Rio. 

E agora, para onde vai esse bloco? 

Cada vez mais, em todo o país, o carnaval 

de rua continua guardando traços de suas 

origens, mas se reinventando e se ressignificando, 

movido pela vitalidade e criatividade 

do povo e pelo caráter dinâmico da cultura. 

238 . Cordão do Boitatá. 

É uma festa democrática que engloba as 

diferentes linguagens da arte, permitindo 

expressões individuais e coletivas que, ao 

longo de mais de três séculos, vêm conquistando 

novos participantes, artistas e arteiros, 

de diferentes origens, que, em uma 

intensa relação cultural, interagem, subvertendo 

a realidade para simplesmente brincar. 

CARLOS SALDANHA 


Diretor de cinema brasileiro, especializou-se em animação por computação gráfica em Nova York. Foi animador 

em Bunny, Oscar de melhor curta-metragem de animação (1998). Dirigiu o curta Time for Love, premiado no 

Canadá (1994) e na Suíça (1995). Assinou a direção de animações de A Era do Gelo (2002), com Chris Wedge, 

A Era do Gelo 2 (2006), A Era do Gelo 3 (2009) e Rio (2011).

Todos os elementos próprios da 

praça pública ligam-se à alegre 

matéria do mundo, ao que nasce, 

morre, dá a vida, é devorado e 

devora, mas que definitivamente 

cresce e se multiplica sempre, 

torna-se sempre cada vez maior, 

melhor e abundante. 


Mikhail Bakhtin 

• Os elementos artístico-culturais presentes 

nas manifestações populares. 

• As características regionais das festas 

tradicionais brasileiras. 

• A produção artística artesanal e a influência 

de outras culturas. 

• A apreciação e a análise de diferentes 

expressões artísticas. 

• O papel das diferentes manifestações culturais 

na construção da identidade nacional. 




• Conhecer as esculturas de Louise de 

Bourgeois que homenageiam simbolicamente 

sua mãe por meio de enormes aranhas. 

Representar, com o desenho da forma 

de um animal, alguém que conheça, 

pela semelhança de atitudes, qualidades 

e maneira de ser. Apresentar seu trabalho 

descrevendo as relações estabelecidas. 

• Entrevistar pessoas na comunidade que 

fazem artesanato, preenchendo uma ficha 

com o nome do artesão, o tipo de 

artesanato, o material utilizado e as possíveis 

ferramentas necessárias. Contabilizar 

quantos artesãos trabalham com 

fios e descrever as técnicas empregadas. 

• Confeccionar um trabalho com fios de lã 

ou barbante colorido. Fazer um desenho 

em papel cartão e colar, bem juntinho, os 

fios com as cores selecionadas, contornando 

o desenho e preenchendo toda a forma. 

Analisar as composições, valorizando 

o projeto e a execução do trabalho. 

• Observar a reprodução da obra O Guitarrista, 

de Beatriz Milhazes, que utiliza 

impressão de rendilhados, flores e arabescos. 

Criar um painel em grupo, usando 

impressão com moldes vazados. Usar 

formas circulares de papel dobradas, em 

seis partes, diametralmente. Fazer desenhos 

nas dobras, recortar e abrir as 

formas. Usar alguns desses círculos rendilhados 

para fazer impressões, batendo 

com uma esponja molhada em guache 

sobre as formas. Colar os outros rendilhados, 

sobre o painel, e complementar 

com desenhos de arabescos. Avaliar as 

etapas e a finalização do trabalho. 

239 . Beatriz Milhazes. O Guitarrista, 2000. 

• Observar reproduções de tapeçarias e projetos 

feitos por artistas famosos, em forma 

de cartões. Criar uma pequena composição, 

com desenhos e colagens de formas 

recortadas, que possa ser transformada 

em uma tapeçaria. Reunir os diferentes 

trabalhos, descobrindo afinidades quanto 

às formas e/ou cores escolhidas. 


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• Pesquisar festas populares brasileiras, 

religiosas e pagãs, ressaltando as alegorias, 

fantasias e indumentárias utilizadas. 

Observar o uso de bandeiras e/ 

ou estandartes como forma de identidade 

dessas festividades, nas mais diversas 

ocasiões. Criar, em grupo, uma 

bandeira ou um estandarte para a escola, 

escolhendo um símbolo que melhor 

a represente. Analisar com a turma os 

projetos dos grupos, escolhendo o melhor 

para ser confeccionado e representar 

o colégio. 

Para visitar 

• Conhecer a história tradicional do 

bumba meu boi e algumas interpretações 

feitas por artistas plásticos. 

Em grupo, construir um boi, usando 

materiais e técnicas diversificados. 

Planejar uma apresentação para o 

trabalho realizado. 

• Observar vários tipos de máscaras 

usadas em festas populares e confeccionar 

uma usando a técnica de papel 

machê. Organizar uma exposição com 

essas máscaras. 

Cidade do Samba – Espaço na zona portuária do Rio de Janeiro onde se concentram os 

centros de produção artística das escolas de samba do Grupo Especial. É aberto à visitação 

turística e também promove shows de samba. 

Endereço: Rua Rivadávia Correia, 60, Gamboa. 

Tel.: (21) 2213-2503. 

Passarela Professor Darcy Ribeiro – Conhecido como Sambódromo, o projeto do arquiteto 

Oscar Niemeyer foi inaugurado em 1984. O local concentra o desfile das escolas de 

samba do Grupo Especial, no período do carnaval. Durante o ano, também é palco de 

outros acontecimentos. 

Endereço: Avenida Marquês de Sapucaí, Cidade Nova. 

Tel.: Riotur/Serviço de informações: (21) 2542-8080. 

Fundação Eva Klabin – Situada na antiga residência da colecionadora, a casa-museu 

possui um acervo de aproximadamente 2 mil peças de arte entre pinturas, esculturas, 

antiguidades, mobiliário e tapeçarias. 

Endereço: Rua Epitácio Pessoa, 2.480, Lagoa. 

Tel.: (21) 2523-3471.


BRINCANTES 

Na parede de um botequim de Madri, um cartaz avisa: Proibido Cantar. 

Na parede do aeroporto do Rio de Janeiro, um aviso informa: É proibido 

brincar com os carrinhos porta-bagagem.Ou seja: Ainda existe gente 

que canta, ainda existe gente que brinca. 

Janela sobre as Proibições / Eduardo Galeano

Brincar de inventar 

Construindo o brincar 

Bola de meia, bola de gude 

O solidário não quer solidão 

Toda vez que a tristeza me alcança 

O menino me dá a mão. 

Bola de Meia, Bola de Gude / Milton Nascimento 

e Fernando Brant 

A brincadeira, o jogo, a imitação, o desafio e 

a ilusão nos permitem criar, construir e estabelecer 

relações lúdicas com a vida. 

Quando crianças, as experiências que nos 

trazem a compreensão do mundo são vivenciadas 

no ato de brincar. 

Assim como a obra de arte possibilita ampliar 

o conhecimento do homem sobre o 

ambiente que o rodeia, o mesmo pode ser 

aplicado às brincadeiras e aos brinquedos 

tão comuns na infância. 

Brincando, fortalecemos o elo entre a nossa 

realidade interior e a exterior. Assim, ordenamos 

e estruturamos o mundo que percebemos 

através dos símbolos, estabelecendo também 

a criação de elementos culturais. 

A criação da cultura é, consequentemente, 

um ato da imaginação 

humana. É um ato de jogar com 

os dados do mundo material para 

construir uma ordem e um sentido. 

João Francisco Duarte Júnior 

Os brinquedos dizem muito sobre o tempo, 

a cultura e as características de um povo. 

Foram construídos, em diferentes épocas, 

pelas sociedades para as suas crianças. 

240 . Milton Dacosta. Ciranda, 1942. 241 . Cavalo de brinquedo feito de bronze (Alemanha). 


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180 

As comunidades indígenas brasileiras utilizam 

materiais encontrados em seu meio 

ambiente para a confecção dos brinquedos 

infantis. A palha, por exemplo, é usada em 

dobraduras, representando animais e até reproduzindo 

elementos estranhos à cultura, 

como os aviões que sobrevoam as aldeias. 

As mulheres da tribo carajá costumam fabricar 

minibonecas de barro para as suas crianças. 

As chamadas “licocós” são pequenas 

figuras que reproduzem a vida da tribo, comprovando 

a importante presença das vivências 

no desenvolvimento do processo criador. 

242 . Licocó carajá. 

As sobras do barro das cerâmicas utilitárias 

feitas na tribo são também oferecidas aos 

pequenos, que com elas constroem outros 

objetos para brincar. 

Qualquer material, por mais simples que 

seja, poderá virar brinquedo nas mãos de 

uma criança. Basta que ele a faça pensar, 

intrigue ou, simplesmente, divirta. 

O brinquedo nos convida, nos desafia a medir 

forças, sejam elas físicas ou intelectuais. 

Sua criação envolve o pensamento nascido 

do desejo e, por isso, constrói conhecimento. 

Todo adulto, em algum momento da infância, 

criou seus próprios brinquedos e inventou 

brincadeiras, vivendo tempos de ludicidade 

e prazer que ficaram gravados na memória. 

No meu tempo, parte da alegria 

de brincar estava na alegria de 

construir o brinquedo. 

Rubem Alves 

Muitos artistas reconhecem a importância do 

brincar na infância como elemento detonador 

de seu próprio processo criativo. 

Os designers brasileiros Fernando e Humberto 

Campana consideram que a infância 

no campo, onde construíam seus próprios 

brinquedos, foi determinante em 

seu trabalho. 

A obra dos irmãos Campana é lúdica, divertida 

e alegre como a infância. Apresenta experiências 

inusitadas com os materiais mais 

comuns e propostas ousadas que transformam 

projetos de objetos “utilitários” em 

verdadeiras peças escultóricas. 

LICOCÓ 

Boneco de cerâmica feito por índias carajás. É confeccionado com barro branco retirado dos barrancos do Rio 

Araguaia e pintado com padrões decorativos tradicionais. O licocó barro tem função lúdica para as crianças 

e funciona como instrumento de socialização das meninas ao representar acontecimentos da vida cotidiana. 

Atualmente, tornou-se mais um meio de subsistência do grupo, ao ser vendido a turistas. 

FERNANDO E HUMBERTO CAMPANA 

(Brotas, 1961) e (Rio Claro, 1953) 

Designers brasileiros, os irmãos Campana desenvolvem obra que privilegia a matéria-prima sobre forma e função, 

transformando materiais banais em produtos inusitados. Mesclam o urbano e o rural em combinações inesperadas 

de elementos cotidianos (mangueira de borracha, correntes, brinquedos de pelúcia, etc.) que celebram o 

descartado e o mundano, criando design vibrante, marcadamente brasileiro.

243 . Irmãos Campana. Cadeira Vermelha, 1993 a 1998. 

244 . Irmãos Campana. Banquete, 2004. 

Um trabalho clássico desses artistas é a 

Cadeira Vermelha, feita com mais de 300 

metros de corda trançada à mão. Desse 

emaranhado derivaram-se outros objetos, 

tramados com diferentes fios, que 

deram origem a uma famosa sapatilha 

de plástico, comercializada no Brasil em 

larga escala. 

Fernando e Humberto resgatam, em uma expressão 

contemporânea, as raízes brasileiras 

do artesanato indígena e popular. 

Fernando e Humberto tiram do 

cotidiano popular a inspiração para 

suas criações, percorrem o mundo e 

retornam para o campo, para Brotas, 

a cidadezinha onde cresceram. 

Esse ir e vir constante traz como 

resultado uma obra de matriz 

brasileira e expressão universal. 

Maria Helena Estrada 

As brincadeiras vividas na infância também 

influenciaram a obra do americano Alexander 

Calder. Incentivado pela família, construía 

seus próprios brinquedos, tomando-se 

por base diferentes materiais, entre eles: latas, 

fios e madeiras. 

Ainda menino, Calder presenteou os pais 

com duas pequenas esculturas feitas de chapa 

de latão: um cão e um pato, com formas 

simplificadas, que já apresentavam suas primeiras 

experiências com o movimento. 

Depois veio um jogo de tabuleiro, no qual 

um tigre, um leão e três ursos de madeira 

se movimentavam, e a seguir uma série de 

outras experiências construtivas, cujas pesquisas 

já indicavam a descoberta de uma 

futura forma de arte inovadora. 

ALEXANDER CALDER 

(Lawnton, 1898 – Nova York, 1976) 

Escultor, pintor e gravador, foi um dos pioneiros da arte cinética ao criar esculturas movidas por motor ou pela ação 

de correntes de ar. Suas construções articuladas, apoiadas no chão ou suspensas (os móbiles), cujos elementos são 

feitos de materiais industriais e possuem formas biomórficas, remetem ao Construtivismo e ao Surrealismo. Baseadas 

em um equilíbrio instável, marcam o espaço com uma grafia delicada, que remete à dinâmica da morfologia natural. 


181

Calder formou-se em Engenharia Mecânica e 

nunca deixou de construir brinquedos com 

movimento, como o Circo Calder. 

245 . Alexander Calder. Circo Calder, 1926-1930. 

Esse conjunto de bonecos e animais foi projetado, 

construído, dirigido e apresentado 

pelo artista, em diferentes lugares, ao longo 

de 40 anos. 

Sua ousadia criativa não se limitou aos brinquedos. 

As experiências com eles vieram a 

caracterizar a obra que o tornou conhecido 

mundialmente: o “móbile”. 

As esculturas cinéticas de Calder, que conjugam 

arte e engenharia, encantam qualquer 

pessoa pela sua beleza e ludicidade. 

A herança da arte construída por Calder 

aparece, ainda hoje, ressignificada e popularizada 

em outros objetos, como nos 

brinquedos tão comuns nos quartos e 

nos berços das crianças em todo o mundo, 

pendurados em um contínuo, lento e 

infinito movimento. 

246 . Alexander Calder. Vermelho Triunfante, 1963. 

O brinquedo alimenta a imaginação? 

Por ser um desafio ao conhecimento, o 

ato de brincar impulsiona a imaginação 

de diferentes modos: a exploração do funcionamento 

do brinquedo, o desdobramento 

de suas funções e até a criação de 

novas possibilidades. 

Muitas experiências da infância ganham força 

criativa na vida adulta. 

A utilização de uma forma lúdica 

dos meios acessíveis, sem nenhum 

propósito predeterminado, abre as 

possibilidades de um sem-número 

de organizações e associações. 

Maria de lourdes Mäder Pereira 

JOAQUÍN TORRES GARCÍA 

(Montevidéu, 1874-1949) 

Pintor, desenhista e teórico uruguaio, participou da vanguarda artística parisiense nos anos 1920 e estabeleceu o 

Construtivismo como movimento chave na América Latina. Enfatizou a linha ortogonal do Neoplasticismo holandês 

ao empregar a grade como principal estrutura compositiva. Diferentemente dos europeus, preencheu os espaços 

dessa grade com figuras geométricas, números e símbolos, em cores terrosas, inspiradas nas artes egípcia, 

africana e, principalmente, inca e asteca. 

247 . Página à esquerda: Alexander Calder. Cinco Espadas, 1976. 

O artista uruguaio torres García buscou na 

pintura uma renovação constante, desenvolvendo 

suas primeiras obras construtivistas. 


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184 

248 . Joaquín Torres García. Construção em preto 

e branco, 1931. 

Paralelamente, elaborou uma produção significativa 

de brinquedos artesanais desmontáveis 

em madeira, que foram apreciados em 

toda a Europa e considerados obras de arte 

por sua originalidade e linguagem estética. 

249 . Joaquín Torres García. Cachorro, 1924-1925. 

Torres García escreveu o livro Universalismo 

Construtivo, tomando como ponto de partida 

numerosos textos, anotações e desenhos de 

sua autoria, que definem e defendem uma 

arte americana com abrangência universal. 

(...) a linguagem deve ser a mais 

universal e a mais compreensível. 

Geometria e simbolismo teriam que 

ser a maneira natural de expressar 

o artista. E foi assim que, encontrando 

todas as peças do quebra- 

-cabeça, pude formá-lo por inteiro. 

torres García 

No percurso lúdico das brincadeiras, o casal 

de arquitetos americanos Charles e Ray 

Eames é considerado pioneiro em projetos 

que apontaram caminhos para a construção 

dos brinquedos na era tecnológica. 

250 . Charles e Ray Eames. 

Elefante, 1945. 

Peças modulares e 

de encaixes, casas 

de bonecas e miniaturas 

de mobiliários 

são alguns 

dos projetos desenvolvidos 

pelo casal 

de arquitetos, que 

se inspirava em sua 

coleção particular 

de brinquedos. 

CHARLES E RAY EAMES 

(St. Louis, 1907-1978) e (Sacramento, 1916 – Los Angeles, 1988) 

O arquiteto Charles Eames e a pintora Ray Eames se casaram em 1941 e formaram parceria que desenvolveu 

projetos de design, arquitetura e cinema. Seus edifícios, brinquedos de crianças e mobiliário, em plástico moldado, 

espuma, couro artificial e alumínio fundido, participaram da modernização da América pós-guerra. Nos anos 1960, 

envolveram-se com a comunicação, especialmente com o cinema. 

251 . Página à direita: Joaquín Torres García. Formas Abstratas Metafísicas, 1930.


186 

Cuidadosamente pensadas, as criações do 

casal encantavam pela variação cromática e 

gráfica, pela exploração da tridimensionalidade 

e do espaço, pelo desafio construtivo 

dos módulos, pelas infinitas possibilidades 

criativas oferecidas por quem adorava 

brincar e construir. 

Alguns tipos de brincadeiras e brinquedos 

antigos ainda permanecem reinventados 

pela indústria e pelas crianças, mantendo 

sua riqueza e um valor lúdico inestimável. 

Artesãos, em diferentes lugares do nosso 

país, também perpetuam essa magia que 

nos transporta ao mundo maravilhoso do 

faz de conta: bonecas de pano, carrinhos e 

barcos de chapas de lata, jogos de encaixe 

em madeira, fantoches e mamulengos. 

Os bonecos artesanais têm suas raízes históricas 

no teatro medieval europeu. 

252 . Vahram Davtian. Teatro Medieval, 2007. 254 . Mamulengos. 

As marionetes eram utilizadas, naquela 

época, para difundir o catolicismo. Atualmente, 

retratam situações cômicas e sátiras 

do cotidiano. Manipulados por atores, os 

bonecos podem ser de luva, de vareta, de 

haste ou de fio. 

253 . Giovanni Volpato. Os Fantoches, 1764. 

No Brasil, o teatro de marionetes chegou por 

volta de 1700, adquirindo contornos locais e 

dando origem ao chamado mamulengo, brinquedo 

popular inigualável na dinâmica, simplicidade 

e alegria. 

O mamulengo quase sempre é conduzido pelo 

próprio dono dos bonecos, que assume diferentes 

papéis: é artesão, ator, manipulador, dançarino, 

poeta, improvisador e cantador. O ritmo e 

a dança dão o clima do espetáculo, que atrai e 

encanta o público por sua energia criativa. 

MAMULENGO 

Teatro de bonecos muito popular no Nordeste. Sua origem no Brasil remonta aos séculos XVI a XVIII. Os 

fantoches, feitos em geral de madeira, massa ou papelão e pano, são chamados mamulengos no interior do 

Brasil, principalmente no Nordeste. São manobrados com as mãos, como se fossem luvas. O encenador, escondido 

atrás de um anteparo, lhes dá movimento e voz. Os temas representados vão de dramas bíblicos a comédias, 

retratando, também, temas da atualidade.

255 . Mamulengo. 

Só pode brincar de mamulengo 

se for poeta. Se não for poeta não 

pode brincar. 

Mestre luiz Serra, mamulengueiro de 

Vitória de Santo Antão/PE 

Uma versão atual e sofisticada de teatro de 

bonecos é o grupo Giramundo, criado em 

1970 pelo artista plástico Álvaro Apocalypse 

quando era professor da Universidade 

Federal de Minas Gerais (UFMG). Suas filhas 

deram continuidade ao projeto, que hoje, 

além do teatro, inclui cinema e animação. 

O Giramundo é um dos teatros de bonecos 

mais premiados no Brasil e no exterior, tendo 

como uma de suas características o planejamento 

de cada personagem por meio 

de desenhos, antecipando a concepção do 

boneco como obra de arte. 

256 . Teatro de bonecos Giramundo. 

As peças teatrais agradam ao público infantil 

e adulto, propondo questões estéticas, sociais 

e políticas que traduzem poeticamente 

a cultura brasileira. Além de uma marcante 

atuação profissional, o grupo possui uma 

extensa coleção de marionetes, projetos técnicos, 

estudos de cenografia, figurinos e livros 

sobre teatro de bonecos no mundo. 

Recentemente, o Giramundo participou, com 

seus personagens, de um trabalho desenvolvido 

pela banda Pato Fu, no show/DVD Música 

de Brinquedo. 

Nesse projeto, a banda mineira recriou frases 

melódicas de velhas canções, com arranjos 

especiais, tirando sons de brinquedos 

e instrumentos musicais infantis. 

GIRAMUNDO 

Um dos grupos de teatro de bonecos mais importantes do mundo, criou mais de 30 peças em cerca de 40 anos 

de atividade. Com sede em Belo Horizonte, surgiu no início da década de 1970. Sua atuação envolve oficinas, 

exposições, educação ambiental e apresentações em teatro e rua, bem como a instituição de um museu do teatro 

de bonecos. Recentemente, passou a aplicar a tecnologia da videoanimação, que se aliou à expressão corporal 

dos intérpretes e ao aprimoramento dos bonecos. 

PATO FU 

Banda de rock formada em 1992, em Belo Horizonte, integrada por Fernanda Takai, John Ulhoa, Ricardo Koctus, 

Xande Tamietti e Lulu Camargo. O primeiro álbum, Rotomusic de Liquidificapum, saiu em 1993. Com o CD Gol de 

Quem?, conseguiu projeção nacional, em 1995. Apresentou-se em festivais como Hollywood Rock e Rock in Rio 3. Em 

2010, lançou um CD gravado apenas com brinquedos infantis, como tecladinhos, xilofones e caixinhas de música. 


187

257 . Espetáculo Música de Brinquedo, da banda Pato Fu. 

Acho que adultos vão relembrar 

canções de que gostavam e a criançada 

poderá ser introduzida à boa 

música pop que já foi produzida. 

Fernanda takai, vocalista do Pato Fu 

Os brinquedos que produzem sons, que 

voam, que pulam, como piões, pipas, bolas, 

continuam encantando e fazendo parte do 

universo infantil. Muitos deles estão perpetuados 

em diferentes obras de arte. 

Um registro antigo dessa temática é a pintura intitulada 

Jogos Infantis, de Pieter Bruegel, datada 

de 1560. São mais de 84 tipos de brincadeiras, 

com riqueza de detalhes, ocupando todo o espaço 

da tela, envolvendo cerca de 250 crianças. 

258 . Pieter Bruegel. Jogos Infantis, 1560 (detalhe). 

259 . Ivan Cruz. Brincadeiras de Criança, 2004. 

PiEtER BRuEGEl (O VELHO) 

(Bree, 1525/30 – Bruxelas, 1569) 

Pintor e gravador, foi membro de importante família de artistas ativa nos Países Baixos nos séculos XVI e XVII. A partir da 

observação direta da natureza e do ambiente urbano, produziu composições brilhantemente organizadas e controladas. 

Retratou atividades cotidianas do homem comum, prestando atenção particular em detalhes de roupas e gestos. Inovou 

nas paisagens ao separá-las de extensa tradição iconográfica, alcançando uma visão palpável do mundo natural. 

iVAN CRuZ 


Formado em Direito, deixou a profissão para dedicar-se à pintura. Seu tema principal liga-se à infância nos anos 

1940/1950, pela série Brincadeiras de Criança, que retrata jogo de bola de gude, de pular corda, de amarelinha, de 

rodar pião e outros. Em suas exposições, além de quadros, estão os brinquedos retratados, há oficinas de brincadeiras 

e de confecção de brinquedos, contadores de histórias, além de uma ambientação com músicas da época. 

260 . Página à esquerda: Ivan Cruz. Ciranda, 2005 (detalhe). 

Os jogos pintados na obra são, em sua 

maioria, conhecidos e brincados até hoje. 

Apresentando uma composição semelhante 

ao trabalho de Bruegel, o brasileiro ivan 

Cruz constrói uma obra contemporânea, 

também baseada em jogos infantis, intitulada 

Brincadeiras de Criança. 


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190 

Colecionador de brinquedos antigos, Ivan 

retrata, com cores fortes e variadas, imagens 

de suas memórias de infância, entre 

elas, a brincadeira de soprar bolinhas de 

sabão, tema também pintado, em 1867, 

pelo francês Édouard Manet. 

261 . Édouard Manet. As Bolas de Sabão, 1869. 

Canudo e canequinha, 

Sabão, água e a bolinha 

Flutua solta no ar. (...) 

Bolinhas que voam alto 

Bolinhas que sobem leve 

Desviam pra escapar, 

Dançando sua vida breve. 

Mércia M. leitão e Neide Duarte 

Outra infância vivida e registrada em telas 

foi a de Candido Portinari, na cidade de Brodósqui, 

no interior de São Paulo. Cirandas, 

papagaios no ar, piões rodopiando, bolas rolando 

nos campos, o vai e vem dos balanços 

e das gangorras ganharam formas e cores 

nas pinturas do artista. 

262 . Ivan Cruz. Soltando Bolinha de Sabão, 1999 (detalhe). 263 . Candido Portinari. Menino com Pião, 1947. 

ÉDOUARD MANET 

(Paris, 1832-1883) 

Pintor francês, marcou decisivamente a pintura moderna ao abandonar as sombras suaves e os meios-tons da pintura acadêmica 

e explorar os fortes contrastes de cor da visão de objetos ao ar livre. Formado na grande tradição da pintura, mas 

compreendendo a arte como reflexo do presente, reelaborou temas dessa tradição. Recusado no Salão do Louvre, exibiu 

no Salão dos Recusados, chocando público e crítica. Suas inovações, porém, possibilitaram o advento do Impressionismo.

Nossa imaginação fértil e variada 

nos socorria constantemente nas 

invenções de novos passatempos. 

(...) Não tínhamos nenhum brinquedo 

comprado. Fabricávamos nossos 

papagaios, piões, diabolôs. 

264 . Jean-Baptiste Debret. Meninos Brincando de Soldados 

ou O Primeiro Ímpeto da Virtude Guerreira, 1827. 

265 . Carlos Scliar. Na Rua, 1940. 

Candido Portinari 

No Brasil, a representação de crianças brincando 

é uma constante na obra de artistas 

de todos os tempos: marchando como soldados, 

na aquarela de Debret; jogando bilboquê, 

na tela de Belmiro de Almeida; tocando 

tambor, na pintura de Rodolfo Amoedo. 

E continuaram ganhando espaço com os 

brinquedos populares pintados por Volpi; a 

brincadeira de cabra-cega, de Teruz; a ciranda, 

de Milton Dacosta; os jogos de gude, de 

Carlos Scliar; a boneca, de Tarsila. 

As experiências do brincar, desde a invenção 

ou reinvenção de uma brincadeira, passando 

pela construção do brinquedo, podem 

ficar registradas de diferentes formas. 

Esses momentos prazerosos são assim eternizados, 

guardando o sonho e a descoberta 

da infância vivida por todos os arteiros 

e artistas. 

Quem brinca sabe que a alegria se 

encontra precisamente no desafio e na 

dificuldade. Letras, palavras, números, 

formas, bichos, plantas, objetos (ah! 

o fascínio dos objetos!), estrelas, rios, 

mares, máquinas, ferramentas, comidas, 

músicas – todos são desafios que olham 

para nós e nos dizem: “Veja se você 

pode comigo!”. 

Rubem Alves 

CARloS SCliAR 

(Santa Maria, RS, 1920 – Rio de Janeiro, 2001) 

Pintor, desenhista, gravador e ilustrador gaúcho, realizou obra diversificada (naturezas-mortas, paisagens e 

retratos). Em São Paulo (1939-1947), integrou a Família Artística Paulista, realizando pinturas e gravuras expressivas 

com temas sociais. Fundou o Clube de Gravura de Porto Alegre (1950), importante na renovação das 

artes no estado. A partir de 1956, no Rio de Janeiro, produziu trabalhos gráficos em jornais, além de pintura e 

colagem, com destaque para naturezas-mortas. 


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A participação lúdica 

Por meio dos sentidos suspeitamos 

o mundo. 

Bartolomeu Campos de Queirós 

Enquanto a visão se perde no horizonte, 

onde o mar parece encontrar o céu, os pés 

pisam na areia fofa, ora seca, ora molhada. 

A brisa traz o cheiro da maresia, anunciando 

o gosto salgado da água, lembranças que 

se perdem no vai e vem sonoro das ondas. 

Momentos como esse só podem ser desfrutados 

plenamente por um corpo disponível, 

aberto às sensações. 

O poeta Bartolomeu Campos de Queirós afirma 

que os olhos, os ouvidos, o nariz e a 

boca “têm raízes pelo corpo inteiro” e “a 

pele é raiz cobrindo esse corpo”. 

Na história das artes plásticas, a contemplação 

foi privilegiada durante muito tempo, 

sendo o estímulo visual a principal entrada 

para a fruição do espectador. 

Buscando uma maior interação com o público, 

surgem, no século XX, obras que propõem 

jogos visuais nos quais, através de 

ilusões momentâneas, o olhar é estimulado 

a perceber novas possibilidades que desarticulam 

o estabelecido, apresentando realidades 

múltiplas e simultâneas. 

Ao observarmos algumas obras do holandês 

M. C. Escher, percebemos que as imagens 

brincam com a geometria e as regras de 

perspectiva, questionando a realidade. 

266 . M. C. Escher. Relatividade, 1955. 

BARTOLOMEU CAMPOS DE QUEIRÓS 

(Papagaio, MG, 1944 – Belo Horizonte, 2012) 

Escritor e educador. Publicou mais de 40 livros, alguns no exterior. Sua obra questiona a vida e o tempo e ressalta 

a infância como momento propício às descobertas. Cursou o Instituto de Pedagogia em Paris e participou 

de importantes projetos de leitura no Brasil, como o ProLer. Integrou a arte ao processo educativo. Foi um dos 

fundadores do Movimento por um Brasil Literário, presidente da Fundação Clóvis Salgado/Palácio das Artes e 

membro do Conselho Estadual de Cultura de Minas Gerais. 

M. C. ESCHER (MAURITS CORNELIS ESCHER) 

(Leeuwarden, 1898 – Laren, 1972) 

Artista gráfico holandês, produziu gravuras inspiradas na Matemática que representam realidades impossíveis. Realizou 

muitas viagens, entre elas, a Granada, onde conheceu a arte árabe, que despertou seu interesse pela divisão 

regular do plano em figuras geométricas que se transfiguram e se repetem. Para preencher as superfícies, substituía 

as figuras abstratas e geométricas, usadas pelos árabes, por elementos existentes na natureza, como pássaros, 

peixes, pessoas, répteis, etc. 

267 . Página à direita: M. C. Escher. Relatividade, 1955 (detalhe).

A construção das formas abriga jogos de ilusão 

e estabelece lugares que convidam a percursos 

inusitados. Sua arte e sua técnica criam estratégias 

que levam ao prazer da descoberta, 

chave de um jogo que constrói conhecimento. 

O saber entra pelos sentidos e não 

somente pelo intelecto. 

Frei Betto 

As formas e as combinações imprevisíveis 

desenhadas por Escher causam sensações 

de magia, desafiando o olhar e o entendimento 

do espectador que está sempre 

buscando respostas. 

As figuras estão paradas ou andando? O objeto 

está dentro ou fora? A forma é côncava ou 

convexa? E, afinal, a escada sobe ou desce? 

Escher é um construtor de mundos impossíveis. 

Brincando também com os processos de 

percepção, surge, na década de 1960, a Op 

Art, que provoca os limites da visão através 

das sensações de movimento e da ilusão 

das três dimensões. 

Um dos principais artistas desse estilo 

foi Victor Vasarely, criador da plástica do 

movimento. Usando figuras geométricas, ele 

brinca com permutações de cores, formando 

novos conjuntos pictóricos, que se modificam 

conforme o ângulo do olhar do espectador. 

268 . Victor Vasarely. Hexa 5, 1988. 

Como a própria vida contemporânea, a op Art 

é uma arte que está em constante alteração. 

Os tempos modernos fizeram com que se 

deixasse de lado a percepção da totalidade 

da vida através dos sentidos. Para alguns 

artistas contemporâneos, já não era suficiente 

estimular o espectador apenas visualmente, 

nem pelo jogo óptico ou mesmo pela 

contemplação das inocentes brincadeiras de 

infância guardadas nas lembranças e registradas 

em telas. 

Em uma visão provocativa, pretendiam que 

as emoções vividas nos momentos dessas 

brincadeiras fossem “re-vividas”, sensorialmente, 

no contato direto com as novas 

expressões artísticas. 

VICTOR VASARELY 

(Pécs, 1908 – Paris, 1997) 

Pintor e artista gráfico húngaro, trabalhou em publicidade e decoração e desenvolveu pesquisas no campo da óptica-cinética 

com um método claramente científico, tornando-se um dos primeiros representantes da Op Art. Suas estruturas pictórico-dinâmicas, 

baseadas em variantes graduais de cor, exploram as diversas leituras das séries de formas geométricas 

coloridas: na vertical, na horizontal, nas diagonais ou na inversão da relação positivo-negativo entre figuras e intervalos. 

OP ART 

Abreviação do inglês Optical Art (Arte Óptica), o termo refere-se à pintura e à escultura que exploram efeitos e ilusões 

ópticas produzidos por incapacidade do olho e/ou cérebro de processar corretamente cores e formas em certas situações. 

A partir do estudo dos processos ópticos e psicológicos envolvidos na percepção, explora fenômenos como imagem fantasma, 

figuras ambíguas, perspectiva reversível ou sugestão de movimento pelo ritmo sincopado de padrões geométricos. 

269 . Página à esquerda: Orgulho I, 1981-1982 (detalhe), obra da artista inglesa Bridget Riley, representante da Op Art. 


195


196 

Assim, para esses artistas, o aspecto lúdico 

nas artes visuais deveria sair da figuração 

e da moldura, produzindo obras mais participativas, 

com a liberdade de um jogo que 

estimulasse os cinco sentidos. 

Pode-se brincar, mexer em uma obra de arte? 

Buscando resgatar a percepção sensível do 

mundo, alguns artistas modernos propõem 

que a ludicidade na arte seja um caminho para 

o espectador brincar, sonhar, interagir, experimentar 

e divertir-se, convidando os sentidos 

a participar, ativamente, mediando a fruição. 

A atividade puramente lúdica é, 

em princípio, a melhor maneira 

de iniciar qualquer tipo de 

trabalho artístico. 

Maria de lourdes M. Pereira 

Hélio oiticica, artista performático, pintor, 

escultor, pensador e inventor, a partir de 

1960, abandona os trabalhos bidimensionais 

e sai das telas para o espaço ambiental, 

convidando o espectador a observar, sob 

múltiplos ângulos, seus Relevos Espaciais, 

soltos no espaço. 

O artista foi cada vez mais longe e idealizou 

as obras Penetráveis, Núcleos, Bólides e Parangolés, 

afirmando: “foram o caminho para 

a descoberta do que eu chamo de estado 

de invenção”. 

Só existe o grande mundo da invenção. 

Hélio oiticica 

Passista da Estação Primeira de Mangueira, 

em sua ousadia e inventividade, Hélio Oiticica, 

quando cria Parangolés, que tinha por 

base capas de vestir, remete a obra ao jeito 

do corpo da malandragem carioca. 

270 . Grupo de pessoas no Morro da Mangueira com Parangolés P 

25 Capa 21 “Xoxoba” (1968), P 08 Capa 05 “Mangueira” (1965), 

P 05 Capa 02 (1965), P 04 Capa 01 (1964). 

O parangolé pamplona você mesmo faz 

O parangolé pamplona a gente mesmo faz 

Com um retângulo de pano de uma cor só 

E é só dançar 

E é só deixar a cor tomar conta do ar 

Verde Rosa. 

Parangolé Pamplona / Adriana Calcanhotto 

HÉLIO OITICICA 


Artista e teórico da arte, destaca-se no experimentalismo artístico brasileiro dos anos 1960 ao propor arte de alcance social e 

ético. Começou a produzir a partir da geometria herdada das vanguardas construtivas modernas e tomou parte da arte mais 

avançada da época (Neoconcretismo, 1959). Na busca por integrar arte e vida cotidiana, visou superar os limites do quadro 

ao fazer a cor ganhar o espaço (Núcleos, Bólides, Parangolés e Penetráveis), com o crescente envolvimento do espectador. 

271 . Página à direita: Hélio Oiticica manipulando B 07 Bólide Vidro 01, 1964.


198 

Unindo corpo e som, as capas foram usadas, 

inicialmente, por sambistas que, com 

sua dança, rodopiavam e criavam a ilusão 

da cor em movimento, em uma manifestação 

cultural coletiva. 

Hélio afirmou que só com a participação do 

público os Parangolés conseguiam alcançar 

sua plenitude plástica, um sentido de arte 

total, unindo recursos que antes agiam separadamente: 

cor, estruturas, sentido poético, 

dança, palavra, fotografia. 

Chamarei então Parangolé, de agora 

em diante, a todos os princípios 

formulados aqui (...). Parangolé é 

a antiarte por excelência; inclusive 

pretendo estender o sentido de 

“apropriação” às coisas do mundo 

com que deparo nas ruas, terrenos 

baldios, campos, o mundo ambiente 

enfim (...). Museu é o mundo; a 

experiência cotidiana. 

Hélio oiticica 

E surgiram as chamadas Manifestações Ambientais, 

entre as quais se destacou a obra 

Tropicália, de 1967, instalação em forma de 

labirintos, sem teto, feitos de diferentes 

materiais e texturas, em que Hélio faz analogias 

com as paisagens tropicais de Tarsila 

do Amaral. 

O artista convida o público a participar de 

uma experiência multissensorial. O espaço 

a ser percorrido sobre areia, pedrinhas, capim, 

asfalto, terra, em meio a tecidos, palhas, 

cordas e plantas, exige experiências 

através do gesto, do corpo e de todos os 

sentidos do participante, que vive por inteiro 

a proposição do artista. 

272 . Hélio Oiticica. Tropicália PN 2 e PN 3, 1967. 

273 . Hélio Oiticica. Tropicália PN 2 e PN 3, 1967. 

A repercussão do trabalho foi tal que Tropicália 

passou a designar o conjunto de desdobramentos 

culturais brasileiros, na música, 

no teatro, no cinema e na poesia, encabeçados 

por Gilberto Gil e Caetano Veloso. 

(...) a arte é um exercício 

experimental da liberdade. 

Mário Pedrosa 

Na mesma linha de pensamento de Hélio 

Oiticica, na qual o quadro se dissolve e extrapola 

suas barreiras tradicionais, em uma

transição entre o bidimensional e o tridimensional 

e permitindo a inserção do espectador 

na obra, está a artista lygia Clark. 

Contemporânea de Hélio, ela também deixa 

de pintar quadros e, da superfície para o 

espaço, cria “não objetos” construídos com 

placas de metal dobráveis, criando um espaço 

interno: são os Casulos. 

Depois, surgem os Bichos, que possuem dobradiças. 

Estas funcionam como uma espinha 

dorsal da estrutura, permitindo diferentes 

configurações, por meio da manipulação 

do espectador. 

A experiência singular de Lygia se desenvolveu 

em novas propostas: Abrigos Poéticos, 

Caixa Cubos, Objetos Relacionais e Livro- 

-Obra, que registra as reflexões da artista 

sobre seu trabalho. 

274 . Lygia Clark. Bicho, 1960. 

Sua pesquisa se amplia gradativamente, investigando 

as relações sensoriais entre corpo 

e arte e ressuscitando, através de diferentes 

materiais, as memórias do corpo. 

Lygia e Oiticica, de maneiras próprias, ao 

romperem com o quadro e construírem diretamente 

no espaço, desenvolveram caminhos 

que apontaram novos rumos para a 

arte contemporânea brasileira, nos quais a 

participação, a interação e a ludicidade buscavam 

transformar os processos de criação 

artística em sensações de vida. 

Hélio era o lado de fora de uma 

luva, a ligação com o mundo 

exterior. Eu, a parte de dentro. 

Nós dois existimos a partir do 

momento em que há uma mão 

que calce a outra. 

lygia Clark 

Integrados ao espírito da arte difundido nos 

anos 1960, no qual o artista era um propositor 

de situações, um coautor da obra de arte, 

são organizados por Frederico de Morais, no 

Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, os 

chamados Domingos da Criação, que aconteceram 

de janeiro a agosto de 1971. 

Com o objetivo de atrair, conquistar e conhecer 

o público, esses eventos ofereciam 

oportunidades para que os participantes 

exercitassem sua criatividade. Foram seis 

LYGIA CLARK 

(Belo Horizonte, 1920 – Rio de Janeiro, 1988) 

Artista experimental brasileira, trocou a superfície plana da pintura pelo espaço físico do mundo, convocando intensa 

participação física do espectador. Uma das fundadoras do grupo neoconcreto, desenvolveu objetos tridimensionais que 

solicitam manipulação pelo espectador (Bichos, 1960; Caminhando, 1964). Na década de 1970, dedicou-se ao estudo das 

possibilidades terapêuticas da arte sensorial e dos objetos relacionais, considerando seu trabalho próximo à psicanálise. 

FREDERICO DE MORAIS 

(Belo Horizonte, 1936) 

Crítico de arte e curador independente, vive e trabalha no Rio de Janeiro. Exerce a crítica de arte desde 1956, em que se 

destaca nos anos 1960 e no início da década de 1970, ao acompanhar alguns dos artistas mais importantes do período 

e criar eventos marcantes, como Arte no Aterro (MAM-Rio, 1968) e Do Corpo à Terra (Belo Horizonte, 1970). No Rio de 

Janeiro, assinou coluna de artes plásticas no Diário de Notícias (1966-1973) e em O Globo (1975-1987). 


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200 

275 . Domingos da Criação. 

encontros, estimulando experimentos com 

papel, terra, tecido, corpo, som e fio, reunindo 

a população ao redor da arte, em um 

espaço público, em plena ditadura militar. 

Os Domingos questionavam posturas e opiniões 

conservadoras sobre a arte brasileira 

daquele momento. Em uma livre manifestação 

do fazer estético, conferiam poder 

à imaginação, por acreditar na capacidade 

criadora inerente a todo ser humano. 

Os Domingos, portanto, tinham 

como meta colocar o consumidor 

diretamente dentro do processo 

criador, retirá-lo de sua passividade, 

tornando-o parte ativa da criação. 

Frederico de Morais 

Nesses Domingos, era possível a participação 

ativa do público, vivendo experiências, 

individuais e coletivas, não só de ver, 

apreciar, mas também de tocar, bulir, apalpar, 

cheirar, devorar a obra, criando, dessa 

forma, novas relações sociais dentro da arte. 

Tomando-se por base materiais simples, a 

arte brasileira mostrava ser capaz de reunir 

pessoas com a proposta de brincar com as 

diferentes linguagens. 

A “arte-atividade” ganha espaço em objetos, 

performances, rituais, eventos, como um 

plano piloto para uma futura cidade lúdica. 

A arte é uma forma de lidar com a incerteza, 

o conflito, o desafio, mas também com o 

prazer, a alegria e a ludicidade implícitos no 

viver e necessários para que, “arteiros”, nos 

arrisquemos no mundo, em uma busca constante 

e apaixonada da realização criativa. 

Criar é tão difícil ou tão fácil como viver. 

E do mesmo modo necessário. 

Fayga ostrower


• A ludicidade na arte. 

• A brincadeira como estímulo à criação. 

• O fazer artístico e a experimentação lúdica. 

• Os brinquedos e as brincadeiras de diferentes 

culturas. 

• A interação entre o público e a criação 

artística. 




• Trazer, para a sala de aula, brinquedos 

antigos que pertenceram aos familiares. 

Preencher uma ficha com as características 

do brinquedo, o material com que 

foi feito, a quem pertenceu e se existe 

algum similar na atualidade. Organizar 

uma exposição com todos os brinquedos 

trazidos pela turma. 

• Assistir ao filme Toy Story 3. Discutir sobre 

ele e sobre a importância dos brinquedos 

na vida de uma criança. Comentar, 

com os colegas, quais as preferências 

pessoais em relação a brinquedos. 

• Imaginar um brinquedo diferente. Fazer 

um projeto para ele, desenhando-o com 

detalhes, descrevendo suas características 

e seu funcionamento. Apresentar 

o projeto para a turma. Selecionar seis 

projetos e construí-los em grupos. 

• Observar reproduções de objetos feitos 

pelos irmãos Campana. Em grupo, 

transformar uma peça descartada do 

mobiliário escolar em outra, mais lúdica 

e interessante. Poderão ser feitas 

colagens com figuras recortadas de revistas, 

pedaços de tecidos, fitas e qualquer 

material disponível que inspire a 

criação. Criar títulos para as peças, expor 

os trabalhos e, se possível, fotografar 

e divulgar pela internet. 

• Criar uma pequena história, em grupo, 

que envolva brinquedos. Fazer fantoches, 

de diferentes tipos, para os personagens 

da história, usando materiais 

diversos, tais como: meias, sacos de 

papel, caixas pequenas, papéis coloridos, 

cartolina, plástico resistente, espetos 

de churrasco, entre muitos outros. 

Construir um cenário e improvisar um 

palco para apresentação da história, 

manipulando os fantoches criados. 

• Observar reproduções de obras plásticas 

executadas por diferentes artistas 

que apresentem brincadeiras e brinquedos 

infantis como tema. Fazer releituras 

das obras escolhidas com desenhos, 

pinturas e colagens. Recortar as formas 

e montar um painel com os desenhos 

da turma. 

• Verificar, na obra de Ivan Cruz, os brinquedos 

populares que aparecem nas 

telas. Produzir brinquedos artesanais: 

bolas de meia, pipas, bonecas de pano, 

peteca e outros de fácil confecção. Organizar 

um painel coletivo com a turma, no 

qual serão pintados personagens infantis 

e fixados os brinquedos confeccionados. 

• Pesquisar a arte cinética e os móbiles criados 

por Calder. Construir um móbile com 

diferentes figuras circenses. Os desenhos 

deverão ser feitos, em frente e verso, sobre 

um papel resistente e depois coloridos 

e recortados. Fazer armações com arame 

maleável e pendurar as formas, com fios 

de náilon, nas extremidades de cada arame. 

Interligar as armações, equilibrando- 

-as para formar o móbile. Ornamentar a 

sala com os móbiles criados. 


201


202 

• Pesquisar a Op Art e perceber seus efeitos 

visuais, suas ilusões puramente ópticas 

e não cinéticas. Observar reproduções 

de trabalhos de Victor Vasarely, nas 

quais o dinamismo é conseguido por contrastes, 

aproximações e distanciamentos 

que geram sensações de movimento. 

276 . Victor Vasarely. Zebras, 1938. 

277 . Victor Vasarely. Completion, 1957. 

Para visitar 

• Criar um desenho com efeitos ópticos, 

como esses ao lado, em preto e branco, 

explorando contrastes, a partir da silhueta 

da forma de um brinquedo (pipa, 

bola, boneca, pião, etc.). Traçar linhas, 

em toda a folha de papel, cortando a 

forma desenhada. Os espaços entre 

elas poderão variar. Pintar com preto, 

alternadamente, os espaços entre as linhas, 

tanto na forma desenhada quanto 

fora dela, respeitando as linhas de contorno. 

Avaliar se os trabalhos conseguiram 

produzir os resultados desejados. 

• Observar vídeos sobre os Parangolés de 

Hélio Oiticica. Perceber os efeitos conseguidos 

com os diferentes movimentos feitos 

pelas pessoas que vestem os Parangolés. 

Fazer uma coreografia, utilizando 

dois metros de TNT colorido, que busque 

efeitos com o movimento do tecido. 

Museu Histórico Nacional – Um dos mais importantes museus do Brasil, reúne precioso acervo 

histórico com exposições que vão da pré-história brasileira ao período republicano. Abrindo um 

espaço para representação da criança, o museu possui ainda cerca de 300 brinquedos em seu 

acervo, entre os quais um jogo de xadrez e um brinquedo de corda que pertenceram a D. Pedro I. 

Endereço: Praça Marechal Âncora, s/n., Centro. 

Tel.: (21) 2568-8262. 

Parque Brigadeiro Eduardo Gomes – Conhecido como Aterro do Flamengo, por ter sido construído 

com diversos aterros realizados no início do século XX e se localizar no bairro do Flamengo. 

É um centro de lazer da cidade do Rio de Janeiro em ampla área ajardinada, com projetos 

de Roberto Burle Marx. Possui quadras esportivas, pista de aeromodelismo e de skates, parquinhos 

e outras diversões. 

teatro de Marionetes Carlos Werneck – Situado no Aterro do Flamengo, atualmente faz 

parte do Projeto Parque Criativo da Prefeitura da cidade do Rio de Janeiro. Aos domingos, 

oferece diversas atividades recreativas e culturais, para públicos de todas as idades. 

Endereço: Praia do Flamengo, altura do n. 300.

Pensar para brincar 

Imagens que brincam 

Na dialética das relações sociais, 

as pessoas formam-se no contraponto 

das imagens recíprocas, 

como em um jogo de espelhos, 

compreendendo-se ou opondo-se, 

contemplando-se ou estranhando-se. 

octavio ianni 

O rosto pintado de branco, os olhos contornados 

de preto e a boca exageradamente desenhada 

ressaltam as expressões faciais. As 

mãos enluvadas se movimentam em gestos 

mágicos, transmitindo mensagens e comunicando-se, 

sem palavras, com o público. Não 

há quem não preste atenção naquela imagem. 

278 . Mímico. 

Os atores da mímica se fazem presentes 

em nossas vidas, brincando com os fatos 

do cotidiano e chamando a atenção para 

o que, muitas vezes, não percebemos: os 

sentimentos de alegria ou tristeza, a raiva, 

a dor, o absurdo e o ridículo de certos comportamentos, 

tentando corporificar a vida 

em sua plenitude. 

Essa arte do gesto está nos teatros, nos parques, 

nas praças de alimentação dos shoppings, 

nos sinais de trânsito. Ela procura 

retratar a ação, o movimento da vida e é 

considerada um dos meios mais antigos de 

autoexpressão, sendo a base da comunicação 

do homem pré-histórico, que, em seus 

ritos, incorporava gestos e sons. 

Na Grécia Antiga e em Roma, a mímica era 

um recurso usado em sátiras e comédias 

como forma de interpretação dramática. A 

arte da mímica, na Idade Média, foi preservada 

por atores que se deslocavam percorrendo 

cidades e apresentando espetáculos 

teatrais e circenses, principalmente em praças 

e mercados. 

No século XVI, as companhias italianas 

da chamada commedia dell’arte exibiam 

uma concepção teatral característica, incluindo 

várias formas de representação 

– o gesto mímico, a dança, a acrobacia –, 

MÍMICA 

Imitação ou o ato de copiar gestos e características de outro indivíduo. Como expressão artística (gênero teatral), 

é uma forma de arte dramática baseada principalmente nos movimentos ou gestos, que tem o fim de contar uma 

história ou descrever uma situação ou personalidade. Por prescindir da palavra, a mímica, assim como a música, 

traz em sua história o atributo de superar as fronteiras linguísticas. 


203


204 

intensificadas pela presença plástica das 

máscaras, que determinavam papéis para 

os atores, conduzindo pensamentos e sentimentos 

através da ação. 

279 . Marcel Marceau em cena. 

O trabalho dos mímicos tornou-se extremamente 

popular por apresentar temáticas 

contemporâneas, com forte caráter crítico, 

e estabelecer fácil comunicação com as plateias. 

Essa manifestação artística chegou 

ao século XX, quando vários artistas destacaram-se 

individualmente, como o brilhante 

ator francês da mímica Marcel Marceau, 

criador do personagem Bip, adaptado do 

pierrô da commedia dell’arte. 

A arte da mímica construiu também seu espaço 

no cinema mudo, no qual surgiu a figura de 

Carlitos, interpretada brilhantemente por Charles 

Chaplin, que expressava, com humor e romantismo, 

a ansiedade dos tempos modernos. 

Na década de 1950, essa técnica teatral chegou 

ao Brasil com o português luís de lima, 

ator, tradutor, diretor, mímico e professor. 

Luís de Lima influenciou toda uma geração 

de artistas direcionados ao estudo e à representação 

da sutil linguagem da mímica, 

tais como: Ricardo Bandeira, Juarez Machado, 

Denise Stoklos, Jiddu Saldanha, Luís 

Louis e Josué Machado. 

MARCEL MARCEAU 

(Estrasburgo, 1923 – Cahors, Lot, 2007) 

Mímico francês, começa a ser conhecido no fim dos anos 1940 ao se apresentar a plateias do mundo todo, em 

teatro, cinema e TV. Inspirado por grandes artistas do cinema mudo norte-americano, estudou com mímicos franceses 

técnicas para condensar tempo e espaço em cenas visuais, capazes de evidenciar a comédia e a tragédia 

da humanidade sem o uso das palavras. Em 1947, criou o personagem Bip, um clown tão conectado com o artista 

que foi considerado seu alter-ego. 

CHARLES CHAPLIN 

(Londres, 1889 – Corsier-sur-Vevey, 1977) 

Ator e diretor de cinema inglês, encantou o mundo do cinema e conquistou lugar no imaginário popular com o 

personagem “o vagabundo”, um pobre andarilho de chapéu-coco e bengala de bambu, de jeito gentil e ingênuo, 

com maneiras de um verdadeiro cavalheiro. Perfeccionista, atuava de forma graciosa e elegante em situações de 

brincadeiras inteligentes. Era muito preciso na direção de outros atores e também no uso da edição para impulsionar 

a narrativa. 

LUÍS DE LIMA (LUÍS JOSÉ LIMA DA SILVA) 

(Lisboa, 1925 – Rio de Janeiro, 2002) 

Ator e diretor. Formado no Conservatório Nacional de Teatro de Lisboa, estudou arte dramática e mímica em Paris, 

onde trabalhou com Marcel Marceau. Em 1953, apresentou seu primeiro trabalho no Brasil, o mimodrama O Escriturário, 

adaptado do conto de Herman Melville, espetáculo premiado que introduziu a mímica moderna no país. Aqui 

se radicou, tendo sido o pioneiro do Teatro do Absurdo brasileiro, além de atuar como tradutor, professor de teatro 

e dirigente sindical. 

280 . Página à direita: Pôster, feito na Suécia, do filme Luzes da Cidade, 1931.

Ser mímico é um exercício de 

liberdade e amor, é uma forma de 

tornar o mundo possível. 

Jiddu Saldanha 

A mímica nos permite viver experiências de 

descoberta e redescoberta das coisas do 

mundo, por meio da interpretação do gesto, 

presente também na habilidade dos desenhistas, 

dos pintores e dos escultores, nos 

movimentos dos bailarinos, na interpretação 

dos músicos e dos cantores e na atuação de 

muitos atores, como humoristas e palhaços. 

Então, o palhaço também é um mímico? 

Nos circos europeus, o palhaço sempre 

usou mais a mímica do que a palavra para 

estabelecer a comunicação com as plateias. 

O trabalho itinerante circense, por lugares 

e culturas diferentes, tinha na arte do 

gesto uma aliada, quebrando a barreira 

dos idiomas. 

As imagens brincantes dos personagens 

do circo nos remetem a um mundo de magia, 

no qual a alegria dos palhaços, a flexibilidade 

dos acrobatas e o mistério que 

envolve os mágicos prescindem da palavra 

em favor do gesto e da música. 

O russo Marc Chagall era um apaixonado 

pela vida circense e seu mundo fantástico. 

O pintor, como o circo, tinha uma vida nômade, 

pois morou em diferentes lugares. 

Na primeira metade do século XX, Chagall 

realizou uma obra que contava histórias 

mágicas, nas quais o lúdico, o imaginativo 

e a fantasia envolviam os personagens, que 

se vestiam de cor e mistério. 

Suas pinturas sobre o circo apresentam a 

poética circense com simplicidade temática, 

magia e musicalidade. 

281 . Palhaço. 282 . Marc Chagall. O Cavalo de Circo, 1964. 

MARC CHAGALL 

(Vitebsk, 1887 – Saint-Paul de Vence, 1985) 

Pintor, ilustrador, gravurista e cenógrafo russo, criou um mundo de fábula e fantasia com formas geometrizadas 

e cores intensas a partir de lembranças e sentimentos de sua infância. Viveu na fervilhante Paris do início do 

século XX, quando absorveu a cor do Fauvismo e a decomposição das formas do Cubismo, recriando imagens da 

cultura popular russa e da tradição judaica, em um espaço imaginário por onde se movem músicos, saltimbancos, 

animais e temas bíblicos. 

283 . Página à esquerda: Marc Chagall. Dança, 1950-1952 (detalhe). 


207


208 

O artista faz do circo uma metáfora da vida, 

na qual o mundo gira em torno do picadeiro, 

em uma dimensão misteriosa e nostálgica. 

Um olhar, olhares. Cada um à sua 

maneira, o mundo que o circunda, 

este circo que chamamos de vida. 

Marc Chagall 

A arte circense, com suas cores e suas formas, 

existe desde a Antiguidade, mantendo 

o mesmo encantamento. 

O circo contemporâneo inclui aspectos tradicionais 

e novidades tecnológicas. Os espetáculos 

do internacional Cirque du Soleil e dos 

grupos brasileiros, como a Intrépida Trupe e 

os Parlapatões, são exemplos da permanência 

e da renovação da arte circense. 

284 . Cirque du Soleil. 

Hoje, a profissionalização técnica pode ser 

feita em escolas como a Escola Nacional 

de Circo, que existe desde 1982, na cidade 

do Rio de Janeiro. Mesmo assim, ainda é 

presente o aprendizado nos grupos familiares 

circenses, criando personagens que 

alimentam a imaginação e dão alegria às 

nossas vidas. 

As leituras que fazemos das imagens circenses, 

das expressões mímicas e do mundo 

que nos rodeia possuem interpretações 

próprias relacionadas ao que sentimos e 

pensamos. Muitas vezes, sons, imagens, 

ações que nos sensibilizaram e causaram 

prazer podem nos conduzir a novas formas 

de apropriação. 

É comum, entre os artistas, a realização de 

releituras de obras, como forma de interpretar 

trabalhos de diferentes autorias pelos 

quais tenham interesse ou admiração. 

Então, releitura é cópia? 

A cópia está relacionada a um aprimoramento 

técnico cuja única preocupação é reproduzir 

os mesmos procedimentos utilizados por 

um artista. 

A releitura também parte de um trabalho artístico, 

mas com o objetivo de interpretar, 

transformar e criar, com base em um referencial, 

apresentando diversidade de significados 

de acordo com as vivências, as informações 

e o contexto cultural de quem realiza a 

nova experiência. Assim, as diferentes linguagens 

da arte se utilizam das obras como suportes 

interpretativos para as novas criações, 

mantendo o elo com a fonte inspiradora. 

CIRQUE DU SOLEIL 

Circo do Sol, em francês, é uma companhia fundada por artistas de rua em Quebec (Canadá), em 1984. Atualmente, 

soma milhares de artistas em todo o mundo: trapezistas, malabaristas, entre outros, que baseiam os espetáculos 

na linguagem corporal do teatro e do balé e na utilização de tecnologia. A sede internacional em Montreal é um 

laboratório multiétnico de criatividade, onde artesãos, especialistas em diversas áreas e artistas dos mais talentosos 

colaboram nos projetos. 

285 . Página à direita: Apresentação do Cirque du Soleil em The Bryce Jordan Center, Pensilvânia, 2009.


210 

Quantas Mona Lisas fazem parte da vida? 

Elas estão por aí... reinterpretadas nos 

outdoors, nas revistas, nas roupas e em 

outras mídias. 

Talvez a imagem original e única da Mona 

Lisa, pintada por Leonardo da Vinci no século 

XVI, seja a obra mais utilizada em diferentes 

apropriações ao longo da história 

da arte. 

O rosto da Mona Lisa aparece com irônicos 

bigodes na releitura de Duchamp, com 

traços fortes e modernos em tela de Basquiat, 

jovem e gordinha na visão de Botero, 

duplicada nas serigrafias de Warhol e até 

preenchida, em seus contornos, com geleia 

e pasta de amendoim por Vik Muniz. 

286 . Fernando Botero. Monalisa, 1977. 

287 . Marcel Duchamp. L.H.O.O.Q., 1919. 

Além de redesenhada, estilizada e transformada, 

essa obra de Da Vinci serviu de tema 

para romances, filmes e canções, tornando- 

-se um ícone de referência mundial. 

Nas artes plásticas, são muitos os exemplos 

dessas criações que retomam as ideias de 

outros artistas em formas criativas reinventadas, 

dando nova vida a imagens poéticas. 

No século XIX, o espanhol Francisco de Goya 

pintou a tela As Majas no Balcão, que foi 

reinterpretada por Manet. Mais tarde, já no 

século XX, Magritte fez uma releitura da 

obra de Manet. 

GOYA (FRANCISCO DE GOYA Y LUCIENTES) 

(Fuendetodos, 1746 – Burdeos, 1828) 

Pintor e gravador espanhol, era hábil na captura da personalidade de seus retratados e em técnica capaz de 

reproduzir em pinceladas marcadas jogos de luz e o brilho do fino vestuário da realeza. Retratista da corte 

espanhola, bem registrou a feiura, vacuidade e ambição de seus membros. Destacou-se também na gravura, 

arte na qual visões fantásticas de monstros e outras aparições sobrenaturais traduziam pesadelos pessoais e 

acusações à estupidez e tirania do governo espanhol. 

288 . Página à direita: Francis Picabia. Capa da revista 391, n. 12, 1920, com uma versão de L.H.O.O.Q., de Marcel Duchamp.

289 . Francisco de Goya. As Majas no Balcão, 1810-1812. 

290 . Édouard Manet. O Balcão, 1868-1869. 

Na década de 1950, Picasso criou um conjunto 

com 44 estudos com base na obra As 

Meninas, de Velázquez. Esses trabalhos revelam 

a interpretação inventiva do artista, 

que assimilou elementos da obra de Velázquez, 

transformando-a ao seu estilo. 

291 . Eliseu Visconti. Gioventù, 1898. 

292 . Amador Perez. 

Gioventù, 2002. 

AMADOR PEREZ 


Artista gráfico, professor e desenhista de raro domínio do grafite, trabalha com a apropriação e a recriação de 

imagens em desenho, gravura e outros processos de cópia e impressão. Começou por usar imagens anônimas, 

publicadas em jornais e revistas. Posteriormente, manipulou reproduções de obras de arte para evidenciar a estrutura 

interna das imagens por meio de fragmentações e das variações entre o branco do papel e sua saturação 

total com grafite ou pigmento. 

293 . Página à esquerda: Édouard Manet. O Balcão, 1868-1869 (detalhe). 

O carioca Amador Perez realizou uma série 

com desenhos tomando por base uma reprodução 

da obra Gioventù, de Eliseu Visconti. 

O artista recriou, em múltiplas imagens, 63 

obras únicas, delicadas e precisas na exploração 

de efeitos, reflexos e texturas que 

esse mestre do grafite domina de forma 

tão virtuosa. 

Picasso e Amador Perez reinterpretaram, 

também, outras obras famosas feitas por 

artistas de diferentes épocas, dando novos 

sentidos, de modo renovador e instigante, 

às suas criações. 


213


214 

A arte não é o espelho da realidade. É o 

campo da percepção, da imaginação, de 

tudo além do real. Descobrir o que está por 

trás de uma obra é enigmático e instigante. 

Mirian Celeste Martins 

Na investigação de referências para a produção 

artística, está a pesquisa formal feita 

pelo brasileiro Nelson Screnci. 

A série de dez quadros intitulada Metamorfose 

Cultural sofre intervenções, transformações 

sucessivas, partindo da Infanta Margarida, 

de Velázquez, para chegar até A Negra, 

de Tarsila do Amaral. 

294 . Nelson Screnci. Metamorfose Cultural, 1997. 

Nelson apropria-se, também, de outros trabalhos 

consagrados pela história da arte 

para redefini-los em uma estética pop. É o 

caso das telas Os Excluídos, As Meninas 

nos Espelhos e Saudades do Brasil, relendo, 

respectivamente, obras de Almeida Júnior, 

Velázquez e Guignard. 

As soluções estéticas e os resultados encontrados 

por esses artistas desafiam o pensamento 

lúdico e criativo, concretizando-se em 

composições originais e únicas. 

Releituras e interferências em trabalhos de 

arte diminuem o distanciamento entre o espectador 

e a obra, permitindo o prazer de 

brincar, de se apropriar, de provocar e de 

renovar as formas de expressão. Quem nunca 

teve a sensação de já ter visto, lido ou 

ouvido algo pela segunda vez? 

NELSON SCRENCI 


Pintor, desenhista e professor, desenvolve trabalho baseado na releitura de obras consagradas pela história da 

arte (Tarsila do Amaral, Guignard, Almeida Júnior, Diego Velázquez, Édouard Manet) a partir de uma estética pop. 

Atento à cultura urbana, apropria-se também de elementos e de imagens que circulam na metrópole, reelaborando-os 

em uma pintura que critica aspectos da cultura de massa e o próprio circuito de arte.

Esse fenômeno acontece porque muitas 

obras de arte “conversam entre si”, interagem 

por meio de um jogo de referências e, 

mediadas pelo talento dos artistas, encontram 

eco na nossa sensibilidade, mantendo 

um universo de comunicação e troca. 

As releituras também podem ser entendidas 

como versões criativas de obras musicais, 

teatrais, cinematográficas e literárias. 

O poema Canção do Exílio, escrito por Gonçalves 

Dias, é considerado uma das obras 

mais reinterpretadas da literatura brasileira. 

Minha terra tem palmeiras, 

Onde canta o sabiá; 

As aves, que aqui gorjeiam, 

Não gorjeiam como lá. 

Canção do Exílio / Gonçalves Dias 

Na versão de Oswald de Andrade, por exemplo, 

a poesia canta o regresso à pátria. 

Minha terra tem palmares 

Onde gorjeia o mar 

Os passarinhos aqui 

Não cantam como os de lá. 

Canto de Regresso à Pátria / 

oswald de Andrade 

A obra de Gonçalves Dias apresenta diferentes 

interpretações por poetas como Murilo Mendes, 

Carlos Drummond de Andrade, Ferreira Gullar 

e Mario Quintana, revelando a diversidade e a 

capacidade inventiva do pensamento humano. 

Em 1968, Chico Buarque de Holanda e Tom 

Jobim também se “alimentaram” da Canção 

do Exílio, de Gonçalves Dias, para compor 

Sabiá, uma canção melancólica e nostálgica 

que sugere o contraste entre o que se deseja 

e o que de fato se tem, uma saudade de 

um lugar, mesmo estando-se nele. 

295 . Tom Jobim, Chico Buarque, Cynara e Cybele no III Festival 

Internacional da Canção, 1968. 

Vou voltar 

Sei que ainda vou voltar 

Para o meu lugar 

Foi lá e é ainda lá 

Que eu hei de ouvir cantar 

Uma sabiá 

Cantar uma sabiá 

Sabiá / Chico Buarque de Hollanda 

e tom Jobim 

GONÇALVES DIAS (ANTÔNIO GONÇALVES DIAS) 

(Caxias, MA, 1823 – Atins, MA, 1864) 

Um dos mais consagrados poetas brasileiros. Consolidou o Romantismo no país e serviu de modelo às gerações seguintes. 

Desenvolveu o nacionalismo na literatura configurado na exaltação do índio, cujas qualidades o identificavam 

com o herói medieval, e nas formas de representação da natureza e de paisagens brasileiras. Essa valorização 

do elemento nacional se materializa nos conhecidos poemas I-Juca-Pirama e Canção do Exílio. Faleceu vítima de um 

naufrágio no litoral maranhense. 


215


216 

Dez anos depois de Sabiá, Chico Buarque 

compôs, para o teatro musical, a Ópera do 

Malandro, adaptada da Ópera dos Três Vinténs, 

feita em 1928 por Bertold Brecht e Kurt 

Weill, sendo esta última baseada na Ópera 

do Mendigo, escrita em 1728 por John Gray. 

Os três trabalhos brincam com as imagens 

encenadas, apresentando um retrato satírico 

das classes dominantes em suas diferentes 

épocas. 

O nosso trabalho tem 

a estrutura da peça de Gray, 

o enfoque crítico de Brecht, mas 

é essencialmente brasileiro. 

Chico Buarque de Holanda 

Os estímulos artístico-culturais nos abastecem 

com informações que, filtradas pelo 

olhar do artista, muitas vezes são colocadas 

à disposição da sensibilidade de cada 

um de nós. 

Na atualidade, é permitida, mais do que 

nunca, a apropriação da arte como meio 

para uma melhor compreensão do mundo e 

o desenvolvimento criativo da imaginação e 

da percepção do ser humano. 

Ninguém ensina ninguém 

nem tampouco ninguém 

aprende sozinho. 

Os homens aprendem em comunhão, 

midiatizados pelo mundo. 

Paulo Freire 

Brincar para contestar 

A ironia é sobretudo uma 

brincadeira do espírito. 

O humor seria antes uma 

brincadeira do coração, uma 

brincadeira da sensibilidade. 

296 . Guia Prático de Quadrinhos MultiRio. 

Jules Renard 

A brincadeira é uma forma de comunicação 

carregada de vários tipos de mensagens. 

Ela transmite sentimentos, aspirações, valores 

sociais e é também um importante recurso 

de contestação. 

No campo da arte, são muitos os modos 

de brincar por meio da expressão gráfica. 

E uma das formas mais criativas, por sua 

fácil e imediata comunicação popular, é a 

arte dos quadrinhos.

Geralmente, as histórias são baseadas em 

observações sobre a vida em família, as relações 

de trabalho, expressando não só a 

opinião do artista, mas também os valores 

de sua época. 

E quem inventou a história em quadrinhos? 

Os homens pré-históricos já contavam as 

histórias do seu cotidiano, suas aventuras e 

suas caçadas em imagens pintadas nas cavernas. 

Os egípcios usaram a mesma ideia 

para passar hábitos e crenças, desenhando 

em diferentes paredes no Egito. 

297 . Pintura egípcia encontrada em túmulo do Novo Reino 

de Mennah, em Tebas. 

Nas igrejas medievais, as cenas que narravam 

os últimos momentos da vida de Jesus 

na Terra também podem ser consideradas 

ancestrais das tirinhas em quadrinhos. Nessas 

histórias pintadas, não havia texto, só 

as imagens comunicavam a sequência das 

ideias, como ainda acontece em algumas 

propostas de quadrinhos contemporâneos. 

Somente no século XIX, a história em quadrinhos 

se desenvolveu e se firmou como 

um gênero com características próprias, 

graças à expansão da indústria jornalística 

nos Estados Unidos. Os grandes jornais 

americanos constataram o sucesso da comunicação 

através da arte sequencial em 

quadrinhos e passaram a publicá-la em 

suplementos semanais. 

Começaram a surgir desenhistas que se destacaram 

no desenvolvimento desse trabalho, 

cuja temática ampliou-se, indo do humor à 

crítica social. Na década de 1930, foram lançadas 

as primeiras revistas totalmente dedicadas 

aos quadrinhos, e muitos dos personagens 

das tiras dos jornais apareceram 

nessas revistas. 

Surgiram vários gêneros da arte – mistério, 

aventura, ação, comédia, drama, policial –, 

marcados em diferentes épocas por famosos 

personagens, como Dick Tracy, Príncipe 

Valente, Flash Gordon, Tarzan, Recruta Zero, 

Mandrake, Batman, Superman, Fantasma, 

Popeye, entre outros. 

298 . Capa da revista Superman. 

Publicada em 1951. 

299 . Capa da revista Batman. 

Publicada em 1948. 

Os quadrinhos contemporâneos se transformaram 

com novas tecnologias e com a inclusão 

de diferentes recursos de outras linguagens 

artísticas. 

Essas imagens, através das histórias, apresentam 

um dinamismo que, aliado a qualidades 

plásticas e literárias, estimula o imaginário 

do leitor. 


217


218 

O brasileiro Mauricio de Sousa vem acompanhando 

várias gerações com suas histórias e 

personagens interessantes. 

O cachorrinho Bidu foi a primeira criação da 

Turma da Mônica e apareceu em uma tirinha 

em quadrinhos no jornal Folha de S. Paulo, 

em 1959. Depois, vieram Mônica, Magali, Cebolinha, 

Cascão e muitos outros. 

300 . Capa da revista 

Bidu. Autor: Mauricio 

de Sousa. 

Esses personagens divertidos brincam até 

hoje nas revistas, nos jornais, na televisão, 

no cinema e até em adaptações feitas para 

os mangás. Eles aparecem, também, como 

figuras ilustres da arte mundial, em uma 

série com mais de 50 releituras de obras 

consagradas, feitas por Mauricio de Sousa a 

partir de 1989. 

Nesses trabalhos, Mônica surge como uma 

das meninas de Renoir, em Rosa e Azul, 

transformada na Mulher com Sombrinha do 

quadro de Manet, participando do Nascimento 

de Vênus de Botticelli e até posando 

de Mônica Lisa, lembrando a famosa tela de 

Leonardo da Vinci. 

301 . Pierre-Auguste Renoir. Rosa e Azul, 1881. 

302 . Mauricio de Sousa. Magali e Mônica 

de Rosa e Azul, 1989. 

Os trabalhos de Mauricio respeitam as cores, 

os movimentos, a luz e a composição 

original de cada pintura, mas conservam a 

originalidade de seu próprio traço. Desse 

modo, atraem o público por meio das associações 

evidentes com as obras citadas, em 

uma atmosfera alegre e descontraída. 

MAURICIO DE SOUSA 

(Santa Isabel, SP, 1937) 

Jornalista e cartunista, criador da famosa história em quadrinhos Turma da Mônica. Em 1959, era repórter policial no 

jornal Folha da Manhã, de São Paulo, quando apresentou uma série de tiras em quadrinhos com um cãozinho e seu 

dono – Bidu e Franjinha. O jornal aceitou a proposta, e Mauricio passou a se dedicar integralmente aos quadrinhos. 

As revistas vendem-se aos milhões, e entre suas realizações estão parques temáticos, animações para TV e um 

grande projeto de alfabetização. 

303 . Página à direita: Pierre-Auguste Renoir. Rosa e Azul, 1881 (detalhe).


220 

Outro grande nome dos quadrinhos brasileiros, 

Ziraldo, também brinca com imagens 

consagradas. Seus personagens denominados 

Zeróis interagem, em grandes telas pintadas, 

com trabalhos de Picasso, Velázquez, Goya, 

Warhol, entre outros. 

Essas releituras de conhecidos ícones da 

cultura contemporânea contestam, com humor, 

o mito norte-americano do poder, da 

força e da invencibilidade. 

305 . Ziraldo. Capa do livro 

O Menino Maluquinho, 1980. 

Na linha dos quadrinhos, 

Ziraldo criou 

os personagens da 

Turma do Pererê, a 

Supermãe, o Menino 

Maluquinho. Outras 

vertentes criativas 

do artista aparecem 

em cartazes, painéis, 

símbolos e na literatura 

infantil. 

304 . Ziraldo. Super-Warhol 

Nº 1 – 6 (série Zeróis). 

A paixão pelos quadrinhos está refletida 

em toda a sua obra, traduzindo o humor do 

chargista, a crítica do caricaturista e a contemporaneidade 

do cronista. 

Há muita diversão em seus quadros; 

há sutilezas, humor crítico, mas sempre 

a sensação de que o autor se diverte 

junto conosco, feito menino arteiro. 

Catálogo da exposição Zeróis: Ziraldo na Tela 

Grande. CCBB – 2010. 

Caricaturas, charges e cartuns são formas de 

expressão gráfica que apresentam desenhos 

feitos, geralmente, com traços rápidos e informais. 

São recursos artísticos muito usados 

para criticar os costumes da sociedade, os 

regimes políticos ou simplesmente fazer uma 

brincadeira bem-humorada. 

ZIRALDO (ZIRALDO ALVES PINTO) 

(Caratinga, MG, 1932) 

Jornalista, escritor e artista gráfico. Nos anos 1960, publicou a primeira revista em quadrinhos brasileira de um só 

autor, A Turma do Pererê. Foi um dos fundadores do jornal O Pasquim, de oposição ao regime militar. Em 1980, 

ganhou o Prêmio Jabuti com o livro O Menino Maluquinho, adaptado para teatro, cinema e internet, e, em 2004, 

o prêmio internacional Hans Christian Andersen, com o livro Flictis. Seu estilo pode ser reconhecido em logotipos, 

ilustrações, cartazes, camisetas e símbolos de campanhas públicas ou privadas.

306 . Honoré Daumier. Gargantua, 1831. 

Existe diferença entre caricatura, charge e cartum? 

A caricatura é um retrato que ressalta, com 

exagero, alguns traços e expressões característicos 

de uma pessoa. A charge e o cartum 

são formas da linguagem caricatural que comunicam 

fatos. 

A charge define a época, o contexto social e 

econômico em que ocorre determinada situação, 

enquanto o cartum mostra um tema universal, 

atemporal, que pode ser compreendido 

em diferentes épocas, lugares e culturas. 

São modos de contestar nos quais a tônica 

são a brincadeira e o humor, que propiciam 

um diálogo constante com o público. Eles 

desempenham papel importante, levando à 

reflexão de questões sociais, e servem de 

fonte como registro da história. 

307 . Caricatura de Charles Chaplin (1990). Autor: Greg Williams. 

A sátira é a indignação moral 

transformada em arte cômica. 

Philip Roth 

A caricatura, pela forte expressividade, clareza 

estrutural e simplicidade linear, é um 

dos meios mais poderosos para criticar pessoas 

e costumes, sendo facilmente aceita 

pela sociedade, mesmo quando se utiliza do 

exagero formal em suas representações. 

O mesmo não ocorreu com a pintura expressionista, 

que teve muita resistência em ser 

aceita, em sua época, pois era considerada 

308 . Jaguar. Cartum. 


221

“feia” e grotesca. Entre os pintores que chocaram 

o público, por mostrar a realidade 

sem idealizá-la, está o norueguês Edvard 

Munch, com a obra O Grito, feita em 1895. 

309 . Edvard Munch. O Grito, 1893. 

Por simbolizar um momento de angustiante 

emoção, as impressões sensoriais “gritam” 

na cabeça da figura, que é representada com 

distorções semelhantes à de uma caricatura. 

A caricatura sempre foi “expressionista”, 

pois o caricaturista joga com 

o retrato de sua vítima e distorce-o 

para expressar justamente o que sente 

a respeito do seu semelhante. 

E. H. Gombrich 

310 . Manuel de Araújo Porto Alegre. Caricatura, 1837. 

EDVARD MUNCH 

(Löten, 1863 – Ekely, 1944) 

Pintor, gravador e desenhista norueguês, voltou-se para a análise das feridas da sociedade e do indivíduo através de um 

realismo simbólico que gira em torno da melancolia, da angústia, do desespero, da paixão e da mulher. Associado ao 

Simbolismo dos anos 1890 e reconhecido como precursor do Expressionismo, alcança dramaticidade por meio de grande 

expressividade da linha, que contorna as figuras e as prolonga em sucessivas ondas, sugerindo tensão psicológica. 

ARAÚJO PORTO ALEGRE (MANUEL DE ARAÚJO PORTO ALEGRE) 

(Rio Pardo, RS, 1806 – Lisboa, 1879) 

Pintor, arquiteto, professor e crítico de arte, desempenhou papel central na mobilização das artes figurativas no Brasil do 

século XIX, defendendo a importância dessas artes na construção de uma identidade nacional. Aluno de Debret na Academia 

Imperial de Belas Artes, estudou na Europa e participou da criação de vários periódicos. Foi nomeado professor e 

depois diretor da academia, onde instituiu reformas a fim de criar condições para o desenvolvimento das artes entre nós. 

311 . Página à esquerda: Edvard Munch. O Grito, 1893 (detalhe). 

A ideia de conceber retratos “exagerados” 

originou-se na Itália no século XVIII. Depois, o 

humor crítico apareceu como forma de contestação 

em numerosas caricaturas de Luís XIV. 

Através da história, essa forma de arte tem 

sido um recurso de protesto, que vem ao 

encontro dos interesses da sociedade, pois 

promove denúncias e reivindicações. 

Um dos pioneiros da caricatura no Brasil, no 

século XIX, foi Manuel de Araújo Porto Alegre. 

Ele dirigiu a revista Lanterna Mágica, 

que publicava desenhos com humor, sátira e 

conteúdo político. 

Durante o Segundo Reinado, o italiano Angelo 

Agostini, radicado no Brasil, foi considerado 

o mais importante artista gráfico da 

época: caricaturista, cartunista, ilustrador. 


223


224 

Em 1869, publicou Nhô Quim, Impressões 

de uma Viagem à Corte, tornando-se precursor 

da história em quadrinhos brasileira. 

Com a vinda de Angelo Agostini para o Brasil, 

a caricatura se transformou e ganhou 

identidade própria, tornando-se um gênero 

também utilizado por artistas plásticos. 

312 . Angelo Agostini. Caricatura de Dom Pedro II, 1887. 

É o caso de Pedro Américo e, anos mais tarde, 

de Di Cavalcanti, que modernizou o traço 

do desenho humorístico e publicou, em 

1932, o álbum A Realidade Brasileira, com 

críticas ao momento nacional. 

Na virada do século XX, tornaram-se populares 

as publicações críticas em jornais e 

revistas. Entre estas, se destacam O Malho, 

O Careta, Fon-Fon e a Revista da Semana, 

que projetaram nomes da arte satírica 

como J. Carlos, Nássara, Lan, Belmonte e 

Nair de Tefé, primeira mulher do mundo a 

publicar caricaturas. 

313 . Nair de Tefé. Cari- 

catura do presidente 

Juscelino Kubitschek. 

Os anos 1960 foram marcados, mundialmente, 

por agitações políticas, sociais e 

culturais, caracterizando um período de 

inquietação e transformação. Surgiram, então, 

grandes nomes do desenho de humor 

que conduziram em tom de brincadeira e 

ironia os problemas da época. 

Criada em 1964, a personagem Mafalda, 

do desenhista argentino Quino, apresenta 

um comportamento contestatório e um 

discurso filosófico. 

Mafalda coloca em discussão temas como 

feminismo, moralismo, educação, censura, 

repressão e poder. 

ANGELO AGOSTINI 

(Vercelli, 1843 – Rio de Janeiro, 1910) 

Desenhista, ilustrador, pintor e gravador, destaca-se na publicação de charges em vários periódicos, entre eles, 

a Revista Ilustrada, fundada por ele (1876), que marcou a imprensa nacional ao exercer autonomia de imprensa 

no Segundo Reinado. Seu traço acadêmico e realista serviu de veículo para posições anticlericais e republicanas. 

Agostini atuou também como crítico de arte e criou a primeira história em quadrinhos do Brasil, Nhô Quim, assim 

como a revista infantil Tico-Tico (1905). 

QUINO (JOAQUÍN SALVADOR LAVADO TEJÓN) 

(Mendoza, 1932) 

Quadrinista argentino reconhecido internacionalmente. Em 1954, começou a publicar em periódicos locais e, em 

1964, criou sua personagem mais famosa, Mafalda, menina de 8 anos, curiosa e questionadora, que aborda com 

humor questões políticas e grandes preocupações que afligem o homem. Novas histórias protagonizadas pela 

menina foram criadas até 1973, mas suas tiras continuam a ser publicadas na América Latina e Europa.

314 . Quino. Toda Mafalda. 

O constante questionamento de Mafal- 

da mostra sua recusa em ser integra- 

da no mundo adulto que condena. Por 

outro lado, sua precocidade permite 

compreender, melhor que os mais 

velhos, o mundo presente. 

Álvaro Moya 

No Brasil, a década de 1970 trouxe o humor 

sarcástico dos Fradinhos e da Graúna, criações 

do desenhista Henfil, que, com traços rápidos 

e espontâneos, dava forma aos inusitados 

personagens, que criticavam e cobravam soluções 

dos governantes e atitude da sociedade. 

Artistas de diferentes épocas, com características 

próprias, deixaram figuras inesquecíveis. 

O Amigo da Onça, de Péricles; as mulatas 

cariocas, do Lan; os Fradinhos nervosos, 

do Henfil; e o Menino Maluquinho, de Ziraldo, 

tornaram-se personagens imortais. 

315 . Henfil. A Volta da Graúna. 

A arte brasileira reúne um grupo de desenhistas 

de humor de repercussão internacional, 

com nomes como Claudius, Jaguar e Millôr 

Fernandes, que, brincando, nos fazem rir e 

pensar, principalmente, sobre conquistas de 

direitos, de liberdade e transformações comportamentais 

necessárias. 

HENFIL (HENRIQUE DE SOUSA FILHO) 

(Ribeirão das Neves, MG, 1944 – Rio de Janeiro, 1988) 

Humorista, desenhista e escritor. Renovou o desenho humorístico com personagens como Os Fradinhos, Capitão Zeferino, 

Graúna e Bode Orelana. Começou a fazer caricatura política no Diário de Minas. Fez charges esportivas para o Jornal 

dos Sports, do Rio de Janeiro, em 1967, e colaborou nas revistas Visão, Realidade, Placar e O Cruzeiro. Em O Pasquim e 

no Jornal do Brasil, seus personagens ganharam popularidade. Teve marcante atuação política pela redemocratização. 

MILLÔR FERNANDES (MILTON VIOLA FERNANDES) 


Escritor, artista plástico, autor e tradutor teatral. Humorista fino e pensador cético. Transformou com sua marca pessoal o 

campo da tradução teatral. Traduziu textos diversos, desde clássicos, como Shakespeare, a modernos, como Brecht, por 

vezes interferindo no original, em uma quase recriação. Autor de Liberdade, Liberdade (1965), com Flávio Rangel, uma das 

peças pioneiras do teatro de resistência, e É... (1977), comédia de costumes. 


225


226 

316 . Millôr Fernandes. Cartum. 

A tradição da brincadeira e do humor para 

contestar a sociedade também se faz presente 

em outras linguagens da arte. 

Molière, dramaturgo francês, foi um dos mestres 

da chamada “comédia de costumes”. No 

século XVII, criticava, em seus textos, os abusos 

da corte francesa e os costumes da época, 

com tom sarcástico, espirituoso e cômico. 

No Brasil do século XIX, destacaram-se Martins 

Pena e Artur Azevedo. Este, com grande 

domínio de todos os setores das artes 

cênicas, reuniu a comédia de costumes e o 

musical, na época do império. 

Com peças que ironizam o poder, retratando a 

vida sertaneja, o paraibano Ariano Suassuna 

escreveu vários textos literários que brincam 

com os hábitos e com a cultura do povo. 

As encenações do teatro moderno brasileiro 

devem ao romancista e dramaturgo a multiplicidade 

da riqueza poética tirada das inúmeras 

manifestações culturais de caráter popular. 

Em 1955, Suassuna escreveu o Auto da Compadecida, 

que o tornou conhecido nacionalmente. 

Com várias e diferentes montagens 

teatrais, esse texto foi também adaptado 

para a televisão e o cinema. 

317 . Cartaz do filme O Auto da Compadecida, 

dirigido por Guel Arraes. 

Odorico, o Bem-Amado, peça escrita por 

Dias Gomes em 1962, faz, com muito humor, 

uma caricatura do Brasil, principalmente de 

sua classe política. Suas frases antológicas 

ficaram famosas, pelas criações e interpretações 

de jargões em seus discursos. 

DIAS GOMES 

(Bahia, 1922 – São Paulo, 1999) 

Dramaturgo, conquistou diversos prêmios por sua atuação no rádio e por sua obra para teatro, cinema e televisão. Sua primeira 

peça foi A Comédia dos Moralistas, escrita aos 15 anos. Ganhou projeção com a peça O Pagador de Promessas (1959). 

Como autor de novelas, Dias Gomes estreou, em 1969, com A Ponte dos Suspiros e escreveu sucessos como O Bem-Amado 

e Roque Santeiro. Em 1991, foi eleito membro da Academia Brasileira de Letras. Morreu em um acidente de trânsito. 

318 . Página à direita: Caricatura de Millôr Fernandes.


228 

Isto deve ser obra da esquerda 

comunista, marronzista e 

badernenta. 

odorico Paraguaçu 

A versão do texto da peça O Bem-Amado 

para a televisão resultou na primeira novela 

a ser transmitida a cores em nosso país. 

Depois, vieram uma minissérie e um filme 

de sucesso. 

A música também é usada como forma 

de contestação por meio de letras 

bem-humoradas? 

As composições musicais podem ser usadas 

como documentos de registro histórico-cultural, 

em que o autor manifesta 

a sua visão crítica sobre a sociedade 

em que vive. 

No Brasil do final dos anos 1950, a bossa 

nova embalava a juventude, com suas músicas 

de ritmo suave e intimista, que falavam 

da vida, do amor e do mar. 

Em 1958, o compositor Juca Chaves, famoso 

por suas sátiras políticas, compôs Presidente 

Bossa-Nova, usando o estilo musical, 

dominante na época, para fazer uma caricatura 

ao então presidente da República, 

Juscelino Kubitschek. 

Bossa nova mesmo é ser presidente 

Desta terra descoberta por Cabral. 

Para tanto basta ser tão simplesmente: 

Simpático, risonho, original. 

Presidente Bossa-Nova / Juca Chaves 

No mesmo ano, Juca apresentou outra sátira 

musical, Brasil Já Vai à Guerra, sobre a discutida 

compra do porta-aviões Minas Gerais 

pelo governo de JK. 

Brasil já vai à guerra, 

comprou um porta-aviões 

um viva pra Inglaterra de 

oitenta e dois bilhões 

Brasil Já Vai à Guerra / Juca Chaves 

O gênero sátira já vinha sendo usado em 

nossa música popular, com grande sucesso, 

desde os anos 1920. 

Mas, a partir de 1930, Noel Rosa produziu, 

paralelamente às suas líricas e românticas 

composições, várias letras que, de forma humorística 

e irônica, fizeram uma crônica da 

vida carioca e de seu universo cultural. 

JUCA CHAVES 


Cantor, compositor e humorista conhecido como “menestrel”. Nascido Jurandyr Czaczkes, sempre gostou de poesia e, 

ainda criança, começou a estudar música. Compôs sátiras políticas, como Presidente Bossa-Nova, e sociais de autocrítica, 

como Sim, Sou Feio. Na década de 1960, exilou-se em Portugal e na Itália, retornando ao Brasil em 1970, onde apresentou 

diversos programas de TV. Entre suas canções mais conhecidas, estão A Cúmplice, Menina e Por Quem Sonha Ana Maria. 

NOEL ROSA 


Nascido no bairro de Vila Isabel, tornou-se conhecido como o Poeta da Vila. Compôs mais de 300 músicas, entre sambas, 

marchinhas e canções. Ingressou na Faculdade de Medicina, mas, envolvido com a música e a boemia, abandonou o 

curso. Seu primeiro grande sucesso foi Com que Roupa?, de 1930. Entre suas músicas, destacam-se ainda Conversa de Botequim, 

Feitiço da Vila e Fita Amarela. Eu Sei Sofrer foi sua última composição. Faleceu aos 27 anos vítima de tuberculose.

319 . Noel Rosa. Autocaricatura. 

Você tem palacete reluzente 

Tem joias e criados à vontade 

Sem ter nenhuma herança ou parente 

Só anda de automóvel na cidade… 

E o povo pergunta com maldade: 

Onde está a honestidade? 

Onde está a honestidade? 

Onde Está a Honestidade? / Noel Rosa 

O poeta e músico Noel era um observador 

atento de seu tempo e dos acontecimentos 

a sua volta. Suas contestações bem-humoradas, 

talvez por descreverem a natureza humana, 

ainda podem ser aplicadas à sociedade 

contemporânea. 

Através do humor vemos, no que parece 

racional, o irracional; no que parece 

importante, o insignificante. Ele também 

desperta o nosso sentido de sobrevivência 

e preserva a nossa saúde mental. 

Charles Chaplin 

Muitas vezes, porém, a contestação aparece 

na arte sem o tom de humor, camuflada 

em letras de música, na literatura, na 

poesia, em imagens e em outras formas 

criativas. Mesmo em momentos de forte repressão, 

artistas conseguiram subverter as 

proibições, usando formas sutis e metafóricas 

de expressão. 

Movimentos de rebelião contra o autoritarismo 

e a repressão, na década de 1960, 

surgiram em diferentes lugares do mundo. 

No Brasil, jovens artistas também protestaram 

contra o regime político vigente 

no país. 

A música alcançou grande repercussão, por 

meio dos festivais, mobilizando a juventude 

e dando visibilidade a cantores, compositores 

e músicos. Esse clima de contestação 

está presente nas canções de Chico Buarque, 

Edu Lobo, Milton Nascimento. 

Para além das fronteiras da música, a busca 

pela liberdade de expressão se materializou, 

também, na poesia de Ferreira Gullar, 

no teatro de Augusto Boal e Guarnieri, no 

cinema de Glauber Rocha e Nelson Pereira 

dos Santos e nas artes visuais, com as 

obras de Carlos Vergara, Rubens Gerchman 

e João Câmara. 

Em 1967, surgiu um movimento rebelde 

e original, liderado por Caetano Veloso 

e Gilberto Gil, denominado Tropicália. De 

origem estética e ideológica, tinha como 

objetivo “devorar” tudo o que estivesse 

sendo produzido em termos culturais no 

mundo e adaptar à realidade brasileira, 

com inspiração na antropofagia de Oswald 

de Andrade. 

A Tropicália buscava outros interlocutores 

para construir uma grande rede que reunisse 

todas as linguagens da arte, derrubando 

fronteiras, à procura do fortalecimento 

de uma identidade nacional. 


229


230 

320 . Capa do disco Tropicália ou Panis et Circencis, 1968. 

Eu organizo o movimento 

Eu oriento o carnaval 

Eu inauguro um monumento 

No planalto central do país. 

Tropicália / Caetano Veloso 

Mensagens de contestação, sejam elas tratadas 

com humor, por metáforas ou ironia, encontram 

caminhos em todas as linguagens da arte. 

O importante é que a forma de abordagem, 

escolhida por artistas e arteiros, tenha seriedade, 

mesmo sob o aspecto de uma brincadeira. 

E que a estratégia usada encontre eco 

no cenário social, político e cultural a que se 

destina, provocando reflexões e transformações 

para um viver mais solidário. 

Todas as ideias trazem em si 

sua contestação. A palavra 

contraria a palavra. 

Marcel Proust 


• A arte do gesto e da mímica. 

• A leitura de imagens e a releitura de 

obras de arte visuais. 

• A transformação da obra, por meio de releituras, 

nas diferentes linguagens da arte. 

• A história em quadrinhos, sua função 

narrativa, lúdica e contestatória. 

• As mensagens transmitidas pelas linguagens 

das charges, dos cartuns e das 

caricaturas; sua força de comunicação e 

crítica social. 

• As expressões artísticas contemporâneas 

que têm características lúdicas e 

contestatórias. 

• O papel contestatório da arte em momentos 

de repressão social. 




• Brincar de mímica, fazendo movimentos 

com o corpo que identifiquem profissões 

artísticas: pintor, escultor, bailarino, músico, 

escritor, ator, publicitário e outras. 

Imitar as ações desses profissionais, durante 

um tempo determinado por você, 

professor(a), para que os colegas descubram 

quem está sendo representado. 

• Observar reproduções de trabalhos de 

Marc Chagall, caracterizados pela magia e 

fantasia. Com base no quadro O Cavalo 

de Circo, criar personagens circenses, em 

uma atmosfera semelhante à representada 

por Chagall, colorindo com lápis aquarela. 

A pintura será feita sobre recortes

irregulares de cartolina. Esses recortes 

deverão fazer parte de quebra-cabeças circulares, 

organizados e previamente marcados 

e distribuídos por você, professor(a). 

Ao final do trabalho individual, os alunos 

vão procurar os colegas que receberam recortes 

com a mesma marca e montar os 

trabalhos nos grupos que se formarem. As 

diferentes partes deverão ser encaixadas 

para compor os quebra-cabeças circulares, 

lembrando o circo. Analisar as composições 

formadas pelos grupos. 

• Perceber como o artista Nelson Screnci, 

em sua obra Metamorfose Cultural, transforma 

a Infanta Margarida, de Velázquez, 

na Negra de Tarsila do Amaral. Trabalhar 

sobre a reprodução de uma obra plástica 

(pode ser uma cópia xerox), previamente 

escolhida, fazendo interferências com pinturas, 

desenhos e colagens. Comparar o 

trabalho realizado com a obra original. 

• Trabalhar com um elemento, recortado da 

reprodução de uma obra de arte, disponibilizado 

por você, professor(a). Colar o 

recorte em uma folha de papel e criar um 

novo contexto para ele. Desenhar esse 

cenário, colorindo com canetinhas hidrocor, 

lápis de cor e/ou giz de cera. Avaliar 

as etapas e a finalização do trabalho. 

• Conhecer a História em Quadrões, de 

Mauricio de Sousa, telas nas quais a 

Turma da Mônica aparece em releituras 

de obras artísticas mundiais. Criar uma 

história, com base em uma reprodução 

da obra Mônica com Sombrinha, paródia 

do quadro Mulher com Sombrinha, 

de Claude Monet. O quadro de Mauricio 

de Sousa poderá aparecer no início, no 

meio ou no fim da sequência de uma 

tira com três quadrinhos. Fazer os desenhos 

e as pinturas, no estilo da obra 

selecionada, dando destaque aos personagens, 

criando diálogos nos balões 

e usando diferentes recursos das histórias 

em quadrinhos. 

321 . Mauricio de Sousa, Mônica com Sombrinha, 1991. 

• Observar reproduções dos Zeróis, criados 

por Ziraldo, que interagem com releituras 

de obras de Picasso, Velázquez, 

Goya e Warhol. Pesquisar, na internet, 

um super-herói e uma obra de arte na 

qual ele possa se encaixar. Imprimir as 

imagens selecionadas e recortar o super-herói. 

Colar a figura sobre a obra 

escolhida e trabalhar a imagem para 

integrá-la ao contexto, acrescentando 

detalhes, brincando e dando um toque 

de humor à nova composição. 

• Pesquisar e selecionar, em jornais e revistas, 

caricaturas, charges e cartuns, feitos 

por diversos artistas. Organizar uma 

pequena coleção dessas imagens, percebendo 

as diferenças entre essas expressões 

gráficas críticas e humorísticas. 

• Observar as características marcantes 

de um colega: o contorno da cabeça, os 

detalhes do rosto, como o tamanho e 

formato dos olhos, da boca e do nariz. 

Após estudar as expressões, de frente 

e de perfil, fazer a caricatura do colega, 

exagerando seus pontos característicos. 

Expor o trabalho, junto com os outros 

da turma, para que cada um se reconheça 

e avalie sua caricatura. 


231


232 

Para visitar 

Escola Nacional de Circo – Preserva e difunde a tradição milenar da arte circense, contribuindo 

também para renovar a linguagem do circo. Realiza cursos regulares de formação 

e reciclagem de artistas. 

Endereço: Praça da Bandeira, 4. 

Tel.: (21) 2273-2144. 

Estúdio impacto – É escola, agência e estúdio de quadrinhos. Oferece cursos para desenvolver 

e/ou aprimorar habilidades em diferentes campos do desenho artístico. 

Endereço: Rua General Polidoro, 10, Botafogo. 

Tel.: (21) 2471-9547. 

Casa de Cultura laura Alvim – A casa onde morou Laura Alvim tornou-se, em 1986, um importante 

polo de cultura do Rio de Janeiro. Lá funcionam cinemas, teatros, galeria de arte 

e museu. Possui em seu acervo parte da obra do artista Angelo Agostini, avô de Laura. 

Endereço: Av. Vieira Souto, 176, Ipanema. 

Tel.: (21) 2332-2016. 

Biblioteca Nacional – O prédio em estilo neoclássico foi inaugurado em 1910. É a maior 

e mais importante biblioteca do Brasil, reunindo um acervo de aproximadamente nove 

milhões de peças, entre livros, revistas, mapas, gravuras, desenhos e caricaturas. 

Endereço: Av. Rio Branco, 219, Centro. 

Tel.: (21) 3095-3879. 

Sites 

• Museu dos Gibis 

http://museudosgibis.blogspot.com.br 

• Universo HQ 

http://universohq.com/quadrinhos


EM NOVOS TEMPOS 

A vida é movimento de transformação. Há sempre certo nível de 

tensão para que novos significados possam fluir. A mesma tensão 

que desorganiza também organiza, gerando caos ou criatividade, 

alienação ou sabedoria. 

Rogério Thaddeu

Tempo de transformação 

A captura da imagem 

Treine seus olhos para capturar 

a história que você quer contar. 

Vered Koshlano 

A praça já não é a mesma. Pessoas sentadas 

nos bancos, crianças correndo por entre 

os jardins, jovens que chegavam para 

encontros marcados. Lugar de conversa, de 

brincadeira, de namoro, de lazer e de ver o 

tempo passar. 

Não faltava o cheiro de pipoca quentinha no 

ar, o colorido atraente do algodão-doce e 

o canto alegre dos pássaros nas árvores. E 

lá sempre estava ele, fotógrafo de jardim, 

registrando e guardando a memória desse 

tempo com sua caixinha preta. 

322 . Manuel Eudócio. Lambe, Lambe. 

A histórica máquina fotográfica do lambe-lambe 

era um produto artesanal construído e reconstruído 

pelos numerosos fotógrafos ambulantes 

que um dia ocuparam as praças 

deste país. 

Sem procedência definida, sem autoria registrada, 

sem marca nem patente, essa câmera 

laboratório só possuía identificação 

em sua preciosa lente. 

Tão anônimo quanto a máquina, o criativo fotógrafo, 

algumas vezes, era identificado pelo 

carimbo deixado atrás da foto que tirava. 

A câmera não faz diferença nenhuma. 

Todas elas gravam o que você está 

vendo. Mas você precisa ver. 

Ernst Haas 

Uma das explicações para a origem do 

nome “lambe-lambe” deve-se ao gesto feito 

pelo fotógrafo, que molhava os dedos com 

saliva para identificar o lado sensível da 

chapa de impressão. 

LAMBE-LAMBE 

Fotógrafo que exercia sua profissão em praças e jardins públicos utilizando uma câmera laboratório que revelava 

as fotos quase que instantaneamente. Não há certeza sobre a origem do termo. Uma das teorias diz que, para 

saber de qual lado da placa de vidro estava o material sensível, o lambe-lambe usava a saliva, que gerava uma 

reação química e marcava o lado da emulsão. 


235


236 

A caixa de madeira escura com uma lente 

objetiva ficava apoiada em um tripé, enquanto 

o habilidoso fotógrafo, escondido 

atrás de um pano preto, enquadrava a imagem 

e, com um clique, tirava a foto. 

Ali mesmo ela era revelada e entregue ao 

retratado, que, ansiosamente, esperava 

para ver seu momento eternizado. 

(...) aquilo que a fotografia reproduz até 

o infinito só aconteceu uma vez: 

ela repete mecanicamente o que nunca 

mais poderá repetir-se existencialmente. 

Roland Barthes 

As fotos contam histórias e marcam momentos 

importantes, muitos deles eternizados, 

em épocas anteriores, pela pintura. 

323 . Jan van Eyck. O Casal Arnolfini, 1434. 

Os álbuns de fotografia tornaram-se guardiões 

da memória de muitos grupos familiares. 

Lá estão registros de casamentos, de 

fotos na escola (algumas com o mapa do 

Brasil ao fundo), de festas de formatura, de 

batizados, de grupos fantasiados, em um 

carnaval distante, e das numerosas reuniões 

de familiares e grupos de amigos. 

324 . Casamento em Cruzília. Família desconhecida. 

325 . Estudante do Colégio Pedro II, 1957. 

Os fotógrafos lambe-lambes preservavam a 

memória da comunidade, do bairro, da cidade. 

326 . Fotógrafo Onofre na Praça de Pirapora do Bom Jesus, 1993. 

327 . Página à direita: Jan van Eyck. O Casal Arnolfini, 1434 (detalhe).


238 

Como verdadeiros cronistas visuais, testemunhavam 

e registravam a vida cotidiana e a trajetória 

dos grupos locais, principalmente das 

classes populares, que não podiam deixar-se 

fotografar nos sofisticados estúdios profissionais. 

Contribuíram, assim, para a democratização 

do acesso ao retrato fotografado. 

Ao longo de diferentes gerações, esse trabalho 

foi importante para a preservação e transmissão 

das memórias familiares, estabelecendo 

um elo entre as antigas e as novas gerações. 

328 . Foto antiga de uma família. Coleção particular. 

(...) Na fotografia 

Estamos felizes (...) 

Anos Dourados / Chico Buarque e tom Jobim 

Mas quem inventou a fotografia? 

A fotografia, como técnica de reprodução, surgiu 

no século XIX, reunindo pesquisas, experiências 

e ensaios desenvolvidos por cientistas, 

técnicos, matemáticos, astrônomos, físicos e 

químicos que, junto com alguns inventores, 

contribuíram para as descobertas no campo 

da captação e revelação de imagens. 

Daguerre e Niépce, na França, Talbot, na Inglaterra, 

e Herschel, na Alemanha, buscaram 

com o uso da câmara obscura e das regras 

de perspectiva renascentista uma forma de 

reprodução de objetos, paisagens e pessoas 

através da impressão da luz. 

Eles conseguiram suas primeiras conquistas 

no campo da fotografia por volta de 1830, e 

Daguerre descobriu um processo mais prático, 

que ficou conhecido como daguerreótipo, 

ponto de partida para a fotografia. 

329 . Daguerreótipo, câmera de Louis Daguerre. 

A possibilidade de fixar uma imagem prolongava 

o alcance do olhar no tempo e no 

espaço, trazendo, para perto, como em uma 

mágica, objetos e lugares distantes. Desse 

modo, a fotografia fascinava a sociedade 

europeia em plena expansão industrial. 

Imagens são palavras que nos faltaram. 

Manoel de Barros 

DAGUERRE (LOUIS-JACQUES-MANDÉ DAGUERRE) 

(Cormeilles-en-Parisis, 1787 – Bry-sur-Marne, 1851) 

Pintor e cenógrafo, um dos inventores franceses da fotografia. Como cenógrafo teatral, criou o diorama, forma de 

espetáculo inovadora que consistia em jogos de luzes conjugados com o movimento de cenários. Aperfeiçoou as 

pesquisas de Joseph Nicéphore Niépce, com quem trabalhou, e após a morte do parceiro inventou o daguerreótipo, 

aparelho capaz de fixar imagens permanentes em uma chapa metálica, com menor tempo de exposição que 

o obtido por Niépce.

A invenção da fotografia revolucionou as relações 

do homem com a arte e a produção 

de imagens, cujo aspecto realista respondia 

às novas necessidades sociais. 

Até então, a pintura cumprira o papel de registrar 

e documentar imagens como forma 

de eternizá-las no tempo. 

Assim, a criatividade tomou conta, 

livre dos grilhões da estética 

tradicional, que estipulara que a 

arte tinha de mostrar coisas bonitas 

para fazer bem à alma. 

Jean-Pierre le Grand 

Com o advento da fotografia, os pintores da 

época tiveram reações diversificadas às reproduções 

pelo daguerreótipo. Muitos artistas, 

como o pintor fovista Vlaminck, temiam que a 

pintura fosse substituída pela fotografia. 

Delacroix, Ingres, Coubert, Manet e Degas 

achavam que as fotografias poderiam auxiliar 

seu trabalho, como estudos prévios para 

as pinturas. 

Essa possibilidade informativa e documental 

também conquistou escultores como Constantin 

Brâncusi e Auguste Rodin. 

Rodin usava a fotografia como base para as 

suas peças e também as utilizava para registrar 

e documentar suas esculturas. Deixou cerca de 

7 mil fotos em seu acervo, muitas das quais 

tornaram-se cartões-postais de suas obras. 

330 . Ateliê de Rodin. 

331 . Auguste Rodin. O Beijo, 1901-1904. 

Fotografia é arte? 

À medida que a fotografia se desenvolvia, 

os fotógrafos também almejavam o reconhecimento 

de seu trabalho como uma forma 

de arte. Alguns se inspiravam em temáticas 

de pinturas famosas para compor 

suas fotos. 

AUGUSTE RODIN (FRANÇOIS-AUGUSTE-RENÉ RODIN) 

(Paris, 1840 – Meudon, 1917) 

Escultor e desenhista francês reconhecido como um dos grandes artistas de seu tempo. Estudioso da estatuária clássica 

e entusiasta da arte de Michelangelo. Suas obras são formadas por partes (pés, mãos, joelhos) repetidas dentro de 

uma série de combinações diferentes, que exibem marcas de solda, evidenciando seu processo de produção. Com tal 

modelado “inacabado”, a massa escultórica se abre para o espaço, ocupando-o com efeitos de esbatimento de luz. 


239

332 . Jan Steen. Toilete Matinal, 1665. 

333 . Louis Camille d’Olivier. Estudo a Partir da Natureza, 1856. 

Eles começaram a imaginar formas criativas 

que produzissem diferentes efeitos em suas 

fotos: desfocavam a imagem, retocavam negativos, 

coloriam as cópias impressas e usavam 

outras maneiras de intervenção. 

NADAR 

(Paris, 1820-1910) 

Pseudônimo do fotógrafo, jornalista e caricaturista francês Gaspard-Félix Tournachon, que compartilhava com os escritores 

e artistas românticos da época a paixão pelo não convencional. Em 1854, abriu estúdio de fotografia onde captava 

com perspicácia a personalidade moral de seus retratados. Aberto a novas ideias e descobertas, foi um dos primeiros a 

fotografar com luz artificial e emprestou seu estúdio para o que veio a ser a primeira exposição impressionista, em 1874. 

335 . Página à esquerda: Nadar. Retrato de Vitor Hugo, c. 1840. 

Muitos profissionais se destacaram com tipos 

diferenciados de fotografias. No gênero 

de retratos, o francês Nadar usou recursos 

de iluminação e figurinos para conceber poses 

em arranjos cênicos que, segundo ele, 

caracterizavam a personalidade de figuras 

famosas da época, como Sarah Bernhardt, 

George Sand e Corot. 

334 . Sarah Bernhardt fotografada por Nadar, 1864. 

Na fotografia documental, o norte-americano 

Jacob Reis, repórter fotográfico em Nova 

York, denunciava com suas fotos a vida e 

as condições degradantes de trabalho dos 

pobres urbanos de Manhattan. 

No século XX, a fotografia já era considerada 

uma forma de arte produzida pelo olhar sensível 

do homem e pela modernização da máquina. 


241


242 

Temos que ver, olhar. 

É tão difícil fazer isso. 

Estamos acostumados 

a pensar, todo o tempo. 

É um processo muito lento e 

demorado aprender a olhar. 

Um olhar que tenha certo peso, 

um olhar que questione. 

Henri Cartier-Bresson 

O francês Henri Cartier-Bresson, pintor cubista, 

também dedicou-se à fotografia. Suas 

fotos revelam ações humanas curiosas ou 

emocionantes e cristalizam o momento de 

um breve instante em que os elementos em 

movimento entram em equilíbrio. 

336 . Henri Cartier- 

-Bresson. Atrás da 

Estação Saint-Lazare, 

Paris, 1932. 

Para Bresson, o fotógrafo precisava saber 

olhar o mundo e estar atento para transformar 

em imagem fixa algo que, na realidade, 

era passageiro. Seu trabalho procurava, segundo 

ele, “capturar um momento decisivo”. 

A fotografia é a poesia da mobilidade: 

é através da fotografia que os 

momentos deixam-se ver tal como são. 

Peter urmenyi 

Muitos “momentos decisivos”, únicos, marcaram 

a história da fotografia, capturados 

por diferentes artistas. O Beijo na Times 

Square, fotografado por Victor Jorgensen, 

em 1945, registrou o entusiasmo e a euforia 

diante do anúncio do término da Segunda 

Guerra Mundial. 

337 . Victor Jorgensen. O Beijo na Times Square, 1945. 

A mais famosa revolta estudantil na China, 

em 1989, ficou marcada pela foto Massacre 

na Praça da Paz Celestial, de Jeff Widener, 

que registrou a força simbólica de um jovem 

solitário e desarmado que fez parar um tanque 

de guerra. 

HENRI CARTIER-BRESSON 

(Chanteloup-en-Brie, 1908 – Montjustin, 2004) 

Fotógrafo francês, marcou a visualidade do século XX com imagens capazes de captar o drama humano em momentos 

ordinários. Com a pequena e leve câmera Leica, conseguia ficar anônimo na multidão ou discreto em uma 

situação íntima. Assim, obtinha espontaneidade dos retratados. Um dos fundadores da agência Magnum Photos 

(1947), viajou por várias partes do mundo na busca do que chamou de “momento decisivo”, em que elementos 

fugazes se equilibram em uma unidade formal.

Arthur Sasse, em 1951, mostrou a irreverência 

de Einstein, exibindo a língua para o assédio 

dos fotógrafos. 

Mas, talvez, um dos “momentos únicos” 

mais repetidos por releituras de diferentes 

artistas e, também, pela curiosidade de turistas 

do mundo inteiro que viajam até o local 

para lá serem fotografados é a imagem 

dos Beatles atravessando a Abbey Road, em 

1969, de Iain Macmillan. 

338 . Capa do álbum Abbey Road, The Beatles, 1969. 

O fotógrafo escolhe apenas uma entre 

múltiplas realidades, capturando, em 

alguns casos, momentos tão fugidios 

e vistas tão temporárias que o 

resultado só poderia ser chamado 

de ficção ou poesia. 


No Brasil, em 1840, o abade francês Louis 

Compte trouxe a daguerreotipia (processo 

fotográfico imaginado por Daguerre que 

consistia em fixar em uma película de prata 

pura, aplicada ao cobre, a imagem obtida 

na câmara escura) e realizou, com ela, uma 

série de três vistas dos arredores do Paço 

Imperial, na cidade do Rio de Janeiro. 

339 . Louis Compte. 

Vista do Paço Imperial 

na cidade do Rio de 

Janeiro, 1840. 

Mas foi o imperador D. Pedro II o primeiro brasileiro 

nato a se interessar pelo invento, encomendando 

um equipamento em Paris. Ele 

iniciou, pessoalmente, a prática da fotografia 

e tornou-se um entusiasta dessa arte, patrocinando 

e distribuindo títulos e honrarias aos 

fotógrafos que se destacaram na época. 

D. Pedro II foi um colecionador de fotografias, 

formando o maior acervo particular com 

vários tipos de imagens do período imperial. 

Incentivou a prática da fotografia entre artistas 

como Pedro Américo, que a utilizou como 

um recurso auxiliar para a sua pintura. 

340 . Joaquim Insley 

Pacheco. Dom 

Pedro II, 1870. 

PEDRO AMÉRICO 

(Areia, PB, 1843 – Florença, 1905) 

Pintor oficial do Estado brasileiro, recebeu encomendas de quadros que representavam eventos históricos marcantes, 

como Independência ou Morte ou Batalha de Avaí, que gerou polêmica pelo realismo empregado. Abordou 

também um imaginário orientalista e o estudo da anatomia (Tiradentes Esquartejado). Com talento reconhecido 

por Pedro II, foi muito premiado e valorizado pela crítica da época por certa superação dos limites acadêmicos. 


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244 

A fotografia tornou-se um precioso instrumento 

para a visão do mundo até então 

desconhecido e também para a divulgação 

de trabalhos artísticos. 

Mais tarde, Marc Ferrez, um dos grandes 

destaques no documentário fotográfico, realizou 

trabalhos que mostravam a família imperial, 

o país e a paisagem da época. 

Ele compunha com arte e sensibilidade a 

cena, indo muito além do simples registro 

de uma foto. 

341 . Marc Ferrez. Inauguração da ponte ferroviária sobre o rio 

Paraíba, Rio de Janeiro, 1888. 

Com o aperfeiçoamento da aparelhagem fotográfica, 

a captura da imagem seguiu novos 

caminhos, sempre reinventando formas de 

comunicação através da fotografia artística. 

Na atualidade, o mineiro Sebastião Salgado realiza 

um trabalho de grande expressão, mostrando 

sua impressão pessoal de mundo ao 

retratar as massas populares, os movimentos 

migratórios e denunciando a opressão social. 

342 . Sebastião Salgado no Fórum Social Mundial 2003. 

Você não fotografa com sua máquina. 

Você fotografa com toda a sua cultura. 

Sebastião Salgado 

Além do reconhecimento da fotografia 

como forma de arte, sua inclusão em outros 

campos profissionais foi o caminho 

natural para essa descoberta tão significativa. 

Ela aparece ilustrando textos na 

imprensa, como fotomontagem aplicada à 

publicidade e incorporada ao trabalho de 

muitos artistas plásticos. 

A fotomontagem é uma composição visual 

que reúne recortes de diferentes 

fotografias e que, muitas vezes, é convertida 

novamente em uma foto. Foi muito 

utilizada por dadaístas, surrealistas 

e construtivistas. 

MARC FERREZ 


Fotógrafo brasileiro, um dos principais cronistas visuais do Brasil da segunda metade do século XIX. Registrou a 

família imperial, igrejas, monumentos, pontes, cachoeiras, rios e portos em vários estados brasileiros e, principalmente, 

aspectos da cidade do Rio de Janeiro. Suas imagens circularam em diversos tipos de publicação, ajudando 

a moldar uma imagem da nação brasileira a partir de suas especificidades. 

SEBASTIÃO RIBEIRO SALGADO 

(Aimorés, MG, 1944) 

Fotógrafo brasileiro, formado em Economia, descobriu a fotografia como a melhor forma de denunciar a miséria e 

os problemas sociais em várias partes do mundo. Explorando o uso da luz e negros intensos, retrata a fome e seca 

na África, as precárias condições de trabalho na América Latina, a luta pela terra ou o movimento de populações, 

muitas vezes com foco na gravidade dos rostos humanos. É um dos mais respeitados fotojornalistas do mundo.

Diferentemente da colagem cubista, em que 

artistas como Picasso e Braque acrescentavam 

às suas telas elementos variados, a 

fotomontagem usava exclusivamente recortes 

de fotografias, imagens e tipografias 

nas composições. 

No Brasil, essa técnica teve como precursor 

Jorge de Lima, que, além de poeta, era pintor 

e dedicou-se também à pesquisa e composição 

com colagens fotográficas. 

Justapondo elementos que chamavam a 

atenção pelo absurdo, Jorge de lima se utilizou 

da estética surrealista em seus trabalhos 

inovadores. 

Atualmente, por meio da edição de imagens 

por programas de computador, essa técnica 

é manipulada digitalmente, sem filme, em 

um efeito similar à fotomontagem. 

Em 1970, o artista múltiplo Aloísio Magalhães 

utilizou em seu processo criativo a 

fotografia como suporte, extrapolando sua 

função inicial e alargando suas fronteiras. 

Ele criou os Cartemas, partindo inicialmente 

da justaposição de imagens, buscando sempre 

novas e complexas composições. 

Seu trabalho com postais mistura, inverte e 

recorta imagens para realizar novas composições 

harmônicas. 

343 . Jorge de Lima. Fotomontagem, 1930-40. 344 . Aloísio Magalhães. Cartemas. 

JORGE DE LIMA (JORGE MATEUS DE LIMA) 

(União, AL, 1893 – Rio de Janeiro, 1953) 

Poeta, romancista, artista plástico, ensaísta, médico e político. Formou-se em Medicina, em 1914, quando escreveu 

o primeiro livro de poemas. Publicou outros mais nos anos 1920, sendo Essa Nega Fulô sua poesia mais conhecida. 

Foi médico e deputado em Alagoas. Mudou para o Rio em 1930, onde montou consultório que servia de ateliê 

de pintura e ponto de encontro de intelectuais. Invenção de Orfeu é o seu livro mais consagrado. 

ALOÍSIO MAGALHÃES 

(Recife, 1927 – Pádua, 1982) 

Designer, artista plástico e cenógrafo, realizou trabalho pioneiro de programação visual e teve relevante atuação na política 

de bens culturais, como diretor do Iphan em 1979. Nos anos 1950, estudou Museologia na França e Artes Gráficas 

nos EUA. Em 1960, abriu escritório de design gráfico no Rio de Janeiro e participou da criação da Escola Superior de 

Desenho Industrial. Realizou importantes projetos para órgãos públicos e também desenhou notas e moedas brasileiras. 


245


246 

Segundo Ariano Suassuna, o cartema é “um 

trabalho matematicamente organizado e poeticamente 

resolvido”. 

Embora simples, o cartema não é 

um achado. Tem toda a vivência e 

o treinamento de um olho atento a 

tudo. O cartão-postal é importante e 

universal. Tão importante que ficou 

banal. A arte anda meio trágica, 

densa, sufocada. Perde diariamente 

o caráter lúdico e a graça. O cartema 

restitui ao espectador a alegria perdida. 

Ninguém fica indiferente. 

Aloísio Magalhães 

Aloísio Magalhães, como designer, foi também 

responsável pelo projeto gráfico das 

cédulas do cruzeiro em 1960, pela criação 

do símbolo da Bienal de São Paulo e pela 

marca do Quarto Centenário da cidade do 

Rio de Janeiro, talvez um de seus trabalhos 

de maior alcance popular. 

345 . Projeto gráfico do Padrão Monetário Brasileiro de 1967. 

346 . Aloísio Magalhães. Logotipo da Bienal de São Paulo. 

347 . Aloísio Magalhães. Logotipo do Quarto Centenário do Rio. 

Todas as experiências feitas em torno da fotografia 

geraram múltiplas possibilidades de 

registros criativos. 

Tendo a ação da luz como aliada indispensável, 

artistas de diferentes épocas se utilizaram 

de recursos fotográficos como o fotograma, 

técnica presente nos movimentos 

surrealista, cubista e na pop art. 

Man Ray, pintor e fotógrafo norte-americano, 

realizou trabalhos em que expunha à luz 

objetos organizados sobre papel fotográfico 

para que as formas ficassem gravadas, sem 

o uso da máquina fotográfica. 

MAN RAY (EMMANUEL RADNITZKY) 

(Filadélfia, 1890 – Paris, 1976) 

Pintor e fotógrafo norte-americano, participou ativamente dos círculos de artistas e escritores dadaístas e surrealistas 

e destacou-se na fotografia. Em Paris, realizou experimentações técnicas e artísticas como a raiografia 

(variante do fotograma que produz imagens diretamente de objetos sobre papel fotossensível) e a solarização 

(técnica muito apreciada pelos surrealistas). Reconhecido depois como fotógrafo de retratos, dedicou-se, nos anos 

1920 e 1930, à fotografia de moda. 

348 . Página à direita: Man Ray. Lingerie, 1931.

sugestão de imagem: 

Man Ray


248 

349 . Man Ray. 

Raiografia, 1926. 

Pinto o que não pode ser fotografado, 

algo surgido da imaginação, ou um 

sonho, ou um impulso do subconsciente. 

Fotografo as coisas que não 

quero pintar, coisas que já existem. 

Man Ray 

Desde a descoberta da fotografia, sua história 

se mistura com a da pintura. Ao contrário 

do que muitos pensavam, a fotografia 

fortaleceu a pintura, libertando-a de tradicionais 

compromissos com a representação 

da realidade, apontando caminhos de evolução, 

recriação e transformação. 

Do mesmo modo, a fotografia se consolidou 

como linguagem, evoluiu tecnicamente e hoje 

está presente no cinema, na televisão, no vídeo, 

na holografia e em muitos usos científicos. 

Não fazemos uma foto apenas com 

uma câmera; ao ato de fotografar 

trazemos todos os livros que lemos, 

os filmes que vimos, a música que 

ouvimos, as pessoas que amamos. 

Ansel Adams 

Imagem em ação 

No princípio era a ação. 

Goethe 

A representação do tempo e do movimento 

da vida em imagens foi sempre um desafio 

para o homem. 

Os desenhos de animais e de pessoas, no 

interior das cavernas pré-históricas, muitas 

vezes, já sugeriam o movimento, por meio 

da repetição e da continuidade de formas. 

De maneira semelhante, trabalhos artísticos 

na Grécia Antiga comprovam essa tentativa, 

como em representações de animais com um 

número maior de patas que o normal. 

Na China, cerca de 5000 a.C., o teatro de 

sombras, com marionetes articuladas, já procurava 

representar a noção de deslocamento 

das figuras. 

350 . Figuras do teatro de sombra chinês – dois guerreiros, 

c. 1780. 

Todo esse caminho percorrido pelo homem 

mostra experiências que anunciavam a época 

em que, futuramente, ele seria capaz de 

captar e de exibir imagens em movimento.

A partir da Revolução Industrial, na segunda 

metade do século XVIII, com o surgimento 

das máquinas, o homem tomou conhecimento 

da velocidade concretamente. 

No século XIX, o fotógrafo Eadweard Muybridge 

descobriu um aparelho capaz de pesquisar 

os movimentos de animais e do homem que 

muito contribuiu para estudos científicos. 

Mais tarde, Thomas Eakins foi pioneiro na 

técnica de fotografia, fazendo exposições 

rápidas, múltiplas e sequenciais de um homem 

correndo ou arremessando um dardo, 

registrando, assim, o deslocamento provocado 

pelo movimento. 

351 . Thomas Eakins. Saltador com vara: fotografia de exposi- 

ção múltipla de George Reynolds, 1884. 

Essas pesquisas se intensificaram, e, em 

1895, aconteceu a primeira sessão de cinema 

em Paris. 

Quem se lembra da primeira sessão de cinema 

a que assistiu? Talvez fosse melhor perguntar: 

quem não se lembra? 

Para a criança e para o adulto, a experiência 

de participar da magia que o cinema provoca, 

certamente, é uma lembrança que não 

se apaga. 

A sala cheia de lugares sendo ocupados 

aos poucos; a iluminação que diminuía, fazendo 

o coração acelerar e, de repente, a 

luz! Vinda por trás, de um buraquinho na 

parede do fundo da sala, em raios, construía 

na tela as imagens que se movimentavam 

contando histórias. 

O cinema é um modo divino de 

contar a vida. 

352 . Conjunto do cinematógrafo Lumière. 

Federico Fellini 

Reunindo trabalhos e experiências anteriores, 

os irmãos lumière inventaram uma estranha 

máquina com a finalidade científica 

de pesquisar o movimento. 

Eles não imaginavam que o “cinematógrafo” 

seria o ponto de partida para o sucesso de 

uma nova linguagem, que conquistaria, rapidamente, 

o gosto popular. 

IRMÃOS LUMIÈRE E CINEMATÓGRAFO 

Em 1895, os irmãos Auguste e Louis Lumière inventaram o cinematógrafo, dispositivo que produz efeito de movimento 

ao reproduzir imagens estáticas em certa velocidade. A nova máquina, movida à manivela, combinava câmera 

e projetor e dependeu de avanços tecnológicos como o rolo de filme em celuloide, cujas laterais perfuradas 

permitiam que ele girasse durante a filmagem e a projeção. No mesmo ano de sua invenção, foram realizadas as 

primeiras exibições de filmes. 


249


250 

A primeira exibição de cinema mostrou filmes 

curtos, em preto e branco, sem som, 

filmados com câmera parada, que, mesmo 

assim, conseguiram emocionar e surpreender 

o público. 

353 . Estreia do filme O Cantor de Jazz, 1927. 

Quem nasceu primeiro: o filme ao vivo ou o 

desenho animado? 

Alguns anos antes da invenção do cinematógrafo, 

já existiam desenhos animados. 

Depois de muitas tentativas para dar movimento 

a desenhos, bonecos e objetos em 

aparelhos estranhos de nomes complicados, 

foi criado o Teatro Óptico, por Émile Reynaud. 

354 . Primeira apresentação pública do Teatro Óptico de Émile 

Reynaud em Paris, 1892. 

Sua invenção permitia a sincronia de movimentos 

dos desenhos projetados em uma 

tela em tamanho natural, durante vários minutos, 

que podiam ser vistos por muitos espectadores 

ao mesmo tempo. 

Após a criação dos irmãos Lumière, a animação 

passou a contar com um meio muito mais prático 

e preciso de movimentar imagens. A filmagem 

era feita quadro a quadro, com pequenas 

mudanças na posição dos desenhos, e o cérebro 

do espectador percebia como movimento 

contínuo essa sucessão de imagens paradas. 

As histórias em quadrinhos abriram caminho 

para o desenho animado, conquistando o 

grande público. Foi nos Estados Unidos, com 

a crescente estruturação industrial, que a animação 

mais se desenvolveu. 

Surgiram figuras imortais, como Gato Félix, 

Pica-Pau e, mais tarde, Popeye e Betty Boop. 

355 . Autor: Dave Fleischer. 

Betty Boop. 

356 . Autor: Otto Messmer. 

Gato Félix.

Os desenhos dos quadrinhos combinam 

com cinema? 

Os quadrinhos apresentam uma história em 

sequência, como nos desenhos animados 

do cinema. 

Antigamente, era comum ver as crianças 

construírem seus próprios “cineminhas”, utilizando 

uma caixa de papelão e uma história 

criada e desenhada por elas ou recortada de 

revistas em quadrinhos. As cenas, emendadas 

em tiras, eram exibidas através de um 

recorte feito na caixa de papelão. 

Esse protótipo rudimentar abria espaço para 

a imaginação infantil, com a criação de intervenções, 

diálogos, músicas que reuniam e 

alegravam a criançada. 

Se uma pessoa não conseguir 

imaginar coisas, não as consegue 

fazer, e qualquer coisa que se 

imagine é real. 

Alexander Calder 

A liberdade criativa, tão comum nas crianças, 

talvez tenha sido a força que impulsionou 

Walt Disney a criar, em 1923, em 

Hollywood, um estúdio especialmente destinado 

à produção de desenhos animados. 

357 . Autor: Walt Disney. 

Mickey Mouse. 

Assim, surgiram o Mickey Mouse, sua primeira 

animação falada, e muitos outros personagens 

que até hoje fazem parte do universo 

infantil. 

Disney implantou uma arte-indústria em 

crescente atividade, sempre com inovações 

tecnológicas, marcando a história 

da animação. 

No Brasil, a animação ganhou impulso nos 

anos 1980, com a premiação em Cannes 

do desenho Meow!, de Marcos Magalhães, 

e com a produtora de Mauricio de Sousa, 

que levou seus personagens dos quadrinhos 

para as telas. 

358 . Cena de Meow!, dirigido por Marcos Magalhães, 1981. 

WALT DISNEY (WALTER ELIAS DISNEY) 

(EUA, 1911-1966) 

Desenhista, produtor e diretor de cinema de animação. Utilizou novas técnicas e criou personagens famosos, como o 

camundongo Mickey (1928). Produziu longas-metragens de animação, como Branca de Neve e os Sete Anões (1938) e 

Peter Pan (1953). Em 1955, criou nos EUA a Disneylândia, grande parque temático que recria os cenários dos desenhos 

animados. Sua ideia foi ampliada com a criação do Disneyworld (1971), nos EUA, e da Eurodisney (1990), na França. 

MARCOS MAGALHÃES 


Desenhista e animador brasileiro, é autor de vários curtas de animação, entre eles Meow! (1982), marco na história do 

cinema de animação entre nós. Premiado no festival de cinema de Cannes, o filme conta a história de um gato que, seduzido 

pela publicidade de um refrigerante, deixa de tomar leite. Cria em 1993 o Anima Mundi, um dos cinco principais festivais 

de animação no mundo hoje. Desde 2002, ministra aulas de Cinema de Animação no curso de Design da PUC-Rio. 


251

Os fãs dos quadrinhos, recentemente, viram 

ressuscitar, no filme Os Vingadores, seis heróis 

da Marvel Comics juntos na missão de salvar 

a Terra: Capitão América, Homem de Ferro, 

Hulk, Gavião Arqueiro, Viúva Negra e Thor. 

359 . Cartaz do filme Os Vingadores. 

Muita ação e magníficos efeitos especiais em 

tecnologia 3D mostram o quanto os avanços 

tecnológicos têm influenciado a qualidade 

dos filmes na atualidade, levando o espectador 

a um mundo virtual inigualável, que 

extrapola a realidade e a fantasia. 

A tecnologia influenciou, também, outras linguagens 

artísticas? 

361 . Página à esquerda: Marcel Duchamp. Nu Descendo a Escada, 1912 (detalhe). 

No início do século XX, o avanço tecnológico, 

que imprimiu velocidade e ritmo acelerado 

à vida contemporânea, influenciou 

também outros campos da arte. Havia uma 

necessidade dos artistas em expressar a natureza 

dinâmica do movimento. Utilizavam a 

composição das cores, a fragmentação dos 

planos e a repetição de elementos para recriar 

a mudança do tempo e do espaço. 

O pintor francês Marcel Duchamp, em 1912, retratou 

em estágios superpostos o movimento 

de uma figura que se decompõe em formas 

abstratas. Sua obra Nu Descendo a Escada 

causou grande impacto quando foi exposta 

em Nova York. 

360 . Marcel Duchamp. Nu Descendo a Escada, 1912. 

Surgiu a corrente artística denominada Futurismo, 

tendo como um dos princípios a expressão 

do próprio movimento. 

MARCEL DUCHAMP 

(Blainville-Crevon, 1887 – Neuilly-sur-Seine, 1968) 

Artista e escritor francês, representante do Dadaísmo e importante referência para a arte contemporânea, enfatiza a arte 

como processo mental em oposição ao valor dado ao produto final. Explorou o dinamismo em Nu Descendo a Escada, sob 

influência do Cubismo e da Cronofotografia, mas logo deixou a pintura na busca de uma arte que superasse o puramente 

visual e considerações estéticas. Concebe o ready-made ao deslocar objetos cotidianos para o âmbito artístico. 

FUTURISMO 

Movimento artístico e literário lançado na Itália em 1909 com o manifesto de Filippo Marinetti, que incitava à ação 

e subversão da cultura e das tradições sociais, exaltando o mundo mecânico, a velocidade da vida moderna e a 

guerra. Tematizava-se o movimento das metrópoles com seus carros e sua energia luminosa em experimentações 

plásticas, literárias, teatrais e musicais que analisavam e fragmentavam imagens e sons a fim de captar o ritmo 

vibrante do movimento urbano moderno. 


253


254 

umberto Boccioni, com sua escultura em 

bronze Formas Únicas de Continuidade no 

Espaço, e Giacomo Balla, com a tela Automóvel 

em Alta Velocidade, são exemplos de 

artistas que exaltaram o futuro por meio do 

dinamismo das formas. 

362 . Umberto Boccioni. Formas Únicas de Continuidade no 

Espaço, 1913. 

363 . Giacomo Balla. Automóvel em Alta Velocidade, 1912. 

Os artistas futuristas criaram a ilusão 

de velocidade, recorrendo ao estilo fragmentado 

do Cubismo para retratar o 

movimento mecanizado. 

De algum modo, esses artistas expressaram 

o princípio da representação do movimento, 

decompondo-o em uma série de imagens fixas 

para recuperá-lo em suas obras. 

O pintor tinha a obrigação de 

reagir à câmera e à industrialização 

e o dever de questionar a própria 

natureza da arte. 

Frank Wynne 

O mundo em movimento foi o que a “caixa 

mágica” dos irmãos Lumière conseguiu 

fazer: captar a realidade, estabelecendo 

um diálogo com a fantasia, levando a vida 

para a tela. 

A impressão da realidade talvez tenha sido o 

motivo do grande sucesso do cinema. 

A ilusão durava o tempo da projeção, como 

um sonho. 

O cinema foi fruto de descobertas tecnológicas 

e a expressão que mais caracterizou, 

no campo artístico, a forma de produção 

industrial em série voltada para o consumo 

de massa. 

UMBERTO BOCCIONI e GIACOMO BALLA 

(Reggio Calabria, 1882 – Verona, 1916) e (Turim, 1871 – Roma, 1958) 

Pintores e escultores italianos, contribuíram com ideias e práticas para formular uma estética futurista, baseada 

no contraste de linhas de força e na interseção de planos. A escultura de Boccioni busca captar visualmente o 

movimento multidirecional ao representar a extensão dos objetos no espaço real. A pintura de Balla procura 

evidenciar a forma através da representação de luz e movimento, a partir de pesquisas técnicas sobre a decomposição 

da cor e da luz.

Apesar de suas origens como uma 

espécie de entretenimento popular, 

há muito que o cinema, graças a 

uma mistura de avanço tecnológico, 

divulgação para as massas, industrialização 

e criatividade humana, 

tinha amadurecido e se tornado a 

sétima arte. 

Christopher Frayling 

Desde os primeiros filmes mudos e em preto 

e branco, passando pelo filme sonoro e 

colorido, até os inusitados efeitos especiais 

e os recursos em terceira dimensão da atualidade, 

a transformação cinematográfica não 

afetou a essência do cinema como arte. 

Ainda hoje, as plateias se emocionam com 

Tempos Modernos e a atuação inigualável 

de Charles Chaplin, envolvem-se com Cantando 

na Chuva e a dança contagiante de 

Gene Kelly, surpreendem-se com os efeitos 

especiais de 300 e a metamorfose de Rodrigo 

Santoro. 

364 . Fotograma Tempos Modernos, dirigido por Charles 

Chaplin, 1936. 

365 . Cartaz do filme Cantando na Chuva, dirigido por Stanley 

Donen e Gene Kelly, 1952. 

366 . Cartaz do filme 300, dirigido por Zack Snyder, 2006. 

SÉTIMA ARTE 

Denominação dada ao cinema, em 1912, pelo italiano Ricciotto Canudo em sua obra Manifesto das Sete Artes e Estética 

da Sétima Arte. O cinema é considerado a sétima arte porque integra elementos básicos de outras artes: música 

(som), dança/coreografia (movimento), pintura (cor), escultura (volume), teatro (representação) e literatura (palavra). 


255


256 

Os primeiros filmes eram mudos, característica 

que lhes dava universalidade e maior 

teatralidade. Necessitavam, por vezes, de 

legendas para estabelecer uma melhor comunicação 

com os espectadores. A exibição 

era quase sempre acompanhada pelo som 

ao vivo de um piano, com músicas e efeitos 

sonoros escolhidos pelo próprio pianista. 

Muitos filmes mudos atingiram qualidade 

técnica e sensibilidade artística que, 

mesmo na atualidade, continuam sendo 

reconhecidas. 

Em 1912, iniciou-se a indústria cinematográfica, 

que produziu grandes clássicos, com 

atores como Charles Chaplin, Buster Keaton 

e Harold Lloyd, trio de comediantes inesquecíveis 

do cinema mudo. 

Charles Chaplin criou o personagem Carlitos, 

que, por meio da pantomima, transmitia 

uma dignidade sem par com sua figura simplória, 

da qual o chapéu-coco e a bengala 

eram a marca registrada e imortalizada nos 

filmes da época. 

367 . Charlie Chaplin em um 

retrato de estúdio para o 

O Vagabundo, de 1915. 

Chaplin foi uma das figuras 

mais marcantes do 

cinema mudo, atuando 

em filmes de sucesso, 

como O Garoto, Luzes 

da Cidade, Em Busca do 

Ouro e O Circo, que lhe 

deu um Oscar, em 1929. 

O Grande Ditador foi seu 

primeiro filme falado, 

um clássico que recebeu 

numerosas premiações. 

368 . Fotograma do filme O Garoto, dirigido por 

Charles Chaplin, 1921. 

Em 1972, Charles Chaplin conquistou um Oscar 

especial pelo conjunto de sua obra, em 

meio a uma das maiores aclamações de um 

público presente à premiação. 

Mais do que máquinas, precisamos de 

humanidade, mais do que inteligência, 

precisamos de afeição e doçura. 

trecho do discurso do filme 

O Grande Ditador / Charles Chaplin 

Durante três décadas, o cinema mudo encantou 

as plateias, mesmo sem a magia sonora. 

Na América, mais voltado para a diversão, 

com suas comédias e melodramas. Na Europa, 

apresentando uma linha mais elitista e 

conceitual, trazendo para o cinema movimentos 

revolucionários, como o Cubismo, o Surrealismo 

e o Expressionismo. As ideias relacionadas 

a essas correntes estéticas inovaram 

formas de representação cinematográfica. 

SURREALISMO 

Movimento literário, intelectual e artístico que começou em Paris em 1924 a partir da insatisfação com valores sociais 

e artísticos tradicionais. Influenciado pela psicologia de Sigmund Freud e liderado por André Breton, baseou-se no 

interesse pelos sonhos e na noção de inconsciente. Imagens em pintura, colagem ou fotomontagem retratam objetos 

banais em contextos absurdos, de modo a provocar o espectador, levando-o a reagir fora da expectativa habitual. 

369 . Página à direita: Retrato de Buster Keaton.


258 

Constituía-se uma nova estética, autônoma, 

procurando um caminho próprio, que sendo, 

ao mesmo tempo, sofisticada e popular conseguiria 

representar o imaginário do seu tempo. 

E surgiu o som... 

Os primeiros filmes sonoros causaram grandes 

dificuldades para cineastas e atores da 

época. A necessidade de adaptações técnicas 

e, principalmente, humanas fez com que o 

avanço tecnológico representado pela chegada 

do som provocasse um retrocesso na qualidade 

estética da produção cinematográfica. 

Recentemente, o premiado filme O Artista 

mostrou a mudança do cinema mudo para o 

sonoro e a difícil adaptação dos atores e dos 

recursos técnicos à nova modalidade. 

370 . Cartaz do filme O Artista, dirigido por 

Michel Hazanavicius, 2011. 

Esse filme retomou o momento de transição, 

apresentando aspectos da arte cinematográfica 

e dos atores da época, trazendo essa 

memória histórica para as plateias de hoje. 

À proporção que os grandes estúdios se 

adaptaram à nova realidade, descobriram 

formas de explorar o som. Entre elas, os 

filmes musicais, que alcançariam grande 

popularidade e que levaram os estúdios a 

fazer investimentos em produtores musicais, 

orquestras, compositores e atores que dançavam 

e cantavam. 

Esses novos profissionais trouxeram a possibilidade 

de, até hoje, conhecermos outras 

épocas e lugares cantando e dançando com 

A Noviça Rebelde, voando com Mary Poppins, 

entrando na tela e vivendo as emoções dos 

personagens em Cinema Paradiso e A Rosa 

Púrpura do Cairo. 

371 . Cartaz do filme Mary Poppins, dirigido por 

Robert Stevenson, 1964. 

372 . Cartaz do filme Cinema Paradiso, dirigido por 

Giuseppe Tornatore, 1988.

O cinema falado se solidificou, conferindo 

maior qualidade, dramaticidade e naturalismo 

às suas cenas. Desse modo, continuamos 

viajando por épocas e lugares diferentes, conhecendo 

personalidades importantes, no 

espaço e no tempo que dura a projeção de 

um filme como Uma Noite em Paris. 

O cinema é uma maravilhosa máquina 

do tempo. 

Bernardo Bertolucci 

A primeira sessão de cinema no Brasil foi realizada 

em 8 de junho de 1896, com grande 

expressão na sociedade. 

Inaugurou-se ontem, às duas horas 

da tarde, em uma sala da Rua do 

Ouvidor, número 57, um aparelho 

que projeta sobre uma tela diversos 

espetáculos e cenas animadas por 

meio de uma série enorme de 

fotografias (...) Cremos ser este 

o mesmo aparelho a que se dá o 

nome de cinematógrafo. (...) 

entrando em função o aparelho, 

a cena anima-se e as figuras 

movem-se. 

Carlos Roberto de Souza 

O Rio de Janeiro se modernizou, e o cinematógrafo 

passou a fazer parte da vida da cidade, 

saudado por cronistas da época, como 

João do Rio, afirmando que o país havia entrado 

na “idade do cinema”. 

Os salões e teatros se abriram para exibições de 

cinema, e, no início do século XX, foram inauguradas 

as primeiras salas especiais de projeção. 

Em 1925, o empresário Francisco Serrador 

idealizou a Cinelândia, no Centro da cidade 

do Rio de Janeiro, reunindo os cinemas Capitólio, 

Glória, Odeon e Império. 

O local tornou-se um ícone carioca, reunindo 

a população nos mais diferenciados tipos de 

manifestações culturais e políticas. 

373 . Cinelândia, 1956/57. 

Os primeiros filmes brasileiros foram produzidos 

por cinegrafistas muitas vezes ligados 

à prática da fotografia. É o caso dos irmãos 

Ferrez, que filmaram, em 1908, a primeira 

comédia nacional, Nhô Anastácio Chegou de 

Viagem. Nessa época, óperas e operetas tiveram 

versão para o cinema, como O Guarani, 

de Carlos Gomes. 

Na década de 1930, a ida do cineasta Humberto 

Mauro para o Instituto Nacional iniciou a 

produção de vários curtas e médias-metragens. 

IRMÃOS FERREZ 

Filhos do fotógrafo Marc Ferrez, Julio e Luciano Ferrez vendiam equipamentos e filmes. Julio foi um dos principais 

operadores de câmera do início de nosso cinema. Proprietários do Cinema Pathé, no Rio de Janeiro, inaugurado 

em 1907, produziram o filme Nhô Anastácio Chegou de Viagem (1908), a primeira comédia brasileira. A família Ferrez 

teve grande importância para nosso cinema, dominando parte do circuito exibidor constituído pelos cinemas 

Pathé, Palace, Paratodos e Mauá. 


259


260 

O cinema brasileiro alcançou grande popularidade 

a partir da década de 1940, com as produtoras 

Atlântida e Vera Cruz. A primeira, com 

suas comédias musicais e “chanchadas”; a segunda, 

que procurou dar padrão internacional 

a filmes que fizeram sucesso, como Floradas 

na Serra e Tico-Tico no Fubá. 

Eu que pego o bonde 12 de Ipanema 

Pra ver Oscarito e o Grande Otelo no cinema 

Domingo no Rian 

Me deixa eu querer mais, mais paz... 

Rio Antigo / Chico Anysio e Nonato Buzar 

E o que acontecia com as outras linguagens 

da arte? 

A partir do final da primeira metade do século 

XX, o cenário artístico brasileiro ficou 

marcado por acontecimentos importantes. 

O Museu de Arte de São Paulo (Masp), projetado 

por Lina Bo Bardi, foi fundado em 

1947, e lá foram realizadas as primeiras 

374 . Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand (Masp). 

exposições de fotografia como forma de expressão 

artística e a 1ª Bienal Internacional 

de São Paulo, colocando o país no circuito 

das mostras de arte mundiais e dos acontecimentos 

de vanguarda. 

Alguns anos depois, em 1958, aconteceu a 

inauguração do Museu de Arte Moderna do Rio 

de Janeiro, em um magnífico prédio projetado 

por Affonso Eduardo Reidy, tendo ao seu redor 

os jardins do paisagista Roberto Burle Marx. 

375 . Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro. 

A arte brasileira passou por grandes transformações, 

e, embora coexistissem diversas formas 

expressivas, os artistas procuravam novos 

caminhos experimentais, adequando-se 

às necessidades do país, que se abria para a 

expansão industrial. 

A música popular brasileira alcançou grande 

sucesso; o teatro e o cinema procuraram novos 

caminhos. 

A arquitetura ganhou prestígio com a construção 

de Brasília, e o Abstracionismo tomou lugar 

de destaque na escultura de Bruno Giorgi. 

O artista apresentou uma nova dinâmica no 

espaço, em um jogo de cheios e vazios, integrando 

a escultura à arquitetura moderna. 

ATLÂNTIDA E VERA CRUZ 

A Atlântida Cinematográfica foi fundada em 1941 e ficou conhecida pelas famosas chanchadas ou comédias populares. 

Moleque Tião, Matar ou Correr e O Homem do Sputnik são algumas de suas produções. A Cinematográfica 

Vera Cruz Ltda., fundada em 1949, produziu e coproduziu mais de 40 filmes de longa-metragem, como Caiçara, 

Tico-Tico no Fubá e O Cangaceiro, além de alguns documentários.

376 . Bruno Giorgi. Meteoro, 1967/8. 

O experimentalismo também chegou à literatura, 

marcando o romance nacional, com 

destaque na obra de Guimarães Rosa, na 

poesia de João Cabral de Melo Neto e na 

irreverência de Clarice Lispector, ao lado de 

muitos expoentes das letras. 

Vou experimentar tudo o que possa, 

não quero me ausentar do mundo... 

Clarice lispector 

O som da música de grandes cantores, compositores 

e instrumentistas apontou para 

uma renovação musical em conjunção com 

as novas tecnologias. 

A transformação na música, os questionamentos 

formais nas artes plásticas e na literatura, 

as mudanças tecnológicas com o 

cinema e o rádio repercutiram no teatro, no 

qual a renovação começou a acontecer nos 

anos 1940, com a peça Vestido de Noiva, 

de Nelson Rodrigues, que revolucionaria a 

dramaturgia nacional. 

E o cinema brasileiro? Encontrou seu caminho? 

A indústria cinematográfica sofreu com 

os altos e baixos das produções, a falta 

de apoio do governo e a concorrência dos 

filmes estrangeiros. 

377 . Cartaz do filme O Cangaceiro, dirigido por Lima Barreto, 1953. 

BRUNO GIORGI 

(Mococa, SP, 1905 – Rio de Janeiro, 1993) 

Escultor e pintor brasileiro, desenvolveu parte de sua obra afinado com a estética modernista na busca de uma 

identidade brasileira. Após estudar arte na Europa, voltou a São Paulo em 1939, onde conviveu com expoentes do 

Modernismo e participou de grupos de artistas. Entre os anos 1940 e 1960, realizou obras para espaços públicos 

importantes, como Monumento à Juventude Brasileira (1947), no Palácio Capanema, no Rio de Janeiro, e Candangos 

(1960), na Praça dos Três Poderes, em Brasília. 


261

sugestões de imagem: 

Central do Brasil ou o 

Quatrilho

Desde os filmes O Cangaceiro, de Lima Barreto, 

premiado em Cannes em 1953 como 

melhor filme de aventuras, e Rio 40 Graus, 

de Nelson Pereira dos Santos, em 1955, inaugurou-se 

um novo ciclo do cinema nacional, 

com temática popular e denúncia social. 

Em 1954, a produtora Vera Cruz encerrava 

uma fase de importância histórica para o cinema 

nacional e um grupo de jovens cinéfilos 

defendia a criação de filmes vinculados à 

realidade brasileira, que traduzissem criticamente 

a história do país. 

De toda essa inquietação, surgiu o Cinema 

Novo. Cineastas como Glauber Rocha, 

Cacá Diegues e Paulo César Saraceni faziam 

parte do grupo, que apostava em 

outro formato e outro discurso para os 

filmes nacionais. 

Nossa geração tem consciência: sabe 

o que deseja. Queremos fazer filmes 

anti-industriais; queremos fazer filmes 

de autor, quando o cineasta passa a 

ser um artista comprometido com os 

grandes problemas do seu tempo. 

Glauber Rocha 

Focalizando questões sociais, mudou a 

produção cinematográfica brasileira, e o 

cineasta ganhou legitimidade. As premiações 

obtidas em vários festivais internacionais 

contribuíram para o prestígio do 

Cinema Novo. 

O cinema brasileiro deixou de ser 

uma crônica da sociedade brasileira, 

deixou de ser um estereótipo, um 

pastiche, e passou a adotar uma 

visão antropológica do homem brasileiro, 

da própria cultura brasileira. 

378 . Cena do filme Central do Brasil, dirigido por Walter 

Salles, 1998. 

GLAUBER ROCHA 

(Vitória da Conquista, BA, 1939 – Rio de Janeiro, 1981) 

Diretor de cinema, destacou-se na produção cultural brasileira pela realização de filmes e pela reflexão sobre nosso cinema. 

Reconheceu em certos filmes da passagem dos anos 1950 para os anos 1960 uma nova forma de fazer cinema – o Cinema 

Novo, do qual foi um dos principais representantes. Em oposição a grandes produções cinematográficas, propôs renovação 

estética com “uma câmera na mão e uma ideia na cabeça” a partir de foco sobre nossas próprias questões sociais e culturais. 

379 . Página à esquerda: Foto de cena do filme Deus e o Diabo na Terra do Sol, dirigido por Glauber Rocha, 1964. 

Cacá Diegues 

Mas a produção cinematográfica não se esgotou 

nas propostas do Cinema Novo, e surgiram 

outras tendências para conquistar o 

mercado brasileiro. 

No final do século XX, o cinema se solidificou 

com diversidade de produções, conquistando 

o mercado nacional e internacional. Importantes 

cineastas levaram o nome do Brasil 

aos principais festivais de cinema mundiais. 

O Quatrilho (1995), de Fábio Barreto, foi indicado 

ao Oscar de melhor filme estrangeiro, e 

Central do Brasil (1998), de Walter Salles, premiado 

como melhor filme no Festival de Berlim, 

juntamente com a protagonista Fernanda 

Montenegro, premiada como melhor atriz. 


263


264 

Assim, sucederam-se tempos de grande euforia 

criativa, períodos de concessões, épocas 

de recessões e lutas por novos ideais, 

em um eterno renascer, movido por pessoas 

que acreditam no poder de transformação 

da arte. 

No fascínio pelo cinema, a presença 

de uma disposição moderna, de um 

olhar atento à informação nova. Traços 

de uma geração que surgia na 

esteira de 64 e que procuraria dar 

um passo à frente em relação aos 

pressupostos da produção cultural 

nacionalista e engajada. 

Heloísa Buarque de Hollanda 

Como todos os movimentos artísticos que 

caracterizam a história da arte, também o 

cinema reflete os momentos sociais, econômicos 

e políticos de sua época. E ele, como 

nenhuma outra forma de arte, foi o que mais 

rompeu fronteiras, tornando-se universal em 

um pequeno espaço de tempo. 

Em menos de um século, o cinema venceu 

caminhos de maneira tão rápida quanto a 

velocidade que expressa, transformando-se 

e, chegando à contemporaneidade, surpreendendo 

com suas infindáveis renovações 

tecnológicas, mas trazendo ainda as marcas 

de sua origem. 

O cinema não tem fronteiras nem limites. 

É um fluxo constante de sonho. 

orson Welles 


• A apreciação artística e estética 

de imagens. 

• As mudanças na arte com o advento 

da fotografia. 

• A fotografia como registro e recurso na 

arte e na ciência. 

• A decomposição e recomposição da forma 

na obra de arte. 

• A pesquisa da figura em movimento e o 

advento do cinema. 

• A produção cinematográfica em diferentes 

épocas. 

• O uso dos recursos tecnológicos na manipulação 

e na edição de imagens. 




• Pesquisar, em grupo, a evolução da 

máquina fotográfica: do lambe-lambe 

à máquina digital. Construir uma máquina 

fotográfica, utilizando materiais 

diversificados, contidos em um “envelope 

surpresa”, preparado e distribuído 

aos alunos. Apresentar o trabalho do 

grupo para os colegas da turma, explicando 

o funcionamento e destacando 

as vantagens do invento. Expor a 

máquina com as outras criadas pelos 

diferentes grupos. 

• Selecionar imagens fotográficas de diferentes 

épocas, destacando fotos que 

ficaram famosas (Einstein mostrando 

sua língua, os Beatles atravessando a 

rua, o beijo na Times Square e outras).

Analisar as fotos, percebendo detalhes, 

enquadramentos e a qualidade 

das imagens obtidas pelos fotógrafos. 

Reunir todas as reproduções trazidas 

pela turma e montar o painel Memória 

das Gerações. 

• Observar, através de um visor (rolo de 

papel, janelinha de cartolina ou a própria 

mão fechada em forma de tubo), 

detalhes de imagens interessantes encontradas 

em revistas. Escolher um detalhe 

de uma das imagens e reproduzi- 

-lo, em uma folha de papel, pintando 

com as mesmas cores do desenho original. 

Trocar os desenhos com os colegas, 

para que sejam identificados com 

as imagens originais. 

• Escolher, em duplas, uma reprodução 

de obra de arte figurativa. Imitar a pose 

do personagem do quadro, para que o 

colega tire uma foto com máquina digital. 

Se possível, improvisar a indumentária 

e o arranjo cênico para ficar 

o mais idêntico possível à obra. Trocar 

de posição, fotografando o colega. Observar 

as fotos no computador, avaliando 

as que mais se assemelharam com a 

obra famosa. 

• Observar a decomposição e a recomposição 

de imagens nas fotomontagens 

de Jorge de Lima e nos cartemas de 

Aloísio Guimarães. Criar uma colagem 

inusitada com imagens recortadas de 

revistas. Tirar pedaços, colocar outros, 

de modo que as formas fiquem bem 

encaixadas. Brincar e experimentar as 

soluções possíveis. Colar os recortes 

em uma folha de papel, fazendo os 

“transplantes” nas imagens com precisão, 

colorindo as emendas e desenhando 

os detalhes que achar necessários. 

Observar e avaliar os trabalhos 

realizados pela turma. 

380 . Aloísio Magalhães. Cartema. 

• Fazer uma composição alongada com 

dois cartões-postais iguais. Dividir os 

cartões no mesmo número de partes, 

em tamanhos idênticos, numerando os 

pedaços no verso. Organizar uma composição 

única, juntando as tiras iguais 

dos dois cartões, colando e unindo todos 

os pedaços, até completar uma única 

imagem alongada. Avaliar as etapas 

e a finalização do trabalho. 

• Criar uma história, em grupo, com uma 

sequência de seis quadros desenhados 

em folhas de papel ofício. Unir os quadros 

formando uma tira contínua, um 

“filme”. Fazer um cineminha com uma 

caixa de papelão na qual tenham sido 

feitos furos, para passar dois pauzinhos 

como os de churrasco. Colar o início da 

tira de quadros em um dos pauzinhos, 

enrolar o “filme” e colar a ponta final 

no outro pauzinho. Encaixar os pauzinhos 

nos furos da caixa. Passar a história, 

contando-a para os colegas como 

se fosse um cineminha. 


265


266 

• Que tal fazer um desenho animado? 

Atualmente, existem muitas técnicas 

para dar movimento aos desenhos, desde 

as mais artesanais até a utilização 

de programas de animação computacionais. 

Um recurso simples é movimentar 

rapidamente os desenhos como no cinemascópio. 

É muito fácil confeccionar, 

basta seguir estas etapas: reproduzir 

uma tira, como a apresentada no modelo, 

criando seu próprio desenho; recortar 

e dobrar a tira nas marcações indicadas, 

formando uma estrela de quatro 

pontas. Para dar movimento ao desenho, 

colar um eixo no centro (pauzinho 

de churrasco, carga de caneta ou algo 

similar); em seguida, girar rapidamente, 

pegando pelas extremidades do eixo, e 

ver o que acontece com o desenho. 

Para visitar 

Museu da imagem e do Som – Primeiro 

museu audiovisual do país, reúne valioso 

acervo de filmes, vídeos, partituras, 

fotos, gravuras, instrumentos musicais, 

rádios e vitrolas, além de várias coleções 

de importantes artistas nacionais. 

Endereço: Praça Rui Barbosa, 1, Centro. 

Tel.: (21) 2224-8461. 

Ateliê da imagem – Escola que oferece 

cursos livres e workshops de fotografia, 

artes visuais, vídeo, cinema e mídias digitais. 

Endereço: Avenida Pasteur, 453, Urca. 

Tel.: (21) 2541-3314. 

Spectaculu Escola Fábrica de Espetáculos – 

Organização social sem fins lucrativos que 

reúne jovens de comunidades da periferia 

da cidade do Rio de Janeiro em uma escola 

de arte que oferece atividades gratuitas 

ligadas à área da imagem e da tecnologia. 

Endereço: Avenida Rodrigues Alves, 847, Centro. 

Tel.: (21) 2223-2976. 

Dobrar para baixo 

Dobrar para cima 

Recortar

Tempo de novas mídias 

Rede de comunicações 

(...) vivemos hoje em dia uma des- 

tas épocas limítrofes na qual toda a 

antiga ordem das representações e 

dos saberes oscila para dar lugar a 

imaginários, modos de conhecimento 

e estilos de regulação social ainda 

pouco estabilizados. 

Pierre lévy – A Escola Entre Mídias/ 

MultiRio, 2011 

Existiu um tempo em que a comunicação humana 

era essencialmente presencial, restrita 

aos pequenos agrupamentos. 

O conhecimento era passado e perpetuado, 

principalmente, por meio da oralidade, de 

geração para geração. 

O enriquecimento cultural era construído 

nos encontros e nas trocas entre determinados 

grupos sociais, reafirmando a necessidade 

vital de comunicação do ser humano, 

que se fez presente na história de 

todas as civilizações. 

381 . Wilhelm Gentz. Contador de Histórias Oriental, 1878. 

Através dos séculos, a socialização dos saberes 

entre os povos se fazia de modo lento 

e gradativo. O caminho percorrido desde a 

escrita alfabética fenícia, passando pelo alfabeto 

árabe, pela tradicional caligrafia chinesa 

e pelos manuscritos da Idade Média, já 

configurava o início de uma rede de comunicações, 

mas ainda tecida muito lentamente. 

A grande revolução na forma de comunicação 

se deu no século XV, com a invenção 

da prensa, pelo alemão Johannes Gutenberg, 

propiciando, por meio da escrita, a difusão 

do conhecimento e da informação. 

GUTENBERG 

(Mainz, c. 1397-1468) 

Johann Gensfleisch zur Laden, conhecido como Johannes Gutenberg, é considerado o criador do processo de impressão 

com tipos móveis: a tipografia, condição tecnológica que possibilitou o desenvolvimento da imprensa. 

Cada letra era feita à mão, e cada página era montada juntando-se as letras. No início da década de 1450, Gutenberg 

iniciou a impressão da Bíblia, que ajudou a torná-lo reconhecido em todo o mundo. 


267 267


268 

382 . Prensa de Gutenberg. 

Além de despertar o interesse pela leitura, a 

descoberta de Gutenberg permitiu o acesso, 

por meio da técnica de reprodução, aos textos 

que documentavam os acontecimentos. 

Essa invenção abriu caminhos para uma maior 

comunicação social, pois a tipografia possibilitou 

que livros e imagens fossem impressos e 

o conhecimento pudesse chegar a diferentes 

lugares do mundo, eliminando fronteiras. 

A invasão das letras no universo humano transformou 

as sociedades da época e continua exercendo 

poder no mundo atual, mesmo depois 

que outros meios tecnológicos de comunicação 

vieram competir com essa descoberta milenar. 

E o homem que contava histórias em 

volta do fogo metamorfoseou-se, ao 

longo dos tempos, nos poetas de 

todas as épocas, nos escritores de 

todas as pátrias, nos contos de carochinhas 

de todas as infâncias ou nas 

reminiscências dos pais que legam 

suas histórias aos filhos. 

A Escola Entre Mídias/MultiRio 

O homem mudou a forma de ver e de representar 

o mundo através das letras e das imagens. 

A invenção da câmara escura, no século XVI, 

foi um importante passo para uma melhor 

percepção da realidade, auxiliando os artistas 

plásticos no planejamento de suas obras. 

383 . Johannes Vermeer. A Arte da Pintura, 1666. 

Nessa época, pintar era um trabalho artesanal 

em todo o seu processo de elaboração. 

E como seria o ateliê de um artista 

desse tempo? 

O ateliê se assemelhava a um laboratório de 

pesquisas científicas, com numerosos vidros 

nos quais eram guardados os pigmentos, os 

aglutinantes, os solventes. 

As cores, em uma gama restrita, eram conseguidas 

por meio dos pigmentos de origem 

mineral (terras e rochas) e orgânica 

(vegetais e animais). Eles passavam por 

um processo demorado de moagem, depois 

eram peneirados e misturados com substâncias 

para se conseguir a tinta. 

384 . Página à direita: Johannes Vermeer. A Arte da Pintura, 1666 (detalhe).


270 

A cor mais difícil de ser conseguida era o 

azul, produzido a partir de uma pedra chamada 

lápis-lazúli, mais valiosa que o ouro. 

Por isso, o azul ultramar era usado com restrições, 

aparecendo prioritariamente nos mantos 

dos santos, nos detalhes dos altares ou para 

realçar algum elemento importante na pintura. 

Os pincéis eram feitos com pelos de animais, e as 

telas passavam por um longo processo de preparo. 

Nesses ateliês do século XV, existia uma tecnologia 

manual na qual arte e ciência se interligavam 

em uma produção que expressava as experiências, 

o conhecimento e a imaginação do artista. 

Leonardo da Vinci integrava, em sua visão 

de mundo, a ciência e a arte, que, segundo 

ele, complementavam-se, constituindo a 

atividade intelectual. 

A experiência, aliada ao conhecimento, fazia 

o artista. Era necessário entender os materiais, 

os pigmentos, as diluições, as misturas 

e saber usar a cor com toques do pincel e 

superposições das cores. 

Para saber da imagem, tem que saber 

de ponto, de formas, de traços, de 

manchas, de cores, de matizes, que ela 

se faz de luz, de luz refratada. 

Maria Helena Silveira 

O pintor flamengo Jan van Eyck aprimorou 

a técnica de misturar os pigmentos em pó 

com óleo de linhaça, que deu origem à chamada 

tinta a óleo. 

Essa técnica revolucionou a pintura, pois 

permitia um trabalho com maior luminosidade, 

minucioso e rico em detalhes, devido à 

secagem mais lenta da tinta. 

385 . Jan van Eyck. Retrato de um Homem, 1433. 

Até então, a tinta em pó era misturada a 

gema de ovo e água para ganhar consistência, 

mas secava muito rapidamente e, às 

vezes, rachava ao endurecer. Esse processo 

era conhecido como têmpera. 

LÁPIS-LAZÚLI 

“Lápis” e “lazúli” são palavras que em latim significam “pedra” e “azul”, respectivamente. Lápis-lazúli é uma gema que, 

lapidada e polida, torna-se uma joia azul de brilho vítreo (semelhante ao vidro). Arqueólogos registram seu uso já há 7.000 

anos. Na Antiguidade, os egípcios utilizavam-na para ornamentos; na Idade Média e na Renascença, enriqueciam as cores 

de obras de arte. O lápis-lazúli sempre esteve associado ao misticismo e à pureza. Atualmente, continua sendo explorado. 

JAN VAN EYCK 

(?, c. 1380/90 – Bruges, 1441) 

Pintor flamengo, foi logo reconhecido por sua habilidade em criar ilusionismo pictórico. Viajou por vários locais 

da Europa e pintou muitas encomendas religiosas e retratos de nobres e comerciantes. Seus quadros revelam 

sistemático estudo do mundo natural e seu grande interesse nos efeitos de luz, que podia ser bem representada 

graças ao uso da pintura a óleo, que permitiu a sobreposição da tinta em camadas translúcidas.

Ao lado da têmpera tradicional, usava-se 

também a pintura com afresco, aplicada sobre 

paredes, muros ou tetos. Sua durabilidade 

devia-se à técnica de revestir a parede 

com a nata de cal e aplicar o pigmento puro, 

diluído em água, sobre a superfície úmida. 

O afresco, usado desde a Grécia Antiga, se 

estendeu pelos séculos, utilizado por mestres 

das artes medieval, renascentista e 

barroca. Teve seu apogeu no Renascimento, 

com Michelangelo e o maravilhoso teto da 

Capela Sistina, onde a pintura revela grande 

intensidade expressiva no vigor das figuras. 

386 . Michelangelo. Deus Separa a Terra da Água, 1508-1512. 

Foi também no Renascimento que a pintura 

de cavalete ganhou impulso com as novas 

possibilidades trazidas pela tinta a óleo. A 

partir de então, pelas facilidades oferecidas 

por essa técnica de pintura e pela difusão 

mais rápida dos conhecimentos e da comunicação 

entre os artistas, a pintura a óleo 

superou a prática do afresco. 

Assim como a descoberta da prensa transformou 

a linguagem escrita, a descoberta 

da tinta a óleo mudou radicalmente a forma 

de pintar. 

No século XIX, as tintas passaram a ser industrializadas, 

produzidas em larga escala e 

vendidas em tubos. Os artistas deixaram de 

manipular suas próprias fórmulas, que eram, 

muitas vezes, mantidas secretas, como na 

época do Renascimento. 

Mais tarde, surgiram os pigmentos sintéticos 

e artificiais, que foram aperfeiçoados 

para atender às exigências da indústria e 

dos artistas. 

387 . Tubos de tinta industrializada. 

Por meio das tecnologias, a arte incorporou 

a ciência, mudando as formas de ver, de registrar 

e de expressar ideias e imagens. 

As cidades cresceram, as descobertas científicas 

se desenvolveram ainda mais, e o homem 

passou a acreditar que a ciência era a 

única fonte verdadeira de aquisição do saber, 

capaz de solucionar os problemas do mundo. 

A arte ficou responsável pelo estímulo das 

emoções e dos sentimentos, expressando a 

subjetividade, sendo considerada sem valor 

na produção de conhecimento. 

Arte e ciência voltaram a se interligar? 

CAPELA SISTINA 

Localiza-se no Palácio Apostólico, no Vaticano. Seu nome faz referência ao papa Sisto IV, que, entre os anos de 1477 e 

1480, restaurou a Capela Magna, da qual foram utilizados os alicerces para a construção da Capela Sistina. Michelangelo 

(1475-1564) pintou seu teto durante quatro anos (1508-1512). Entre os afrescos pintados pelo artista, A Criação do 

Homem é o mais famoso. É na Capela Sistina que se realiza o conclave, processo de escolha do novo papa. 


271 271

Separadas conceitualmente por um largo 

tempo, arte e ciência voltaram a se reaproximar 

no final do século XIX, quando se desenvolveram 

as ciências humanas, cujo objeto de 

estudo era o homem e, consequentemente, 

suas manifestações simbólicas e artísticas. 

Os estudos de Sigmund Freud, no início do 

século XX, investigaram a mente humana, 

com seus sonhos, seus medos e suas emoções, 

que acontecem, muitas vezes, independentes 

da razão e da lógica. Para desvendar 

os significados dos sonhos, Freud via 

na arte um dos meios de manifestação do 

inconsciente, rico de possibilidades para o 

entendimento da psique humana. 

Essas descobertas da Psicanálise influenciaram 

a arte europeia, que foi além de uma 

suposta interpretação fiel da realidade, expressando, 

muitas vezes, situações absurdas 

e ilógicas. 

O bom artista não deve representar 

somente o corpo, mas também a alma. 

Sócrates 

388 . Salvador Dalí. A Persistência da Memória, 1931. 

SIGMUND FREUD 

(Morávia, 1856 – Inglaterra, 1939) 

Neurologista e fundador da Psicanálise. Ingressou na Faculdade de Medicina de Viena aos 17 anos e começou seus estudos 

usando a hipnose em seus pacientes. Insatisfeito com a hipnose, desenvolveu o que é uma das bases da técnica 

psicanalítica: a livre associação, na qual o paciente fala o que lhe vem à mente para revelar memórias reprimidas. Entre 

os seus ensaios mais famosos, estão O Ego e o Id, A Interpretação dos Sonhos e Três Ensaios sobre a Sexualidade. 

ANDRÉ BRETON 

(Tinchebray, 1896 – Paris, 1966) 

Médico, poeta, crítico, editor. Mentor do Surrealismo, movimento de vanguarda que trouxe o inconsciente, a fantasia e o 

sonho para a arte, muito influenciado pela Psicanálise. No Manifesto Surrealista, em 1924, propôs a expressão do “verdadeiro 

funcionamento do pensamento”, ditado “fora de qualquer controle exercido pela razão” e “de quaisquer preocupações 

estéticas ou morais”. É autor de Nadja (romance), O Amor Louco (conto) e Manifestos do Surrealismo (ensaios). 

SALVADOR DALÍ 

(Figueres, 1904-1989) 

Pintor, desenhista e escultor espanhol, representou com detalhes mundos fantásticos, como os dos sonhos. Sua mais 

significativa contribuição à arte do século XX se deu por sua associação com o Surrealismo. Concebeu o “método 

paranoico-crítico”, que consistia em transmitir conflitos psicológicos profundos por meio de imagens ambíguas, sugestivas 

de significados ocultos, capazes de desestabilizar o conhecimento que se tinha do mundo supostamente “real”. 

389 . Página à esquerda: Salvador Dalí. O Jogo Lúgubre, 1929. 

O movimento surrealista concentrou essas 

ideias nas mãos de escritores e artistas 

plásticos. Segundo André Breton, um dos 

fundadores do movimento, o Surrealismo 

podia ser definido como “automatismo psíquico 

puro, pelo qual buscamos exprimir, 

por escrito ou de qualquer outra maneira, o 

funcionamento da mente (...)”. 

Salvador Dalí foi um artista que se destacou 

nesse movimento, tratando das questões do 

inconsciente com meticuloso realismo e técnica 

apurada, por vezes distorcendo os objetos 

e colocando-os em paisagens irreais. 

Essas características do artista são evidentes 

na obra A Persistência da Memória, um dos 

trabalhos mais marcantes em sua trajetória. 


273 273


274 

Ciência e arte são, assim, produtos 

que expressam as experiências 

e representações imaginárias de 

distintas culturas. 

Parâmetros Curriculares Nacionais 

Arte e ciência podem se complementar ou 

se influenciar reciprocamente. E, assim, vão 

tecendo, ao longo do tempo, redes de conhecimento, 

de visualidades, de certezas 

e incertezas. 

Muitas vezes, antigos conhecimentos se renovam 

na criação e nas mãos do artista. No 

século XX, por exemplo, ao lado do consumo 

e da produção de massa, surgiram novas 

formas de expressão artística. Mas a pintura 

mural, praticada por antigas civilizações, 

também ressurgiu com sua força comunicativa, 

no México, junto com o movimento revolucionário. 

Os artistas retornaram a essa forma 

original de pintar pelo seu apelo visual 

de grande alcance social e mostraram uma 

arte nacional e engajada. 

Destacaram-se, no Muralismo mexicano, os 

artistas Siqueiros, orozco e Rivera, que buscaram 

suas fontes de inspiração nas antigas 

culturas maia e asteca, na arte popular, no 

folclore mexicano e nas vanguardas europeias, 

principalmente no Expressionismo. 

390 . David Alfaro Siqueiros. Eco de um Grito, 1937. 

A obra de Siqueiros revela seu inconformismo 

social e exalta a liberdade, aliada 

à força de figuras realçadas pelo volume 

e pelo movimento, enquanto a de 

Orozco é mais histórica, com caráter 

profundamente expressionista. 

391 . José Clemente Orozco. 

Bombardeiro de Mergulho 

e Tanque, 1940. 

JOSÉ CLEMENTE OROZCO e DAVID ALFARO SIQUEIROS 

(Ciudad Guzmán, 1883 – Cidade do México, 1949) e (Cidade do México, 1896 – Cuernavaca, 1974) 

Pintores e desenhistas mexicanos, participaram, juntamente com Diego Rivera, do Movimento Muralista Mexicano 

e influenciaram gerações mais novas de artistas muralistas em outras partes do mundo. A força da pintura de 

Orozco encontra-se nas tensões dinâmicas criadas entre imagens expressionistas e elementos arquitetônicos. 

Siqueiros sempre alternou entre a atividade artística e a política e desenvolveu novas técnicas de pintura mural. 

392 . Página à direita: David Alfaro Siqueiros. O Povo Pega em Armas, 1957.


276 

O trabalho de Diego Rivera evidencia uma 

temática nacionalista, relacionando elementos 

de antigas culturas mexicanas e aspectos 

do homem da era industrial, das máquinas 

e das engrenagens. 

O povo é protagonista de sua pintura, e não 

só espectador. Sua obra A Fábrica de Detroit, 

com 27 painéis em afresco, pintados 

de 1932 a 1933, sintetiza as ideias e preocupações 

sociais do artista. 

393 . Diego Rivera. Indústria de Detroit, 1932-1933. 

A Cidade do México possui numerosos 

murais em afresco, nos edifícios públicos, 

com temáticas ligadas à história do país, 

cujas narrativas exercem uma grande comunicação 

com o povo, projetando uma 

ideologia social. 

O Muralismo mexicano influenciou artistas 

brasileiros, entre eles, Candido Portinari, 

que fez pinturas de grandes dimensões, 

como as da Via Crucis, para a Igreja de São 

Francisco, na Pampulha, em Belo Horizonte, 

os painéis de Tiradentes, que estão no 

Palácio Bandeirantes, em São Paulo, e os 

murais Guerra e Paz, para a ONU, em Nova 

York. Estes, terminados em 1957, foram os 

dois últimos e maiores trabalhos realizados 

por Portinari, que, apesar de sentir os sintomas 

de uma forte intoxicação pelas tintas, 

aceitou o imenso desafio. 

394 . Candido Portinari. 

Guerra, 1952-1956. 

395 . Candido Portinari. 

Paz, 1952-1956. 

DIEGO RIVERA 

(Guanajuato, 1886 – Cidade do México, 1957) 

Pintor e desenhista, uma das principais figuras do Movimento Muralista Mexicano dos anos 1920, quando o governo 

do país encomendou monumentais murais didáticos que representavam a história do México em paredes de 

prédios públicos. Formado em Paris, onde entrou em contato com a arte moderna, é reconhecido internacionalmente 

por sua iconografia baseada em ideias socialistas e na herança indígena da cultura mexicana.

Guerra e Paz representam sem dúvida 

o melhor trabalho que já fiz (...) 

Dedico-os à humanidade. 

Portinari 

Essa arte pública sempre teve uma estreita 

relação com a arquitetura e ocupou muitos 

espaços urbanos, permitindo que os artistas 

expressassem suas ideias para além dos 

ambientes fechados dos museus. 

A pintura mural acompanhou a arte do homem, 

construindo uma rede de conhecimentos 

que, da Antiguidade até a época 

contemporânea, estabeleceu uma via de comunicação 

social. 

Na sociedade atual, vemos uma interação 

crescente entre arte, ciência, tecnologia e 

indústria. 

As novas formas de construção de imagens, 

trazidas pela fotografia e pelo cinema e nas 

quais a relação do artista com sua obra é 

intermediada pela máquina, mudaram a essência 

significativa da arte e a compreensão 

estética do mundo. 

A tecnologia não deve se assenhorear 

do processo criativo, mas sim 

articular-se a ele, respondendo 

aos desígnios da própria obra. 

luiz Camillo osorio 

A tecnologia influenciou outras linguagens 

da arte? 

A sociedade mediada pela tecnologia e pelos 

meios de comunicação de massa transformou 

a vida, e, consequentemente, surgiram 

novas tendências artísticas. A tecnologia 

passou a ser mais um recurso técnico utilizado 

pelos artistas e um meio de difusão das 

linguagens da arte. 

Uma das formas mais abrangentes de comunicação 

e disseminação cultural é a linguagem 

oral. Foi através das ondas do rádio 

que o som, a palavra e a música se propagaram, 

ampliando a rede de comunicações 

e possibilitando outras invenções, como o 

telefone, o fonógrafo, o microfone. 

E a voz do homem se fez ouvir na primeira 

transmissão eletrônica, que foi ao ar em 

1906 nos Estados Unidos. Duas décadas depois, 

com Roquette-Pinto, acontecia o mesmo 

no Brasil. 

396 . Rádio (1932). 

Aos poucos, o rádio passou a fazer parte da 

vida das pessoas: nas casas, no comércio, 

nos carros, nas ruas, em diferentes formatos 

e tamanhos, tornando-se, assim, um veículo 

popular de comunicação, lazer e informação, 

atingindo as regiões mais distantes do país. 


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278 

Até mesmo as propagandas comerciais, que 

eram veiculadas nas páginas de jornais e revistas, 

passaram a ocupar os horários das principais 

emissoras de rádio, tornando-se uma questão de 

sobrevivência financeira para elas. Muitos desses 

comerciais utilizavam o jingle, uma forma de propaganda 

musical que, além de divulgar, conquistava 

popularidade pela facilidade de memorização 

do produto, de suas qualidades e sua marca. 

Essa forma de expressão cultural fez e faz 

parte do cotidiano de diferentes gerações. 

Voltando no tempo, podemos até dizer que 

os vendedores ambulantes do período colonial, 

ao lançarem seus pregões para atrair 

os consumidores, já empregavam elementos 

fundamentais de comunicação dos jingles. 

397 . Jean-Baptiste Debret. Vendedoras de Pão de Ló, 1826. 

Na década de 1930, Antônio Gabriel Nássara 

compôs aquele que é considerado o primeiro 

jingle do rádio brasileiro para a Padaria Bragança: 

“Oh, padeiro desta rua, tenha sempre 

na lembrança, não me traga outro pão que 

não seja o pão Bragança...”. 

Os jingles alcançaram grande sucesso comercial 

e artístico a partir dos anos 1950, quando compositores 

famosos criaram slogans que marcaram 

produtos e sua época em rede nacional. O 

apelo popular dessa ferramenta de propaganda 

também foi e continua sendo muito utilizado na 

política, principalmente em períodos eleitorais. 

Um dos mais famosos compositores de sambas 

e marchinhas, que também produziu 

para esse tipo de música comercial, foi Miguel 

Gustavo. Ele compôs para produtos e 

para campanhas políticas, como a de JK. 

Segundo o pesquisador Ricardo Cravo Albin, 

seu maior sucesso foi um jingle composto para 

uma cervejaria que patrocinava as transmissões 

da Copa do Mundo de Futebol em 1970. 

O jingle acabou tornando-se hino da seleção 

brasileira tricampeã no México e continua na 

memória coletiva dos brasileiros. 

JINGLE 

Termo inglês cujo significado refere-se à música composta para promover uma marca ou um produto. O jingle publicitário 

é criado para cativar o público. Geralmente, é curto e tem letra e melodia simples, para que sejam facilmente 

memorizadas. O primeiro jingle foi feito nos Estados Unidos em 1926. Ademar Casé, em 1932, veiculou o primeiro 

jingle no rádio brasileiro, da Padaria Bragança, composto por Nássara, um dos redatores do Programa Casé. 

NÁSSARA 


Caricaturista, compositor, autor do primeiro jingle no Brasil. Criador de sucessos carnavalescos das décadas de 1930 

e 1940, ficou conhecido por seu estilo de parodiar. Passou por vários jornais e revistas, como O Globo, O Cruzeiro e 

Última Hora. No jornal O Pasquim, trabalhou com Jaguar, Ziraldo e Millôr Fernandes. Em 1996, um mês antes de falecer, 

concluiu sua última obra: 30 desenhos para o livro infantil Moça Perfumosa, Rapaz Pimpão, de Daniela Chindler. 

SLOGAN 

Slogan é uma frase concisa, marcante, de fácil memorização que enaltece as qualidades de um produto, um serviço ou 

uma ideia. É um meio eficaz de chamar a atenção para um ou mais aspectos de um produto ou marca, que contribui 

para superar a visibilidade de seus concorrentes, conquistando um número maior de consumidores. Palavra inglesa, 

“slogan” vem de “sluagh-ghairm” (pronuncia-se “slogorm”), forma do idioma gaélico-escocês de dizer “grito de guerra”. 

MIGUEL GUSTAVO (MIGUEL GUSTAVO WERNECK DE SOUSA MARTINS) 


Compositor, jornalista, radialista e poeta. Largou os estudos com 19 anos para ser discotecário na Rádio Vera Cruz. 

Destacou-se como compositor de jingles que se tornaram famosos, como o das Casas da Banha e o do Leite Glória. Fez 

sucesso também como autor de sambas e marchas. Sua composição mais conhecida é Pra Frente, Brasil, de 1970, que 

se tornou hino do tricampeonato mundial de futebol no México.

398 . Seleção Brasileira – Copa de 1970. 

Noventa milhões em ação, 

Pra frente Brasil, do meu coração... 

Miguel Gustavo 

Ficaram famosos os jingles criados por Zé 

Rodrix, Sá e Guarabira, Renato Teixeira, Gilberto 

Gil e muitos outros que marcaram a 

memória do rádio. 

Pipoca na panela 

Começa a arrebentar 

Pipoca com sal 

Que sede que dá (...) 

Quero ver pipoca pular, pular 

Pipoca com guaraná (...) 

Campa, Mineiro e Brunetti/DM9 

Atualmente, a publicidade também se vale 

de canções já conhecidas pelo público para, 

com base nelas, criar jingles que alcançam 

grande repercussão. 

A abertura de outras emissoras de rádio e o 

desenvolvimento da tecnologia da produção 

de discos propiciaram a propagação da música 

popular brasileira. Os ritmos regionais, 

o samba-canção e as músicas instrumentais 

passaram a viver influências mútuas e a 

conviver com expressões musicais internacionais 

– o bolero, o jazz, o rock. 

A música divulgada pelo rádio alcançou 

grande sucesso, e seus intérpretes tornaram-se 

ídolos populares: de Francisco Alves 

a Roberto Carlos, de Marlene e Emilinha Borba 

a Gal Costa e Maria Bethânia, dos Beatles 

ao Barão Vermelho, e muitos outros. 

399 . Os Beatles em sua 

chegada a Nova York 

em 1964. 

400 . Capa do álbum 

Barão Vermelho. 


279 279


280 

É verdade, porém, que certas tendências 

musicais foram direcionadas por algumas 

emissoras que, até hoje, influem no sucesso 

alcançado por determinadas composições 

e constroem ícones que se firmam no gosto 

popular. Assim, a mídia radiofônica, no 

mundo contemporâneo, segue construindo 

sucessos e incorporando ritmos da cultura 

de massa, como o pagode, o axé, o rap, o 

funk, reforçando determinados sons em um 

mosaico de expressões musicais variadas. 

Cabe ressaltar ainda que, por meio das notícias 

e das novelas veiculadas pelo rádio, a criatividade 

ganhou formas próprias e individuais no 

imaginário do povo. Para cada interpretação da 

voz de um locutor ou de um ator, eram construídas 

pelos ouvintes numerosas faces diferentes. 

O sentido da audição era privilegiado, e 

as imagens, deixadas por conta dos ouvintes. 

Em uma época em que a tecnologia da imagem 

já ganhava espaço com a fotografia e o 

cinema, o rádio conseguiu marcar seu território, 

pois tinha a possibilidade de penetrar, 

mais facilmente, em todos os lugares. Ele 

construiu e mantém sua popularidade em diferentes 

classes sociais, sendo hoje um meio 

de comunicação em que o público ouve, mas 

também se faz ouvir, por meio dos serviços 

oferecidos e das redes interativas. 

É fundamental, contudo, partirmos de 

que o homem é um ser de relações e 

não só de contatos, não apenas está 

no mundo, mas com o mundo. 

Paulo Freire 

Criação e tecnologia 

Quando o conhecido e o desconhecido, 

certo e incerto, definido e indefinido se 

agregam e congregam, a mente se solta. 


Integrando eletricidade, fotografia, cinematografia 

e radiofonia, a atração emanada de 

um aparelho de televisão veio competir com 

o mistério do rádio. A televisão representou 

a conquista da transmissão simultânea da 

imagem e do som, em tempo real. 

A transmissão de imagens a distância já vinha 

sendo pesquisada por matemáticos e 

físicos desde o século XIX. 

É interessante observar que a luz e o processo 

de análise e decomposição de imagens 

não eram só objetos de estudo dos cientistas, 

mas também dos artistas da época. 

O Impressionismo teve como centro de interesse 

o movimento transitório da luz durante 

o dia, e o Pontilhismo, sobretudo com Seurat, 

401 . Georges Seurat. Banhistas em Asnières, 1883-1884. 

GEORGES SEURAT e PONTILHISMO 

(Paris, 1859-1891) 

Pintor e desenhista francês. Insatisfeito com a espontaneidade impressionista, voltou-se para pesquisas científicas no 

campo da óptica e da cor para desenvolver método próprio de pintura que ele chamou de Divisionismo (ou Pontilhismo). 

Líder do Neoimpressionismo, colocava na tela pequenos pontos de tinta, em vez de misturá-los na paleta. Quando 

vistos a distância, esses pontos fundiam-se em áreas de cores sólidas, produzindo pulsação de luz sobre a tela. 

402 . Página à direita: Georges Seurat. Banhistas em Asnières, 1884-1886 (detalhe).


282 

analisou a luz e a cor por meio da técnica de 

pintura, utilizando pequenos pontos de cor 

pura, bem próximos, que se fundiam quando 

vistos a distância. 

Mas, para a transmissão de imagens a distância, 

não eram suficientes o olho e a mão 

do artista, e foi necessária a invenção de 

uma máquina que, só no século XX, as ciências 

exatas entregaram às ciências humanas: 

a televisão. 

Esse poderoso meio de comunicação foi uma 

das maiores conquistas da ciência moderna 

e, em poucos anos de existência, passou a 

ser o maior veículo de entretenimento e de 

informação, mostrando sua forte influência e 

poder em todo o mundo. 

403 . Aparelho de TV (1955). 

As possibilidades comunicativas da TV vão 

muito além do entretenimento e envolvem 

questões sociais, econômicas e culturais 

da modernidade. Ela agrega elementos das 

mais diversas linguagens da comunicação 

e da arte, tais como jornalismo, literatura, 

teatro, cinema, fotografia, vídeo, música e 

dança, que chegam às pessoas transmitindo 

ideias e ideais. 

Em 1950, aconteceu a primeira apresentação 

de televisão no Brasil, com a TV Tupi de 

São Paulo. 

Senhoras e senhores telespectadores, 

boa noite. A PRF3TV – Emissora 

Associada de São Paulo orgulhosamente 

apresenta, neste momento, o 

primeiro programa de televisão da 

América Latina. 

Abertura da transmissão da tV tupi de 

São Paulo, apresentada pela atriz Yara lins 

Nos anos iniciais, eram poucos os aparelhos 

televisivos, e a população disputava um espaço 

para assistir aos primeiros programas produzidos 

pela TV brasileira. Eram transmissões 

ao vivo, pois não havia ainda o videoteipe. 

Assim, a imaginação e a capacidade de improvisar 

eram qualidades indispensáveis aos artistas 

da época, fossem eles atores, cantores, 

músicos, jornalistas, apresentadores, bailarinos, 

“garotas-propaganda”, além de outros 

profissionais por trás das câmeras, viabilizando 

as melhores imagens na “telinha”. 

404 . Garota-propaganda na TV Piratini. Comercial ao vivo 

de lavar roupa. 

A televisão oferecia espaço e oportunidades 

a todas as linguagens da arte e, com 

sua tecnologia, estendeu uma rede de comunicação 

por grande parte do território 

nacional, exercendo papel importante na 

vida social, cultural e política do país.

Nos anos seguintes, surgiram outras emissoras, 

entre elas, a Rede Globo, com recursos 

tecnológicos sofisticados, tornando-se 

um centro de geração de imagens, com numerosas 

afiliadas por todo o Brasil. 

O brasileiro, através da TV, conheceu imagens 

de seu país e do mundo, possibilitadas 

por uma tecnologia que, a cada dia, 

ganhava mais espaço nos lares das mais 

distantes cidades. 

405 . O astronauta Buzz Aldrin, piloto do módulo lunar, 

caminha sobre a superfície da Lua. Fotografado por Neil A. 

Armstrong (20/7/1969). 

As imagens propagadas na tela têm, muitas 

vezes, mais força do que as imagens do mundo 

real. 

O filme Bye, Bye Brazil (1979), de Cacá Diegues, 

mostra o poder da televisão gerando 

problemas de natureza cultural. Indica, em 

sua trama, uma preocupação pela crescente 

influência manipuladora da imaginação e dos 

sentimentos das pessoas exercida, muitas vezes, 

por algumas emissoras. 

406 . Cartaz do filme Bye, Bye Brazil, 1979. 

A televisão ocupa um lugar de destaque na 

vida contemporânea, pois a linguagem utilizada, 

com sofisticadas técnicas narrativas e visuais, 

cada dia mais avançadas, atrai e pode 

ser vista por milhares de telespectadores. 

O destino de toda figura enquadrada 

na tela do tubo de imagens é terminar 

dissolvida na trama de retículas, 

devolvida à condição de linha e de 

ponto sobre uma superfície, como a 

chuva de elétrons que é construída. 

Arlindo Machado 

Quem dividiu mais a imagem: os impressionistas, 

a televisão ou o computador? 

As imagens geradas pelo computador não 

são resultado da pintura de um artista, nem 

do clique da máquina fotográfica, nem de 

CACÁ DIEGUES 

(Maceió, 1940) 

Carlos José Fontes Diegues, diretor de cinema. Um dos principais nomes do Cinema Novo, movimento cinematográfico 

brasileiro reconhecido internacionalmente que buscava retratar a realidade social do país. Alguns dos seus filmes são: 

Cinco Vezes Favela (1961), Quando o Carnaval Chegar (1973), Bye, Bye Brazil (1983), Tieta do Agreste (1996) e Orfeu 

(1999). Defende a participação do cinema nas discussões sociais e a liberdade de opinião expressa na obra de arte. 


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284 

uma filmagem feita para o cinema ou a televisão. 

Seu suporte de formas é um programa. 

O computador permitiu o acesso ao 

menor ponto de uma imagem (o pixel) e o 

ordenamento desse mosaico eletrônico por 

meio do cálculo automático. 

Aparelhos imensos para acessar os menores 

pontos... 

Foi uma longa caminhada, mas os computadores 

gigantes de até 24 toneladas passaram 

por transformações conceituais e físicas 

que lhes permitiram ganhar um lugar 

em nossas casas, com os micros e todos os 

seus descendentes. 

407 . Pesquisadores utilizam computadores Univac no início 

dos anos 1950. 

Assim, eles deixaram de ser equipamentos 

com finalidades apenas comerciais para se 

tornarem uma tecnologia da comunicação e 

também da arte, a chamada arte digital. 

Atualmente, uma pessoa pode ouvir música, 

escrever textos, selecionar imagens, receber 

mensagens, postar fotos usando apenas 

uma máquina. Todos os recursos estão lá, 

nesse potente equipamento que ousadamente 

consegue integrar a fotografia, o cinema, 

a televisão e o som. 

408 . Tablet. 

A possibilidade de utilização dessas mídias, de 

maneira rápida e integrada, facilitou a criação 

dos artistas produtores de imagens, que hoje, 

através da comunicação em rede, exploram 

novas possibilidades estéticas e expressivas. 

Seria interessante imaginarmos uma visita de artistas 

plásticos de outras épocas a este desconcertante 

e fascinante mundo da tecnologia virtual. 

Leonardo da Vinci captaria e transformaria 

imagens por circuitos lógico-digitais. 

Seurat ficaria recriando formas com 

suas unidades matemáticas em infinitas 

variáveis. Mondrian se perderia, talvez, 

em ambientes com tramas geométricas 

de estruturas binárias. Bosch percorreria 

mundos de colagens eletrônicas. Escher 

criaria armadilhas em espaços ambíguos 

de variáveis. Picasso e Braque imaginariam 

a simultaneidade de diversos pontos 

de vista em processos de animação. 

Marcel Duchamp jogaria, tranquilamente, 

seu xadrez via internet, num chat, dizendo: 

“A arte nunca esteve tão próxima da vida”. 

Adaptado de DoMiNGuES, Diana. A Arte no 

Século XXI: introdução à Humanização das 

tecnologias pela Arte. São Paulo: unesp, 1997. 

TABLET 

Tablet é um dispositivo eletrônico móvel em forma de prancheta que, por meio de aplicativos, pode realizar as mesmas 

tarefas que um PC. É possível navegar na internet, editar documentos, rodar jogos, comunicar-se por sistemas de 

mensagens instantâneas, realizar videoconferências, explorar mapas, etc. A diferença é que, em vez de usar teclado e 

mouse, usa-se uma interface 100% tátil, que é a tela, o que em inglês chama-se touchscreen.

Certamente, esses artistas, que já eram inovadores 

em seu tempo, se integrariam aos 

novos meios de comunicação como fizeram 

aqueles em que o espírito de ousadia, curiosidade, 

pesquisa e inovação foi mais forte 

que a segurança dos antigos conceitos, dos 

tradicionais suportes e do domínio de técnicas 

já consagradas. 

São realmente os artistas que 

pesquisam, que podem proporcionar 

essencialmente o contato com o 

inesperado, vivificando assim o que 

chamamos de criatividade. 

Abraham Palatnik 

No contexto tecnológico, o espírito inventivo 

de Abraham Palatnik, aliado à percepção e à 

criatividade, fez dele um precursor que quebrou 

convenções. 

Desde o final do século XIX, os estudos sobre 

luz, movimento, tecnologia e suas relações 

já eram foco de interesse, não só de 

pesquisadores científicos, mas também de 

artistas do teatro, da música, do cinema, 

das artes plásticas. 

Na década de 1950, Palatnik criou o cinecromático, 

uma “máquina de luzes e cores”, pioneira 

na convergência de arte cinética e tecnologia. 

A obra inovadora desse artista usava 

motores elétricos que projetavam a luz artificial 

em movimento, formando figuras coloridas 

e abstratas sobre um suporte plástico. 

O cinecromático era um aparelho construído 

com um motor que se movimentava, em um 

ritmo lento e com dezenas de lâmpadas, funcionando 

com base em uma combinatória que 

se repetia de acordo com o projeto do artista. 

Desde a invenção da fotografia, a pintura 

foi evoluindo da cor para a luz. Dito 

de outra maneira, em vez de se pintar 

com pincéis e cores, pintar-se-ia com a 

luz, transformando em estruturas luminosas 

as superfícies de duas dimensões. 

Mario Pedrosa 

409 . Abraham Palatnik. 

Aparelho Cinecromático, 

1969/1986. 

Em 1951, Palatnik participou da I Bienal de São 

Paulo, apresentando seu primeiro aparelho cinecromático, 

intitulado Azul e Roxo em Primeiro 

Movimento, uma obra projetada durante 15 minutos 

e que não se adequava às categorias tradicionais 

– pintura, desenho e escultura. Nesse 

trabalho, os movimentos ritmados de luzes e cores 

invadiam o espaço, seduzindo o espectador. 

ABRAHAM PALATNIK 

(Natal, 1928) 

Escultor e pintor brasileiro, é considerado um dos precursores da arte cinética. No fim dos anos 1940, teve contato 

com ideias construtivas, interessando-se pelas relações entre arte e tecnologia. A partir de pesquisas sobre luz e movimento, 

criou os Aparelhos Cinecromáticos, exibidos em 1951, e os Objetos Cinéticos, nos anos 1960, em que lâmpadas 

ou formas coloridas e fios, acionados por motores, movem-se em intervalos regulares, definidos pelo artista. 


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Palatnik tomou uma direção própria, tecnológica 

e cinética, com os cinecromáticos, que apontaram 

caminhos experimentais para outros artistas. 

Na produção de Palatnik, entre o devir 

poético da tecnologia e o devir tecnológico 

da arte, não há nenhuma nostalgia 

humanista fora do lugar. 

luiz Camillo osorio 

Outra experiência artística que envolveu 

a tecnologia foi a videoarte, que no Brasil 

teve sua primeira mostra pública em 1974, 

410 . Anna Bella Geiger. Zona Portuária, 2010. 

no MAC, em São Paulo. Reuniu artistas 

visuais pioneiros munidos de sua própria 

aparelhagem para apresentar trabalhos por 

meio da linguagem do vídeo. 

A gravadora Anna Bella Geiger, que participou 

dessa mostra, já realizava um trabalho experimental 

na busca de novas formas de expressão, 

se aventurando em tecnologias contemporâneas. 

Fotogravura, fotomontagem, serigrafia, 

xerox, cartão-postal, vídeo, superoito foram algumas 

das mídias utilizadas pela artista. 

Nos seus trabalhos em videoarte, são abordadas 

questões de identidade, cultura nacional 

e temas referentes ao artista e à arte, 

nos quais as formas sofrem metamorfoses 

diante do espectador, favorecidas pela temporalidade 

do vídeo. 

VIDEOARTE 

Forma de arte que explora aparatos e processos da TV e do videoteipe para além da função documental. Surgiu com 

imagens de programas de TV modificadas pelos artistas e, hoje, pode ser combinada com o computador. Artistas 

transmitem gravações em galerias e museus ou as distribuem em DVDs; realizam instalações ou performances com 

monitores; exploram relações entre eles, o espaço da sala e da tela, através de montagem de imagem e som. 

ANNA BELLA GEIGER 


Gravadora, pintora, artista intermídia e professora, tem obra marcada pelo emprego de diversos meios e materiais. 

Iniciou trajetória em arte com a gravura, tema de suas aulas no MAM/RJ nos anos 1960. Nos anos 1970, pesquisou 

a imagem e a cartografia, explorando fotografia, xerox e vídeo – campo em que realiza trabalho pioneiro entre nós, 

com os seus alunos. A partir dos anos 1990, voltou a trabalhar com a cartografia. 

411 . Página à esquerda: Um exemplo de videoarte — Nam June Paik e Charlotte Moorman. Concerto por TV, Violoncelo e Videoteipes, 1971. 


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288 

Anna Bella procurou encontrar na imagem 

em movimento, além de um suporte, um 

novo procedimento artístico, criando obras 

mistas, nas quais elementos plásticos e tecnológicos 

se entrecruzavam. 

Desde o início do século XX, a arte procura 

novas formas de interagir mais diretamente 

com o público. O rádio e a televisão conseguiram 

essa interatividade pela facilidade de 

entrar nos lares, proporcionando uma relação 

próxima, ao lado das novas tecnologias interativas, 

cada vez mais acessíveis ao homem. 

Os artistas plásticos também buscaram desenvolver 

experiências nesse sentido, surgindo 

propostas expressivas, como performances, 

instalações e happenings. 

Esses novos gêneros de formas artísticas 

transformaram o antigo conceito de museu 

como espaço de exclusiva contemplação, 

para dar lugar a uma fruição que dependia 

da participação do espectador. 

No Brasil, o Neoconcretismo é considerado 

um marco da entrada da modernidade, 

propondo uma arte que não tinha 

por finalidade a produção de um objeto. 

Mas que, por meio de propostas dinâmicas, 

usando novas técnicas e materiais, 

estabelecesse uma relação direta com 

o espectador. 

Artistas de diferentes linguagens iniciaram 

esse movimento: Lygia Clark, Amilcar de 

Castro, Ferreira Gullar, Lygia Pape, Franz 

Weissmann e, mais tarde, Hélio Oiticica e 

Willys de Castro. 

412 . Amilcar de Castro. Sem título, 1970. 

A busca da interatividade com o público se 

torna mais concreta nas experiências artísticas 

por meios digitais. 

INSTALAÇÃO 

Forma de arte contemporânea que surgiu nos anos 1960 e 1970 e se caracteriza pelo arranjo de materiais variados 

em uma sala a fim de construir um ambiente que deve ser percorrido. Esse tipo de obra solicita de nós não somente 

o sentido da visão, como ocorre na experiência da pintura ou escultura tradicional, mas, eventualmente, apela para 

os sentidos da audição e do olfato e exige sempre nossa mobilização corporal. 

HAPPENING 

Forma de arte contemporânea, criada no final dos anos 1950, que combina artes visuais e uma espécie de teatro sem 

enredo, orientado pela improvisação e pelo acaso. Distintos materiais e elementos são dispostos em locais variados, 

como antigos lofts, lojas vazias, ruas, etc., de modo a atrair o público, que, assim, participa do evento (ao contrário da 

performance, que não inclui participação do público). 

NEOCONCRETISMO 

Movimento artístico brasileiro que visava revitalizar a linguagem geométrica para romper com a distância entre o espectador 

e o espaço da obra. Seu marco inicial é o Manifesto Neoconcreto (1959), do grupo de mesmo nome, formado a 

partir de cisão com o Concretismo brasileiro. Contra a ênfase nos aspectos técnicos e a recusa concreta da subjetividade, 

buscou-se resgatar a expressividade do artista e incorporar o espectador ao processo de constituição da obra. 

AMILCAR DE CASTRO 

(Paraisópolis, MG, 1920 – Belo Horizonte, 2002) 

Escultor e desenhista, destaca-se pela escultura executada em chapas de ferro que são cortadas e/ou dobradas, formando 

objetos tridimensionais com os espaços vazios. Começou estudos em arte nos anos 1940, em Minas Gerais. Na década de 

1950, mudou-se para o Rio de Janeiro, onde, após tomar contato com as ideias construtivas, trabalhou na reforma do projeto 

gráfico do Jornal do Brasil – marco em nosso design – e participou do grupo neoconcreto. 

413 . Página à direita: instalação de Joseph Beuys. A Matilha, 1969.


290 

A propagação dos computadores como 

recurso de comunicação e expressão 

abriu novas possibilidades estéticas. Muitas 

criações artísticas são realizadas por 

meios digitais, interagindo com o espectador 

através de imagens virtuais, programas 

de música, poesia aleatória e outros 

recursos eletrônicos. 

Artistas brasileiros contemporâneos, 

como Eduardo Kac, Julio Plaza, Gilberto 

Prado, Diana Domingues e Suzete Venturelli, 

têm criado obras significativas por 

meios digitais. 

Entre estes, Eduardo Kac, com sua obra Teleportando 

um Estado Desconhecido, propôs 

uma interseção entre arte, ciência e 

tecnologia. 

414 . Eduardo Kac. Teleportando um Estado Desconhecido, 1994. 

Nesse trabalho, o artista promoveu uma rede 

de interação social, através da internet, na 

qual espectadores-participantes ao redor do 

mundo forneceram a luz que, projetada para 

um único ponto, possibilitou a germinação 

de uma semente, colocada sobre um leito de 

terra no espaço escuro de uma galeria em 

Nova Orleans. 

Eduardo Kac pretendeu, assim, representar 

a nova condição da existência em um ambiente 

tecnológico, construindo a metáfora 

de um sistema de apoio à vida, por meio 

da ação colaborativa, da responsabilidade 

compartilhada de indivíduos anônimos de 

todo o mundo. 

Imerso no contexto das interações 

com as tecnologias, cada homem 

poderá dizer a si próprio: eu sou na 

medida de minhas conexões. 

Diana Domingues 

A rede de comunicação criada pela internet 

permite a qualquer pessoa se conectar com o 

mundo através de seu computador pessoal, 

abrindo novos espaços de construções estéticas 

e expressivas. Esse mundo de cultura 

global assusta, desconcerta, mas encanta e 

possibilita que espíritos arteiros se abram a 

novas experiências poéticas, tentando desvelar 

dúvidas e enigmas destes novos tempos. 

Criando em rede, conectado com 

outros artistas ou outras máquinas, 

o autor assiste como espectador, 

observador, ao nascimento de sua 

própria arte. 

Philadelpho Menezes 

EDUARDO KAC (Rio de Janeiro, 1962) 

Artista multimídia, escritor e professor. Explora a relação entre arte e tecnologia em fotografia, instalações, performances, 

painéis eletrônicos, holografia, telepresença, sistemas de telecomunicação baseados em computador 

e internet e também a arte transgênica, ligada à técnica de engenharia genética. Seus trabalhos consideram a 

reprodução pela mídia de massa e solicitam participação do público para sua concretização.


• As formas de comunicação em diferentes 

sociedades. 

• A evolução da tecnologia da pintura. 

• A força expressiva e comunicativa da 

pintura mural narrativa no século XX. 

• A interação entre arte, ciência, tecnologia 

e indústria. 

• O rádio e a televisão como veículos de 

comunicação, lazer, informação e produção 

artística. 

• A tecnologia da comunicação e da arte 

através dos computadores, integrando 

fotografia, cinema, televisão e som. 

• Os artistas e a criação tecnológica. 




• Desenvolver experiências com misturas de 

pigmentos em pó, anotando as diferentes 

combinações encontradas e criando nomes 

para as cores criadas. Utilizar essas cores 

sobre suportes diversificados: papel fino, 

madeira, tela, pintando com os dedos, espátulas, 

pincéis, espumas. Analisar os trabalhos 

realizados, individualmente e em grupo. 

• Observar uma reprodução da obra surrealista 

Casal com as Cabeças Cheias de 

Nuvens, de Salvador Dalí. Divididos em 

grupos, conversar com os colegas sobre 

as paisagens deste tempo que vivemos, 

no qual as mudanças são rápidas e inesperadas. 

E como fica a nossa paisagem 

interior? Escolher uma das silhuetas das 

figuras de Dalí fornecidas pelo professor e 

preenchê-la com suas ideias, usando desenhos, 

colagens e/ou pinturas. Colar o trabalho 

sobre um papel resistente, recortar e 

montar móbiles com os colegas. 

415 . Salvador 

Dalí. Casal com 

as Cabeças 

Cheias de 

Nuvens, 1936. 

• Produzir um programa de rádio no qual diferentes 

grupos se apresentarão, criando 

narrativas próprias ou selecionando textos 

de outros autores. As apresentações poderão 

ser enriquecidas com fundos musicais, 

diferentes modulações de voz e efeitos de 

sonoplastia improvisados, como acontecia 

nos antigos programas de rádio. Seria interessante 

gravar o programa para que os 

grupos possam avaliar seu desempenho. 

• Pesquisar jingles veiculados pelo rádio e 

pela televisão. Selecionar os preferidos 

pela turma, justificando as escolhas. Criar 

jingles em grupos para uma campanha 

que mobilize a escola em torno de algum 

objetivo comum. Apresentar as criações 

para a turma, elegendo o jingle que será 

utilizado na campanha. Gravar e divulgar 

o vencedor para toda a escola. 

• Pesquisar na internet instalações criadas 

por artistas contemporâneos, observando 

os elementos que caracterizam uma instalação. 

Utilizar pedaços de papelão de diferentes 

tamanhos para criar individualmente formas 

tridimensionais, a partir de uma dobra 

e um corte feitos no suporte. Decorar a escultura 

com pinturas, colagens e desenhos. 

Reunir todos os trabalhos da turma, organizando 

uma instalação em um determinado 

espaço. Acrescentar som, luzes e outros 

elementos que se tornem necessários. Convidar 

o público a explorar e interagir com a 

obra, documentando o trabalho por meio 

de um vídeo para posterior avaliação. 


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292 

Para visitar 

Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro – Inaugurado em 1948 e projetado pelo 

arquiteto Affonso Reidy, destaca-se pelo emprego de estruturas vazadas e pela 

integração com o entorno. Palco de acontecimentos de grande relevância da vanguarda 

artística brasileira, possui uma coleção de arte moderna altamente representativa. 

Endereço: Avenida Infante Dom Henrique, 85, Parque do Flamengo. 

Tel.: (21) 2240-4944. 

Museu de Arte Contemporânea de Niterói – Projetado por Oscar Niemeyer, foi inaugurado 

em 1996. Sua forma estrutural circular, com grandes vãos e leveza, confere uma 

beleza poética à criação arquitetônica do museu. 

Endereço: Mirante da Boa Viagem, s/n., Niterói. 

Tel.: (21) 2620-2481. 

Centro Municipal de Arte Hélio oiticica – Instalado em um prédio neoclássico do 

século XIX, preserva e divulga a obra do artista plástico Hélio Oiticica. Realiza 

também exposições temporárias de artistas nacionais e estrangeiros. 

Endereço: Rua Luís de Camões, 68, Centro. 

Tel.: (21) 2232-4213. 

Palácio Gustavo Capanema – Construído entre 1936 e 1945, é considerado um marco 

da arquitetura brasileira do século XX. Possui um vasto acervo de obras de artes 

plásticas, partituras, gravações, literatura. 

Endereço: Avenida Rodrigues Alves, 847, Centro. 

Tel.: (21) 2223-2976.

Créditos das imagens 

Capítulo 1 

1. NASA/ Wikimedia Commons. 

2. Óleo sobre tela, 48X63cm. Acervo Musée 

Marmottan Monet, Paris. 

3. Litografia, 26 3/4”X19 1/4”. Criada para 

a exposição na Galerie Ponchettes em 

Nice, França. Impressão Mourlot. 

4. Krzysztof Mizera, alterado por Chagler 

e Mathknight/ Wikimedia Commons. 

5. Vassil/ Wikimedia Commons. 

6. Óleo sobre madeira, 76,8X53cm. Acervo 

Musée du Louvre, Paris. 

7. Óleo sobre tela, 363X437cm. Acervo 

Rijksmuseum, Amsterdã. 

8. Óleo sobre tela, 44,5X39cm. Acervo Real 

Gabinete de Pinturas Mauritshuis, Haia. 

9. Detalhe da imagem número 7. 

10. Óleo sobre tela, 74,4X91,4cm. Acervo Museu 

Nacional de Belas Artes, Rio de Janeiro. 

11. Óleo sobre tela, 75X93cm. Acervo Museu 

de Belas Artes Pushkin, Moscou. 

12. Óleo sobre tela, 73,7X92,1cm. Acervo 

Museum of Modern Art, Nova York. 

13. Tecido, linha, papel e metal, 118,5X141,2cm. 

Acervo Museu Arthur Bispo do Rosário 

Arte Contemporânea, Rio de Janeiro. 

14. Óleo e lápis sobre travesseiro, colcha, 

lençol sobre suporte de madeira, 

191,1X80X20,3cm. Acervo The Museum 

of Modern Art, Nova York. 

15. Antonio Cruz – Abr/ Wikimedia Commons. 

16. Antonio Cruz – Abr/ Wikimedia Commons. 

17. Xilogravura, 42,7X42,7cm. Acervo Metropolitan 

Museum, Nova York. 


du Louvre, Paris. 

19. Óleo sobre madeira, 203X314cm. Acervo 

Galleria degli Uffizi, Florença. 


21. Afresco no Palazzo Medici Riccardi, 

Florença. 

22. Parque de Versailles, Bosque de La 

Colonadde. 

23. Instituto do Vestuário de Kioto. Foto: 

Taishi Hirokawa. 

24. Óleo sobre tela, 77X77cm. Eixo vertical 

108cm. Coleção particular. 





27. Óleo sobre tela, 76X63,6cm. Acervo 




29. Yoyo6507/ Wikimedia Commons. 

30. Óleo sobre tela, 60X99,7cm. The Museum 



Fondation Beyeler, Basileia. 

32. Óleo sobre tela, 100X65cm. Acervo National 

Gallery of Art, Washington, DC. 

293 

293

294 

33. Óleo sobre tela. Acervo Musée Marmottan 

Monet, Paris. 

34. Óleo sobre tela, 100,5X81cm. Acervo 

The Art Institute of Chicago. 

35. Óleo sobre tela, 42X49cm. Acervo Corcoran 




37. Portal Eliseu Visconti. 


Capítulo 2 

39. Acervo Museu do Açude, Rio de Janeiro. Fonte: 

MAMMI, Lorenzo (org.). Iole de Freitas: 

Sobrevoo. São Paulo: Cosac & Naify, 2002. 



41. Mark e Allegra/ Wikimedia Commons. 

42. Aço, 400X810X445cm. Acervo Instituto de 

Arte Contemporânea e Jardim Botânico Inhotim. 

Réginne Debatty/ Wikimedia Commons. 

43. Howard Stanbury/ Flickr. 

44. Fonte: SIQUEIRA, Vera Beatriz. Burle 

Marx. São Paulo: Cosac & Naify, 2001. 





47. Óleo sobre tela, 91X91cm. Acervo Nationalmuseet, 

Copenhagen, Dinamarca. 

48. Aquarela sobre papel, 15X21,4cm. Acervo 

Museus Castro Maya, Rio de Janeiro. 


50. Fonte: MEE, Margaret; MORRISON, Tony 

(ed.). Margaret Mee, in search of flowers of 

the Amazon forests: diaries of an English 

artist reveal the beauties of the vanishing 

rainforest. Woodbridge, Suffolk: Nonesuch 

Expeditions, 1988. 

51. Fonte: MEE, Margaret; MORRISON, Tony 

(ed.). Margaret Mee, in search of flowers 

of the Amazon forests: diaries of 

an English artist reveal the beauties of 

the vanishing rainforest. Woodbridge, 

Suffolk: Nonesuch Expeditions, 1988. 

52. Óleo sobre tela, 162X130cm. Norton Simon 

Collection, Pasadena. 

53. Óleo sobre tela, 100x80cm. Fonte: RIBEI- 

RO, Angela Brant (texto e versão para o 

inglês). 15 pintores contemporâneos brasileiros. 

Rio de Janeiro: Spala Editora, 1990. 

54. Óleo sobre tela, 46x55cm. Acervo Museu 

Hermitage, São Petersburgo. 

55. Wikimedia Commons. 

56. Fonte: National Geographic. 

57. Cadorj/ Wikimedia Commons. 

58. Fonte: CENTRE GEORGES POMPIDOU. 

Joseph Beuys (cat. Exposição). Paris: 

Éditions de Centre Pompidou, 1994. 

59. Frans Krajcberg/ Flickr. 

60. Série Pinturas de lixo. Impressão digital, 

129,5X101,6cm. 

61. Detalhe da imagem número 60. Universo 

Produção/ Flickr. 

62. Metal, madeira, projetor, 20,5X45X129,5cm. 

Andy Keate/ Wikimedia Commons. 

63. Fotograma do vídeo Sapatos Magnéticos, 

1994. (Havana, Cuba). Vídeo em 

domínio público. 

64. 88 animais empalhados, madeira, fibra 

de vidro, musgo artificial, arame, projetor. 

Acervo Gagosian Gallery, Londres. 

65. Parque Güell, Barcelona, Espanha. 

Fonte: The Artchive.


67. SeLuSaVa/ Flickr. 

68. Objetos de porcelana. Foto: Neide Duarte. 

69. Bico de pena com lavado sobre ponta 

seca sobre papel, 34,3X24,5cm. Acervo 

Galleria dell’Accademia, Veneza. 

70. Fonte: Nick Cobbing/ Greenpeace. 

71. Detalhe da imagem número 69. Domínio 

Público/ Wikimedia Commons. 


Utsomiya Museum of Art, Japão 

Capítulo 3 

73. Jon Sullivan/ Wikimedia Commons. 

74. Mariano/ Wikimedia Commons. 

75. Ramessos/ Wikimedia Commons. 

76. Joachim Huber/ Flickr. 

77. Fonte: The Artchive. 

78. Acrílico e crayon, 169,5X152,4cm. Coleção 

particular. 

79. Grafite conhecido como O estrangeiro, 

removido do Vale do Anhangabaú, São 

Paulo. Boneysp/ Wikimedia Commons. 

80. Vitor 1234/ Wikimedia Commons. 

81. Rémih/ Wikimedia Commons. 

82. Peter Roan/ Wikimedia Commons. 

83. Vsolymossy/ Wikimedia Commons. 

84. Marie-Lan Nguyen/ Wikimedia Commons. 

85. Fabio Rodrigues Pozzebom/ ABr. 

86. Portal IndianShaadi. 

87. Dan Lundberg/ Wikimedia Commons. 

88. Yves Picq/ Wikipedia. 

89. Marcello Casal Junior/ ABr. 

90. Portal Cornell in Rome. 

91. Peter Lee/ Flickr. 

92. Divulgação. 

93. GrishaMaslov/ Wikimedia Commons. 

94. Buzz Aldrin/ NASA/ Wikimedia Commons. 

95. Fonte: DERDYK, Edith. Formas de pensar 

o desenho: desenvolvimento do grafismo 

infantil. São Paulo: Scipione, 1989. 

96. Anilina sobre papel seda. Acervo particular. 

97. Tinta sobre papel, 36,5X58,4cm. The 

Saul Steinberg Foundation; Tinta sobre 

papel, 36,8X58,4cm. The Saul Steinberg 

Foundation. 

98. Foto: Hans Namuth. Acervo National 

Portrait Gallery, Smithsonian Institution, 

Washington, DC. 

99. YoungDoo Moon/ Flickr. 

100. Lápis cera sobre papel colorido. Acervo 

particular. 


102. Litografia, 30,5X44,4cm. Acervo The 


103. Pastel sobre tecido de algodão montado 

em juta, 69X61cm. Acervo Kunstmuseum, 

Berna, Suíça. 

104. Guache, óleo e pastel sobre papel, 38X46cm. 

Acervo Fundació Joan Miró, Barcelona. 

105. Hidrocor sobre papel. Acervo particular. 

106. Hans Hillewaert/ Wikimedia Commons. 

107. Hidrocor sobre papel celofane. Acervo 

particular. 

108. Portal Icollector. 

295 

295

296 



111. Fonte: DERDYK, Edith. Formas de pensar 

o desenho: desenvolvimento do grafismo 

infantil. São Paulo: Scipione, 1989. 

112. Portal Collectors. 

113. Domínio Público/ Wikipedia. 

114. Xilogravura de Lucas Cranach. Domínio 

Público/ Wikimedia Commons. 

115. Litografia, 28,2X33,2cm. Fonte: THE 

MAGIC of M. C. Escher. Nova York: Ed. 

Harry N. Abrams, Inc., 2000. 

116. Tinta sobre fotografia colada em papel, 

21,3X15,9cm. Acervo The Saul 

Steinberg Foundation. 


Capítulo 4 

118. Calcário e estuque. Acervo Ägyptisches 

Museum, Berlim. 

119. Têmpera sobre painel, 47X33cm. Acervo 

Galleria degli Uffizi, Florença. 

120. Óleo e têmpera sobre gesso, 420X910cm. 

Convento de Santa Maria delle Grazie, Milão. 


122. Halley Pacheco de Oliveira/ Wikimedia 

Commons. 

123. Gesso sobre tela pintado a óleo, 

100X100cm (cada uma). Acervo Banco 

Itaú, São Paulo. 

124. Luis Rizo/ Wikimedia Commons. 

125. Mármore. Basílica de São Pedro, Vaticano. 

Foto: Stanislav Traykov/ Wikimedia Commons. 

126. Afresco. Palácio Apostólico, Cidade do Vaticano. 




129. Painel a têmpera/tela, 266X598cm. Coleção 

particular, Rio de Janeiro. 

130. Acrílica sobre tela, 81X100cm. Coleção 

Gilberto Chateaubriand, MAM/Rio. 

131. Arquivo Nacional da Torre do Tombo, 

Portugal. 

132. Óleo sobre tela, 141X172cm. Acervo Pinacoteca 

do Estado de São Paulo. 

133. Francisco Diez/ Wikipedia. 

134. Litografia, 191X117cm. The Yorck Project: 

10.000 Meisterwerke der Malerei/ 

Wikimedia Commons. 

135. Litografia. The Yorck Project: 10.000 

Meisterwerke der Malerei/ Wikimedia 

Commons. 

136. Litografia, 40,7X31,7cm. Acervo Albertina, 

Viena. 

137. Ouro, esmalte, crisópraso, pedras semipreciosas 

e diamantes, 23X26,5cm. 

Fundação Calouste Gulbenkian, Lisboa. 

138. 28X18cm. Foto: Francisco Sales. 

139. 28X20,5cm. Wikipaintings. 

140. Portal Confeitaria Colombo. Foto: Rogério 

Von Kruguer e Felipe Cohen. 

141. Granito. Mario Roberto Duran Ortiz 

Mariordo/ Wikimedia Commons. 

142. Pedra-sabão. Wikimedia Commons. 

143. Acervo Hofmobiliendepot, Möbel Museum, 

Viena. 

144. Tinta polímero sintético sobre tela, 

51X41cm (cada). Acervo Museum of 

Modern Art, Nova York. 

145. Acrílico sobre tela, 205,44X289,56cm. 

Tate Modern, Londres.

146. Óleo sobre tela, 65X51cm. Galleria Borghese, 

Roma. 

147. Óleo sobre tela, 80,3x67,3cm. Acervo 

Metropolitan Museum, Nova York. 


Van Gogh Museum, Amsterdã. 


Gallery, Londres. 

150. Óleo sobre tela, 76X61cm. Coleção Mário 

de Andrade, Instituto de Estudos 

Brasileiros da USP. 


152. Óleo sobre tela, 85X73cm. Coleção 

Constantini, Buenos Aires, Argentina. 

153. Óleo sobre madeira, 38X46cm. Coleção 

Nininha Nabuco Magalhães Lins. 

154. Óleo sobre tela, 130X195cm. Museu Nacional 

de Belas Artes, Rio de Janeiro. 

155. Óleo sobre tela, 51,5X53cm. Coleção 

Mário de Andrade, Instituto de Estudos 

Brasileiros da USP. 

156. Óleo sobre tela. 100x96cm. Coleção particular, 

São Paulo. Foto: Romulo Fialdini. 

Capítulo 5 

157. Portal Layla Marques. 

158. Allan Patrick/ Wikimedia Commons. 


160. Walters Art Museum/ Wikimedia Commons. 

161. Portal Sonia Novaes. 

162. Fonte: MASCELANI, Angela. O mundo 

da arte popular brasileira. Rio de Janeiro: 

Museu Casa do Pontal/Mauad 

Editora, 2002. 

163. Portal Museus do Estado do Rio de Janeiro. 

164. Fonte: MASCELANI, Angela. O mundo da 

arte popular brasileira. Rio de Janeiro: Museu 

Casa do Pontal/ Mauad Editora, 2002. 

165. Francisco Brennand/ Wikimedia Commons. 

166. Francisco Almeida/ Flickr. 

167. 46 ninhos feitos pelo joão-de-barro e 

pela artista, 300X300X80cm. 

168. Portal Arte Popular Brasil. 

169. Portal Xiquexiquense. 

170. Portal Esquizofia. 

171. Xilogravura. Museu Oscar Niemeyer, 

Curitiba. 

172. Xilogravura, 48X43cm. Coleção Mônica 

e George Kounis. 

173. Xilogravura. Funarte/ Divulgação. 

174. Xilogravura, 25X24,5cm. Coleção Banerj. 

175. Edição Artesanal do Mestre Armindo 

di Monaco, 1937. Coleção Frederico de 

Moraes, Rio de Janeiro. 

176. Coleção particular. Fonte: BRITO, Ronaldo. 

Goeldi. Rio de Janeiro: Silvia Roesler/ 

Instituto Cultural The Axis, 2002. 

177. Foto: Gabriel de Andrade Fernandes. 

178. Portal Catedral das Artes. 



Casa do Pontal/Mauad Editora, 2002. 

180. Óleo sobre tela, 60X70cm. 





Museu de Arte da Filadélfia. 


Hermitage, São Petersburgo. 

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d’Orsay, Paris. 

185. Acervo Museu do Rio Grande do Sul 

Ado Malagoli. 

186. Óleo sobre juta montado em tela, 

72,4X92,4cm. Acervo Albright-Knox Art 

Gallery, Buffalo, Nova York. 




Museu de Arte de São Paulo. 

190. Têmpera sobre tela, 54X46cm. Museu 


191. Acrílica sobre tela, 80X100cm. 

192. Litografia. Série Guia Turístico e Histórico 

da Cidade do Rio de Janeiro, 1979. 

193. Serigrafia em cores, 100X70cm. Pinacoteca 

do Estado de São Paulo. 

194. Óleo sobre tela, 80X63,5cm. Coleção 

João Sattamini. 

Capítulo 6 

195. Luis Nunes Alberto/ Wikimedia Commons. 

196. Bronze. Jardim do MAM-Rio (exposição 

temporária). 

197. Óleo sobre tela, 220X289cm. Museo 

Nacional Del Prado, Madri. 

198. Bronze, mármore e aço inoxidável, 

895X980X1.160cm. Acervo Guggenheim 

Museum, Bilbao. 

199. Portal Tanglewood Threads. 

200. Photo Phiend/ Flickr. 

201. Dirk/ Wikimedia Commons. 

202. Nicoli Barea/ Flickr. 

203. Portal Mucambe Artesanato. 

204. Acrílico sobre tela, 199,5X400,5cm. 

205. Alvesgaspar/ Wikimedia Commons. 

206. Portal Povos Indígenas no Brasil. 

207. Casa Museu do Objeto Brasileiro. 

208. Tijolo Photo/ Flickr. 


210. Lã, 750X750cm. Fundació Joan Miró, 

Barcelona. 

211. Andreas Praefcke/ Wikimedia Commons. 

212. Acervo Nationalmuseet, Copenhagen, 

Dinamarca. 

213. Tapete, 136X192cm. 

214. Lã. Fonte: ALVES, Leila (coordenação 

editorial). A Arte do Nordeste. Rio de 

Janeiro: Spala Editora Ltda., 1996. 

215. 328X483cm. Salão do Congresso Nacional, 

Brasília. J. Cassiano/ Flickr. 

216. Portal Rondônia Ao Vivo. 

217. Foto: Rogério Formighieri. 

218. Éden Barbosa/ Flickr. 

219. Ana Lucia Fernandes Camacho Câmara/ 

Wikimedia Commons. 

220. Foto: J. Marconi. 

221. Portal Maragogipe. 

222. Portal Maragogipe. 

223. Pit Thompson/ Flickr. 

224. Óleo sobre tela. Acervo Banco Itaú, São Paulo. 

225. Michael Swan/ Flickr. 

226. Fundação Franklin Cascaes, Florianópolis. 

227. Divulgação.

228. Óleo sobre madeira, 32,5X32,5cm. Coleção 

particular, São Paulo. 




230. Mármore, granito e pintura. Portal Secretaria 

de Desenvolvimento Rural e 

Agricultura Familiar – MT. 

231. Aquarela sobre papel, 18X23cm. Acervo 




233. Acervo Biblioteca Nacional, Rio de Janeiro. 

234. Coleção Augusto Malta. Acervo Museu 

da Imagem e do Som do Rio de Janeiro. 

235. Coleção Guilherme Santos. Acervo Museu 

da Imagem e do Som do Rio de Janeiro. 

236. Acervo Biblioteca Nacional, Rio de Janeiro. 


238. Marcio Rodrigues/ Flickr. 

239. Acrílico sobre tela, 280X160cm. 

Capítulo 7 

240. Óleo sobre tela, 75,5X88cm. 

241. Wikimedia/ Commons. 

242. Cerâmica cozida e policromada. Portal 

Precolombianartbrasil. 

243. Corda e aço inoxidável. 

244. Bichos de pelúcia e ferro. 

245. Madeira, arame, metal, pano, bolas, 

papel, papelão, couro, cordas, tubos de 

borracha, cortiça, botões, tampinhas 

de garrafas. Acervo Whitney Museum 

of American Art, Nova York. 

246. Metal, vara e tinta. O’Hara Gallery, Nova York. 

247. Marius Watz/ Flickr. 

248. Óleo sobre madeira, 83X40cm. Museu 

Oscar Niemeyer, Curitiba. 

249. Madeira pintada, 19,5X12,5X2,2cm. Coleção 

particular, Nova York. 

250. Madeira compensada. Designtrustforpublicspace/ 

Flickr. 

251. Óleo sobre tela, 1,46X1,14m. Coleção Sucesión 

Augusto Torres, Nova York. Fonte: 

ADES, Dawn. Arte na América Latina. São 

Paulo: Cosac & Naify, 2009, p. 145. 

252. Óleo sobre tela, 50,8X61cm. 

253. Gravura. Publicado por Nicolo Cavalli. 

254. Passarinho/Pref. Olinda/ Flickr. 

255. Passarinho/Pref. Olinda/ Flickr. 

256. Junior Oliveira/ Flickr. 



Kunsthistorisches, Viena. 

259. Plotter, 200x350cm. www.brincadeirasdecrianca.com.br. 

260. Acrílico sobre tela, 80x100cm. Fonte: 

LEITÃO, Mércia Maria; DUARTE, Neide. 

Folclorices de brincar. São Paulo: Editora 

do Brasil, 2009. 

261. Óleo sobre tela, 100,5X81,4cm. Museu 

Calouste Gulbenkian, Lisboa. 

262. Acrílico sobre tela, 100x100cm. Fonte: LEI- 

TÃO, Mércia; DUARTE, Neide. Folclorices de 

brincar. São Paulo: Editora do Brasil, 2009. 

263. Óleo sobre tela, 65X54cm. Museus 

Castro Maya, Rio de Janeiro. 

264. Aquarela sobre papel, 15,3X21,6cm. 


265. Óleo sobre tela, 45X59,5cm. Coleção 

Gilberto Chateaubriand, MAM-Rio. 

299 

299

300 

266. Litografia, 28X29cm. Fonte: ESCHER, 

M. C. M. C. Escher: The Graphic Work. 

Colônia: Taschen, 2001. 


268. Serigrafia assinada e numerada a lápis, 

74,9X99,6cm. 

269. Óleo sobre tela, 65X56 1/4”. 

270. Foto: Andreas Valentim. Fonte: RAMI- 

REZ, Mari Carmen. Helio Oiticica: The 

body of colour. Houston/Londres: The 

Museum of Fine Arts/ Tate, 2007. 

271. Foto: Claudio Oiticica. Fonte: RAMIREZ, 

Mari Carmen. Helio Oiticica: The body 

of colour. Houston/Londres: The Museum 

of Fine Arts/ Tate, 2007. 

272. Materiais variados, 2100X12100X40 

mm. Acervo Tate Modern, Londres. 

273. Materiais variados, 2100X12100X40 

mm. Acervo Tate Modern, Londres. 

274. Alumínio, dimensões variadas. Coleção 

Gilberto Chateaubriand, MAM-Rio. 

275. Thefuturistics/ Flickr. 

276. Fonte: www.wikipaintings.org. 

277. Fonte: Official Website of Victor Vasarely. 

Capítulo 8 

278. Mikalkov/ Wikimedia Commons. 

279. Portal Answers. 


281. Portal Agência Yin. 

282. Guache sobre papel, 49,4X61,8cm. Coleção 

particular. 


Musée National d’Art Moderne, Centre 

Pompidou, Paris. 


285. Penn State University/ Flickr. 


Museo Botero, Bogotá. 

287. Cartão-postal com reprodução da Monalisa 

de Da Vinci, lápis. Acervo Musée National 

d’Art Moderne, Centre Pompidou, Paris. 

288. Bibliothèque Littéraire Jacques Doucet, 

Paris. Foto: Charmet. ADAGP/SI- 

PADEM, Paris e DACS, Londres, 1993. 

Fonte: FER, Brinoy; BATCHELOR, David; 

WOOD, Paul. Realismo, Racionalismo, 

Surrealismo: a arte no entre-guerras. 

São Paulo: Cosac Naify, 1998. 


Metropolitan Museum, Nova York. 


Musée d’Orsay, Paris. 

291. Óleo sobre tela, 65X49cm. Museu Nacional 

de Belas Artes, Rio de Janeiro. 

292. Gravura. Acervo MAM-SP. 


294. Acrílico sobre tela, 30x200cm. Coleção 

do artista. Fonte: Catálogo Brasil +500. 

Mostra do Redescobrimento. CCBB, 2000. 

295. Fonte: Agência JB. 

296. GUIA prático de quadrinhos. Rio de Janeiro: 

MultiRio, 2011. 

297. Portal Ancient Art. 

298. Denny O’Neil (autor), Curt Swan e Murphy 

Anderson (ilustradores), DC Comics 

(publicação). Divulgação. 

299. Bill Finger (autor), Bob Kane (ilustrador), 

Charles Paris (impressor). 

Divulgação. 

300. SOUSA, Mauricio de. Bidu 50 Anos. 

Barueri (SP): Panini Comics, 2009. 

Divulgação.


de Arte de São Paulo. 

302. Tinta acrílica sobre tela, 115X95cm. 

Acervo Estúdios Mauricio de Sousa. 

Foto: José Carlos Buldrini. Fonte: HIS- 

TÓRIA em Quadrões – Pinturas de Mauricio 

de Sousa. São Paulo: Globo, 2001. 


304. Catálogo da exposição Zeróis: Ziraldo 

na Tela. CCBB, 2010. 


306. Litografia. Acervo Bibliothèque Nationale 

de France. 


308. Fonte: JAGUAR; AUGUSTO, Sérgio (org.). 

O Pasquim – Antologia 1969-1971 (vol. 1). 

Rio de Janeiro: Editora Desiderata, 2006. 

309. Giz de cera e têmpera sobre papel, 

91X73,5cm. Najsjonalmuseet, Oslo, Noruega. 

310. Primeira caricatura brasileira. Publicado 

no Jornal do Commercio do Rio de Janeiro, 

n.277, de 14 de dezembro de 1837. 


312. Publicado em Revista Illustrada. Wikipedia. 

313. Acervo do Arquivo Histórico do Museu 

Histórico Nacional, Rio de Janeiro. 

314. Fonte: QUINO. Toda Mafalda. Buenos 

Aires: Ediciones de la Flor, 2001. 

315. Fonte: HENFIL. A volta da Graúna. São 

Paulo: Geração Editorial, 1993. 

316. Fonte: JAGUAR; AUGUSTO, Sérgio (org.). O 

Pasquim: Antologia 1969-1970 (vol.1). Rio 

de Janeiro: Editora Desiderata, 2006, p. 161. 


318. Fonte: JAGUAR; AUGUSTO, Sérgio (org.). O 

Pasquim: Antologia 1969-1970 (vol.1). Rio 

de Janeiro: Editora Desiderata, 2006. 

319. Arquivo Manchete. 


321. Acrílica sobre tela, 127X107cm. Acervo 

Estúdios Mauricio de Sousa. Foto: José 

Carlos Buldrini. Fonte: HISTÓRIA em Quadrões 

– Pinturas de Mauricio de Sousa. 

São Paulo: Globo, 2001. 

Capítulo 9 

322. Barro pintado. 

323. Óleo sobre tábua, 83,7X57cm. Acervo 

National Gallery, Londres. 

324. Thiago Mangia/ Flickr. 

325. Crédito: Colégio Pedro II – Núcleo de 

Documentação e Memória. Fonte: LON- 

ZA, Furio. História do Uniforme Escolar 

no Brasil. [s. l.]: Furio Lonza, 2005. 

326. Foto: Élcio Mello. 


328. Fotografia. Coleção particular, Rio de Janeiro. 

329. Portal Focus Foto. 

330. Portal Rodin Web. 

331. Mármore. Acervo Musée Rodin, Paris. 


Rijksmuseum, Amsterdã. 

333. Impressão de papel salgado, 21X15,7cm. 

Acervo George Eastman House, International 

Museum Of Photography, Rochester. 

334. Fotografia. Nadar/ Wikimedia Commons. 

335. Fotografia. Acervo The Museum of Modern 

Art, Nova York. 


337. Vitor Jorgensen/ Wikimedia Commons. 


301 

301

302 

339. Fonte: DE VOLTA à luz: Fotografias 

nunca vistas do imperador. São Paulo: 

Banco Santos; Rio de Janeiro: Fundação 

Biblioteca Nacional, 2003. 

340. Joaquim Insley Pacheco/ Wikimedia Commons. 

341. Marc Ferrez/ Wikimedia Commons. 

342. Marcelo Casal Junior/ Abr. 

343. Fonte: Arquivo do Instituto de Estudos 

Brasileiros-USP/ Fundo Mário de Andrade. 

344. Cartão-postal. 

345. Projeto gráfico de cédulas monetárias. 

346. Logotipo. 

347. Logotipo. 

348. Fotogravura montada em papel. 26x 

20,5cm. Acervo Smithsonian American 

Art Museum, Washington. 

349. Impressão em gelatina de prata. Coleção 

particular, Nova York 

350. Dr. Meierhofer/ Wikipedia. 

351. Acervo Pennsylvania Academy of the Fine Arts. 

352. Portal José Alves. 

353. Portal The Cinementals. 

354. Louis Poyet/ Wikipedia. 

355. Wikipedia. 

356. Wikipedia. 

357. The Walt Disney Company/ Wikipedia. 

358. Fotograma do curta de animação Meow!, 

1981. Direção: Marcos Magalhães. 


360. Óleo sobre tela, 89X146cm. Acervo Philadelphia 

Museum of Art, Pensilvânia. 

361. Detalhe da imagem numero 360. 

362. Bronze. Acervo The Museum of Modern 

Art, Nova York. 

363. Óleo sobre madeira, 55,8X68,9cm. 

Acervo The Museum of Modern Art, 

Nova York. 

364. Fotograma do filme Tempos Modernos, 

1936. Direção: Charles Chaplin. 




368. Fotograma do filme O Garoto, 1921. Direção: 

Charles Chaplin. 

369. Foto de Buster Keaton. 




373. Portal Rio que Passou. 

374. Morio/ Wikipedia. 

375. Portal Arquitetura e Urbe. Foto: Rafael Ferreira. 

376. Mármore. Fonte: CASTELO, Roberto. Brasília: 

Monumentos, marcos e esculturas. 

Editora Cavaleiro dos Pireneus, 1999. 


378. Fotograma do filme Central do Brasil, 

1998. Direção: Walter Salles. 


380. Cartão-Postal. Coleção Chefs-d’Oeuvre 

de la Photographie, Galeria Agathe 

Gaillard, Paris. 

Capítulo 10 


382. Garza Roja/ Wikimedia Commons.


Kunsthistorisches, Viena. 


385. Óleo sobre madeira, 33,3X25,8cm. 

Acervo National Gallery, Londres. 


387. Portal Oilpainting and frame. 

388. Óleo sobre tela, 24,1X33cm. Acervo The 


389. Óleo e colagem sobre cartão, 44,4X 

30,3cm. Coleção particular. 

390. Piroxilina, 125X90cm. Acervo The Museum 


391. Afresco, 275X550cm. Acervo The Museum 


392. Afresco. Acervo Museo Nacional de 

Historia, Cidade do México (INAH). 

393. Afresco. The Detroit Institute of Arts. 

394. Painel a óleo, 1400X1058cm (aproximado). 

Obra executada para a sede da Organização 

das Nações Unidas, ONU, Nova York. 

395. Painel a óleo, 1400X953cm (aproximado). 

Obra executada para a sede da Organização 

das Nações Unidas, ONU, Nova York. 

396. Portal Tube Radio Land. 

397. Aquarela sobre papel, 16,3X20,8cm. Acervo 



399. United States Library of Congress’s Prints and 

Photographs Division/ Wikimedia Commons. 



National Gallery, Londres. 


403. Portal Early Television. 

404. Portal Fundo da Gaveta do Yuri. 

405. NASA/ Wikimedia Commons. 


407. Lawrence Livermore National Laboratory 

(LLNL), Livermore. 

408. Portal Guia dos Tablets. 

409. Madeira, metal, tecido sintético, lâmpadas, 

motor, 61,5X81,5X20cm. Coleção 

Galeria Nara Roesler, São Paulo. 

410. Fotografia panorâmica e vídeo, 

90X480cm. Foto: Rubber Seabra. 

411. Performance com monitores de vídeo. Fonte: 

FOSTER, Hal et alli (org.). Art since 1900. 

Nova York: Thames and Hudson, 2004. 

412. Aço, 195X200X90cm. Acervo Museu de 

Arte Moderna de São Paulo. 

413. Instalação com uma kombi Volkswagen 

e 24 trenós de madeira com feltro, 

lanternas, corda, cinto de couro, gordura. 

Acervo Staatliche Museen Kassel, 

Neue Galerie, Fotografia de Ute 

Klophaus na exposição deste trabalho 

no Kunstmarkt, Colônia, 1969. Fonte: 

BORER, Alain. Joseph Beuys. São Paulo, 

Cosac & Naify, 2001. 

414. Planta, internet, madeira, webcam, 

projetor de vídeo. Foto: Wonbin Yang. 

415. Acervo Museum Boymans van Beuningen, 

Roterdã. 

303 

303

Editoria 

Regina Protasio 

Assessoria Editorial 

Denise das Chagas Leite 

Consultoria, conteúdo e redação 

Mércia Maria Leitão 

Neide Duarte 

Revisão 

Jorge Eduardo Machado 

Colaboração 

Lúcia Barreiros 

Luiz Eduardo Ricon 

Marília Scofano de Aguiar 

Pesquisa de imagem e Verbetes 

Lucia Mendes 

Anna Faria 

Davi Bonela 

Fábio Jorge 

Fernanda Torres 

Fernando Madeu 

Juliana Paixão 

Artes Gráficas 

Marcelo Salerno 

Ana Cristina Lemos 

Projeto Gráfico 

Aloysio Neves 

Editoração 

Roberta Motta 

ilustrações 

Camila Paixão 

Roberta Motta 

impressão 

Gráfica e Editora Rio DG 

tiragem 

6.000 exemplares 

Setembro 2012

MULTIRIO - Empresa Municipal de Multimeios Ltda. 

Largo dos Leões, 15 • Humaitá • Rio de Janeiro/RJ • Brasil • CEP 22260-210 

Central de Atendimento ao Cidadão: 1746 • Fora do Rio: (21) 3460-1746 • Fax: (21) 2535-4424 

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